La detección del coronavirus

La Organización Mundial de la Salud (OMS) ha pedido en numerosas ocasiones a los diferentes países afectados por la pandemia de COVID-19 que hagan test a los casos sospechosos.

Durante una infección, el virus de la Covid-19, se multiplica activamente y cuando comienza se puede encontrar en muestras biológicas (frotis faríngeo o nasofaríngeo, aspirado traqueal o lavado broncoalveolar).

Primero hay un período de latencia en el que todavía no es posible detectar la respuesta del sistema inmune. Después de unos días, comienza a producir anticuerpos.

Para el diagnóstico de COVID 19, en el mundo, se están utilizando dos tipos de pruebas, que se suman a las clínicas. La PCR, que responde a las siglas en inglés de `Reacción en Cadena de la Polimerasa’ y los tests rápidos. La primera , aunque es una prueba muy fiable, tarda entre 2 y 4 horas en dar un resultado, lo que limita el número de test que se pueden realizar.  

Se producen primero anticuerpos del tipo IgM hasta alcanzar un máximo a los 7-10 días para, más tarde, casi desaparecer. Esta respuesta primaria es indicativa de una infección aguda. Posteriormente se producirá la respuesta inmune secundaria, más rápida, intensa y prolongada. Se producirán anticuerpos de tipo IgG, que durarán más tiempo en la sangre.

TIPOS DE TEST

Para detectar la presencia del virus (detección directa): se utiliza la PCR, que detecta el genoma del virus, y los test inmunológicos, que detectan las proteínas (antígenos) del virus.

LOS TEST SEROLÓGICOS.

Otro tipo de test más rápidos, los de anticuerpos, resultan útiles para saber si una persona infectada ha superado ya la enfermedad.

Permiten comprobar la presencia de anticuerpos en la sangre y que, por tanto, pueden determinar si una persona ha sufrido la enfermedad incluso después de pasarla.

Normalmente se recomienda utilizarlos de manera complementaria a la PCR, pero en situaciones como esta, en la que se hace necesaria la distribución masiva de pruebas diagnósticas, serán de gran ayuda para detectar casos de personas infectadas que no tienen síntomas o los sufren de manera muy leve.

Pero “no se puede confiar en las pruebas serológicas para que nos digan si alguien está infectado ahora mismo”, dice la doctora Elitza Theel, directora del Laboratorio de Serología de Enfermedades Infecciosas de la Clínica Mayo.

De acuerdo a la guía del Ministerio de Sanidad las muestras recomendadas para el diagnóstico por test serológico son de sangre obtenida por extracción de sangre vía venosa periférica o por digitopunción con lanceta.
En vez de detectar propiamente al virus SARS-CoV-2 (causante de la covid-19), la prueba serológica detecta nuestra respuesta inmunológica contra el patógeno.
Es decir, a través de una gota de sangre el test detecta los anticuerpos que produce el organismo mientras está respondiendo o ha respondido en algún momento a esta infección.


A diferencia de la PCR, los tests rápidos no identifican el ARN del virus, sino que detectan, o bien anticuerpos producidos frente al virus utilizando una muestra de sangre, que es otra manera de conocer si el paciente está o ha estado infectado, o bien proteínas del virus presentes en las muestras respiratorias de exudado nasofaríngeo.

Estos anticuerpos son los IgM (inmunoglobulina M) y los IgG (inmunoglobulina G), que se adhieren al virus para desactivarlo o eliminarlo.

Estas pruebas basadas en anticuerpos sirven para saber si una persona se ha inmunizado tras haber sido infectada. Es decir, detecta los anticuerpos generados por el sistema inmunitario de nuestro organismo cuando la infección ya ha pasado o nos estamos recuperando.

España apuesta por los tests genéticos de PCR para controlar el ...

Otros test:

Test de antígenos. Localizan si la infección está activa. Su baja fiabilidad no los hacen aconsejables para ser introducidos en rutinas diagnósticas.


Un tercer tipo es el que detecta los anticuerpos producidos como respuesta a la infección: son los test serológicos de detección indirecta.

LAS PRUEBAS MOLECULARES: PCR

También se llaman pruebas de reacción en cadena de la polimerasa (PCR, por sus siglas en inglés) y son las recomendadas por la OMS para confirmar los casos vigentes de covid-19, pues detectan directamente el ARN (ácido ribonucleico), es decir, el material genético del virus, en las muestras tomadas de secreciones respiratorias del paciente.

Los test de PCR que se están utilizando para identificar la infección por coronavirus se emplean desde los años 80, son muy fiables y tardan unas horas en ofrecer resultados.


También se llaman pruebas de reacción en cadena de la polimerasa (PCR, por sus siglas en inglés) y son las recomendadas por la OMS para confirmar los casos vigentes de covid-19, pues detectan directamente el ARN (ácido ribonucleico), es decir, el material genético del virus, en las muestras tomadas de secreciones respiratorias del paciente.

Si tras el análisis en un laboratorio de una muestra respiratoria de una persona sospechosa de estar infectada, la prueba detecta ARN del virus, el resultado es positivo y se confirma que está infectada por el coronavirus SARS-CoV-2.Si la técnica de PCR no detecta el material genético del virus, la persona no estaría infectada.
Pero también es probable que el material genético del virus -pese a estar en el cuerpo de alguien- no ingrese en la muestra respiratoria que se le extrae. Esto puede suceder porque, por ejemplo, alguien no obtuvo una buena muestra de la nariz. O ahora vemos que a medida que la enfermedad progresa, el virus puede ya no estar presente en la nariz, sino solo en los pulmones, por lo que una muestra nasal no contendrá virus

Y después de la fase aguda de la COVID-19 qué...? (AMF )

Las limitaciones e incovenientes
Las pruebas de PCR son una forma bastante fiable de comprobar la existencia de enfermedades infecciosas, sin embargo, también tienen limitaciones. La primera es que se tarda un tiempo en obtener resultados, esto implica un límite en la cantidad de pruebas que un solo laboratorio puede llevar a cabo en un día. Otra limitación es la disponibilidad de reactivos necesarios, que actualmente es bastante escasa a raíz de la pandemia mundial.

Además, la contaminación o la degradación también pueden causar problemas por falsos positivos (cuando alguien no tiene el virus pero la prueba dice que sí lo tiene) o falsos negativos (cuando alguien tiene el virus pero la prueba dice que no lo tiene).

¿Por qué se usan las pruebas rápidas si no necesariamente descartan el covid-19?
Las pruebas moleculares “solo pueden indicar la presencia del virus durante la infección y no indicarán si una persona ha estado infectada y posteriormente se recuperó”, dice la Universidad Johns Hopkins.

En cambio, como los anticuerpos persisten cuando los pacientes se recuperan, las pruebas serológicas son útiles para saber si una persona -sintomática o no- alguna vez estuvo infectada y para dar una mejor idea de la expansión real de la enfermedad.

FUENTES:

https://theconversation.com/los-tres-tests-del-coronavirus-que-juntos-nos-ayudaran-a-controlar-la-pandemia-135838

https://www.agenciasinc.es/Reportajes/Asi-funcionan-los-test-rapidos-para-la-COVID-19

https://www.ambientum.com/ambientum/medio-natural/como-funcionan-los-test-de-coronavirus.asp

Fotos y gráficos, obtenidos de Internet

El peinado en el arte romano

Aunque dadas sus características y la laboriosidad en su ejecución, también podríamos titularlo “El arte del peinado romano”

Los peinados de las mujeres romanas eran verdaderas obras de arte. Durante horas quedaban en manos de sus peluqueras para conseguir unos complicados recogidos en los que se invertía mucho tiempo y dinero
A lo largo del imperio, los peinados fueron complicándose siguiendo unos modelos: sujetaban todos los cabellos con cintas sobre la nuca, llevaban varios pisos formando un peinado alto, disponían los cabellos en semicírculo con tirabuzones alrededor… Todos estos peinados necesitaban postizos, agujas comatoriae, redecillas y las manos de esclavas expertas. También era habitual el uso de pelucas rubias y de tintes para aclarar el color de los cabellos.

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Diversos peinados de la mujer romana

Vamos a conocer un poco su historia, tendencias y evolución.

FAUSTINA MINOR    Museo del Louvre

Inicialmente los cabellos femeninos se arreglaban con gran sencillez: La simplicidad del peinado republicano, con raya al medio y moño
Imagen relacionada

Estatua de Ovidio en Constanza, realizada por Ettore Ferrari

Según Ovidio: “A la mujer romana la mayor parte de sus esfuerzos se van en el peinado. Porque algunas no pasarían un juicio favorable sobre sus dones naturales y, por medio de pigmentos que pueden colorear de rojo el pelo para igualar al sol de mediodía, ellas tiñen su pelo con un capullo amarillo como colorean la lana; las que están satisfechas con sus rizos oscuros gastan la fortuna de sus maridos en ungir su pelo con casi todos los perfumes de Arabia; utilizan herramientas de hierro calentadas a fuego lento para rizar su cabello a la fuerza en bucles, y rizos elaborados con estilo traídos hacia las cejas dejan la frente sin apenas espacio, mientras las trenzas por detrás caen orgullosamente hasta los hombros.”

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Busto de matrona
Con el tipico peinado que puso de moda Julia Flavia que consistía en un abultado tupé sobre la frente hecho con rizos y que era muy caro.
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AGRIPINA

Los comentarios de Plinio refiriéndose al peinado de las mujeres decía:

Sus trenzas eran suaves como el amanecer. Con cuanta frecuencia he presenciado su tortura, al obligarlas, pacientemente, a resistir el hierro y el fuego, para que formaran pequeños bucles. No, tuyo es el delito, y tuya fue la mano que derramó el veneno en tu cabeza.
Ahora Germania te enviará la cabellera de una esclava; una nación vencida proporcionará tus ornamentos.”

“También detienen la caída del cabello las lagartijas reducidas a ceniza, con la raíz de una caña recién cortada, finamente troceada para que se consuma al mismo tiempo, a lo cual se añade aceite de mirto”. (Plinio, H. N. XXIX)
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Complicado peinado con rizos sobre la frente y moño, probablemente postizo, a base de trenzas recogidas con una redecilla.

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San Isidoro en sus etimologías, habla de esta redecilla así: “La redecilla (reticulum) es la que recoge la cabellera, y se llama así porque retiene los cabellos para que no aparezcan despeinados.” (San Isid. Etim. XIX, 31)”

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Cabeza de marmol con diadema

Otro comentario de San Isidoro la define:”La diadema es un ornamento propio de la cabeza de las mujeres; está confeccionada a base de oro y piedras preciosas; se ata por la parte de atrás abriendo sobre sí mismo los extremos.” (San Isid. Etim. XIX, 31)

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Venus del Esquilino, tocada con una vittae crinalis

Las “vittae crinalis” (cintas) podían llevarlas las vírgenes o las mujeres casadas y eran símbolo de buena reputación. Podían adornarse con piedras preciosas y también las utilizaban los sacerdotes y vestales.

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ORNATRIX

Imprescindibles, la profesional de la belleza femenina se llama Ornatrix: era una mezcla de peluquera, estethicien y asesora de imagen cuya finalidad fundamental era embellecer a las matronas romanas. En lo que respecta a las funciones de peluquería lavaban el pelo a las clientas, hacían eliminar las canas más visibles arrancándolas con pinzas y eran expertas en la confección de recogidos, elemento fundamental para diferenciar a simple vista a una dama y a una prostituta (ellas lo llevaban suelto).

Sigue leyendo “El peinado en el arte romano”

Museo Cerralbo, Madrid

El Museo Cerralbo tiene una dilatada historia. Fue creado por don Enrique de Aguilera y Gamboa, XVII Marqués de Cerralbo (1845-1922), quien compaginará durante toda su vida la dedicación a la Política y la Historia con la sensibilidad hacia las Bellas Artes.
Recorrió Europa en compañía de su familia, visitando museos y adquiriendo obras de arte, reuniendo así una magnífica colección que, junto a los fondos numismáticos, bibliográficos y documentales antiguos, supera las 50.000 piezas.
Por la calidad y diversidad de géneros que abarca llegó a considerarse entonces la colección privada de arte más completa del país; a su formación contribuyeron notablemente su esposa, doña Inocencia Serrano y Cerver, y los hijos de ésta, don Antonio y doña Amelia del Valle y Serrano, marqueses de Villa-Huerta.

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MUSEO CERRALBO

Adema´s de contar con importantes colecciones: Pinturas, esculturas, cerámicas, cristal, tapices, muebles, monedas, medallas, dibujos, estampas, relojes, armas, armaduras y objetos arqueológicos, por mencionar lo más destacado, confieren un encanto especial al palacio que, además de constituir un ejemplo importante de residencia aristocrática, sugiere al visitante una panorámica de la vida cotidiana en Madrid, con las tertulias literarias, los bailes, las confidencias de salón…

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Retrato de José Aguilera y Contreras MARQUÉS DE CERRALBO

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ESCUDO DE ARMAS del Marqués de Cerralbo

Un video a modo de introducción

Portal y escalera de honor

GRAN PORTAL Y ESCALERA DE HONOR

El museo Cerralbo presenta la singularidad de ser uno de los escasos ejemplos en nuestra ciudad que conserva la ambientación original de la que fuera la residencia del marqués de Cerralbo y su familia. Palacio museo, casa histórica y museo de ambientes, es un referente obligado para conocer la forma de vida de la aristocracia madrileña de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX.

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ESCALERA DE HONOR

Nos conduce con una doble rampa y balaustrada de mármol a sendos accesos de la planta entresuelo, mientras que una barandilla de hierro forjado procedente del Palacio de Bárbara de Braganza, actual Palacio de Justicia de Madrid, nos invita a subir a la planta noble alta .

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ACCESO A LA PLANTA PRINCIPAL con columnas de marmol

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PASILLO PLANTA PRINCIPAL

En esta planta transcurrió la vida cotidiana de la familia, compuesta por los marqueses de Cerralbo, don Enrique y doña Inocencia, y los hijos de ésta última, fruto de su primer matrimonio, don Antonio y doña Amelia del Valle Serrano, marqueses de Villa Huerta. Era también la zona donde se recibía a las visitas de confianza.

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SALA DE LAS COLUMNITAS

Zona de reunión de los caballeros, lugar donde conversar sobre los vaivenes de la política, la marcha de los negocios o el estado de la bolsa

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SALA DE LAS COLUMNITAS , detalle

Debe su nombre a las columnas de mármoles, jaspes y ágatas armoniosamente dispuestas en la mesa central y coronadas por pequeñas esculturas de procedencia y culturas diversas presididas por el busto de Luis XV, un biscuit de porcelana de Sèvres.


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SALA DE JUEGOS
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SALA DE JUEGOS MESA DE BILLAR

Francia, hacia 1855. Roble, palorrosa y otras maderas finas/ bronce/ bayeta, lienzo.

Ensamblaje, chapeado, marquetería de elemento por elemento, tintado, grabado a buril, barnizado/ fundición, cincelado, dorado al fuego/ tafetán.

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PURERA Segunda mitad del S.XIX
Madera, marfil, latón. Ensamblaje, chapeado, marquetería de elemento por elemento, barnizado, patinado.

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JUEGO DE FUMADOR DE OPIO

Dinastía Qing, siglo XIX.
Sur de China, probablemente de la provincia de Guangdong.
Madera, barro cocido / acero, hueso / cuero, fibras vegetales e hilo metálico.

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COLECCIÓN DE ARMAS
La armería del museo Cerralbo contiene aproximadamente 700 piezas de diversa procedencia (Europa, América, Asia y Oceanía) adquiridas tanto en España como en el extranjero
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ARMADURA ATRIBUIDA A JUAN PACHECO, II MARQUÉS DE CERRALBO

Italia-Alemania, 1540-1590.
Acero, hierro, cuero Grabado al aguafuerte y a buril, repujado

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ARMADURA JAPONESA

Periodo Edo (1614 – 1868) Hierro, latón, cuero, laca, textiles.

Las piezas más singulares son las armaduras de guerra procedentes del Japón del siglo XVIII. Se trata de armaduras de distinción que pertenecieron a samuráis

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SALÓN DE BAILE
Mención aparte merecen las decoraciones murales de varias estancias, como el techo del fastuoso salón de baile, pintado por Máximo Juderías Caballero
Este salón se concibió buscando un espectacular efecto visual; los espejos y dorados amplifican su suntuosidad y dispone para los músicos de una tribuna en forma de balcón.

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SALÓN DE BAILE
El piso noble o principal destinado al protocolo se decora de forma más suntuosa y artística. Espejo de la posición económica y social de sus propietarios, refleja en su distribución la mentalidad decimonónica donde prima sobre todo la apariencia y se reservan los mejores espacios a los invitados. De hecho, se abría únicamente para recepciones, fiestas y bailes.

SALÓN DE BAILE

Reloj Misterioso
Aquí hay que destacar las lámparas de Murano, los espejos de fabricación veneciana y un llamativo reloj monumental misterioso (de maquinaria oculta) atribuido en su parte escultórica a la fundición de Ferdinand Barbedienne, de París

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Alcoba en el piso superior
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ESPEJO PSIQUÉ CON CERÁMICA DE MEISSEN

Siglo XIX. Porcelana y cristal azogado. Fábrica de porcelana de Meissen (Sajonia)

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Lámpara de cristal veneciano

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ESCIFO (SKYPHOS) ITALOGRIEGO Mediados s. IV a.C.

Arcilla, barniz antiguo Técnica de figuras rojas

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DIANA CAZADORA

Original romano del siglo II d.C. / Montaje actual del siglo XIX
Mármol blanco, mármol brocatel y metal Esculpido, pulido con escofina, ensamblado
Procedencia: Clunia (Peñalba de Castro, Burgos)

Cerámica

Pequeñas esculturas, jarrones, cajitas, piezas de vajilla y otros muchos elementos realizados en cerámica, porcelana y cristal aportan brillo y colorido a los objetos de uso cotidiano y de adorno.
La calidad define las creaciones de cerámica, a través de las piezas elaboradas en talleres y fábricas de reconocido prestigio internacional: Manises, Talavera y Puente del Arzobispo, Sèvres, Wedgwood, Meissen, Buen Retiro, además de elementos procedentes de China y Japón.

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JARRON TIPO IMARI CHINO

Dinastía Qing, hacia 1690 comienzos del XVIII de la era Kangxi (1662-1722).
Porcelana torneada en tres piezas unidas con engobe

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TONDO DE LA ADORACIÓN DE LA VIRGEN

Escuela italiana. Seguidor de Andrea della Robbia o del taller de los Buglioni Primer tercio del siglo XVI

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ENFRIADOR DE COPAS DE FELIPE V

Última década del siglo XVIII. Loza o pasta tierna

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JUEGO DE TÉ WEDGWOOD Último tercio del siglo XVIII.

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JARRA DE MEISSEN
Por las marcas de la base situamos la pieza entre 1814 y 1860. Porcelana caolínica.

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VITRINA CON PORCELANA DE MEISSEN Siglo XIX
Madera ebonizada y porcelana. Fábrica de porcelana de Meissen (Sajonia)

RELOJES

Los relojes que reunió el Marqués de Cerralbo en su colección son de una tipología muy variada, aunque todos ellos de las relojerías inglesa y francesa de los siglos XVIII al XX. Los relojes están distribuidos a lo largo del palacio en sus distintas habitaciones, colocados sobre consolas, chimeneas o mesas. Esto indica que los relojes del palacio no fueron adquiridos con un afán coleccionista sino meramente decorativo o de amueblamiento del palacio madrileño.

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RELOJ FRANCÉS CON CAJA DE MÁRMOL DE SOBREMESA O CONSOLA CON ÓRGANO DE FLAUTAS
Manufactura Brocot. Francia, segunda mitad del siglo XIX.
Mármol blanco, tipo Carrara o Macael, alabastro, bronce dorado.

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RELOJ INGLÉS BRACKET John Taylor. London Siglo XVIII

El reloj inglés se caracteriza por la solidez y perfección de su mecanismo así como por su elegante y sobria decoración. Los relojeros más prestigiosos de Inglaterra colaboraron activamente con grandes ebanistas que se encargaban de la fabricación del mueble y enriquecían la caja con elegantes adornos. Para lacar las mejores piezas contaron con la maestría de los artesanos chinos.

Reloj despertador inglés de pared a pesas J. Wats. London. S.XVIII.

Esfera repuesta de bronce dorado, cuadrada, con copete semicircular, a la que sirven de adorno seis molduras fundidas del mismo metal. Motor a pesas. 30 horas cuerda. Sonería de horas. Péndulo corto de pera, vinculado directamente al escape, que es de paletas, con rueda catalina y una sola aguja.

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RELOJ GINEBRINO DE BOLSILLO CON AUTÓMATAS Robert Brandt & Cie. Siglo XIX

Este reloj fue regalado al Marqués de Cerralbo por D. Carlos VII, según consta en carta autógrafa que conserva el archivo del Museo, en la que se indica que el reloj fue utilizado por el Archiduque Fernando de Austria en las guerras contra Napoleón

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RELOJ ALEMÁN DE VIAJE Elias Kreittmaÿr. Friedberg. 1670.

