El peinado en el arte romano

Aunque dadas sus características y la laboriosidad en su ejecución, también podríamos titularlo «El arte del peinado romano»

Los peinados de las mujeres romanas eran verdaderas obras de arte. Durante horas quedaban en manos de sus peluqueras para conseguir unos complicados recogidos en los que se invertía mucho tiempo y dinero
A lo largo del imperio, los peinados fueron complicándose siguiendo unos modelos: sujetaban todos los cabellos con cintas sobre la nuca, llevaban varios pisos formando un peinado alto, disponían los cabellos en semicírculo con tirabuzones alrededor… Todos estos peinados necesitaban postizos, agujas comatoriae, redecillas y las manos de esclavas expertas. También era habitual el uso de pelucas rubias y de tintes para aclarar el color de los cabellos.

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Diversos peinados de la mujer romana

Vamos a conocer un poco su historia, tendencias y evolución.

FAUSTINA MINOR    Museo del Louvre

Inicialmente los cabellos femeninos se arreglaban con gran sencillez: La simplicidad del peinado republicano, con raya al medio y moño
Imagen relacionada

Estatua de Ovidio en Constanza, realizada por Ettore Ferrari

Según Ovidio: «A la mujer romana la mayor parte de sus esfuerzos se van en el peinado. Porque algunas no pasarían un juicio favorable sobre sus dones naturales y, por medio de pigmentos que pueden colorear de rojo el pelo para igualar al sol de mediodía, ellas tiñen su pelo con un capullo amarillo como colorean la lana; las que están satisfechas con sus rizos oscuros gastan la fortuna de sus maridos en ungir su pelo con casi todos los perfumes de Arabia; utilizan herramientas de hierro calentadas a fuego lento para rizar su cabello a la fuerza en bucles, y rizos elaborados con estilo traídos hacia las cejas dejan la frente sin apenas espacio, mientras las trenzas por detrás caen orgullosamente hasta los hombros.”

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Busto de matrona
Con el tipico peinado que puso de moda Julia Flavia que consistía en un abultado tupé sobre la frente hecho con rizos y que era muy caro.
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AGRIPINA

Los comentarios de Plinio refiriéndose al peinado de las mujeres decía:

Sus trenzas eran suaves como el amanecer. Con cuanta frecuencia he presenciado su tortura, al obligarlas, pacientemente, a resistir el hierro y el fuego, para que formaran pequeños bucles. No, tuyo es el delito, y tuya fue la mano que derramó el veneno en tu cabeza.
Ahora Germania te enviará la cabellera de una esclava; una nación vencida proporcionará tus ornamentos.”

«También detienen la caída del cabello las lagartijas reducidas a ceniza, con la raíz de una caña recién cortada, finamente troceada para que se consuma al mismo tiempo, a lo cual se añade aceite de mirto”. (Plinio, H. N. XXIX)
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Complicado peinado con rizos sobre la frente y moño, probablemente postizo, a base de trenzas recogidas con una redecilla.

Resultado de imagen de etimologias san isidoro
San Isidoro en sus etimologías, habla de esta redecilla así: «La redecilla (reticulum) es la que recoge la cabellera, y se llama así porque retiene los cabellos para que no aparezcan despeinados.» (San Isid. Etim. XIX, 31)»

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Cabeza de marmol con diadema

Otro comentario de San Isidoro la define:»La diadema es un ornamento propio de la cabeza de las mujeres; está confeccionada a base de oro y piedras preciosas; se ata por la parte de atrás abriendo sobre sí mismo los extremos.» (San Isid. Etim. XIX, 31)

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Venus del Esquilino, tocada con una vittae crinalis

Las «vittae crinalis» (cintas) podían llevarlas las vírgenes o las mujeres casadas y eran símbolo de buena reputación. Podían adornarse con piedras preciosas y también las utilizaban los sacerdotes y vestales.

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ORNATRIX

Imprescindibles, la profesional de la belleza femenina se llama Ornatrix: era una mezcla de peluquera, estethicien y asesora de imagen cuya finalidad fundamental era embellecer a las matronas romanas. En lo que respecta a las funciones de peluquería lavaban el pelo a las clientas, hacían eliminar las canas más visibles arrancándolas con pinzas y eran expertas en la confección de recogidos, elemento fundamental para diferenciar a simple vista a una dama y a una prostituta (ellas lo llevaban suelto).