Despertador. Caja de plata calada y grabada, en la que se aloja la campana, de acero. Esfera con sector horario de plata y el centro dorado, en el que figura la numeración que corresponde a la alarma. Los relojes llamados de carroza (carriage clocks / pendules de voyage) fueron utilizados en estos medios de transporte durante largo tiempo. Cuando no eran de sonería al paso, como en este caso, solían tener la sonería forzada (a la demanda) para poder oír la hora que fuese en cualquier momento de la noche.
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RELOJ FRANCÉS CON GUARNICIÓN EN PORCELANA DE SAJONIA
Primera mitad del Siglo XIX.


Composición barroca con figuras situadas escalonadamente en su estructura. Porcelana policromada. Está compuesto por dos piezas: el reloj propiamente dicho y el zócalo. Tiene un escudo de armas de las casas reales de Polonia y Sajonia, pintados en dos cuarteles. Hay un águila con corona imperial y la alegoría de Marte

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RELOJ FRANCÉS DE CONSOLA O SOBREMESA, DE BRONCE DORADO Y DE FIGURA Primera mitad del siglo XIX. Época Carlos X.

Caja de bronce dorado, formada por un zócalo rectangular en dos cuerpos, el superior con bajorrelieve frontal que representa una escena de caza en la que los corzos son perseguidos por perros y a la zaga va Diana con un arco y flechas. En la parte superior se materializa este mismo asunto con figuras de bulto redondo. La de la diosa, ya en reposo, apoya el brazo derecho en ara en la que se aloja el movimiento, sosteniendo una cuerna en la mano, mientras que con la otra mantiene vertical el arco.

Reloj francés Misterioso, colgante de cristal

Henri Robert. París. Horloge mysterieuse. Brévété.Siglo XIX, segunda mitad (1878)

Reloj pensado para reclamo de escaparates de relojería, muy posiblemente. Su autor presentó el prototipo en la Exposición de Productos Franceses de 1878, en París.era un reloj para excitar la curiosidad, pues por mucho que se fije en él la atención, no se ve más que un cristal transparente, sobre cuya superficie se mueven dos agujas, minutero y horaria. Cada una de las agujas de este reloj lleva en sí misma el mecanismo motor, viniendo a formar solas o entre ambas una especie de balanza equilibrada de brazos desiguales, en la cual el mecanismo de relojería no tiene otro objeto que desplazar el centro de gravedad del sistema a la velocidad conveniente para que una aguja señale la hora y la otra el minuto. Colgado de dos cadenas, su colocación frontal al escaparate de un establecimiento de relojería, atraería la curiosidad del paseante por lo misterioso de su funcionamiento.
DIBUJOS

La colección de dibujos consta de unos 700 ejemplares, de los que mostramos aquí una pequeña selección. El fondo destaca por su calidad y por la variedad de artistas europeos reunidos, especialmente de la Escuela Española, Francesa, Italiana, Holandesa y Flamenca.

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FRANCISCO DE GOYA Dibujo Coche barato y tapado

1824-28 Papel blanco, verjurado, con filigrana.Lápiz litográfico.

El personaje representado empuja una carretilla cuyo contenido está oculto bajo un gran paño. Su espalda torcida y el pie que apoya en el suelo sugieren el andar dificultoso y esforzado de un cojo; tres personajes -¿mujeres?– situados a sus espaldas parecen contemplarlo y divertirse

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PIETRO DA CORTONA Dibujo del martirio de Santa Martina

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MANUEL SALVADOR CARMONA Dibujo de niño

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FRANCISCO RIZZI Proyecto para la decoración de una iglesia

Cabeza de joven anónimo francés Siglo XVII. Papel blanco, verjurado, con filigrana.Sanguina.

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FEDERICO ZUCCARO Monarca recibiendo a un emisario


PINACOTECA
El marqués de Cerralbo tenía gustos eclécticos y dirigió parte de sus esfuerzos a la arqueología, lo que ayuda a explicar el perfil más bien desigual de su pinacoteca. Con todo, cuenta con una relevante sucesión de maestros y varias obras han recobrado autorías de prestigio tras las últimas investigaciones.

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LUIS MELÉNDEZ Bodegón con frutas y utensilios de cocina

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JUAN ESPINOSA Bodegón con uvas

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ANÓNIMO Alegoría de la Eucaristía oleo sobre tabla

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FRANCISCO DE ZURBARÁN Inmaculada Concepción.
Hacia 1640. Procedencia: Colección del Marqués de Leganés.

Esta representación de la Inmaculada añade algunos de los atributos de las letanías del Cantar de los Cantares, junto a referencias a la iconografía de la mujer apocalíptica, dando paso a la mujer “vestida de sol y con la luna a sus pies” del Apocalipsis. La Virgen con rostro de adolescente se halla suspendida como una Asunción, en ondulante figura, sobre un escabel de querubines.
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DOMÉNICO THEOTOCOPULI , EL GRECO. San Francisco en éxtasis. Ca. 1600-1605.
Firmado: “doménicos teotocópulos / epoiei”, con caracteres griegos, sobre el letrero blanco.

El Greco aportó una nueva iconografía franciscana a la historia de la pintura. Hasta el momento se representaba a San Francisco alegre y sereno, siguiendo la tradición italiana; pero el artista comenzará a pintarlo con un estilo más español, de forma lúgubre, enjuto y anacorético.

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JACINTO MELENDEZ El principe Luis I, hijo Felipe V

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JACINTO MELENDEZ Felipe V vestido de cazador 1712

La actividad de Miguel Jacinto Meléndez se sitúa entre el final de la pintura madrileña del Siglo de Oro y el nuevo período que nace con la creación de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Tío de Luis Meléndez, famoso pintor de bodegones, y hermano de Francisco, pintor real de miniaturas, trabajó en la corte en un momento en el que pocos artistas españoles sobresalían.

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JACINTO MELENDEZ Maria Luisa Gabriela de Saboya (esposa de Felipe V)

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COPIA DE ANTON VAN DYCK S.XVII María de Médicis Reina de Francia 1630
Se convirtió en la segunda esposa de Enrique IV de Francia, y su hijo fue el primer Delfín de Francia en 40 años. Enviudó en 1610 y fue regente durante la minoría de edad de su hijo Luis XIII. Se la considera gran mecenas de las artes en la corte francesa. Durante su regencia cambió el rumbo político de su esposo, buscando la alianza con España mediante un doble matrimonio: casando al futuro rey con Ana de Austria, hija de Felipe III de España, y a su hija Isabel de Borbón con Felipe IV.

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FEDERICO MADRAZO Matilde de Aguilera y Gamboa, Lady Fontagut
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JACOPO TINTORETTO Retrato de Agostino Doria
El retrato coincide con un boceto que realizara Van Dyck en 1625 en su llamado “Cuaderno italiano”, en donde el artista flamenco recogió diversas imágenes percibidas en su estancia en Italia. Junto al boceto figura la inscripción: “Tiziano en casa de Doria”.
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ESCIPIÓN DERROTANDO A ANIBAL Fines del siglo XVI. Lana y seda.
Manufactura de Bruselas. Lleva las marcas de localidad a la izquierda del orillo izquierdo: un escudete entre dos “B”. Marcas de tapicero (sin identificar) en la parte inferior del orillo lateral derecho.

JARDÍN


Esculturas de Júpiter y bustos de dos emperadores reflejadas en el estanque


Otro rincón del jardín, llamado “de los sentidos”

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Entre su densa vegetación de árboles de hoja caduca: acacias de Constantinopla, castaños de Indias, tilos… y escondidos entre jazmines, setos de boj y glicinias, encontramos seres mitológicos y un jabalí, replica en piedra del que Pietro Tacca realizará en bronce, hoy en los Uffici.de Florencia

Dirección:
Museo Cerralbo c/ Ventura Rodríguez, 17 28008 Madrid, España
Fuentes:
http://museocerralbo.mcu.es/informacion/visita.html
http://www.mecd.gob.es/mcerralbo/coleccion/galeria-imagenes.html;jsessionid=BB965FA7C632E42D64D1D296B87B13CE

https://www.culturaydeporte.gob.es/mcerralbo/coleccion/coleccion0/relojes.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Cerralbo#Pintura

Las pinturas de castas

La pintura de castas fue un fenómeno artístico que existió principalmente en la Nueva España en el siglo XVIII, existiendo también ejemplares en Perú.

Las pinturas eran, en parte, producto de la Ilustración e intentaban representar las muchas castas, el producto de la mezcla de razas, que existían en el Nuevo Mundo.
Asi que durante el siglo XVIII en los virreinatos de Nueva España y Perú se desarrolló un género de pintura ahora llamado los “cuadros de casta”.

Por documentos, sabemos que el origen de estas obras se puede rastrear hacia 1710, cuando el virrey Fernando de Alencastre , duque de Linares, quiso darle a conocer al rey Felipe V y a su corte, las diferentes mezclas raciales de la Nueva España.
Distinto del concepto de “raza”, típicamente representado en la sociedad contemporánea, la casta en Hispanoamérica integraba representaciones culturales más que las biológicas.

El Imperio Español clasificó a las personas, según “razas” y “cruzas” étnicas, para organizar un sistema social estratificado en sus posesiones de América.

rae-rae
El diccionario de la Real Academia Española de 1780 define “casta” como “generación o linaje.”

Definiciones de la RAE (actual):

  1. Ascendencia y descendencia de una persona o de un animal.
  2. Variedad de una especie animal que reúne ciertos caracteres hereditarios.
    Resultado de imagen de EL RACISMO
    El sistema de castas, no solo se dió en las posesiones española, en otros países también aparecieron, asi en: Sudafrica (apartheid), Estados Unidos, la India (llamados yati o ‘clan), el Imperio británico (separación entre blancos e indígenas), el Imperio alemán, y también separación entre blancos y negros en Ruanda-Burundi y entre negros hutus y tutsis…)

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El diccionario indica el sentido de que también existen las castas en ciertos animales, como los caballos, perros, etc y en esta imagen se muestra la diferencia de tamaños, colores, pelajes, etc entre algunas de las más de 300 razas de perros, que han sido criados selectivamente para conseguir características específicas durante miles de años. Se trata de juntar, a propósito el macho y la hembra de cada especie para que de su procreación salga determinada casta.”
Las castas se desarrollaron de un proceso de intercambio cultural, y las raíces étnicas que forjaron la identidad mestiza en Nueva España: fueron los indígenas, los españoles, los negros y escasas veces los asiáticos.

<img src="https://image.slidesharecdn.com/lascastasdelanuevaespaa-091109164351-phpapp02/95/las-castas-de-la-nueva-espaa-5-1024.jpg?cb=1257785063&quot; alt="Las actividades en la Nueva España estaban estrechamente ligadas a este complicado sistema de clasificación:

  • Gobie…”>
    Las listas que se presentan aquí probablemente son las que el artista conocía o prefería, la que el cliente pidió, o una combinación de ambos. Es importante aclarar que estos cuadros tenían como objetivo ser apreciados por un público europeo, ávido de conocer los detalles exóticos de las nuevas tierras. Por ello, en los cuadros no sólo aparecen personas, sino también sus alimentos, carácter y manera de ganarse la vida etc, siendo una rica fuente de información para el estudio de todo ello.

    Muchos autores, al referirse a la población de la Nueva España consideran primero a los grupos mayoritarios y su importanc...
    Un “mestizo” era producto de la mezcla de un español más un indígena. Por ello, algunos mestizos fueron educados como caballeros y damas españoles porque la Corona consideraba humillante que un hijo de español fuera educado entre los indígenas. Otros eran negados y discriminados y a veces se les tomaba por españoles o indígenas, pero sin ser aceptados totalmente por ninguno de los dos grupos.

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    Castas mexicanas (Fragmentos de los óleos de Cabrera)

    Hoy sabemos que la pigmentación de la piel está determinada por los genes biológicos y no por la “sangre” de las personas, de manera que estas pretendidas nomenclaturas raciales plasmadas en los cuadros, científicamente no son ciertas y sólo son propias de la forma de pensar que se tenía trescientos años atrás.

    LOS VIRREINATOS
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    Los Virreinatos de Nueva España en 1819

    El virreinato de Nueva España fue una entidad territorial integrante del Imperio español, establecida en gran parte de América del norte por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX, etapa conocida como período colonial mexicano. Fue creada tras la caída de México-Tenochtitlán, evento principal de la Conquista la que propiamente no concluyó sino hasta mucho después, pues el territorio de Nueva España siguió creciendo hacia el norte, a costa de los territorios de pueblos indígenas del desierto.
    La mayoría de las imágenes de castas, salen de Nueva España (lo que principalmente es México hoy en día) durante los años 1780. Los cuadros de castas también se pintaron en el Perú y otras partes de los virreinatos.
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    El Virreinato del Perú fue una entidad territorial situada en América del Sur, integrante del Imperio español y que fue creada por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX.
    El inmenso virreinato abarcó gran parte del territorio de Sudamérica, incluida Panamá. Quedó fuera de él, también como bien realengo, Venezuela y Brasil, que sobre el océano Atlántico, pertenecía a Portugal.
    Sin embargo, durante el transcurso del siglo XVIII su superficie sufrió tres importantes mermas al crearse -con parte de su territorio- dos nuevos virreinatos de la corona española: el Virreinato de Nueva Granada y posteriormente el Virreinato del Río de la Plata. Al mismo tiempo el Brasil lusitano extendía sus fronteras hacia la Amazonia.

    LAS CASTAS Y SUS REPRESENTACIONES:

    Con este abundante racismo, se llegaría a intentar definir las tantas «mezclas» como personas había, aplicando para ello decenas de nombres para todo tipo de «resultados» surgidos.

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    Los nombres de las castas varían de región en región y cambiaban a través del tiempo y en cualquier caso, los genetistas e historiadores modernos no aceptan que existan las llamadas razas puras, siendo quizá la totalidad de la población mundial el producto de diversas mezclas, algunas de más compatibilidad fenotípica dando apariencia racial.

    Muchas de las series de pinturas de castas, se encuentran incompletas y sin autoría, mientras que hay otras de pintores como: Ignacio de Castro, José Joaquín de Magón, Andrés de Islas, y por supuesto, Miguel Cabrera.

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    Indios gentiles de Andrés de Islas, (1774)
    Cartela: Expresión de las Castas de gentes de que se compone este Reyno de Mexico; los motivos porque resultó la diversidad; y los nombres con que se distinguen todas las calidades: Hecha en Puebla de los Angeles”, ca. 1750.

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    Sor Juana Inés de la Cruz por Andrés de la Islas, (una de sus obras mas conocidas).
    Al margen de sus pinturas de castas, este artista pintó a una de las pocas figuras de la cultura mexicana durante el período colonial, que fueron más populares y despertaron más interés que, la que tras entrar en religión, tomó el nombre de Sor Juana Inés de la Cruz. Mujer de gran cultura, literata de renombre y protegida de virreyes, desde muy temprana edad dedicó la mayor parte de su vida a la lectura y el estudio, pasando pronto a realizar sus propias composiciones en diferentes géneros

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    Pintura de castas de Luis de Mena (C. 1750). Museo de América, Madrid.
    Otra serie muy interesante, porque reflejan la vida de la sociedad novohispana del siglo XVIII. anónimo.
    Los cuadros de castas se presentaron con mayor frecuencia en series de dieciséis lienzos individuales agrupados a modo de mural en dieciséis compartimentos. Cada serie suele representar por lo general a un hombre, mujer y niño
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    Pintura de castas anónimo del S.XVIII. Museo Nacional del Virreinato (Tepotzotlán)
    Lista anónima:
    1. Español con India, Mestizo
    2. Mestizo con Española, Castizo
    3. Castiza con Español, Española
    4. Español con Negra, Mulato
    5. Mulato con Española, Morisca
    6. Morisco con Española, Chino
    7. Chino con India, Salta atrás
    8. Salta atrás con Mulata, Lobo
    9. Lobo con China, Gíbaro (Jíbaro)
    10. Gíbaro con Mulata, Albarazado
    11. Albarazado con Negra, Cambujo
    12. Cambujo con India, Sambiaga (Zambiaga)
    13. Sambiago con Loba, Calpamulato
    14. Calpamulto con Cambuja, Tente en el aire
    15. Tente en el aire con Mulata, No te entiendo
    16. No te entiendo con India, Torna atrás
    (Transcripción literal de la lista)

    Obras del pintor novohispano Miguel Cabrera (1695-1768)

    En México resalta el arte novohispano de Miguel Cabrera, quien realizó una serie de obras inspiradas en las castas del México colonial.

    Esta serie de pinturas data del año 1763, en ellas se representan a las familias (padre madre y prole) de diferentes castas y estrato socio económico, en situación cotidiana (mercado, hogar o calle) en las que se puede apreciar claramente la diferencia entre los estratos sociales y la relación que tiene dicho estrato con la casta a la que pertenecía el individuo. Actualmente esta colección se encuentra en el Museo de América, en Madrid
    Resultado de imagen de LA ILUSTRACION EN NUEVA ESPAÑA
    El problema en torno a las razas y al mestizaje como consecuencia de la unión entre los tres grupos raciales de la colonia: españoles, indios y negros, contó en el siglo XVIII con un gran auge entre los estudiosos que en el marco de las reformas Borbónica y la Ilustración, realizaban por todo el nuevo continente un exhaustivo trabajo de observación y clasificación de la naturaleza, su flora, su fauna, los recursos naturales y entre esta naturaleza, los seres humanos.
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    “Mulatos de Esmeraldas” de Andrés Sánchez Gallque (1599) Museo de América, Madrid.
    Antes del siglo XVIII, la mayoría de los mestizos era considerada “gente vil” y se les negaba el derecho de ocupar cargos reales, eclesiásticos o municipales. Por ello, el papel de los mestizos en la Colonia fué desde un principio un factor de inestabilidad, pues no tenía un lugar definido en la sociedad de su tiempo. Los mestizos fueron rechazados tanto por los indígenas como por los españoles

    Castas de origen Casta resultante
    español indígena mestizo
    indio negro zambo
    negro zambo zambo—prieto
    español negro mulato
    mulata español morisco
    español morisca albino
    albino español saltatrás
    indio mestizo coyote
    español coyote harnizo
    coyote indio chamizo
    chino india cambujo
    cambujo india tente en el aire
    mulato tente en el aire albarazado
    La imagen puede contener: 3 personas
    Indios gentiles (Cabrera)

    Se denomina indios o indígenas a los descendientes de los habitantes nativos de América –a quienes los descubridores españoles, por creer que habían llegado a las Indias, llamaron indios. El adjetivo gentil, se refiere a una persona, que no es cristiana ni pertenece a alguna religión y no esta bautizada

    Aquí se presentan dos listas de castas de diferentes conjuntos de retratos de castas. que solo están de acuerdo en los nombres de las primeras cinco combinaciones, en su mayoría las que son entre blancos e indígenas. No hay acuerdo en los nombres, ni definiciones, de las mezclas con negros.
    A continuación pongo la serie de Miguel Cabrera y las que llevan la cartela que corresponden a Mexico (Álbum del mestizaje)
    Comprobareis que aunque muchos coinciden en los nombres asignados, en otras difieren totalmente, según el autor.
    La imagen puede contener: 4 personas
    De español e india nace mestizo

    La imagen puede contener: 2 personas

    De español e india nace mestizo (Cabrera)
    La imagen puede contener: 3 personas
    De español y mestiza nace castizo
    La imagen puede contener: 3 personas
    De español y mestiza nace castizo (Cabrera)

    Los castizos surgieron entre la mezcla de europeos con mestizos, su aparición comenzó después del mestizaje entre europeos (españoles en su mayoría) y amerindios junto con la continua llegada de otros europeos al continente americano una vez establecido el colonialismo.

    La imagen puede contener: 2 personas, sombrero
    De español y negra nace mulata (Cabrera)
    La imagen puede contener: una persona, exterior

    De español y negra nace mulata
    La imagen puede contener: 4 personas
    De español y mulata nace morisca (Cabrera)
    La imagen puede contener: 3 personas
    De español y mulata nace morisca
    De español y morisca, nace albino (Cabrera)
    La imagen puede contener: una persona, sentada, árbol y exterior
    De español y morisca nace albino
    La imagen puede contener: 3 personas, personas sentadas, niño(a) e interior
    De español y albina nace torna atrás (Cabrera)
    En este punto, hay que precisar que el blanqueamiento no se aceptaba para la «raza» negra. Por ejemplo, un torna atrás era una persona nacida de la unión sexual de dos «blancos», pero que tenía características fenotípicas de «negro». Esto era porque la sociedad hispanoamericana colonial asociaba un atavismo ( es decir, tendencia a reproducir tipos originales) a los negros. El miedo era que no importaba cuántas generaciones de «blancos» una persona podía tener: si finalmente un abuelo o bisabuelo había sido «negro» o «indio», los rasgos raciales negros o indígenas volvían a aflorar en sus descendientes en mayor o menor medida.
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    De español y albina nace torna atrás
    La imagen puede contener: 3 personas
    De lobo e india nace albarazado (Cabrera)
    La imagen puede contener: 2 personas, personas sentadas y exterior

    De sambaigo e india nace albarazado
    El apelativo “lobo” cambia en esta serie a “Sambaigo”

    La imagen puede contener: 4 personas, personas de pie
    De español y torna atrás nace Tente en el aire (Cabrera)
    La imagen puede contener: una persona, exterior
    De lobo torna atrás e india nace tente en el aire
    Esta es otra acepción de “torna en el aire”
    La imagen puede contener: 3 personas, personas sentadas e interior
    De castizo y mestiza sale Chamizo (Cabrera)
    La imagen puede contener: 2 personas, exterior


    De albarrado e india nace cachimboreta

    La imagen puede contener: 4 personas
    De albazarado y mestiza sale barcino
    La imagen puede contener: 3 personas, personas sentadas e interior
    De indio y barcina nace zambaiga
    La imagen puede contener: 2 personas

    De lobo e india sale sambaiga

    La imagen puede contener: 2 personas, interior

    De negro e india sale china cambuja

    La imagen puede contener: 2 personas
    De chamizo e india nace cambuja
    La imagen puede contener: 4 personas

    De mestizo e india nace coyote

    La imagen puede contener: 4 personas, personas sentadas y exterior


    De mestizo e india sale Coyote

    La imagen puede contener: 3 personas

    De chino cambujo e india nace Loba

    La imagen puede contener: una persona

    De negro e india nace lobo

    jerarquias castas

    La sociedad americana se organizó como una pirámide jerárquica que ubicaba en la cúspide a los “españoles” (peninsulares y criollos), y bajo ellos, a la mayoría de la población integrada por “indios” o “naturales” (pueblos originarios), “negros” (traídos como esclavos de África) y “castas” (descendientes de relaciones sexuales entre las tres grandes ramas étnicas anteriores)
    El primer estrato de esta sociedad discriminatoria por la piel está ocupado, por el sector blanco de la población. Lo constituye una minoría de españoles peninsulares ricos y muy influyentes (los llamados “gachupines” en Nueva España y “chapetones” en Perú) y de criollos que les siguen por prestigio socioeconómico.

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    Los negros y mulatos suelen representarse como cocheros, los indios como vendedores de comida, y los mestizos como sastres o zapateros. Las mulatas y mestizas, como cocineras o costureras.
    A medida que la sociedad colonial se había ido estructurando durante la anterior centuria, se fue dando mayor importancia a la pureza de sangre, derivando en un sentido jerárquico y aristocrático, perfectamente conformado a principios del siglo XVIII.
    Tal fue la importancia atribuida a la limpieza de sangre (que en muchos casos no era limpieza absoluta de sangre blanca) que con frecuencia los individuos de este sector recurrieron en este período a la Audiencia para certificarla
    Fuentes:

    http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?
    http://www.scielo.org.ar/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1852-96152012000200009
    https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_de_castas
    https://alcolonial.wordpress.com/2012/12/09/pintura-de-castas-miguel-cabrera-imagenes/
    http://genealogiaegusquiza.blogspot.com.es/2010/12/las-pinturas-de-las-castas-en-america.html
    http://ablaevariteprobatum.blogspot.com.es/2013/04/miguel-cabrera-y-la-pintura-de-castas.html

Relojes del mundo

Esfera interior del reloj de la Catedral de Astorga.

Los primeros relojes mecánicos fueron los relojes de torre, ya que la mayoría de la población carecía de relojes hasta mediados del siglo XX. Los relojes de torre cumplían, por lo tanto, una función de transmisión de la hora y eran admirados desde muy antiguo por su estética.
La ubicación por lo tanto era en los centros y lugares de gran tránsito urbano: a elevada altura permitían que se pudiese oír las campanadas avisando las horas.

torredelosvientos1_7ca149b4Una de las torres de reloj más antiguas en occidente fue la Torre de los Vientos en Atenas en la que puede verse en cada una de las caras de la planta octogonal un reloj de sol.

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Big-Ben (Londres)

Por regla general en la torre se colocan, más de una, a menudo cuatro esferas. Las torres pueden ser un edificio independiente construido con la misma finalidad de soporte de un reloj. Es habitual encontrarse con este tipo de construcciones en iglesias o edificios de carácter oficial. Otras veces, no hay torre, sino que el reloj esta colocado directamente en la fachada, siendo habitual en algunos Ayuntamientos.

Este tipo de relojes posee un sistema de sonería que permite avisar de la hora, dando tambien las medias y los cuartos.

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Reloj De La Torre De Zimmer, Lier, Bélgica

Por último están los relojes astronómicos , con varias funciones y verdaderas obras de arte e ingeniería 

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El Papamoscas, Catedral de Burgos, España

Los carillones y autómatas, en los que aparecen diversas figuras móviles cuande suenan las hora.
En Burgos, se encuentra este singular autómata que despierta la curiosidad de grandes y menores cuando el reloj marca las horas. Se trata de un  personaje que con cada campanada del reloj abre la boca a la vez que mueve con su brazo derecho el badajo que hace sonar la campana y es conocido con el nombre de “Papamoscas”. El nombre lo ha adquirido del pájaro “papamoscas cerrojillo” el cual mantiene el pico abierto esperando que las moscas se metan en su boca para servirle de alimento.

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Torre de la Berenguela Catedral de Santiago de Compostela , España

O de Campana Berenguela , (la campana mayor de la Torre), tiene su origen en Berenguer Landoira, quien terminó la construcción.
Mucho más tarde, ya en el S. XVII, el maestro Domingo de Andrade diseñó los dos cuerpos superiores que a día de hoy adornan la Torre. Esta decoración esta basada en motivos vegetales, y como no , motivos relacionados con la ruta Jacobea 

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Torre de la Berenguela Catedral de Santiago de Compostela , esfera

El reloj fue construido en 1831 y consta de cuatro esferas, que van respectivamente orientadas según los puntos Cardinales, en cada cara de la Torre .Una de las mayores peculiaridades del reloj, es que cuenta con sólo una aguja, ya que las horas las marca la famosa Berenguela , y los cuartos su compañera.
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Reloj de la Catedral de León

Tiene números romanos y sus manecillas estan rematadas por un sol y una luna. Estrellas de ocho puntas aparecen en el fondo de la esfera (muy dsgastadas)simulando el cosmos.Los cuatro rostros representan las cuatro estaciones, son distintos y todos soplan hacia el reloj, como explicación de los cambios metereológicos, flotan en unas ondulaciones, que significan el cáos.

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Casa de Correos. sede de la Comunidad de Madrid, Puerta del Sol

La Puerta del Sol es una plaza de Madrid (España). Aquí se encuentra desde 1950 el denominado Kilómetro Cero de las carreteras radiales españolas. El edificio más antiguo de la Puerta del Sol es la Casa de Correos y en ella destaca el reloj de torre que fue construido y donado en el siglo XIX por José Rodríguez de Losada, Se instaló en 1866 y lo inauguró la reina Isabel II por su cumpleaños.Las campanadas de las 12 de la noche del 31 de diciembre marcan la tradicional toma de las doce uvas a la gran mayoría de los españoles.

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Reloj de los Maragatos, Ayuntamiento de Astorga, León

Astorga es la capital de la comarca de la leonesa de la Maragatería, por lo que sus habitantes se llaman “maragatos”. En lo alto del edificio consistorial se encuentra el reloj de la villa y sobre él una campana; a ambos lados de ésta dos figuras articuladas vestidas con el traje típico de la región, llamadas maragatos. Su particularidad es que a cada hora en punto, éstas figuras. Juan Zancuda y Colasa se mueven, y con un mazo que tienen en sus manos dan los toques de las horas sobre la campana.

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Reloj carillón de Ciudad Real, España
Fue inaugurado en el 2005 por los Príncipes de Asturias para conmemorar el 750 aniversario de la fundación de Ciudad Real por Alfonso X el Sabio. El reloj carrillón lo compone el trío más famoso de la Mancha: Don Quijote, Sancho y su creador, Cervantes.

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Reloj de la torre del Parlamento inglés (Londres)

Big Ben es el nombre con el que se conoce a la gran campana del reloj situado en el lado noroeste del Palacio de Westminster, la sede del Parlamento del Reino Unido, en Londres
La Elizabeth Tower alberga el reloj de cuatro caras más grande del mundo, y es la tercera torre de reloj más alta del mundo
Fue construida, al igual que el resto del Parlamento, después de que el antiguo Palacio de Westminster fuera destruido por un incendio la noche del 16 de octubre de 1834.

Los mejores relojes astronómicos

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Reloj astronómico de la Catedral de Wells, cara exterior

El gran orgullo de la ciudad de Wells, al sur de Bristol, en Inglaterra, es sin duda su hermosa Catedral. Este magnífico edificio esconde además una joya en la fachada oeste del crucero norte: el formidable Reloj Astronómico del siglo XIV, una de las atracciones más populares de este lugar.

Cara interior del reloj de la Catedral de Wells

Este ingenio pasa por ser el segundo reloj mecánico más antiguo de Europa. Cada cuarto de hora un divertido personaje malcarado llamado Jack Blandifers asoma su cabeza desde el interior del reloj y golpea las dos campanas primero con un martillo y después con los talones, para regocijo de turistas y curiosos.

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Reloj astronómico de la Catedral de Chartres, Francia interior

El reloj astronómico de la catedral data del año 1528. La catedral de Chartres contaba con dos grandes relojes a mediados del siglo XIV. Éste se halla en el trascoro, y fue restaurado entre 2006 y 2008.

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Reloj astronómico de la Catedral de Chartres exterior

También la misma catedral presenta otro reloj, éste, en el exterior, más convencional pero astronómico, construido en 1520 por Jehan de Behauce

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Reloj astronómico de la Catedral de Estrasburgo

El Reloj astronómico de la Catedral de Nuestra Señora de Estrasburgo, ricamente decorado. Entre los grandes relojes astronómicos de Europa destaca el de la catedral de Estrasburgo, construido en el siglo XVI, cuando dejó de funcionar el realizado en 1354

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Estrasburgo
El reloj de Schwilgué, es el tercero y actual reloj contiene nuevos mecanismos insertados en el mecanismo del segundo reloj. Todos los diales son nuevos, pero las funciones del reloj de Schwilgue difieren poco de las del viejo reloj excepto para el desfile de los apóstoles, antes inexistente.

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Estrasburgo 

Hubo un primer reloj construido entre 1352 y 1354, llamado de “los Tres Reyes”, que dejó de funcionar a comienzos del s. XVI. Queda de ese reloj un gallo autómata hecho en madera policromada y hierro forjado, que se exhibe en la sala de relojes del Museo de Artes Decorativas de Estrasburgo. Hecho alrededor del año 1350, es la máquina autómata más antigua que se conserva en Occidente

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Reloj de Glockenspiel en Múnich, Baviera, Alemania

El Nuevo Ayuntamiento (en alemán: Neues Rathaus)? es el edificio del ayuntamiento sito en la Marienplatz de Múnich,
La construcción se extendió desde 1867 hasta 1908 en tres fases. Es de estilo neogótico siendo de esta manera un gran ejemplo del esplendor de Alemania a principios del siglo XIX.

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Glockenspiel, Munich (Alemania)

El carrillón del ayuntamiento de Múnich es un atractivo que todo el que visite esta bonita ciudad alemana debe conocer.
El reloj suena todos los días a las 11 a.m., al medio día y a las 5 p.m. (de marzo a octubre), con un espectáculo de 12 minutos con 43 campanas y 32 figuras de tamaño natural.

El espectáculo incluye la historia de la boda del duque Wilhelm V y Renata de Lorraine, un torneo de justas y una danza “barrilera” tradicional interpretada por los fabricantes de barriles de la ciudad. El reloj ahora es parte del nuevo ayuntamiento de Múnich.

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Munster (Alemania)

El reloj astronómico de la Catedral de San Pablo, situada en el casco antiguo de la ciudad de Munster (Alemania) fue construido en 1543

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Rostock (Alemania), la iglesia de Santa María

Un de las iglesias más importantes que alberga un reloj astronómico.

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Reloj astronómico de Praga (República Checa)
La parte más antigua del Reloj es el mecanismo del cuadrante astronómico que data de 1410. Fue construido por el relojero Nicolás de Kadan y por Jan Šindel, profesor de matemáticas y astronomía
Alrededor de 1490 fueron añadidos el calendario y las esculturas góticas que decoran la fachada.
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Los tres principales componentes del reloj son:
-El cuadrante astronómico, que además de indicar las 24 horas de día, representa las posiciones del sol y de la luna en el cielo, además de otros detalles astronómicos.
video de su funcionamiento

-Las figuras animadas que incluyen “El paseo de los Apóstoles”, un mecanismo de relojería que muestra, cuando el reloj da las horas, incluyen las figuras de los doce Apóstoles.
-Además del calendario circular con medallones que representan los meses del año.
13417683_626922884141623_8384912988756741802_nPraga, Ayuntamiento judio, al lado de la Sinagoga Nueva-Vieja

Hay un reloj que se encuentra en el barrio judío de Josefov y su característica principal es que da las horas “al revés”. En el edificio del ayuntamiento de este barrio, de estilo renacentista, hay dos relojes: uno marca las horas con números romanos, tal y como los conocemos, y el otro reloj tiene los números en hebreo, sus manecillas giran en sentido contrario, hacia la izquierda y se debe leer de derecha a izquierda.

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El reloj astronómico de Olomouc (República Checa)

Data originalmente del año 1420 aunque prácticamente ha sufrido una remodelación cada siglo. El reloj original fue remodelado entre los años 1573 y 1575 con el asesoramiento de Paulus Fabricius, astrónomo y relojero de la universidad de Viena. 

A partir de 1800 estuvo más de una década parado y en 1898 fue sometido a otra restauración de envergadura. La nueva máquina ya contaba con un planetario heliocéntrico. Se sitúa a al lado de la catedral de San Wenceslao, en la Plaza Alta y los alemanes lo destruyeron casi por completo durante su retirada de Checoslovaquia al final de la II Guerra Mundial.

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La Torre Zimmer ( holandés : Zimmertoren) es una torre en Lier, Bélgica

También conocida como la torre de Cornelius, que fué originalmente un torreón de fortificaciones del siglo XIV de la ciudad de Lier. En 1930, el astrónomo y relojero Louis Zimmer (1888-1970) construyó el “Jubileo” (o Centenario) reloj, que se muestra en la parte frontal de la torre.
 La torre fue construida,  en 1425, aunque la fecha exacta de la construcción es desconocida.

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Reloj astronómico de la fachada del Ayuntamiento de Ulm

La primera mención histórica del edificio, lo que se conoce hoy como el ayuntamiento de Ulm, se refiere a la lejana 1370
En 1520 se produjo un acontecimiento importante para el Ayuntamiento: se instaló el más moderno reloj astronómico, que estaba destinada a permanecer en la memoria de siglo. Pero eso no es todo: en la fachada este del reloj se instaló vidrio solar, que también se ha  conservado perfectamente hasta nuestros días. Llaman la atención los murales y pinturas de la fachada de este edificio.

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Zytgloggeturm, Berna Suiza

Sobre el reloj, en la torre, reina también una campana que pesa 1,4 toneladas Y es justo esta la que da nombre al conjunto, ya que Zytglogge en suizo alemán significa “campana del tiempo”. Las entrañas del reloj están abiertas al público y subir a contemplarlas merece la pena no sólo por lo monumental de la campana, sino también porque desde este mirador se contemplan hermosas vistas de Berna

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Zytgloggeturm,Berna Suiza

Construida por la ciudad-estado de Berna cuando se levantó. Su construcción empezó en 1191 y fue finalizada en 1256. Con la evolución de la ciudad, la torre fue quedando más y más al centro. Por un tiempo fue utilizada como prisión para mujeres hasta el gran incendio de 1405. A su lado este se encuentra un reloj con dibujos de osos, y todavía más alto, un caballero en armadura completa.

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La Torre del Reloj, Sighisoara (Transilvania, Rumanía) 

Es la atracción turística más destacada en el centro histórico de la ciudad de Sighisoara, un edificio construido durante la segunda mitad del siglo XV que sirvió como recinto del Concejo comunal hasta el siglo XVI. Este edificio fue originalmente construido para proteger el acceso principal a la ciudad medieval, pero en 1676 un incendio la destruyó por completo, siendo reconstruida años después en estilo barroco, agregando un pináculo inspirado en la torre del castillo de la Catedral de San Vito de Praga.

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Torre dell’Orologio, Venecia Italia detalle de la esfera
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Torre dell’Orologio, Venecia Italia

Es, como su nombre indica, una torre del reloj situada en la plaza de San Marcos en Venecia (Italia), junto a la Procuratie Vecchie. Alberga el reloj más importante de la ciudad, el reloj de San Marcos (alternativamente conocida como la torre del reloj de los moros).
Fue construida en una muestra de la riqueza de Venecia, y como ayuda a los marineros del Gran Canal que se iban de viaje.El edificio fue diseñado por Mauro Codussi y construido entre 1496 y 1499.
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En la ciudad lombarda de Mantua (Italia) encontramos la Torre del Orologio
De planta rectangular, que data de 1472 según proyecto de Luca Fancelli, el reloj es obra de Bartolomeo Manfredi y fue colocado al año siguiente de la construcción de la torre.  Entre otros datos astronómicos el reloj de la Piazza delle Erbe indica la hora, la posición y fase de la Luna y la posición del Sol en el zodiaco. Por desgracia, durante una representación realizada hace dos años el acróbata Antoine Le Menestrel sacó los engranajes de su eje al atar unas cuerdas en un lugar inadecuado y el mecanismo dejó de funcionar.
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 Reloj del Palacio Sponza, Dubrovnik (Croacia)

 Nos vamos a Croacia en busca de un reloj sencillo pero sin duda enigmático y que creo debe ser reseñado. De aspecto veneciano, se ubica en la torre del bello palacio de Sponza (originario del siglo XVI y hoy en día archivo de la ciudad) uno de los pocos edificios de Dubrovnik que sobrevivió al terremoto de 1667. Llama la atención su única aguja con la que marca las horas. Y los martilleros “zelenci” (verdes) que tocan las campanas son dos soldados romanos cubiertos con una pátina verde por la que fueron nombrados Maro y Baro.

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Torre del Reloj de Tirana, Albania

(en albanés, Kulla e Sahatit), fue levantada en 1822, por orden de Haxhi Et’hem Bey. En su interior existe una escalera con 90 peldaños en espiral que permite ascender a su cima. De 35 metros de alto, fue, en el momento de su construcción, el edificio más alto de Tirana.

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Reloj de la Torre del Salvador, Moscú

El mas famoso reloj de la capital rusa es el que decora la la Torre del Salvador (Torre Spásskaya) del Kremlin de Moscú, donde se ubicaba la puerta, sagrada durante muchos siglos, por donde accedían al recinto los zares, los emperadores, ciertos religiosos y figuras “solemnes”. Allí luce desde que se levantó la torre, allá por 1491. En 1707 se incorporó el sonido (un carrillón holandés) por orden del emperador Pedro I.

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Torre del reloj del Palacio de Dolmabahçe Estambul, (Turquía)

El Palacio de Dolmabahçe fue el primer palacio de estilo europeo (neobarroco) en Estambul. Fue construido en tiempos del sultán Abd-ul-Mejid I entre 1842 y 1853

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Torre del Reloj de Esmirna, Turquia

(en turco, İzmir Saat Kulesi) es una histórica torre de reloj situada en la zona Konak, de Esmirna (Turquía). El reloj fue diseñado por el arquitecto de Esmirna de origen francés Raymond Charles Père, y fue construido en 1901 para recordar el 25º aniversario de la ascensión al trono de Abdülhamid II

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Torre del Reloj Chiang Rai (Tailandia)

Ubicada como la pieza central de una rotonda en la ciudad, la torre dorada da un espectáculo de luz y sonido todas las noches a las 7, 8 y 9 p.m. La torre fue diseñada por el artista tailandés Chalermchai Kositpipat, quien también construyó el Templo Blanco en Chiang Rai.

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La Torre del Reloj del Jubileo, George Town, Penang, Malasia 

Es una torre del reloj de estilo morisco en el cruce del Lebuh Light (Calle de la luz) y Lebuh Pantai (Calle de la playa). Construido para conmemorar el jubileo de diamantes de la reina Victoria en 1897. La torre del reloj es ligeramente inclinada, a raíz de los bombardeos aliados (o japoneses) durante la Segunda Guerra Mundial.

En Comayagua (Honduras) se encuentra el reloj de engranajes más antiguo del mundo y sigue funcionando hasta el día de hoy. Fabricado por los Árabes en el año 1,100 fue llevado a Comayagua en 1636 e instalado en la iglesia La Merced, posteriormente a la Catedral de Comayagua en 1711.

Torre Reloj de Pisagua

 Torre Reloj de Pisagua (Chile)

La Torre Reloj de Pisagua es una torre ubicada en Pisagua, comuna de Huara, Provincia del Tamarugal, Región de Tarapacá, Chile.