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Museo Cerralbo, Madrid

El Museo Cerralbo tiene una dilatada historia. Fue creado por don Enrique de Aguilera y Gamboa, XVII Marqués de Cerralbo (1845-1922), quien compaginará durante toda su vida la dedicación a la Política y la Historia con la sensibilidad hacia las Bellas Artes.
Recorrió Europa en compañía de su familia, visitando museos y adquiriendo obras de arte, reuniendo así una magnífica colección que, junto a los fondos numismáticos, bibliográficos y documentales antiguos, supera las 50.000 piezas.
Por la calidad y diversidad de géneros que abarca llegó a considerarse entonces la colección privada de arte más completa del país; a su formación contribuyeron notablemente su esposa, doña Inocencia Serrano y Cerver, y los hijos de ésta, don Antonio y doña Amelia del Valle y Serrano, marqueses de Villa-Huerta.

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MUSEO CERRALBO

Adema´s de contar con importantes colecciones: Pinturas, esculturas, cerámicas, cristal, tapices, muebles, monedas, medallas, dibujos, estampas, relojes, armas, armaduras y objetos arqueológicos, por mencionar lo más destacado, confieren un encanto especial al palacio que, además de constituir un ejemplo importante de residencia aristocrática, sugiere al visitante una panorámica de la vida cotidiana en Madrid, con las tertulias literarias, los bailes, las confidencias de salón…

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Retrato de José Aguilera y Contreras MARQUÉS DE CERRALBO

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ESCUDO DE ARMAS del Marqués de Cerralbo

Un video a modo de introducción

Portal y escalera de honor

GRAN PORTAL Y ESCALERA DE HONOR

El museo Cerralbo presenta la singularidad de ser uno de los escasos ejemplos en nuestra ciudad que conserva la ambientación original de la que fuera la residencia del marqués de Cerralbo y su familia. Palacio museo, casa histórica y museo de ambientes, es un referente obligado para conocer la forma de vida de la aristocracia madrileña de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX.

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ESCALERA DE HONOR

Nos conduce con una doble rampa y balaustrada de mármol a sendos accesos de la planta entresuelo, mientras que una barandilla de hierro forjado procedente del Palacio de Bárbara de Braganza, actual Palacio de Justicia de Madrid, nos invita a subir a la planta noble alta .

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ACCESO A LA PLANTA PRINCIPAL con columnas de marmol

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PASILLO PLANTA PRINCIPAL

En esta planta transcurrió la vida cotidiana de la familia, compuesta por los marqueses de Cerralbo, don Enrique y doña Inocencia, y los hijos de ésta última, fruto de su primer matrimonio, don Antonio y doña Amelia del Valle Serrano, marqueses de Villa Huerta. Era también la zona donde se recibía a las visitas de confianza.

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SALA DE LAS COLUMNITAS

Zona de reunión de los caballeros, lugar donde conversar sobre los vaivenes de la política, la marcha de los negocios o el estado de la bolsa

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SALA DE LAS COLUMNITAS , detalle

Debe su nombre a las columnas de mármoles, jaspes y ágatas armoniosamente dispuestas en la mesa central y coronadas por pequeñas esculturas de procedencia y culturas diversas presididas por el busto de Luis XV, un biscuit de porcelana de Sèvres.


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SALA DE JUEGOS
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SALA DE JUEGOS MESA DE BILLAR

Francia, hacia 1855. Roble, palorrosa y otras maderas finas/ bronce/ bayeta, lienzo.

Ensamblaje, chapeado, marquetería de elemento por elemento, tintado, grabado a buril, barnizado/ fundición, cincelado, dorado al fuego/ tafetán.

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PURERA Segunda mitad del S.XIX
Madera, marfil, latón. Ensamblaje, chapeado, marquetería de elemento por elemento, barnizado, patinado.

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JUEGO DE FUMADOR DE OPIO

Dinastía Qing, siglo XIX.
Sur de China, probablemente de la provincia de Guangdong.
Madera, barro cocido / acero, hueso / cuero, fibras vegetales e hilo metálico.

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COLECCIÓN DE ARMAS
La armería del museo Cerralbo contiene aproximadamente 700 piezas de diversa procedencia (Europa, América, Asia y Oceanía) adquiridas tanto en España como en el extranjero
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ARMADURA ATRIBUIDA A JUAN PACHECO, II MARQUÉS DE CERRALBO

Italia-Alemania, 1540-1590.
Acero, hierro, cuero Grabado al aguafuerte y a buril, repujado

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ARMADURA JAPONESA

Periodo Edo (1614 – 1868) Hierro, latón, cuero, laca, textiles.

Las piezas más singulares son las armaduras de guerra procedentes del Japón del siglo XVIII. Se trata de armaduras de distinción que pertenecieron a samuráis

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SALÓN DE BAILE
Mención aparte merecen las decoraciones murales de varias estancias, como el techo del fastuoso salón de baile, pintado por Máximo Juderías Caballero
Este salón se concibió buscando un espectacular efecto visual; los espejos y dorados amplifican su suntuosidad y dispone para los músicos de una tribuna en forma de balcón.