Reloj Monumental de Pachuca

Reloj Monumental de Pachuca (México)

El Reloj Monumental de Pachuca, también comúnmente conocido con el nombre de Reloj de Pachuca, es un reloj de torre de 40 metros en la ciudad de Pachuca de Soto, en el Estado de Hidalgo, México.
El Reloj Monumental conmemora el Centenario de la Independencia de México y fue inaugurado el 15 de septiembre de 1910.

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El Reloj del 200 de la Quinta Avenida ( Sidewalk Clock at 200 5th Avenue) es un reloj histórico en Nueva York.

La Quinta Avenida es la arteria principal del entramado de calles de Manhattan. Recorre la isla de norte a sur, desde el río Harlem hasta Washington Square Park, y divide la ciudad en dos partes, este y oeste, enumerándose desde ella los edificios de las calles perpendiculares (cuanto más alto sea el número, más alejado de la Quinta Avenida).

Torre del Reloj de Montreal

La Torre del Reloj de Montreal

Situado en el Quai de l’Horloge, originalmente llamado el Canadá. También llamado Reloj conmemorativo de Los Marineros, la primera piedra fue colocada por el Príncipe de Gales, el 31 de octubre de 1919, consistiendo en una torre de 45 metros terminada dos años más tarde como un monumento a los marineros canadienses que murieron en la Primera Guerra Mundial.

Reloj de Flores (Niágara,

Reloj de Flores (Niágara, Canadá)

Uno de los lugares más buscados del Parque del Niágara es el reloj floral. Se construyó en 1950 y se trata de un diseño floral formado por más de 16.000 plantas. El jardín botánico se creó en 1936 para albergar la escuela de jardinería. Se trata de un lugar único para estudiar jardinería y aprender lo suficiente para mantener el paisaje del Parque.

Fuentes:

http://nataliagelos.tumblr.com/…/la-vuelta-al-mundo-en-diez…

http://www.taringa.net/…/10-Torres-de-reloj-de-famosos-de-t…

http://www.relojes-especiales.com/…/torres-de-reloj-mas-bo…/

http://www.nationalgeographic.com.es/…/inventos-medievales_…

http://www.laviajeraempedernida.com/los-diez-relojes-mas-b…/

https://listas.20minutos.es/lista/relojes-astronomicos-261134/

https://sp.depositphotos.com

Los ángeles arcabuceros

 

Los ángeles son uno de los temas más característicos de la pintura virreinal en América. Su originalidad viene de la iconografía y de la excelencia de su realización, que contrastan con las versiones europeas. En la cultura occidental, el origen de la iconografía de los ángeles se remonta a los primeros siglos del cristianismo.
 En la Edad Media, los ángeles no eran representados de forma aislada, a excepción de algunas obras como “San Miguel Arcángel, que encontramos como “Juez de las Almas” en la pintura flamenca, italiana y española. Es en el Renacimiento que los ángeles comienzan a ser pintados individualmente, práctica que se extiende durante el barroco. 
 La teología cristiana tomaba la obra de Dionisio Areopagita, obispo y escritor religioso del siglo VI, como base de la enseñanza oficial de los personajes y de las funciones de los ángeles. Este autor, en su obra sobre la “Jerarquía Celestial”, divide a los ángeles en tres grupos. El primero esta compuesto par serafines, querubines y tronos, el segundo por potestades, virtudes y poderes y el tercero par príncipes, arcángeles y ángeles.
 Los serafines están en la cima de la jerarquía y rodean el trono de Dios, son de color rojo y su atributo es el fuego. Los querubines simbolizan la sabiduría divina y son de color azul y oro. Los tronos representan la justicia divina y llevan toga y bastón de mando.
 Las series de ángeles constituyen uno de los temas mas originales de la pintura andina, particularmente en las regiones de Cuzco, el lago Titicaca, La Paz y Potosí Parece ser que la aparición en los Andes de los ángeles arcabuceros se debe a los esfuerzos de religiosos letrados que querían sustituir por símbolos religiosos cristianos las creencias indígenas en los dioses de los elementos naturales como el rayo (Illapa), el sol (Inti), la luna (Quella), la nieve y todos los fenómenos naturales de los altiplanos y montañas.
 Así apareció una nueva iconografía fundada en textos apócrifos como el de Enoc, por ejemplo, que brinda a los ángeles el divino poder de dominar a las estrellas y la naturaleza.

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LOS ANGELES DE CALAMARCA
En el altiplano de La Paz se encuentran interesantes iglesias construidas a fines del siglo XVI e inicios del siglo XVII.Una de las más significativos es la colección de arte de la iglesia de Calamarca que tiene una conocida serie de ángeles y arcángeles de los cuales sólo se conjetura el posible significado (las interpretaciones suponían que se relacionaban a dioses andinos),
Este arte fue llamado ´Escuela del Collao´ para diferenciarlo de la Escuela Cuzqueña que tiene otras influencias y características. Los cuadros de Calamarca son anónimos y su autoría se la conoce como del Maestro de Calamarca.


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El lago Titicaca, considerado como el lago navegable más alto del mundo, se encuentra ubicado en la Meseta del Collao, en la cordillera de los Andes, a 3,800 metrosEl impacto causado por los arcabuceros de Calamarca fue grande en toda la zona del altiplano paceño y del lago Titicaca. Los pueblos existentes en las villas del Lago Titicaca tuvieron fuerte influencia de los Jesuitas, cuyo establecimiento en la región fue muy temprano (c 1670 – 80)
Es sabido el especial interés que esta Orden tuvo sobre todo en España por la difusión a través de libros. folletos, devocionarios. etc, ligando a estos seres celestiales con el imperio. 

No es claro que tal relación entre ángeles e imperio se cumpla en el caso de los arcabuceros. pero en todo caso la intención es clara: los ángeles son defensores de alguien o algo. Serán estos ángeles los adelantados del cielo para la defensa del imperio español que tantos problemas tenía en el periodo en que estas series aparecen ( 1660-1680). Epoca luctuosa y problemática que se complicara con el fallecimiento del Rey Carlos II, el último vástago de la dinastía de los Hasburgos


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 Las series de ángeles aparecen hacia 1660, en un territorio que se extiende del norte del Perú al norte de la Argentina, siendo La Paz y Cuzco los centros de difusión . Las series de Calamarca, Peñas y Jesús de Machaca (La Paz), Yarvicolla y Sora-Sora (Oruro) y de la iglesia San Martín de Potosí, todas en Bolivia, figuran entre las más importantes.

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 Iglesia de Calamarca fachada sur

Ninguna de estas pinturas está firmada y no existe documento que nos permita identificar a su autor, que por consiguiente fue denominado Maestro de Calamarca. Sin embargo, la comparación de estas obras con las de la iglesia de Carabuco permite pensar que el Maestro de Calamarca podría ser José López de los Ríos, quién pintó los cuadros de Carabuco en 1684.



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Iglesia de Calamarca fachada principal

Maestro de Calamarca es la denominación historiográfica de un pintor barroco colonial que trabajó en la actual Bolivia a comienzos del siglo XVIII. Sus obras principales fueron dos series de ángeles pintados en los muros de la iglesia de Calamarca (departamento de La Paz),

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Iglesia de Calamarca

Interior de la nave donde se pueden ver la serie de los doce ángeles y arcángeles que han perdurado en la actualidad.


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La primera serie de ángeles, cada uno de los cuales aparece con su nombre al fondo, son los más famosos ejemplos de “ángel arcabucero” o de “ángel boliviano” en general. La segunda serie representa ángeles andróginos con elaborados ropajes a la moda femenina europea y botas militares romanas. 

Los siete Arcángeles de Palermo de Massimo Stanzione, década de 1620. iglesia de Sant’Angelo al Casseroen Palermo.

La iconografía de esta pintura monumental, expresión de un culto muy difundido en la época postridentina, especialmente en España y en los territorios virreinales, tiene su origen en una tradición medieval muy venerada en España, aunque sólo tres de ellos tienen reconocimiento eclesiástico
La primera comprende a los siguientes ángeles: Gabriel, Rafael, ángel de la Guarda, Dominio, ángel de la columna (Virtud), ángel con las rosas (Virtud), ángel desenvainando la espada, ángel con la espada de fuego, ángel sosteniendo una llave, ángel con un haz de fuego en la mano (Serafín), ángel con la espiga de trigo.


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Un inventario de la iglesia, datado de 1728, indica que “en lo alto de los muros de esta Santa Iglesia se encuentran treinta y seis pinturas de ángeles y arcángeles, todas de la misma dimensión en sus bastidores”. Se puede deducir de este texto que en esa época fueron terminadas dos series: las Jerarquías y los Angeles Militares.

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El Libro de EnocLa amplia difusión de las series de ángeles en el Altiplano deben ser buscadas en los escritos apócrifos, como el libro de Enoc y en las iglesias minoritarias del cristianismo, como la iglesia Copta, que venera a Uriel En este texto, los nombres y las funciones de los ángeles son los siguientes:
Baradiel, príncipe del granizo; Galgaliel, príncipe del sol; Kokbiel, príncipe de las estrellas; Laylahel, príncipe de la noche; Matariel, príncipe de la lluvia ; Ofaniel, príncipe de la luna; Raamiel, príncipe del trueno; Raaziel, príncipe de los terremotos; Rhatiel, príncipe de los planetas; Ruthiel, príncipe del viento; Salgiel, príncipe de la nieve; Samziel, príncipe de la luz del día; Zaamael, príncipe de la tempestad; Zaafiel, príncipe del huracán; Zawae, príncipe del torbellino; Ziquiel. príncipe de los cometas.

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Los ángeles arcabuceros están vestidos a la moda del siglo XVII, mangas abiertas cuellos a lo Van Dyck, pantalón hasta las rodillas, sombrero ancho con plumas. El ángel del Museo Nacional de Arte es una de las mejores obras del Maestro de Calamarca, que podría ser José López de los Ríos. 


Aunque hay variaciones en los colores y ciertos detalles en el diseño de la tela, en lo esencial eran similares entre si con muchas prendas.
Los ángeles llevaban un sombrero chambergo adornado con tres plumas, una valona o corbata al cuello rodeada por encajes o puntillas, al igual que los puños, las mangas son muy abultadas acuchilladas como las llevaban los soldados de los tercios; y una casaca también de tipo chambera muy amplia que permite ver la túnica ceñida al cinto.
Por encima de las rodillas los greguescos o calzones de la misma tela con brocados que empleaba la casaca, junto con medias manchegas ajustadas y zapatos con grandes lazos, completado con un gran manto recogido al lado y con largas cintas que descienden por sus espaldas. (un uniforme muy “cómodo y ponible”…)

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Angel (Maestro de Calamarca)   S.XVII

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Uriel Dei Maestro de Calamarca Siglo XVII Iglesia de Calamarca, La Paz

Concentrado en cargar su arcabuz, al que sostiene con una mano y del que cuelga la cuerda como parte de la “fornitura’ (conjunto de accesorios que acompañaban el uso de esta arma), tiene el ángel la mirada baja y el rostro de finos rasgos. Uriel Dei es otro ejemplo sobresaliente de Los ángeles de Calamarca; vestido de rojo y verde, con la cabeza ligeramente inclinada, imprimiendo mayor suavidad a su actitud, el ángel que por su iconografía personal debía portar una espada flamígera aparece como otro arcabucero del conjunto. Uriel es el cuarto de los siete principales arcángeles difundidos en occidente, a quien se le rinde culto en las iglesias cristianas de oriente, e identificado con la Virtud de la Prudencia y el Don de la Ciencia

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Gabriel Dei Maestro de Calamarca Siglo XVII Iglesia de Calamarca. La Paz

La primera serie, a manera de una compañía de infantería a la usanza de los regimientos españoles del S. XVII, esta encabezada por Gabriel Dei, el arcángel de la Anunciación, y la completan otros once ángeles vestidos de militares. Gabriel Dei lleva uniforme semejante al de un guardia real español del rey Carlos II, y que a su vez ha sido tomado de la colección de tipos militares franceses.
Viste la casaca larga llamada chamberga, de amplias mangas, y el sombrero de ala ancha adornado de vistosas plumas.
Gabriel significa Fuerza de Dios y Guardián del tesoro celestial, es preceptor del patriarca José y es el Anunciador de la Gracia a María. Tradicionalmente porta un ramo de azucenas

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Angel Zadquiel Maestro de Calamarca Siglo XVII Maestro de Calamarca

Este ángel representa a uno de los mensajeros más terribles de Dios. Se trata del ángel que envía el Señor para quitar la vida a cada uno de los hombres, acorde con la decisión divina. Corrientemente se le apellida “Angel de la Muerte” . Pese a lo ingrato del tema, José López de los Rios (Maestro de Calamarca), lo realiza con una singular elegancia, que se advierte, en primer lugar, a través de la forma tan especial con que el mensajero celeste saca la espada de su vaina, con la cual ejecutará el mandato de Dios

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 Laeiel Dei Siglo XVII Iglesia de Calamarca, La Paz 

Viene a ser uno de los cinco arcabuceros que quedan de la serie cuyo número original es desconocido aún que con certeza pasaban de catorce lienzos por los vestigios encontrados y un inventario de 1728
Nos presenta a otro joven imberbe que, abstraído en su tarea, empuja con una baqueta la pólvora del arcabuz apoyado en el suelo y que hace una diagonal exacta en la composición .
Laeiel es el nombre de uno de los ángeles apócrifos del libro de Enoc Una de ellas señala que es cl ángel príncipe de la noche y por supuesto al ser apócrifo no figura entre los siete principales ángeles conocidos por la iglesia católica



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Letiel Dei Maestro de Calamarca Siglo XVII Iglesia de Calamarca, La Paz
Otro ángel militar proveniente de Calamarca, Letiel Dei, porta el arcabuz en la mano derecha
Variantes de líneas rectas y oblicuas son las que marcan los elementos importantes en cada ángel como su propio arcabuz. Todo ello equilibrado por las curvas de las abollonadas mangas, del sombrero y las plumas. El color del ropaje, de las plumas, de las alas y sombrero son complementados con las calidades de brocados, encajes y brillos pora efecto de fastuosidad

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Angel Baraquiel Anónimo (Maestro de Calamarca ) Siglo XVII 

Baraquiel es parte del conjunto que hace la segunda serie de ángeles denominados Virtudes procedente de Calamarca y atribuidos al anónimo Maestro del lugar. Baraquiel, cuya iconografía proviene de textos apócrifos, figura como uno de los siete Príncipes custodios de los cielos.
Lleva uno de sus atributos característicos como son las rosas que sostiene en las manos. En otras representaciones las flores están en una cornucopia que significa la abundancia.
 



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Angel Dominio (Maestro de Calamarca) S.XVII

El cuerpo del ángel en una pose un tanto forzada, semeja más bien un paso de danza y disimula algún defecto anatómico con el ropaje. El ropaje, a diferencia de otros del conjunto, tiene más movimiento en los pliegues de la túnica y faldellín, casi como continuando la actitud de baile. lo mismo que el manto volante que da ampulosidad a la figura, El cetro y corona que porta el ángel, símbolos de poder y dominio, hacen que se identifique iconográficamente a este lienzo como Ángel Dominio, correspondiente a la segunda jerarquía angélica de los coros celestiales.
 


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Angel con Espigas Anónimo (Maestro de Calamarca ) Siglo XVII


Se ha llamado a este lienzo Angel con espiga por las que lleva en la mano derecha. Considerado como virtud, corresponde al quinto coro angélico y segunda jerarquía, cuya función es inspirar a las almas los sentimientos que les hacen dignos de Dios. La espiga del ángel representa el símbolo del Cuerpo de Cristo que se hace presente en la Eucaristía
 


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Angel de la Guarda Anónimo (Maestro de Calamarca ) Siglo XVII 


Esta advocación ha sido muy común en la época colonial por la significación que tienen los ángeles guardianes en la tradición cristiana. Se creyó que Dios, al crear las jerarquías angélicas. hizo este último grupo en grandes cantidades para que el Padre Eterno asigne uno a cada hombre y cada quien naciera con su ángel Custodio o Guardián para librarlo de peligros y de las asechanzas del demonio. Por eso en la antigüedad los niños repetían una copla cuya letra decia: “Ángel de la Guarda Dulce compañía. no me desampares ni de noche ni de día”
 


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Hadriella Lasio Dei (arcángel arcabucero) Anónimo – 

Seguidor del Maestro de Calamarca iglo XVII (último tercio) Colección particular, La Paz – Bolivia 

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En el cuadro de Baraquiel Timor Dei vemos al ángel vestido a la romana al centro del lienzo de fondo oscuro, fondo que cambia de tono suavemente en la línea divisoria del piso y tiene en toda la extensión del perímetro un marco de flores con rosas y hojas . Sobresalen los intensos colores del ropaje, tanto del manto verde como del faldellín rojo, mientras que el azul de la chaqueta se reconoce en otras obras del maestro.

La actitud de la figura denota fuerza con un toque de grandiosidad por el movimiento del manto y el brazo 

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Aspiel Apetus Dei Anónimo Siglo XVII Colección Particular, La Paz 

Ligado estrechamente al maestro de los Angeles de Calamarca, se halla este mensajero celeste que repite los uniformes militares, la pose de estar caminando, cambiando curiosamente la actitud de llevar el arcabuz al hombro o presentándolo, ya que en este caso el ángel lleva el arma al revés, o sea con el caño hacia abajo. Su apostura militar, su sentido de marcha. que le den una clara sensación de movimiento
 


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Arcángel San Rafael Anónimo Siglo XVII Colección particular, La Paz – Bolivia 

Aún pasará algún tiempo antes que se haga un estudio detallado de las series y las individualidades de los ángeles en la región andina. La figura del San Rafael que comentamos nos lleva a la idea que hubo muchas series angélicas durante el periodo 1660-1700, productos de pintores del altiplano, que de alguna manera se sintetizan en el maravilloso pincel del maestro de Calamarca, José López de Los Ríos. Sus seguidores e imitadores fueron muy solicitados por la cantidad de representaciones de estos seres celestiales. 

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San Miguel Arcángel Anónimo Siglo XVII Colección particular, Bolivia


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Asiel Timor Dei Siglo XVII Museo Nacional de Arte, Bolivia 

Una hermosa pintura de ángel con arcabuz se encuentra en el Museo Nacional de Arte de La Paz, bajo el nombre de Asiel Timor Dei. Es una obra de una calidad extraordinaria, que proviene posiblemente de una serie desaparecida. Los colores y el dorado de la vestimenta lo diferencian de los ángeles de Calamarca e indican que formaba parte de otra serie, salida sin duda de la misma escuela de pintura.

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Angel Virtud Anónimo (Escuela de Collao) Siglo XVIII  Museo Nacional de Arte, La Paz 

Dentro del circulo del Maestro de Calamarca, se puede considerar este hermoso ejemplar de la visión altiplánica que ha consagrado a los ángeles como uno de los mejores logros de la pintura boliviana; obra de gran finura en el dibujo como se puede apreciar en los detalles de los encajes y fimbria del traje. Por el colorido se puede apreciar el fuerte influjo que el barroco claro oscurista español ha dejado en la pintura andina, destacando los tonos rojos y verdes sobre fondo pardo.


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Arcángel San Rafael anónimo Escuela de Collao Siglo XVII  Museo de Arte Sacro, La Paz – Bolivia.

En la jerarquía angélica, San Rafael, junta con Gabriel y Miguel-, es uno de los ángeles más conocidos tanto en el Antiguo como en el Nuevo Testamento y en la devoción cristiana de todos los tiempos. En la Biblia es el compañero del joven Tobias, a quien guía en un viaje para recuperar un préstamo que su padre hizo a un pariente. Durante el trayecto, al cruzar un río Tobias es atacado por un gran pez, al que Rafael mata y le saca la vesícula con la cual más tarde Tobías curará la ceguera de su padre En la iconografía cristiana, este ángel es el protector de los viajeros. Tradicionalmente se lo representa con atuendo de viaje y portando un báculo y lleva en la otra mano un pez.
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Algunas de las series, sobre todo la inicial de Calamarca, siguen el claroscurismo sobre fondo neutro que ostentan tanto los arcabuceros como los ángeles jerarquizados. 

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ÁNGELES EN PERÚ Y OTROS LUGARES

Angel arcabucero Cuzco 


Un tipo especial de estos ángeles, que gozó una especial difusión en el siglo XVII en la zona del Cuzco, (centro de origen y única ciudad donde se produjo en grandes cantidades que se distribuyeron en la zona andina y en Europa)
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Angel arcabucero Cuzco

Encontramos en el Perú las series de Challapampa y del convento Santa Clara en Trujillo, y las de Casavindo en Argentina. En muchas iglesias y museos encontramos ejemplares únicos, correspondientes a series que fueron dispersadas.
 

Un estudio iconográfico muestra que todas las series cuentan con los tres arcángeles: Miguel, Rafael y Gabriel. La mayoría comprende igualmente el Angel de la Guarda. Uriel está también presente a veces.
 

El Concilio del año 745 en Roma, y el del 789, en Aquisgrán, rechazaron el uso de nombres de ángeles, salvo de aquellos citados en la Biblia: Miguel, Gabriel y Rafael. 