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SALÓN DE BAILE
El piso noble o principal destinado al protocolo se decora de forma más suntuosa y artística. Espejo de la posición económica y social de sus propietarios, refleja en su distribución la mentalidad decimonónica donde prima sobre todo la apariencia y se reservan los mejores espacios a los invitados. De hecho, se abría únicamente para recepciones, fiestas y bailes.

SALÓN DE BAILE

Reloj Misterioso
Aquí hay que destacar las lámparas de Murano, los espejos de fabricación veneciana y un llamativo reloj monumental misterioso (de maquinaria oculta) atribuido en su parte escultórica a la fundición de Ferdinand Barbedienne, de París

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Alcoba en el piso superior
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ESPEJO PSIQUÉ CON CERÁMICA DE MEISSEN

Siglo XIX. Porcelana y cristal azogado. Fábrica de porcelana de Meissen (Sajonia)

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Lámpara de cristal veneciano

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ESCIFO (SKYPHOS) ITALOGRIEGO Mediados s. IV a.C.

Arcilla, barniz antiguo Técnica de figuras rojas

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DIANA CAZADORA

Original romano del siglo II d.C. / Montaje actual del siglo XIX
Mármol blanco, mármol brocatel y metal Esculpido, pulido con escofina, ensamblado
Procedencia: Clunia (Peñalba de Castro, Burgos)

Cerámica

Pequeñas esculturas, jarrones, cajitas, piezas de vajilla y otros muchos elementos realizados en cerámica, porcelana y cristal aportan brillo y colorido a los objetos de uso cotidiano y de adorno.
La calidad define las creaciones de cerámica, a través de las piezas elaboradas en talleres y fábricas de reconocido prestigio internacional: Manises, Talavera y Puente del Arzobispo, Sèvres, Wedgwood, Meissen, Buen Retiro, además de elementos procedentes de China y Japón.

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JARRON TIPO IMARI CHINO

Dinastía Qing, hacia 1690 comienzos del XVIII de la era Kangxi (1662-1722).
Porcelana torneada en tres piezas unidas con engobe

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TONDO DE LA ADORACIÓN DE LA VIRGEN

Escuela italiana. Seguidor de Andrea della Robbia o del taller de los Buglioni Primer tercio del siglo XVI

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ENFRIADOR DE COPAS DE FELIPE V

Última década del siglo XVIII. Loza o pasta tierna

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JUEGO DE TÉ WEDGWOOD Último tercio del siglo XVIII.

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JARRA DE MEISSEN
Por las marcas de la base situamos la pieza entre 1814 y 1860. Porcelana caolínica.

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VITRINA CON PORCELANA DE MEISSEN Siglo XIX
Madera ebonizada y porcelana. Fábrica de porcelana de Meissen (Sajonia)

RELOJES

Los relojes que reunió el Marqués de Cerralbo en su colección son de una tipología muy variada, aunque todos ellos de las relojerías inglesa y francesa de los siglos XVIII al XX. Los relojes están distribuidos a lo largo del palacio en sus distintas habitaciones, colocados sobre consolas, chimeneas o mesas. Esto indica que los relojes del palacio no fueron adquiridos con un afán coleccionista sino meramente decorativo o de amueblamiento del palacio madrileño.

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RELOJ FRANCÉS CON CAJA DE MÁRMOL DE SOBREMESA O CONSOLA CON ÓRGANO DE FLAUTAS
Manufactura Brocot. Francia, segunda mitad del siglo XIX.
Mármol blanco, tipo Carrara o Macael, alabastro, bronce dorado.

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RELOJ INGLÉS BRACKET John Taylor. London Siglo XVIII

El reloj inglés se caracteriza por la solidez y perfección de su mecanismo así como por su elegante y sobria decoración. Los relojeros más prestigiosos de Inglaterra colaboraron activamente con grandes ebanistas que se encargaban de la fabricación del mueble y enriquecían la caja con elegantes adornos. Para lacar las mejores piezas contaron con la maestría de los artesanos chinos.

Reloj despertador inglés de pared a pesas J. Wats. London. S.XVIII.

Esfera repuesta de bronce dorado, cuadrada, con copete semicircular, a la que sirven de adorno seis molduras fundidas del mismo metal. Motor a pesas. 30 horas cuerda. Sonería de horas. Péndulo corto de pera, vinculado directamente al escape, que es de paletas, con rueda catalina y una sola aguja.

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RELOJ GINEBRINO DE BOLSILLO CON AUTÓMATAS Robert Brandt & Cie. Siglo XIX

Este reloj fue regalado al Marqués de Cerralbo por D. Carlos VII, según consta en carta autógrafa que conserva el archivo del Museo, en la que se indica que el reloj fue utilizado por el Archiduque Fernando de Austria en las guerras contra Napoleón

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RELOJ ALEMÁN DE VIAJE Elias Kreittmaÿr. Friedberg. 1670.