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LOS ÁNGELES EN ESPAÑA

Parece ser que las series de ángeles españoles precedieron a las americanas.
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Monasterio de la Encarnación
La más antigua es posiblemente aquella pintada por el maestro Bartolomé Román para el monasterio de la Encarnación de Madrid, encontrándose una réplica del mismo autor en la iglesia de San Pedro de Lima.
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Y otra colección  incompleta en el Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid 

La imagen puede contener: una personaSan Rafael por Bartolomé Román


Siete ángeles fueron representados en esta serie: Miguel, Rafael, Gabriel, un Ángel de la Guarda, un Serafín, una Virtud y un Ángel portador de flores (Baraquiel)


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Angel turiferario Zurbarán Museo de Cadiz

La escuela sevillana de pintura, en especial en lo que se refiere a Zurbarán y sus discípulos, contribuyó también de forma importante a la iconografía de los ángeles
 

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 Angel turiferario Zurbarán detalle Museo de Cadiz


Representaciones de ángeles atribuidas a Zurbarán, Bernabé de Ayala y Polanco (que deben tanto unos como otros su estilo al maestro de la Extremadura) se encuentran diseminadas en diferentes lugares. La serie más importante de ángeles realizados por influencia de Zurbarán se encuentra en el Monasterio de la Concepción en Lima.
 
LOS ÁNGELES DE EZCARAY

  Los ángeles de Calamarca son similares a los de Ezcaray, que se encuentran en España, que, al parecer, fueron enviados del Perú a este lugar a principios del siglo XVIII. Difieren en algunos detalles: los ángeles de Ezcaray llevan casco y petos, no tienen nombre y cada uno es identificado por un símbolo de las letanías, mientras que los ángeles de Calamarca están vestidos de infantes y tienen nombre.

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 Ermita de Nuestra Señora de Allende
Se halla en un altozano al otro lado del río Oja. En su interior alberga la imagen gótica de la Virgen de Allende, patrona de Ezcaray, y una valiosa colección de diez ángeles arcabuceros, óleos procedentes de una escuela pictórica del Virreinato del Perú de los siglos XVII y XVIII, donados por el ezcarayense arzobispo de Lima Pedro Antonio Barroeta y Ángel (1701-1775).
Por la singularidad de esta colección pictórica, única en España, la ermita recibe cada año a miles de los visitantes que acuden a la localidad riojana

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Angeles de la Ermita de la Virgen de Allende en Ezcaray.

Me los comentó Carlos Bouso y no he dudado en añadirlos.Se les considera “guerreros o arcabuceros” pero he observado que tienen cartelas con las letanias de la Virgen, parecidas a los de Tartanedo.( No he encontrado imágenes mejores que estas)



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La rosa: “Quasi plantatio rossae in Jerico”

Por muchas razones podemos pensar que esta increíble colección la envió y regaló el Ilmo., Sr. Arzobispo Don Pedro Antonio Barroeta Ángel, aunque no se encuentren pruebas documentales sobre ello, porque era hijo del pueblo y Obispo en Lima, de donde parece que los trajo.

LOS ANGELES MARIANOS DE TARTANEDO (GUADALAJARA, ESPAÑA)
 

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Iglesia de San Bartolomé de Tartanedo
(Guadalajara)
 

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Iglesia de San Bartolomé de Tartanedo

Interior con la serie de ángeles Marianos
 
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Colección de ángeles de Tartanedo 
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   Colección de ángeles de Tartanedo 

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 Colección de ángeles de Tartanedo 

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Angel con puerta

La serie angélica de la iglesia de San Bartolomé de Tartanedo (Guadalajara), posiblemente sea la única serie completa de doce ángeles virreinales, con símbolos marianos
 

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Arcangel San Rafael 

Un conjunto inesperado y deslumbrante que en sus escudos recogen los símbolos de las letanías de la Virgen que fijaron en el siglo anterior la iconografía de la Inmaculada Concepción, conocida en Hispanoamérica.



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Angel con luna detalle
 
 
Fuentes:


 http://www.liceus.com/cgi-bin/ac/pu/TRABAJO_ANGELES11.pdf 

Los teatros de Madrid

Voy a hablar primero de los teatros desaparecidos, y sobre todo del germen que supuso la aparición de los “corrales de comedias”, que fueron el marco teatral donde se desarrolló la dramaturgia española del Siglo de Oro. 
Funcionaron entre la segunda mitad del siglo XVI y el primer cuarto del siglo XVIII, siendo algunos de ellos convertidos en teatros. En sus tablas se representaron obras de autores fundamentales de la literatura española del Barroco, desde precursores como Lope de Rueda, actor y dramaturgo, a genios como Lope de Vega o Calderón de la Barca.
 En sus instalaciones disfrutó el pueblo de Madrid junto a reyes, nobles y prelados.En el último cuarto del siglo XVI había seis corrales abiertos en la capital española, los más reconocidos: el corral de comedias de la Pacheca, el de la Cruz y el del Príncipe. 
Todos dependientes de sus cofradías, instituciones de beneficencia pública que obtenían sus fondos de las representaciones teatrales en los corrales. 
La decadencia física de los corrales de comedias madrileños, en gran medida fruto de sus primitivas condiciones como espacio teatral y como edificio arquitectónico, se hizo crítica al final del siglo XVII y descarriló en el primer cuarto del siglo XVIII.
 Los corrales, que habían pasado por la “etapa dura de los Austrias”,tan populares y concurridos gracias a Felipe III y, en especial, a Felipe IV, se caían a trozos o se quemaban por partes. 
En siglos posteriores, vino la solución: convertirlos en edificios arquitectónicos ilustrados.y para ello, se llamó a los arquitectos.
 El resto de los viejos corrales, joyas del teatro del Siglo de Oro Español, si no había caído ya o se había quemado, se perdió en el olvido y su recuerdo se hizo ceniza 

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Teatro Real
Para iniciar esta serie presento el Teatro Real, que es el teatro de la ópera de Madrid, considerado uno de los más importantes de España y Europa. Se encuentra situado en la Plaza de Oriente, frente al Palacio Real,surgiendo en el solar del desaparecido Teatro de las Caños del Peral y es uno de los monumentos más emblemáticos de la ciudad.y dentro de los teatros, el más importante.
Fue fundado a principios del siglo XIX, en el año 1818, e inaugurado en 1850, y se mantuvo de forma ininterrumpida como teatro de ópera hasta 1925, cuando tuvo que cerrar a causa de problemas estructurales en el edificio. No volvió a abrir sus puertas hasta 1966, como sala de conciertos sinfónicos. Entre 1988 y 1997 sufrió una importante remodelación que lo volvió a convertir en coliseo operístico.

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Coliseo de los Caños del Peral

El teatro de los Caños del Peral fue un teatro de Madrid, situado en lo que hoy es la plaza de Isabel II, construido a principios del siglo XVIII sobre un corral de comedias, y demolido en 1817 para dejar su espacio al actual Teatro Real. Se llamaba así, por estar ubicado junto a los lavaderos de la fuente de los Caños del Peral.
La afición del primer borbón, Felipe V, por la ópera italiana, sirvió de pretexto para la construcción del último gran corral de comedias madrileño: el primer coliseo de los Caños del Peral 940961_1755074654720979_1104025654004474126_n

Corral de Comedias de Almagro

Su denominación se debe al espacio urbano que ocuparon y a que todas las obras teatrales profanas eran llamadas “comedias”, aunque encerrasen los tres géneros: la tragedia, el drama, y la comedia propiamente dicha.

El de Almagro, es un ejemplo, bastante remozado, de lo que pudieron ser las Corralas madrileñas en el Siglo de Oro.como por ejemplo el de la Pacheca de Madrid.Por desgracia en la Capital, no quedó ninguna con su aspecto primitivo.
 
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Situación de los Corrales de Comedias en el S.XVII
Teatro de la Cruz

Fue un antiguo corral de comedias de Madrid, uno de los más populares de la ciudad junto con el de la Pacheca y el nuevo corral del Príncipe. Fue escenario para autores como Lope de Vega, Luis Vélez de Guevara, Juan Ruiz de Alarcón, Tirso de Molina y Calderón de la Barca. A partir de la segunda mitad del siglo XVIII el viejo corral quedó reformado como moderno ‘coliseo’ a la italiana, estrenando en él sus piezas más populares dramaturgos como Leandro Fernández Moratín y José Zorrilla, y manteniendo su titularidad de teatro más castizo de Madrid, siendo conocido como el “teatro de los chisperos”

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Placa del Ayuntamiento de Madrid en recuerdo del Corral de comedias de La Cruz, colocada en calle de la Cruz cerca de su confluencia con la plazuela del Ángel.

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El teatro Novedades

Es conocido a causa de su incendio, en el que fallecieron 80 personas y más de 200 personas resultaron heridas.El solar, tras haber sido empleado para distintos fines, fue ocupado por un circo hacia 1856, que sería derribado al año siguiente para construir el teatro. Este fue inaugurado el 13 de septiembre de 1857 en la madrileña calle de Toledo, número 83, y estaba construido en buena parte de madera A finales del siglo XX, en 1899, se introdujo un cinematógrafo.
En 1917 el arquitecto José Espelius colaboró en la reforma de la planta baja del teatro.El edificio fue pasto de las llamas y destruido el 23 de septiembre de 1928 En el momento en que se inició el fuego se estaba representado la pieza “El mejor del puerto”. El decorado estaba formado por un telón que representa la ciudad de Sevilla y frente a él una pequeña embarcación con faroles de iluminación eléctrica. Eran las 20’50 horas cuando falló el entramado eléctrico –probablemente un cortocircuito– y se originó el fuego en el escenario desde uno de los farolillos que lo adornaban. Ante el escenario en llamas, el público entró en pánico y salió huyendo hacia la salida del Teatro. La estampida se había iniciado antes desde los palcos, por lo que el tapón humano se formó irremisiblemente al intentar salir los espectadores del patio de butacas.

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El teatro Apolo
Fue una sala teatral situada en el número 45 de la calle de Alcalá de Madrid (Junto a la Iglesia de San José) Se inauguró el 23 de marzo de 1873, con un aforo para dos mil docientos espectadores, que le valió el título de «catedral del género chico» en el Madrid de la Restauración. En principio adoptó la programación de teatro por horas, habitual entre 1870 y 1910, que haría famosa «la cuarta de Apolo»; es decir, su última sesión, que comenzaba a partir de las doce y media de noche, con obras «más atrevidas», y un público «más despreocupado y jaranero». Vendido el edificio a una institución bancaria, el viejo teatro Apolo de Madrid desapareció el 30 de junio de 1929

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Teatro de los Jardines del Buen Retiro  Alzado y sección del escenario del teatro  diseñado por Lorenzo Álvarez hacia 1880.

Fue un local de espectáculos construido en los primeros años de la década de 1880, dentro del conjunto conocido como Palacio y Jardines del Buen Retiro de Madrid, a lugar de recreo de los monarcas españoles y precedente del Parque del Retiro.

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El teatro del Circo 

Antes Circo Olímpico, fue un local de espectáculos situado en la plaza del Rey, que funcionó en la segunda mitad del siglo XIX. Tuvo su origen en el barracón que ocupó en 1835 la compañía de acrobacias ecuestres de Paul Laribeau. En 1846, el circo fue reformado como teatro por iniciativa del marqués de Salamanca.

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El edificio sufrió el 13 de noviembre de 1876 un incendio que lo destruyó en su totalidad.(como se aprecia en la imagen) En el mismo solar se edificó el teatro-circo que ocupó entre 1880 y 1970 el Circo Price.

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El teatro Rossini

Fue un teatro de verano, instalado dentro del conjunto de atracciones de los Campos Elíseos, al inicio de la calle Velázquez en el barrio de Salamanca.Fue inaugurado el 20 de junio de 1864, contando con café, jardines privados que le servían de amplio foyer natural; para el estreno se puso en escena la ópera Guillermo Tell. Su escenario a la italiana se complementaba con la buena capacidad del local, con cuatro pisos de localidades en planta rectangular, cuatro lucernarios en los ángulos de la cubierta e iluminación de gas en todo el recinto teatral

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El teatro Variedades

Fue un teatro, situado en número 38 o 40 de la calle de la Magdalena, inaugurado a mediados del siglo XIX y en funcionamiento hasta su incendio el 28 de enero de 1888. Tenía un aforo de 813 personas y se ha señalado que en él se produjo el éxito del llamado «teatro por horas», además de haber sido descrito como «la personificación del género chico» y «el local más populachero de finales del siglo XIX»

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Palacio de los Vargas en la Plaza de la Paja
(Rinconera que forman, en la Plaza de la Paja, la Capilla del Obispo (a la derecha) y el Palacio de los Vargas)
El Teatro España fue un teatro-salón del viejo Madrid, en el entorno de la Plaza de la Paja, inaugurado en la década de 1870 y destruido por un incendio antes de que concluyese el siglo. Ramón Gómez de la Serna lo localiza en el edificio que fue Palacio de los Vargas, contiguo a la Capilla del Obispo, “dando espectáculos de
“a real la pieza”.
Cuentan Ramón Gómez de la Serna y Pedro de Répide que en el mismo edificio instaló oficina, por traspaso del teatro, “Doña Baldomera, hija del gran Larra”, en su infancia brillante estudiante de aritmética en el Instituto Español, quien ya madura y abandonada por su marido— puso allí su lucrativo negocio, temprano precursor del fraude piramidal. Tras la pérdida del teatro, y ya en el siglo XX, se hizo cargo de las obras de conservación de parte del antiguo Palacio de los Vargas

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El Teatro El Dorado.

Dibujo del alzado frontal, en el proyecto de José López Sallaberry de 1897 ; obsérvese el nombre del teatro centrando la balaustrada de la galería abierta, entre las dos torres.
Fue un teatro de verano de Madrid,  que funcionó desde 1897 a 1903. Estuvo emplazado en la intersección de las calles Juan de Mena y Alarcón, en las inmediaciones de la Bolsa de Madrid

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 El Teatro Lírico o Gran Teatro de Madrid

Fue un local de espectáculos situado en la calle Marqués de la Ensenada , inaugurado en 1902 y desaparecido en 1920.Obra del arquitecto catalán José Grases Riera, su construcción, concluyó en la primavera de 1902. El edificio, de una superficie de 2912 m², disponía de tres plantas: baja (con 500 butacas), entresuelo y principal. El Teatro Lírico, por entonces conocido como «Gran Teatro», sufrió un incendio el 30 de enero de 1920. Tras el desastre la estructura se adaptó para convertirse en un edificio de viviendas, que posteriormente devino en las sedes del Ministerio de Trabajo, del Liceo Francés y finalmente del Consejo General del Poder Judicial.

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El Teatro Infanta Beatriz

(también teatro Beatriz y Teatriz) fue un pequeño coliseo situado en la calle de Hermosilla esquina a Claudio Coello, en el barrio de Salamanca de la capital de España. Levantado entre 1923 y 1925, El 8 de marzo de 1933, Federico García Lorca estrenó en él Bodas de Sangre.

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Aspecto actual d la fachada del Teatro Infanta Beatriz

Proyectado en 1920, siguiendo el ejemplo del Teatro Fontalba y el modelo de bombonera francesa de los teatros a la italiana, el nuevo coliseo dedicado a una infanta real se integró en el diseño de un edificio de viviendas de lujo. Su estructura respeta el esquema del teatro clásico del siglo XIX

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El Cine Madrid fue un local de espectáculos diversos, situado en la plaza del Carmen esquina a la calle de Tetuán, entre la Puerta del Sol y la Gran Vía de Madrid (España). En su origen, ya desde finales del siglo XIX, funcionó como popular frontón, conocido como Frontón Central, y Gran Kursaal o Kursaal Central (1904), cuando los juegos de pelota compartieron espacio con espectáculos de cupletistas y vedettes como la “Bella Chelito” o “la Fornarina”, y de bailarinas míticas como Mata Hari. Una nueva reforma del edificio lo convirtió en el Teatro Madrid por un breve periodo, recuperándose como salón cinematográfico y de eventos. Su conversión como cinematógrafo vivió varios periodos, entre 1925 y 1943, y como multicine a partir de la década de 1970, que cerró a comienzos del siglo XXI, y que tras unos años en estado de abandono fue derruido. Durante su etapa como frontón-sala despertó el interés de escritores de la época como Valle-Inclán

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Teatro Español

(A partir de aqui, todos los teatros que aparecen, persisten en la actualidad, mas o menos reformados.)
El Teatro Español, tiene sus orígenes en el siglo XVI, con función teatral. En 1583 recibió el nombre de “Corral de la Pacheca”. Entre 1745 y 1767 fue renovado, pero en 1802 un incendio destruyó el interior, y 9 de Marzo de 1849, tras una nueva reforma pasa ya a denominarse “Teatro Español”, por desgracia, otro incendio lo destruyó en 1975 y fue reconstruido y terminado en 1980, sin apenas variar la estructura del edificio.Está ubicado en la calle del Príncipe nº35

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Teatro María Guerrero

Fue inaugurado el 15 de octubre de 1885 bajo el nombre de “Teatro de La Princesa”, convirtiéndose en uno de los principales teatros de la época debido a sus dimensiones y a su decoración.
El inicio de la Guerra Civil provocó su cierre hasta 1940, pasándose a llamar “Teatro Nacional”. Sin embargo, siempre ha permanecido en el mismo enclave, la calle de Tamayo y Baus.
Actualmente, es la sede del “Centro Dramático Nacional”. Sirve para representar espectáculos de pequeño tamaño, porque solamente tiene capacidad para unos ochenta espectadores.

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 Teatro Alcazar

Denominado antiguamente “Teatro Alkázar”, y situado en la calle Alcalá, fue inaugurado el 27 de enero de 1925. En un principio, el conjunto del edificio permitió que se transformara en un conjunto de teatro, piscina, sala de fiesta, aparcamientos y salones de tertulia, por lo que se le llamaría Palacio de los Recreos, pero las restricciones legales no lo permitieron y acabó siendo solamente un teatro

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Teatro Calderón
Se sitúa en la calle Atocha donde se encuentra con la Plaza Jacinto Benavente, en la ruta de los literatos. Se inauguró el 18 de junio de 1927 bajo el nombre de Teatro Odeón, a diferencia de hoy, que lo conocemos como “Teatro Häagen–Dazs”. La marca patrocinadora se ha convertido en el símbolo identificador del teatro.Tiene capacidad para más de mil espectadores.

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 Teatro de la Comedia

Situado en la calle del Príncipe nº 14, este teatro fue inaugurado en 1875 por el rey Alfonso XII. Este teatro tampoco se salva de los incendios, acontecido en 1915 y restaurado por este motivo.
Actualmente trabaja con la Compañía Nacional de teatro Clásico

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Teatro de la Comedia fachada antigua cuando se llamaba Gran Teatro.

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Teatro Lara

Fue construido en la calle San Roque nº 10 en 1879, y se inauguró el 3 de septiembre de 1880 con la obra” Balbina Valverde”. Estaba inspirado en el “Palais Royal” de París y siempre tuvo un sello de prestigio y un público selecto.
Por desgracia, la crisis económica provocó su cierre temporal en los años 80, reabriéndose en 1994

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Teatro Lara fotografía antigua.

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Teatro de la Latina

Fue inaugurado el 5 de enero de 1919, situado en la Plaza de la Cebada nº 2, donde durante cuatro siglos estuvo ubicado el Hospital de La Latina.Debe toda su historia a Lina Morgan, presentando obras allí con frecuencia desde 1978 hasta hace pocos años. Sigue activo en la actualidad.

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Teatro Lope de Vega

El teatro, situado entre los números 53, 55, 57 y 59 de Gran Vía, fue inaugurado en 1949 con el nombre de Teatro Cinema Lope de Vega, sin embargo, lleva el mismo nombre de otro teatro que hubo anteriormente inaugurado en 1850, que desapareció.
Actualmente, bajo su nombre nombre original (Teatro Lope de Vega) se pueden  ver ver musicales y  grandes obras de teatro

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Teatro Lope de Vega fachada antigua (1949)

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Teatro Maravillas (foto antigua)

Este es otro de los teatros del cual su historia se remonta al siglo XIX. Fue inaugurado en 1887 situado en la calle Sandoval esquina a la calle Fuencarral. En 1891 fue trasladado a la calle de Felipe IV, hasta que se instaló de manera estable en la calle Manuela Malasaña. Siempre ha presentado obras de teatro de rigor

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Nuevo Teatro  Alcalá

Antiguamente conocido como Teatro- Cine Alcalá, que fue construido en 1927, y pasando a denominarse Coliseo Alcalá y Alcalá Palace, reabrió desde un largo periodo de silencio (desde 1991 hasta 2001) bajo el nombre de Nuevo teatro Alcalá. Lo que más le caracteriza es que en 1975 trajo el musical “Jesucristo Superstar” a Madrid. Está situado en la calle Jorge Juan nº 72

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Teatro Pavón

Situado en el nº 11 de la calle Embajadores, se inauguró en 1925. Destacaba su torre con el reloj y la fachada de colores. Posteriormente sería convertido en un cine de barrio (El Teatro-Cine Pavón), hasta que posteriormente se devolvió el local al mundo de las candilejas, fracasando al poco tiempo. Actualmente es la sede de la Compañía Nacional de Teatro Clásico y su nombre ha cambiado a El Pavón Teatro Kamikaze.

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 Teatro Reina Victoria

El 10 de junio de 1916 se inauguró este teatro en la Carrera de San Jerónimo nº28, aunque de la decoración interior original no queda ningún elemento, conserva su fachada con amplias vidrieras y mosaicos. Este teatro tiene capacidad para más de 600 espectadores.

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Teatro de la Zarzuela

Fue inaugurado el 10 de octubre de 1856 promovido por la empresa “La España musical”, y también fue destruido por un incendio en 1909 e inaugurado de nuevo mejorando las condiciones en 1913. Más, tarde en 1956, cuando fue comprado por la Sociedad General de Autores de España y fue remodelado de nuevo perdiendo parte de la fachada original. Actualmente trabaja junto a la Compañía Nacional de danza, aunque también se pueden ver obras de teatro. Está ubicado en la calle Jovellanos nº4.

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Teatro de la Zarzuela antigua fachada

 Fuentes y fotos:

 páginas de cada uno de los Teatros
 , 
http://www.wikiwand.com/es/Categor%C3%ADa:Teatros_desaparecidos_de_Madrid


Bibliografía:

Antonio Castro Jiménez   “TEATROS HISTÓRICOS DE MADRID y EDIFICIOS SINGULARES”
 

El oro en la Historia

A finales del Neolítico, el hombre comenzó a sustituir a la piedra por el metal: no se sabe como llego a este resultado; pero es probable qué recogiera primeramente los metales que aparecen puros en la superficie de la tierra; el oro, la plata y el cobre.
El oro, junto al cobre y la plata fue uno de los primeros minerales trabajados por el hombre, ya que se le encuentra en estado casi puro en la naturaleza. fue utilizado  golpeándolo, al principio, hasta dejarlo plano como una lámina.
Después, como consecuencia del perfeccionamiento de las técnicas cerámicas, se aprendió a fundirlo en hornos y vaciarlo en moldes, lo que permitió fabricar mejores herramientas y en mayor cantidad.
Debido a su relativa rareza, comenzó a usarse como moneda de cambio y como referencia en las transacciones monetarias internacionales. Hoy por hoy, los países emplean reservas de oro puro en lingotes que dan cuenta de su riqueza
LOS DEPÓSITOS
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Pepita de oro
Con el oro y la plata se fabricaban ya desde la prehistoria, utensilios muy variados como vasijas, piezas de adorno, joyas, monedas y estatuas siguiendo el estilo, la ornamentación y el gusto propios de la época y de la nación que los elaboraba, como puede observarse recorriendo las principales civilizaciones. 

 
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ANTECEDENTES

Sepultura 43 de la Necrópolis de Varna, Bulgaria
También conocido como el cementerio de Varna, es un yacimiento arqueológico funerario que se encuentra en la parte occidental de la zona industrial de Varna, en Bulgaria. Datado a finales del Calcolítico (4600-4200 a. C.), según varios expertos esconde la cuna de la civilización europea, así como el primer oro trabajado del mundo

TÉCNICAS DE EXTRACCIÓN

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EL BATEO
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El bateo, era un sistema de extracción del oro de forma artesanal y ancestral:  la extracción de oro de un caudal de agua mediante el uso de una batea que se llena de la arena del rio desde época temprana.
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MOLIENDA
Molienda del mineral, en artesas de piedra con morteros de piedra. El mineral triturado se muele para liberar de la ganga las partículas finas de oro. Los aluviones auríferos finos no necesitan molienda y se someten directamente al bateo. 

 
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ARRANCADO
Arranque de mineral, de vetas o filones auríferos con maceta y cincel:  el oro se encuentra generalmente en pequeñas partículas dentro de vetas o filones de cuarzo. Los mineros arrancan pedazos del filón de cuarzo del cual separan luego las partículas de oro.
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FUNDIDO

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FUNDIDO, VACIADO Y MOLDEO

El moldeo , fundición , o vaciado a la cera perdida es un procedimiento escultórico de tradición muy antigua que sirve para obtener figuras de metal (generalmente bronce y oro) por medio de un molde que se elabora a partir de un prototipo tradicionalmente modelado en cera de abeja.
Esta tecnología es utilizada en todo el mundo y fue desarrollada de manera independiente y paralela por los sumerios, indios, chinos, mesoamericanos e Incas, la cual fue adoptada por civilizaciones contemporáneas o posteriores. 
TÉCNICAS

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MARTILLADO Y BATIDO
Las técnicas empleadas en el trabajo del oro fueron muy sencillas al inicio. El martillado en frío proporcionaba láminas e hilos que podían adoptar formas diferentes.

Separado el metal del recipiente, se realiza el batido o martillado, para el batido se necesita interponer un material flexible (cuero, tela, etc.) entre el metal y la herramienta para obtener láminas finas y evitar huellas o roturas. El martillado supone golpear directamente el metal para darle forma de lámina, lingote

12027677_570703856430193_451801456853234708_nTas o yunque de orfebre

Al martillar o batir las piezas, estas cambian de dureza y ductilidad debido a las transformaciones sufridas en su microestructura, por lo que se hace necesario el recocido uno o varias veces para evitar que se quiebre la lámina. 

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ESTAMPILLADO
Se empleaba la estampilla, golpeando la lámina que reproducía el motivo decorativo en negativo. Tambien las habia de doble cara, para acuñar, sobre todo monedas.
Buriles para repujar de distintos tipos
REPUJADO
Se realiza trabajando con buriles de diferentes tamaños y formas desde el envés de la pieza, dispuesta sobre una superficie blanda que permita la progresiva deformación de la superficie trabajada. De esta forma, el artesano trabaja en “negativo”, hundiendo más aquellas zonas que deben tener mayor relieve por el lado contrario.
Los detalles finales del relieve se obtienen trabajando en el lado frontal de la pieza, perfilando este con buriles más finos para obtener una mayor definición.
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Máscara funeraria de oro con repujado, siglo XVI a.C., Tumba IV del Circulo A de Micenas, Museo Arqueológico Nacional, Atenas
Foto de Ramón Muñoz, para Flick
El paso final consiste en reforzar la pieza para evitar que el relieve conseguido pueda deformarse con su uso posterior. Dependiendo de la naturaleza del material trabajado, esto puede obtenerse endureciendo la pieza o rellenando el hueco posterior con un material maleable como cera, yeso o alguna goma que al secar sea lo suficientemente dura para impedir la deformación del relieve.

 Mascara de Agamenón (Museo arqueológico de Atenas)
(Pongo la mascara de Agamenón como ejemplo de empleo de la técnica descrita)
 
La Máscara de Agamenón es un objeto arqueológico descubierto en la acrópolis de Micenas en 1876 por el arqueólogo prusiano Heinrich Schliemann.que pensó que había descubierto el cuerpo del legendario rey griego Agamenón, y por ese motivo la máscara recibió su nombre. Sin embargo, estudios arqueológicos modernos sugieren que la máscara podría datar de entre 1550 y 1500 a. C., lo que la situaría en un tiempo anterior (unos 300 años) al que tradicionalmente se atribuye a la vida de Agamenón..

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FILIGRANA
Es un esquema decorativo diseñado mediante hilos que se sueldan a una lámina de base. Para fabricar los hilos hay dos métodos: en un caso, se parte de una lámina cortada en tiras estrechas que se enrollan sobre sí mismas sujetándolas por un extremo, lo que les deja marcas helicoidales de retorcimiento; y en el otro, se realiza un fundido previo en molde para obtener la forma de hilo y después se martillea hasta obtener la sección deseada. Se llama «filigrana sentada» cuando los hilos se sueldan sobre una base, y «filigrana al aire o calada» cuando los hilos se unen entre sí, sin base.
 
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GRANULADO
Se basa en que los hilos se sustituyen por pequeñas esferas de oro. Consiste en soldar pequeños gránulos o esferitas de oro a una superficie formando diversos motivos. Generalmente «filigrana» y «granulado» se combinan entre sí, y a veces también con otras técnicas, alcanzando una gran complejidad compositiva.
 
 
LOS INICIOS DEL USO DEL ORO
Láminas de oro de La Pastora. Anverso y Reverso. Fotografía modificada de: Museo Arqueológico Nacional.  
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Lámina lisa de forma rectangular con los lados opuestos plegados. En la Península Ibérica las piezas más antiguas de orfebrería, son usualmente pequeños elementos con muy poca cantidad de oro, que adoptan la forma de cuentas o apliques, bien sobre el vestuario, bien para decorar otros elementos, como vainas de puñales
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Diadema de Caravaca de la Cruz Edad del Bronce (2.200-850 AC) MAN
Esta diadema es un ejemplar único por ser de oro, ya que todas las diademas encontradas en las tumbas de los poblados metalúrgicos de la cultura del Argar son de plata, aunque tengan una forma parecida. Por esta razón, los arqueólogos han interpretado que fue un objeto de lujo exclusivo de mujeres, en cuyos enterramientos aparece, y que lo utilizaron como símbolo de ostentación de su poder y prestigio social.
La misma interpretación han dado a los anillos, pulseras y collares, de oro, plata o marfil, con los que se adornaron y enterraron tanto los hombres como las mujeres importantes de la comunidad argárica.
 
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Espada de Guadalajara. Bronce con empuñadura de oro. Edad del bronce (1500aC) M.A.N.

 
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Brazalete de Mengibar. Lugar de Procedencia Mengíbar (Campiña del Norte (comarca), Jaén) MAN. Técnica Fundición a molde Martillado Trefilado
El brazalete con espirales de Menjibar se compone de un grueso aro del que penden tres grupos de 11 espirales enganchadas.Se trata de uno de los primeros objetos vaciados en molde aunque despues se retoquen con martillado.Las espirales son de alambre de sección circular y romboidal y extremos apuntados, ensartadas en el brazalete.
Es un hallazgo complejo de signicado incierto y cuya cronología tampoco se conoce con exactitud, situandola en la Edad del Bronce.Los hallazgos de espirales parecen responder a “depósito ritual” bien funerario,votivo o religioso.
EL DESPEGUE TECNOLÓGICO
Tras el Bronce final, se fueron perfeccionando las técnicas en el tratamiento de la artesanía del oro:
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Torques de Sagrajas (Badajoz) .Bronce Final. Inicios del primer milenio a.C.
Pieza sobresaliente de la orfebrería prehistórica peninsular, este collar rígido y macizo alcanza más de 2000 g. y constituye la mejor prueba de la acumulación de metales preciosos en esta época.
De forma habitual este tipo de objetos aparecen escondidos en lugares deshabitados, formando lo que se ha dado en llamar tesoros. Estaba junto a cuatro brazaletes y fragmentos de alambre en oro 
 
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Brazalete de Estremoz (Siglos XIII-X a.C.) Bronce Tardío Lugar de Procedencia Évora-Estremoz

Fué hallado en el siglo XIX por un labrador, junto a otro objeto de oro que al parecer fue fundido Se trata de uno de los hallazgos que dan nombre a la orfebrería tipo Villena/Estremoz, la cual se desarrolla en las últimas fases de la Edad del Bronce, fundamentalmente en el Occidente de la Península Ibérica. 
 
 
LA TECNOLOGÍA MEDITERRANEA
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Figura del dios Ptah con mascarilla de oro o Sacerdote de Cádiz . Bronce y oro- Edad del Hierro Siglo VII a.C.
Escultura conocida con ese nombre, se ha propuesto que sea la representación del dios Ptah, con la cara cubierta con una máscara de oro. A pesar de su analogía no se puede pensar en ella como un dios egipcio y sí, en cambio, como la imagen de alguno de los dioses protectores del comercio internacional que estaba teniendo lugar en la antigua Gadir.La composición de su bronce, con arsénico y zinc, hace pensar que se trata de una pieza importada, posiblemente de Fenicia. 
EL ORO INDÍGENA TARTÉSICO
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El tesoro del Carambolo S.VII-VI a.C.
Este conjunto está formado por 21 objetos: 16 placas rectangulares, 2 pectorales o colgantes, 1 collar y 2 brazaletes. Se halló casualmente en el año 1958, durante una reforma en el edificio de Tiro del Pichón en Camas, originando posteriores excavaciones llevadas a cabo por D. Juan de Mata Carriazo.
Las piezas fueron ocultadas dentro de una estructura oval, en la que además había abundantes huesos de animales y cerámica del tipo que se ha denominado “carambolo”, lo que ha hecho pensar en un posible espacio de culto o destinado a algún ritual. La interpretación más aceptada afirma que servían de exorno para un dignatario religioso o político, o quizás para dos, ya que aunque todos los elementos que componen el tesoro parecen haber salido de un mismo taller, se pueden identificar dos conjuntos en base a la decoración. Una interpretación reciente propone la posible utilización de algunas piezas en el adorno de toros sagrados, basándose en paralelos arqueológicos y etnográficos.

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Arracada (Tesoro de la Aliseda) MAN.Oro laminado granulado. Calado. Filigrana
Las arracadas se componen de un cuerpo central hueco de forma amorcillada, terminado en sendos remates circulares donde se inserta el sistema de cierre. La zona de soldadura del interior se decora con una estrecha lámina rectangular sobre la que se encuentra una hilera de gránulos que la recorren en su totalidad. De la parte externa de la arracada penden una serie de elementos decorativos en dos hileras superpuestas: flores de loto, palmetas y halcones soldados entre sí, formando un trabajo calado.

El sistema de suspensión está formado por una charnela y, para mayor seguridad, existen unas cadenillas que rodeaban el pabellón de la oreja, compuestas por eslabones largos doblados por la mitad.

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Tesoro de Aliseda.  Oro Filigrana Granulado
El Tesoro de Aliseda se encontró en el mes de febrero de 1920 en la localidad cacereña del mismo nombre.
Aunque se desconocen los detalles de su disposición en el terreno, debió formar parte del ajuar funerario de un túmulo orientalizante donde se enterraron al menos dos personas aristocráticas, un hombre y una mujer con sus respectivas joyas: el Cinturón es una pieza de uso masculino y la diadema de uso femenino.
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Diadema con remates triangulares articulados.
Está formada por una lámina compuesta por plaquitas cuadradas que componen una faja de doble hilera de rosetas y festones con esferas pendientes de pequeñas cadenas. Todas las rosetas contendrían piedras decorativas, pero sólo se conserva una turquesa. Cada uno de los extremos triangulares se decoran temas vegetales (flor de loto o roseta) mediaNte granulado, cuatro cabujones que contendrían posiblemente piedras y borde compartimentado

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Los Candelabros de Lebrija . Higueras del Pintado (Sevilla) MAN
Los Candelabros de Lebrija o soportes para quemaperfumes, están datados en el S.VII a.C. y son un conjunto de Candelabros en oro de época ibera que fueron utilizados por los Tartessos. ´Podrían haber sido utilizados para ceremonias religiosas y como objetos votivos. Esta reproducción está realizada en bronce. El original es de oro y pesa 1309 grs. Miden aproximadamente 70,3 cm de altura. Dado su gran tamaño, su elaboración sería bastante dificil, ademas alguno de ellos no resistió su propio peso y tenian rasgadura que fueron reparadas.
LOS TALLERES DE ORFEBRERÍA IBÉRICOS
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Arracada S.IV AC. Lugar de Procedencia Necrópolis de Tútugi, Galera comarca de Huéscar (Granada): Zona II.  oro fundido y granulado
Arracada en forma de aro realizado con un alambre liso de sección circular cuyos extremos, abiertos, montan uno sobre otro, y decorado al interior con un hilo sogueado superpuesto con pequeños gránulos intercalados. En el borde externo se decora con una triple línea de gránulos de diferentes tamaños. De la zona central cuelga una decoración de gránulos colocados en forma de racimo. Estos gránulos se encuentran a su vez rodeados por otros de mucho menor tamaño.
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Diadema de Javea.  Conjunto Tesoro de Jávea  Oro Granulado-Filigrana-Troquelado
Diadema de estructura articulada con extremos triangulares, que es heredera de diademas orientalizantes, como la de Aliseda. Su decoración calada de filigrana, granulado y recortado es de influencia clásica griega, reinterpretada al gusto ibérico. No se observan huellas de uso por lo que pudo ser encargada, exclusivamente, como objeto de prestigio. 
Es la pieza principal llamado “Tesoro de Jávea”, un depósito compuesto sólo de joyas: la diadema, tres collares, una fíbula, un brazalete de oro y varios brazaletes de plata.
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Se interpreta, presumiblemente, como ajuar femenino ya que la mayoría de ellas guardan gran similitud con las representadas en las esculturas femeninas ibéricas en piedra y bronce. También se ha interpretado que el conjunto pudiera haber pertenecido a una pareja, debido a los brazaletes de plata que podrían ser masculinos.
EL ORO EN LA CULTURA CASTREÑA
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Diadema o cinturón de Vegadeo (Asturias) Oro Batido, repujado y estampado 
Diadema o cinturón formada por una lámina de oro muy delgada, con dos anillas en cada extremo fabricadas mediante filigrana. El interior de la lámina está decorada en cuatro zonas mediante estampado y repujado, alternando motivos de cesteria y rosetas. Las cuatro zonas decoradas están delimitadas por motivos series de motivos geométricos muy simples, como series de líneas cortas paralelas y de roleos.
Denominamos “diadema-cinturón” a esta pieza debido a que en un principio se consideró que pudiese ser un adorno de cabeza, pero posteriormente su longitud hace suponer que pudiese tratarse de un cinturón que se complementaría con una tira de matería orgánica. 
Hay dos piezas muy similares a la aquí descrita que se encuentran en el Museo del Louvre y en el Lázaro Galdiano, respectivamente, que quizás pudieron proceder de un mismo hallazgo vendido separadamente
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EL ORO EGIPCIO

Máscara de Tuthankamon
 El oro de Egipto, en esa época, provenía de Nubia, al Sur del Sudan, donde los placeres auríferos cubrían extensas áreas cuadradas fueron trabajados hasta una profundidad de dos metros. Es muy probable que la minería de esos placeres auríferos comenzara en esa región hace unos 600 años. Mas tarde en esa región se comenzó a trabajar los filones auríferos. Los primitivos instrumentos utilizados en esos comienzos de la minería de subsuelo fueron martillos de piedra.
MESOPOTAMIA
Joyas descubiertas en Ebla,(Siria) tumba del Señor de los Cápridos.1250 a.C. Bronce Medio.
En Mesopotámia, el oro era conocido y explotado antes de ser conquistado hacia el año 2000 A.C., Se ignora de que parte de Caldea procedía el oro. Persia, Armenia y Fenicia fueron productores de oro muchos antes de nuestra era.
Pendientes de Mesopotamia 
LA ANTIGUA LIDIA
El Oro se encuentra en estado puro en la superficie de la tierra, principalmente en las arenas de los ríos, conocido y utilizado desde los inicios de la historia.  Las grandes civilizaciones de la antigüedad, Egipcios, Asirios, Etruscos, etc.. nos dejaron tesoros de ornamentos y joyas de oro.  Pero probablemente es en la zona de Anatolia, lo que anteriormente era el reino de Lidia, en la región que se extiende a lo largo de la orilla del Mar Egeo, en la costa de la actual Turquía, surcada por los ríos cuyos nombres se recuerdan, el Meandro y el Pactolo, este ultimo convertido en el símbolo de la riqueza, cuando hizo su aparición el “fenómeno monetario”
LA MONEDA
Moneda de Cresus  anverso y reverso 
La primera emisión de monedas de oro puro, en gran escala, se efectuó bajo el reinado del rey de Lidia: Crésus (561-546), su nombre también es símbolo de opulencia.  Tan grande  era la riqueza del rey de Lidia, que pudo hacer una ofrenda a Apolo en Delfos, dicha ofrenda era de una gran cantidad de lingotes y ornamentos cuyo peso en oro se estimó en 4 toneladas. Las monedas de Crésus , acuñadas en Sardis, contenían cerca del 98% en oro, es decir se acercaban bastante a la pureza.
Llevaban en el anverso el símbolo real: una cabeza de león y una de toro enfrentadas. En el reverso, como en las emisiones precedentes, llevaba solo el  hueco hecho por el punzón.  Crésus también mando a acuñar monedas en plata.
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EL ORO ETRUSCO. S.VIII AC al II AC
Hablar de orfebrería etrusca, es hacerlo de perfección sobre todo al aplicar la técnica del granulado.Sus piezas formaban parte de los ajuares funerarios
La técnica del granulado, aunque ya se conocía en el area mediterranea, alcanzó en Etruria una gran perfección y alli se utilizaba el “pulviscolo” o polvo, llamado asi por diminuto tamaño de sus partículas, que se soldaban a una superficie lisa, despues que se fabricaban,sin que se deformaran o fundieran
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Bulla
Bulla etrusca en forma de corazón con la representación de Ícaro.
Entre las joyas creadas por los orfebres etruscos, destacan particularmente dos: la “Bulla”un amuleto protector que mas tarde, adoptaron los romanos y los pendientes “a baule”
Los niños romanos nacidos libres seguirían llevando la bulla, junto a la toga praetexta, hasta la edad de portar la toga viril, a los 16 años, cuando pasaban a la edad de la adolescencia y llegaban a ser ciudadanos romanos. Se guardaba entonces con sumo cuidado, consagrándola a los dioses Lares o a Hércules.
EL ORO ROMANOLa imagen puede contener: montaña, cielo, exterior y naturaleza

Las Médulas es un entorno paisajístico español formado por una antigua explotación minera de oro romana situado en las inmediaciones de la localidad homónima, en la comarca de El Bierzo, provincia de León. Está considerada la mayor mina de oro a cielo abierto de todo el Imperio romano
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Las Médulas, túneles

El trabajo de ingeniería realizado para la extracción del mineral supuso la alteración del medio ambiente pero dio como resultado un paisaje de arenas rojizas, cubierto en la actualidad parcialmente de vegetación de castaños y robles. Consistia en dejar pasar corrientes de agua muy fuertes a través de túneles horadados en las colinas, que arrastraba el mineral de oro.

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Aureo de Augusto 

Esta gran moneda de oro del emperador Augusto, equivalente a cuatro áureos, es sin duda una de las grandes piezas de la colección del Museo Arqueológico, pues se trata de un ejemplar único. Estas raras monedas de tan gran tamaño y valor se acuñaban para obsequiar a personas cercanas al emperador, funcionarios y oficiales de alto rango, o como presentes diplomáticos. El cuidado estilo del retrato de Augusto, que entonces tenía 36 años, hace pensar que fue acuñada en el taller griego de Pérgamo, en la actual Turquía, para conmemorar la conquista de Egipto, lograda a raíz de la batalla de Actium y la posterior toma de Alejandría en el 30 a.C.

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Monedas romanas 394-395 DC. Lugar de Procedencia Arcos de la Frontera- Cortijo San Rafael
Aunque desde mediados del siglo IV d.C. Roma acuñó sólidos de oro en grandes cantidades para el pago de impuestos y el ejército, en la práctica estas monedas de alto valor circulaban muy poco, pues la gente las atesoraba rápidamente y las guardaba en lugar seguro. Parece que la ocultación de este conjunto está relacionada con los saqueos y pillajes que realizaban los pueblos bárbaros entre 409 y 429, mientras cruzaban la Península de norte a sur.
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Amuletos romanos en forma de mano (precursores de la “higa”?)

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Pendientes romanos
EL ORO VISIGODONo hay ninguna descripción de la foto disponible.

Tesoro de Guarrazar Siglo VII (621-672). Oro, piedras preciosas, perlas, nácar, vidrios artificiales y cristal de roca. Guarrazar (Guadamur, Toledo)
Conjunto de coronas votivas y otros elementos de orfebrería hallados a finales del siglo XIX a las afueras de la localidad toledana de Guadamur. Debieron ser ofrendas por parte de reyes y personajes de alto rango, a alguna de las basílicas de la capital del reino, Toledo, testimoniando la influencia de las costumbres bizantinas en la corte visigoda
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Destacan dos brazos de una cruz procesional de oro y gemas, y la corona votiva del rey Recesvinto (649-672), de la que penden las letras con su nombre como oferente.

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Corona votiva del rey Recesvinto (649-672)
El tesoro se encuentra hoy repartido en tres sedes: Museo Arqueológico Nacional, Palacio Real en Madrid y el Musée National du Moyen Age en París.

EL ORO NAZARÍ

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Collar (siglos XIV-XV) Oro Fundición Y Filigrana
Lugar de Procedencia Bentarique(Alto Andarax (comarca), Almería)
Collar en filigrana de oro (Al-haiathe), formado por cinco pasadores oblongos de remate semiesferico, cuatro colgantes piramidales, un pasador cilindrico o alcaucil y un alcorci o colgante plano que pende del pasador cilindrico. Entre los pasadores oblongos, los colgantes piramidales y el pasador cilindrico del centro, lleva a cada lado cinco alamares, asi como otros ocho alamares que penden del golgante plano. Descrito por R. Amador de los Rios “Informe acerca de las joyas arabigas halladas el año 1896”
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Brazalete Y Aljófar (siglos XIV-XV)
Lugar de Procedencia Bentarique(Alto Andarax (comarca), Almería)
Oro Fundición Y Repujado
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Brazalete de oro repujado .

Su decoración consiste en medallones lobulados, enlazando cordones de realce recorridos por líneas de puntos, que cubren también los fondos. Están formados por una sutil lámina de oro, pero rellenos interiormente de una especie de laca o mastic para hacerlos geométricos.
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La Emperatriz Teodora y su séquito
El Imperio Bizantino a diferencia de los romanos y conjuntamente con los francos y celtas; preferían usar el pan de oro que consistía en láminas muy finas del batido de este bello mineral. El oro macizo no estaba incluido dentro de sus prioridades, poniendo todo el énfasis en gemas y piedras preciosas
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En la Edad Media y las joyas del Renacimiento, fueron parte importante del adorno personal, desempeñando un papel muy importante en la auto-expresión y la auto-representación de los dignatarios.
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Fíbula de época carolingia
A principios de la Edad Media, la mayoría de las joyas eran funcionales.
Vestir modas no permiten una gran exhibición de joyas. La túnica larga, de cuello alto, y de manga corta que usaban los dos sexos, aunque pudieran estar ricamente adornadas con bordados, dejaba poco espacio para las joyas.
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Hebilla de cinturón
El cinturón que llevaban los hombres y las mujeres casadas, y el broche que sujetaban las túnicas y capas, eran las únicas joyas que naturalmente formaban parte del vestido
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Broche del S.XIV. Museo de Cluny, París.
En un segundo artículo titulado “Joyas históricas” continuaremos con la evolución de la orfebrería de oro y gemas, en siglos posteriores.
Nota: Todas las piezas que aqui se presentan, están en el Museo Arqueológico Nacional de Madrid, a excepción en las que indico lo contrario y que he añadido por considerarlas muy importantes para el tema expuesto.
Así, obsevareis que por ejemplo, la Máscara de Agamenón, se encuentra en el Arqueológico de Atenas y los objetos de la sepultura de Varna, pueden ser vistos en el Museo Arqueológico de Varna y en el Museo Nacional Histórico de Sofía. El Tesoro del Carambolo esta en el Museo Arqueológico de Sevilla y asi algunos mas…
FUENTES
Bibliografía: Guia del MAN titulada “Historia del oro” cuya página web os adjunto.
Las fotografías son de los distintos Museos consultados.

Joyas históricas

Tras la Antigüedad y la Edad Media, la joyería sufrió una gran transformación, debida a varios factores: el Renacimiento supuso una revolución cultural muy profunda, que ha tenido todas las artes y también las joyas y las técnicas de la joyería.
En el Renacimiento, la tecnología de las joyas se ha convertido en el mejor servicio de las artes y las nuevas tecnologías. 
Ya no sólo se utilizan las piedras preciosas como joyas sino también elementos decorativos arquitectónicos en el que priorizaban el alabastro y la malaquita. Se usa para utilizar, también, en la moda mediante el bordado, por ejemplo, de perlas en las indumentarias de terciopelo y seda 
 Los artistas eran multidisciplinares, lo que se convirtió en una relación entre la pintura, la arquitectura y la escultura que se extiende a la joyería.
 Pintores y escultores geniales, se dedicaron al diseño de joyas, que se difundieron por toda Europa, creando un estilo internacional de diseño de gemas. Los grandes pintores de la época, como Durero o Holbein, utilizaban su arte para diseñar fantásticas piezas de joyería. 
Al principio del siglo XVI, España fue el más importante centro joyero, la cantidad de oro, plata y piedras preciosas como las colonias americanas y el comercio de gemas con el resto de Europa.

 Expongo a continuación varios ejemplos en orden cronológico, empezando por dos importantes piezas, aún de época medieval, dedicando el resto del artículo a la orfebrería renacentista y barroca  e incluso algunas piezas históricas de S.XVIII al XX.

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REGALÍA DEL SACRO IMPERIO ROMANO-GERMÁNICO
Su origen se suele situar en el siglo X. A diferencia de la mayoría de las coronas, no es circular, sino octogonal. Está realizado en oro y adornado con 144 piedras preciosas y otras tantas perlas. En la parte frontal se encuentra una única diadema. Casi todo en esta corona hace referencia a la Jerusalén celeste: por ejemplo las doce piedras del panel frontal representan los doce apóstoles, en los paneles se representan las palabras de las profetas, se representan también los hijos de Jacob, el tribus de Jerusalén, así como Referencias a David y Salomón.
HUNGRIA
LA SANTA CORONA DE HUNGRÍA

El objeto medieval más reconocido de Hungría es la Santa Corona de Hungría, es la única en la actualidad en ser calificada como un “Atributo Sacro”. Desde el siglo XII, todos los reyes de Hungría han sido coronados con la misma corona. La corona se compone de dos piezas. La parte inferior es una corona bizantina, que data del 1070, de la esposa del rey húngaro Géza I (1.074-75). La parte superior es la forma de cruz, y en un principio, probablemente, haya tenido otra función. Las dos partes se unieron en la forma actual, probablemente alrededor de 1200,en la época del rey Béla III y su timbraron con una pequeña cruz que, desde el s.XVII, se encuentra torcida y puede tener su origen en el hecho de que se ha aplastado por la tapa del cofre en la que está custodiada.

SIGLOS XV Y XVI

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Lucrezia Panciatichi de Bronzino
Lucrezia, la esposa del político florentino Bartolomeo Panciatichi, la mujer en su estilizado y elegante cuello blanco un precioso collar de perlas, con un broche y una larga cadena de oro con una pequeñísima placa de oro con esta inscripción grabada: “Sin fin amour Duré ”en alusión al amor y la fidelidad.En los siglos XV y XVI, las joyas de tu gran importancia en la moda, los trajes de terciopelo y seda (en ambos sexos), son bordados junto con perlas y piedras preciosas
En la joyería, se extiende el uso del colgante combinado con perlas irregulares (barrocas), esmaltes y gemas y se pone de moda broches con un retrato en miniatura, cadenas, colgantes y cinturones con gemas incrustadas.

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Mº Artes Decorativas de Madrid   
En este museo se exhiben una buena colección de antiguas joyas, de las que podremos ver algunas:
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Broche renacentista
Al principio del siglo XVI, España fue el más importante centro joyero, la cantidad de oro, plata y piedras preciosas de las colonias americanas y el comercio de gemas con el resto de Europa. Del siglo anterior, se recuerdan algunas ideas que se aplican en la decoración de vestidos y demás elementos para el personal como pinjantes, aderezos, medallones, cinturones, elementos de sujeción para las espadas, etc.
La moda sigue marcando un papel importante en la fabricación de joyas. Por eso se van a diseñar gran cantidad de aderezos y demás adornos.

LOS PINJANTES
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Pinjante con forma de animal marino
Probablemente un delfín, realizado en oro macizo engastado con trece piedras preciosas: amatistas, esmeraldas, rubíes y posiblemente granate. Cabalgando sobre el delfín hay una figura de guerrero móvil vestido a la romana y  con una maza. Esta temática tiene su origen en los diseños de Collaert con Neptuno cabalgando delfines y en los relieves que decoran el claustro de la Universidad de Salamanca, inspirados en las estampas de la obra de Francesco Colonna: “Hypnerotomachia Poliphili” (1499). Podría hacer referencia a Felipe II como Hércules hispano y al poder naval español en la batalla de Lepanto (1571)

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Pinjante de cadenas con forma de rana. 1590 Mº Artes Decorativas de Madrid. 
Realizada con los distintos materiales, las patas, en oro, están de color verde traslúcido y los restos de esmalte negro para dar mayor naturalismo. El reverso de la figura está realizado en oro cincelado en esmalte blanco con piedras. El cuerpo de la rana es una gran perla barroca, lleva un pequeño diamante que simula el ojo de la rana. De las patas posteriores cuelgan una perla y de las patas anteriores dos cadenillas de oro para sujetarlas.


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Colgante en forma de un Tritón con espada y escudo. Victoria and Albert Museum (Londres)
Con una perla barroca montada en oro esmaltado con perlas, diamantes de corte tabla y rubíes indios tallados. 
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Pinjante que representa una oveja con perlas barrocas
Las perlas son esferas hechas de nácar que se forma cuando un cuerpo extraño se introduce en el interior  del molusco, que reacciona cubriendo lentamente la partícula. Las perlas barrocas, en general, provenientes de China se pusieron muy de moda durante el Renacimiento, cuento más raras las formas, fueron más apreciadas, los collares de las perlas barrocas son muy originales ya que cada perla toma una forma y un tamaño diferente.
 
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Pinjantes con perlas barrocas con forma de caballo y liebre
SIGLO XVII
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 ADEREZO DE CHRISTIAN IV DE DINAMARCA (1588-1648)

Aparece un nuevo elemento en la joyería y en la bisutería: el aderezo, conjunto de joyas formado por collar, pendientes, broche y, a veces, también de tiara o anillo, todo a juego , en las mujeres y los botones, alfiler de corbata, hebillas de zapato, empuñadura del sable e insignia de la orden de caballería en los hombres.
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Cuna de filigrana de oro y perla barroca como “bebé” hacia 1695 Florencia, Palazzo Pitti, Museo degli Argenti 
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Rosa de pecho Museo Nacional de Artes Decorativas (Madrid)
Las rosas o joyas de pecho se consideran el antecedente de los actuales broches. Consiste, generalmente, en un motivo redondeado (rosa) con “morrión”, “copete” o “lazada” que lo acompañará hasta el siglo XVIII, evolucionando posteriormente en otros modelos.
La rosa en su evolución es desmontable y a veces lleva algún pinjante. La armadura puede ser de oro o plata dorada calada o cincelada o de filigrana. Puedes usar diamantes o piezas falsas, las perlas tipo aljófar se utilizarán mucho en las décadas de los 60 y 70.
'La infanta María Teresa'. Diego Velázquez. Óleo sobre lienzo, 34 x 40 cm. 1653. Nueva York, Lent by The Metropolitan Museum of Art, The Jules Bache Collection, 1949
Encontramos un paralelo de esta pieza  sobre el pecho la infanta María Teresa en el cuadro de Velázquez, hoy en el Museo Metropolitan de NY, realizado en 1653.

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Rosa de pecho: Museo Nacional de Artes Decorativas (Madrid)
Otro modelo de “Rosas” es la “ventana”. Dentro de estas ventanas se guardaba una imagen religiosa en la cara exterior y la cara posterior quedaba oculta a modo de devoción particular.
Las joyas religiosas tienen una gran importancia en esta época, las más comunes son las cruces y las placas devocionales, la mayoría en forma de colgante o pectoral. Las cruces suelen ser de oro con piedras engastadas o esmaltadas. Las medallas tienen colores variados, creados por la combinación de esmaltes (rojos, verdes y azules), perlas ensartadas y piedras preciosas; Normalmente son de oro y se realizan con técnicas de calado, filigrana, cincelado, etc.

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Lazo con cruz colgante de filigrana de oro y piedras imitando diamantes.
Estas piezas en general se pueden desarmar en varios cuerpos, que se utiliza a capricho o combinados con otras piezas, como cadenas.

LAS CORONAS EUROPEAS HISTÓRICAS

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Joyas de la Corona Sueca

(Robadas en Agosto de 2018, fueron recuperadas en Febrero de 2019)

Una corona real, suele estar formada por un cerco o círculo de oro  enriquecido de piedras preciosas. Puede estar decorada con ocho florones con forma de hojas de apio o de acanto, intercalados a ocho puntas de oro más bajas, terminadas en perlas e igual número de diademas de oro y cargado de perlas, rematadas con un orbe cruzado situado encima.

Existen excepciones a esta definición, como la corona de los reyes de Inglaterra, que cuenta con cuatro diademas en vez de ocho, o la de San Esteban, que fue usada por los reyes de Hungría y posee una forma semejante a un casco. Igualmente esta última posee un simbolismo y significado particular, único en la historia, pues es llamada Santa Corona Húngara.

Veamos algunas:

CORONA REAL SUECA
 Realizada para el  rey Erico XIV en 1561, con un diseño claramente renacentista. Durante el transcurso de varias generaciones, fue recuperada por la dinastía Bernardotte (cuñado de Napoleón), aunque sufrió varias transformaciones: se incluyó en su parte superior un orbe esmaltado de azul con diamantes timbrado por una cruz de otros 10 diamantes y se remplazaron las numerosas perlas que cubren los floretones por diamantes rosados. Nuevamente, a principios del siglo xx la corona fue restaurada a su estado original. Es utilizada en las grandes ocasiones en el estado.

CORONA DE RODOLFO II DEL SACRO IMPERIO ROMANO-GERMÁNICO

Esta corona de Rodolfo II permaneció intacta gracias a gran valor simbólico y a la gran calidad de sus materiales. Su datación es de 1602. Sigue las pautas de heráldica en su diseño por lo que consta de tres partes:
Círculo: ribeteado con perlas, está adornado con 8 flores de lis, número en clara alusión a la antigua  corona del Sacro Imperio que tiene forma octogonal y que se pudo ver al inicio de este artículo
Mitra: Clara reminiscencia cristiana, simboliza la autoridad espiritual del emperador cristiano. Está dividido en cuatro partes representando los ritos de la proclamación del emperador así como la batalla del cristianismo contra los turcos. En su centro podemos ver:
El diadema: alusión a la corona del sacro imperio, está adornada con 8 diamantes

  CORONA DE CHRISTIAN IV DE DINAMARCA

Data del 1596, llevada a cabo en oro, diamantes, perlas y esmaltes, y en ella, los seis picos altos y otros seis bajos, en el centro de cada uno están representados los atributos que deben tener un buen monarca : piedad (un pelicano), fortaleza (montando un leon), justicia (mujer con una espada y una balanza), y caridad (madre amamantando su hijo), completando el conjunto con los escudos de las diferentes regiones del reino. Se utilizo hasta 1648

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 CORONA DE CHRISTIAN V DE DINAMARCA

la corona del rey Christian V  está más asociada con la época de la monarquía absoluta (aunque no hubo coronación). Se realizó en Copenhague en 1671 y es de oro, adornada con zafiros, dele destaca el frontal, regalo del duque de Milán a su padre, espinelas, granates y una generosa cantidad de diamantes, coronado por un rubí de gran tamaño. Está formada por 8 diámetros que parten de 8 hojas de acanto adornadas con diamantes. Esta es la corona actualmente en la proclamación de los reyes de Suecia, aunque solo presida el acto y no hay propiamente dicho el momento de la coronación. De la misma manera se utiliza en funerales.


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Greta Garbo en el film “La reina Cristina de Suecia, de Rouben Mamoulian, 1933
CORONA DE LOS PRÍNCIPES HEREDEROS DE SUECIA

Creado para la proclamación de la reina Cristina de Suecia y portada por su hermano y heredero, el futuro Carlos Gustavo X. A lo largo de los siglos se ha hecho 7 coronas similares pero de mayor simpleza. A su vez, la corona sueca sirvió de inspiración para la corona Noruega.

CORONA DE LA REINA LUISA DE FRANCIA

Realizada en 1721, está inspirada en la corona que perteneció a la reina de Francia Maria Leczinska y que lució el día de su boda con Luis XV. Está adornada con 44 diamantes de gran tamaño.

CORONA DE LOUIS XV , FRANCIA

En las coronaciones de los reyes de Francia, la costumbre era que cada rey mandase crear una nueva corona para esta ocasión. Esta es una de las dos encargadas por Luis XV en 1722, de plata sobredorada y pedrería. En 1729 la corona fue despiezada. Sus piedras preciosas, que pertenecían al rey, retornaron a él y fueron remplazadas por las copias que hoy en día podemos ver, en la abadía de Saint Denis.

CORONA REAL DE PORTUGAL

Fue ejecutada en 1817 en Río de Janeiro, Brasil, en el taller de Don Antonio Gomes da Silva, por el rey Juan VI y ha servido para las coronaciones de los monarcas lusos hasta Manuel II. Hoy en día, la corona, junto con otras insignias reales se mantiene en el Palacio de Ajuda, Lisboa.

CORONA DE ANNA IVANOVA DE RUSIA
Una de las primeras de estilo imperial con diadema central y casco dividido en dos. Fue creada en 1731 para la coronación de la Zarina Anna. Está hecha de plata y adornada con 2.500 diamantes y una enorme turmalina sobre la que se encuentra la cruz. Sirvió también  para la proclamación de Nicolás I como rey de Polonia.
CORONA DE CATALINA II DE RUSIA
Creada para la coronación de la emperatriz Catalina II, fue creada por J.Posier en 1762. Es otra vez la forma tradicional heráldica de las coronas imperiales. La corona está compuesta de 5000 diamantes, así como un gran número de perlas. La corona está timbrada por una gran espinela roja de 398 quilates, compuesta por la propia Catalina  que es una de las 7 más importantes piedras de la colección  rusa de diamantes.


CORONA IMPERIAL DE ESTADO DEL REINO UNIDO

La mas conocida y probablemente más significativa para el gran público . Hecha en 1838 para la coronación de la reina Victoria I y  modificada para las coronaciones de Jorge en 1937 e Isabel II . Es la utilizada por los soberanos al abandonar la abadía de Westminster tras la coronación, en la apertura del Parlamento y en las grandes ceremonias de estado


LA CORONA IMPERIAL 

Portada por la Reina Victoria
La gran piedra frontal no es un rubí sino una espinela adquirida por Pedro I de Castilla, llamado el “Cruel” al rey musulmán de Granada. 
– En la parte inferior encontramos “La Segunda Estrella de África”, una trozo del diamante Cullinan y que es el segundo diamante mas grande del mundo. Situado ahí en 1908, este lugar era ocupado con un gran zafiro que fue trasladado a la parte posterior de la corona
– En el cruce de los arcos se encuentras cuatro perlas que la tradición atribuyen a Isabel I, e incluso a María de Escocia.
– Rematada por un orbe, y una cruz de malta de diamantes ambos y con un zafiro llamado de San Eduardo
– De un peso excesivo, fue aligerada primero por Victoria I y después por Jorge IV
Las joyas de la Corona inglesa, se guardan en la Torre de Londres, otrora lugar de prisión y ejecuciones…
LA PERLA PEREGRINA
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Reina María Tudor de Inglaterra  la luce en el cuadro de Antonio Moro
Es una perla de tamaño y forma inusual, considerada una de las gemas más valiosas y legendarias de la historia de Europa. Descubierta en aguas del archipiélago de las Perlas en Panamá en el siglo XVI, pasó a manos del rey Felipe II de España, formando parte de las joyas de la Corona de España.
La historia de esta perla a través de los siglos, merece la pena relatar, debido a su trayectoria y algún que otro enigma.

Isabel de Valois, Isabel de Francia o Isabel de la Paz (Fontainebleau, Francia; 13 de abril de 1546 – Madrid, España; 3 de octubre de 1568), oleo de Juan Pantoja de la Cruz

Fue la tercera esposa del rey Felipe II de España. En su tocado, luce la famosa perla Peregrina.

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María Ana de Austria, cuarta esposa de Felipe II con la perla Peregrina, colgando del diamante “el Estanque”

El rey Felipe III, hijo de Felipe II tambien usaba la perla peregrina, como pinjante en su sombrero

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Margarita de Austria (1584-1611)
Se casó con Felipe III en 1599, tras ser elegida por Felipe II entre las mujeres de la casa de Austria-Estiria. El matrimonio se planeó junto con el de la infanta Isabel Clara Eugenia y el archiduque Alberto. Doña Margarita dio a luz ocho hijos de los que sobrevivió el futuro Felipe IV
Pocas joyas llevan tras de sí una historia tan fascinante. Es una joya que ha peregrinado por diversos países desde que fuera descubierta por un esclavo, en Panamá, hace más de 400 años. Sin embargo, su apodo «Peregrina» no se debe a su historial viajero, sino a su peculiar forma. En siglos anteriores, el adjetivo peregrino significaba «raro, caprichoso, especial». Esta perla fue también llamada «La sola», «La margarita».

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Margarita de Austria con la perla colgada del diamante llamado “El Estanque”

Felipe II hace tallar un diamante que había adquirido en Amberes para regalar a su nueva esposa, Isabel de Valois. Es la piedra preciosa que más leyendas ha generado en España,
Tallado en España, posiblemente en Sevilla, el reconocido orfebre leonés Juan de Arfe llegó a decir de él que se trataba de un diamante perfecto, labrado de tal manera, que toda su área era cuadrada, con cuatro lados perfectos e iguales.
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El llamado “joyel rico de los Austrias” no solo lo conformaba el diamante El Estanque bellamente engarzado, sino que se remataba con una perla pinjante, que, según se decía, resultaba una perla “colmada de color y esplendor como no había otra: la famosa Peregrina



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María Luisa de Orleans,  reina consorte de España de 1679 a 1689 como esposa del rey Carlos II de España

En los siguientes años ya reinando otra dinastía (Borbones), la perla fué pasando de unos a otros y fué lucida por las distintas Reinas españolas
 

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Maria Luisa de Parma
Esposa de Carlos IV, luce tambien la Peregrina ya en el S.XVIII  en el cuadro de Goya ” la familia de Carlos IV”
 
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La Reina Victoria Eugenia, luciendo parte de su enorme colección de joyas, entre las que destaca “La Peregrina II”
Alfonso XIII, quien regaló exclusivas joyas a su esposa, quiso ofrecerle la hermosa perla, que entonces colgaba de un broche en forma de lazo de brillantes, pero no pudo hacerlo y adquirió una similar.
Mas tarde, Alfonso de Borbón (nieto de Alfonso XIII y Victoria Eugenia) pujó por la Perla en Nueva York, pero fue Richard Burton quien ofreció una cantidad superior (37.000 dólares) y se la llevó para regalársela a Liz Taylor.
El día siguiente de aquella subasta, el Duque de Alba, jefe de la Casa de la Reina Victoria Eugenia, mostró una Perla Peregrina que había sido el regalo de bodas de Alfonso XIII a la reina negando así la autenticidad de la Perla subastada.


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Elizabeth Taylor:

La famosa actriz lució la perla en su breve aparición en la película de época “Ana de los mil días” (1969)
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Posteriormente incorporó la perla a un collar de rubíes y diamantes, de estilo renacentista, diseñado por la prestigiosa joyería Cartier de París
Tras la muerte de la actriz, la Perla Peregrina fue subastada en 2011 por 9 millones de euros, y es considerada como la auténtica.


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La reina Dª Sofía de España
La otra Perla Peregrina fue heredada por Juan de Borbón, hijo de Alfonso XIII y Victoria Eugenia, que en 1977 pasó a la actual Casa Real Española. De hecho, la Reina Sofía la ha lucido en varias ocasiones sosteniendo que es la auténtica Perla Peregrina.
¿Cuál será la auténtica Perla Peregrina?Por mi parte, ni quito ni pongo “perla” pero… 
EL CULLINAN
 Otra famosa gema fué este diamante, cuyas distintas tallas  se consiguieron del diamante en bruto.
Conocido como Estrella del Sur, es el mayor diamante hallado en toda la historia del que se tenga conocimiento. Procedía de una mina sudafricana y pesaba en bruto más de 3000 quilates (600 gramos) El diamante en bruto fue entregado como obsequio en su cumpleaños al Rey Eduardo VII, quien ordenó tallarlo en 1906.
El Cullinan I, que se encuentra engastado en el Cetro de la Cruz, y el Cullinan II, el otro gran diamante procedente del Cullinan original, es el principal atractivo de la Corona del Estado Imperial Británica, joya conservada en el Museo de la Torre de Londres. 

CORONA DE NAPOLEÓN I

Como marca la tradición, se compone de 8 semiarcos adornados con camafeos y coronada con un globo dorado con una cruz en su cima. Tiene un diseño con reminiscencias medievales y al contrario de la moda imperante en Europa, llama la atención la ausencia de grandes piedras preciosas como los diamantes.


 JOYA DE LUTO S.XIX

Una categoría única de este periodo y bastante en consonancia con la filosofía del romanticismo fue la «joyería de luto». Se originó en Inglaterra, donde la Reina Victoria fue vista llevando joyería de azabache después de la muerte del Príncipe Alberto, permitiendo al portador continuar llevando joyas mientras se encontraba de luto tras la muerte de un ser querido.

HUEVO FABERGÉ DE ALEJANDRO III ECUESTRE

Durante el S.XIX , quizás el punto álgido – y como transición al Art Noveau – fueron las creaciones maestras del artista ruso Peter Carl Fabergé que realizó para la corte de la Rusia Imperial.

Un huevo de Fabergé es una de las sesenta y nueve joyas creadas  para los zares de Rusia, así como para algunos miembros de la nobleza y la burguesía industrial y financiera, entre los años 1885 y 1917. Los huevos se consideran obras maestras del arte de la joyería.

El Museo Fabergé cuenta con 15 joyas en forma de huevos creados para los zares de Rusia. Foto: Museo Fabergé.

Para mas información sobre los huevos Fabergé en San Petersburgo, os remito a este link:  https://www.cerodosbe.com/es/destinos/museos-huevos-faberge-san-petersburgo_641018_102.html

“EL LUJO ORIENTAL”

  CORONA DE LA EMPERATRIZ DE IRÁN

Para confeccionar la corona se eligiron 1646 gemas del tesoro imperial (diamante arriba, diamante abajo). Pero su realización se enfrento a algún que otro problema, y es que segun la ley, las gemas no podian abandonar el país, así que la montura de la corona, en oro y platino hubo de ser realizada en Paris, y el montaje final, ya con las piedras, se hizo en Irán, un proceso que se demoró seis meses. Entre las gemas podemos encontrar 34 rubies, 1469 diamantes, 105 perlas y 36 esmeraldas y 2 espinelas (piedras rojas como los rubies pero de menor tamaño.



CORONA DEL SHA DE PERSIA


La llamada corona de los Palhavi fue creada para la coronación del Sha Reza (padre del último Sha) en 1925, encomendándo su diseño al joyero Serajeddin que se inspiró en los dibujos y grabados existentes del antiguo Imperio Sasánida (226–651 d.C.). Su extructura de oro y plata está cubierta de terciopelo rojo y para ornarla se seleccionaron gemas del tesoro imperial persa: 369 perlas, 5 esmeraldas (de 199 kilates) y 3380 diamantes (1.144 kilates). De entre estas piedras destacan uno diamante amarillo de 60 kilates emplazado en el centro, y sujetando el tocado de plumas encontramos una esmeralda de 100 kilates. 




FUENTES:


https://www.vam.ac.uk/collections/jewellery

http://ceres.mcu.es/pages/Main

http://flordecamalote.blogspot.com.es/2009/04/joyas-con-historia.html

http://casasyfamiliasreales.blogspot.com.es/p/tiaras-reino-unido.html http: // dinastias. forogratis.es/joyas-de-los-pahlevi-t219-216.html

http://nobleyreal.blogspot.com.es/2010/12/sue%C3%B1os-esmeralda.html http: //nobleyreal.blogspot. com.es/2012/06/apendice-tiaras-de-reina-o-las-tiaras.html

http://casasreales.forosactivos.net/t43-joyero-de-la-soberana-de-dinamarca http: // misjoyasreales.blogspot.com.es/2012/04/tiara-de-esmeraldas-casa-real-de-noruega.html 











 

La Casa Lis (Salamanca)

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La Casa Lis es un palacete urbano enclavado sobre la antigua muralla de la ciudad mandado construir por D. Miguel de Lis (1855-1909). El encargado de llevar a cabo este proyecto fue Joaquín de Vargas y Aguirre (1857- 1935), natural de Jerez de la Frontera, que desembarcó en Salamanca para ocupar la plaza de arquitecto provincial. 

Don Miguel de Lis era propietario de una fábrica de curtidos que había heredado de su padre y que adaptó a los nuevos sistemas de producción en la última década del siglo XIX.
 Este próspero negocio le facilitó una desahogada posición económica, de modo que D. Miguel es, en la época en que construye su nuevo palacio urbano, uno de los cien mayores contribuyentes de Salamanca.

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Galeria acristalada

La casa Lis, hoy, posee  vidrieras en las ventanas, en las galerías de la fachada sur, o en el lucernario de la escalera central que dan al edificio una riqueza cromática aún más atrayente y auténtica para su época

Vista de Salamanca: Catedral, puente romano y al fondo izquierda la Clarecía


El museo de Art Deco y Art Nouveau de Salamanca se sitúa cerca del Puente Romano, y en frente del Museo de Automoción.
El museo  es en realidad la exposición de unos objetos de colección privada, que pertenecía al Sr Ramón Ramos Andrade, que decidió ponerlos a la disposición del público. Desde juguetes hasta lámparas, muebles, joyas y objetos de cristal


Actualmente el edificio es la sede del Museo Art Nouveau y Art Déco y en sus salones y dependencias se exhibe una parte de los fondos donados por D. Manuel Ramos Andrade (1944-1998), anticuario y coleccionista que vio cómo en 1995 la Casa Lis, con un recuperado esplendor, abría de nuevo sus puertas, ésta vez para exponer sus colecciones únicas en España.

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La fachada sur, que da al río y recibe luz la mayor parte del día, es una espectacular combinación de clasicismo y modernidad. Por encima del muro de piedra se sitúan dos galerías de hierro y cristal, en el centro una escalera que se bifurca hacia una gran terraza abierta. El resultado es uno de los pocos ejemplos de arquitectura industrial empleada para uso residencial, único por su espectacularidad y por la audacia arquitectónica con que Vargas fue capaz de resolver los condicionantes del proyecto.

La imagen puede contener: exterior

La fachada norte, el acceso por la calle Gibraltar, es la única muestra de modernismo en la ciudad de Salamanca. El conjunto, formado por fachada de dos cuerpos, patio y verja, es de gran sencillez

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Actualmente el edificio es la sede del Museo Art Nouveau y Art Déco y en sus salones y dependencias se exhibe una parte de los fondos donados por D. Manuel Ramos Andrade (1944-1998), anticuario y coleccionista que vio cómo en 1995 la Casa Lis, con un recuperado esplendor, abría de nuevo sus puertas, ésta vez para exponer sus colecciones únicas en España.



EL ARTE NUEVO
En las Exposiciones Universales celebradas en torno al año 1900 se configuró una nueva forma de entender el arte y la vida, al movimiento se le denominó «arte nuevo» con sus distintas denominaciones nacionales. Así en España se denominó como Modernismo, en Francia Art Nouveau, en Austria Sezessión Vienesa (Secesión de Viena), en Italia Liberty o en Alemania Jugendstil. 


 En la actualidad, una gran vidriera emplomada, realizada por el taller Villaplana siguiendo diseños de D. Manuel Ramos Andrade, cubre el patio central

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Vidrieras modernistas

COLECCIONES DE VIDRIO:

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Émile Gallé.
Vidrio doblado y grabado al ácido. 11 cm. C. 1900.


Gallé abrió una senda de investigación y de recuperación de técnicas en ocasiones olvidadas que desembocó en uno de los periodos más fructíferos de la historia del vidrio. Émile Gallé, promotor e ideólogo de la Escuela de Nancy, es una figura fundamental en el desarrollo del Art Nouveau.

 

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Émile Gallé Jarrón de las libélulas. Vidrio doblado y grabado al ácido. 48 cm. C. 1900

Usando el vidrio como un pintor, maneja los pigmentos y logra dar a su producción una capacidad expresiva inédita. El éxito comercial de los vidrios de Gallé hizo que su estilo fuese rápidamente copiado dentro y fuera de Francia. 


Emile Gallé autorretrato

Continuaría incorporando técnicas experimentales en su trabajo, como el uso de burbujas de aire o láminas de metal, y también revitalizó la industria del vidrio, creando un taller propio para producir en masas diseños propios y de otros artistas. Su fábrica emplearía a 300 trabajadores y artesanos,  y estaría en funcionamiento hasta 1913. Se le consideró un gran humanista por su apoyo a diversos movimientos sociales de aquella época.

 

Rene Lalique es una figura destacada dentro de la historia del vidrio Art Déco. A diferencia de las obras de Gallé, en que la naturaleza se muestra tal como la percibimos, Lalique realiza en sus obras un ejercicio de abstracción tomando un elemento que estiliza y repite sistemáticamente.

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 Broche de libélula. Rene Lalique
(atribuido). Oro, zafiros, rubíes, esmeraldas, brillantes y esmaltes. c. 1903
Tuvo un gran reconocimiento por sus originales creaciones de joyas, botellas de perfume, vasos, candelabros, relojes, etc., dentro del estilo modernista (Art nouveau y Art déco). La fábrica que fundó funciona todavía (es muy popular por sus perfumes) y el apellido Lalique ha quedado asociado a la creatividad y la calidad, con diseños tanto fastuosos como discretos. 
 

 Frasco ‘Dans la nuit’ de Worth. René Lalique. Vidrio soplado y moldeado. C.1930

Comenzó a concebir frascos de perfume en vidrio siendo así el primero en imaginar la comercialización de un producto tan emblemático del lujo y del refinamiento en un envoltorio igualmente delicado y espléndido.

En el museo, también puede disfrutar de una magnífica muestra de joyería con piezas de los talleres Masriera, Fabergé o Lalique, entre otros.
Con las joyas es donde mejor se pueden representar los nuevos cánones modernistas. En el Museo están bien representadas estas piezas, con relojes de gran calidad de diseño, piezas creadas por el joyero oficial de la Corona rusa, Karl Fabergé como un magnífico Huevo de Pascua, decorado con piezas preciosas.


 CRISELEFANTINAS

En Salamanca el Museo de Art Nouveau y Art Déco, en la Casa Lis, exhibe una notable muestra de criselefantinas representativas del Art noveau de la colección del anticuario Manuel Ramos Andrade.

Con la expresión criselefantina se definía hasta finales del siglo XIX la técnica que empleaba simultáneamente el marfil y el oro en un objeto de arte. A finales del XIX, el concepto se amplió pasando a definir cualquier objeto escultórico en que se combinase el marfil y otro material como la madera, el mármol o el bronce.



Little Miss Shoeshine


Las estatuas criselefantinas se construían sobre un marco de madera al que se sujetaban finos bloques tallados de marfil, representando la carne, y pan de oro para representar los ropajes, la armadura, el cabello y otros detalles.

Reproducción moderna de la estatua de Atenea Partenos de Fidias en el Partenón de Nashville, Tennessee, Estados Unidos.

En la Grecia clásica, la técnica ya se usaba normalmente para estatuas de culto dentro de los templos, que solían ser a escala mayor que la real. La construcción era modular, de forma que parte del oro podía retirarse y fundirse en monedas o lingotes en épocas de escasez. (previsores ellos)


Bailarina mexicana, Fortunato Gory 1895 – 1925



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“Radha” Paul Philippe. Bronce, marfil y mármol. 58 cm. C. 1913.

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 “Pierrot”. Otto Hoffmann. Bronce, marfil y mármol. 33,2 cm C.1915


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‘La danza de los cuchillos’. Otto Hoffmann. Bronce, marfil y mármol. 43 cm C. 1920.

 

La Walquiria

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‘Baquesa’. Pierre le Faguays. Bronce y mármol. 42 cm. C.1920.

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Pavo real’. Joseph Lorenzl. Bronce, marfil y ónice. 37 cm. C.1930


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 “Bailarina de Tebas”. Claire J.R. Colinet. Bronce, marfil y mármol. 24 cm alt. C. 1930

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“Amantes”. Ernst Seger. Bronce, marfil y ónice. 40 cm. C. 1920

MUÑECAS


La colección exhibida en el Museo Art Nouveau y Art Déco es considerada la mejor colección pública de muñecas de porcelana a nivel mundial. Manuel Ramos Andrade, experto en la historia y evolución de la muñeca francesa y alemana, seleccionó con mucho rigor las mejores piezas atendiendo a su calidad, rareza y estado de conservación. En esta colección, formada por más de cuatrocientas piezas están representadas las mejores manufacturas. Jumeau, Bru, F. Gaultier, A. Thullier, Schmitt, Steiner o Petit & Dumontier, son algunos de los famosos talleres franceses 

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Muñeca Bru Jeune’. Casimir Bru. 70 cm. C. 1880. 

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 Muñeca con bebé y sombrilla’. Léopold Lambert y cabeza Jumeau. 51 cm. 1885-1900.

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Cortesana con abanico’. Léopold Lambert y cabeza Jumeau. Doble melodía. 45 cm. 1885-1900

El bebé “Kewpie” de  J.D. Kestner. Biscuit. 30 cm. 1913

LOS AUTÓMATAS 


 Fueron el no va más de la sofisticación burguesa del siglo XIX. Hoy son piezas de museo. Hablamos de los autómatas. La Casa Lis de Salamanca conserva una de las colecciones más exclusivas del mundo con una docena de piezas de extraordinaria calidad. Por motivos de conservación se ponen en funcionamiento una vez al año.


BRONCES VIENA

“Nativo en camello” Franz Bergmann

Igualmente, pueden contemplarse bronces Viena de temática orientalista con guardianes a la puerta del palacio, vendedores de monos, cazadores de leones o sensuales bailarinas, así como grupos de caza muy de moda en la época, animales domésticos, especies exóticas o animales humanizados. Entre todos ellos, destacan los bronces vieneses por sus delicados acabados y sus pinturas en frío

“La carrera” Édouard Drouot, bronce; hacia 1920


En el Museo cabe destacar la bailarina mora autómata de Karl Kauba, gran artista de este movimiento




 

 

FUENTES:

https://ejerciciodelcriterio.wordpress.com/2015/03/11/emile-galle-en-la-casa-lis-de-salamanca-ilustracion-botanica-sobre-vidrio/

http://www.historialia.com/detalle/172/casa-lis-salamanca

Salamanca.MuseoArtNouveauArtDeco_Museos.pdf
Fotografías:

Imagen M.A.S.. David Arranz. Óscar J. González Hernández