Despertador. Caja de plata calada y grabada, en la que se aloja la campana, de acero. Esfera con sector horario de plata y el centro dorado, en el que figura la numeración que corresponde a la alarma. Los relojes llamados de carroza (carriage clocks / pendules de voyage) fueron utilizados en estos medios de transporte durante largo tiempo. Cuando no eran de sonería al paso, como en este caso, solían tener la sonería forzada (a la demanda) para poder oír la hora que fuese en cualquier momento de la noche.
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RELOJ FRANCÉS CON GUARNICIÓN EN PORCELANA DE SAJONIA
Primera mitad del Siglo XIX.


Composición barroca con figuras situadas escalonadamente en su estructura. Porcelana policromada. Está compuesto por dos piezas: el reloj propiamente dicho y el zócalo. Tiene un escudo de armas de las casas reales de Polonia y Sajonia, pintados en dos cuarteles. Hay un águila con corona imperial y la alegoría de Marte

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RELOJ FRANCÉS DE CONSOLA O SOBREMESA, DE BRONCE DORADO Y DE FIGURA Primera mitad del siglo XIX. Época Carlos X.

Caja de bronce dorado, formada por un zócalo rectangular en dos cuerpos, el superior con bajorrelieve frontal que representa una escena de caza en la que los corzos son perseguidos por perros y a la zaga va Diana con un arco y flechas. En la parte superior se materializa este mismo asunto con figuras de bulto redondo. La de la diosa, ya en reposo, apoya el brazo derecho en ara en la que se aloja el movimiento, sosteniendo una cuerna en la mano, mientras que con la otra mantiene vertical el arco.

Reloj francés Misterioso, colgante de cristal

Henri Robert. París. Horloge mysterieuse. Brévété.Siglo XIX, segunda mitad (1878)

Reloj pensado para reclamo de escaparates de relojería, muy posiblemente. Su autor presentó el prototipo en la Exposición de Productos Franceses de 1878, en París.era un reloj para excitar la curiosidad, pues por mucho que se fije en él la atención, no se ve más que un cristal transparente, sobre cuya superficie se mueven dos agujas, minutero y horaria. Cada una de las agujas de este reloj lleva en sí misma el mecanismo motor, viniendo a formar solas o entre ambas una especie de balanza equilibrada de brazos desiguales, en la cual el mecanismo de relojería no tiene otro objeto que desplazar el centro de gravedad del sistema a la velocidad conveniente para que una aguja señale la hora y la otra el minuto. Colgado de dos cadenas, su colocación frontal al escaparate de un establecimiento de relojería, atraería la curiosidad del paseante por lo misterioso de su funcionamiento.
DIBUJOS

La colección de dibujos consta de unos 700 ejemplares, de los que mostramos aquí una pequeña selección. El fondo destaca por su calidad y por la variedad de artistas europeos reunidos, especialmente de la Escuela Española, Francesa, Italiana, Holandesa y Flamenca.

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FRANCISCO DE GOYA Dibujo Coche barato y tapado

1824-28 Papel blanco, verjurado, con filigrana.Lápiz litográfico.

El personaje representado empuja una carretilla cuyo contenido está oculto bajo un gran paño. Su espalda torcida y el pie que apoya en el suelo sugieren el andar dificultoso y esforzado de un cojo; tres personajes -¿mujeres?– situados a sus espaldas parecen contemplarlo y divertirse

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PIETRO DA CORTONA Dibujo del martirio de Santa Martina

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MANUEL SALVADOR CARMONA Dibujo de niño

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FRANCISCO RIZZI Proyecto para la decoración de una iglesia

Cabeza de joven anónimo francés Siglo XVII. Papel blanco, verjurado, con filigrana.Sanguina.

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FEDERICO ZUCCARO Monarca recibiendo a un emisario


PINACOTECA
El marqués de Cerralbo tenía gustos eclécticos y dirigió parte de sus esfuerzos a la arqueología, lo que ayuda a explicar el perfil más bien desigual de su pinacoteca. Con todo, cuenta con una relevante sucesión de maestros y varias obras han recobrado autorías de prestigio tras las últimas investigaciones.

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LUIS MELÉNDEZ Bodegón con frutas y utensilios de cocina

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JUAN ESPINOSA Bodegón con uvas

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ANÓNIMO Alegoría de la Eucaristía oleo sobre tabla

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FRANCISCO DE ZURBARÁN Inmaculada Concepción.
Hacia 1640. Procedencia: Colección del Marqués de Leganés.

Esta representación de la Inmaculada añade algunos de los atributos de las letanías del Cantar de los Cantares, junto a referencias a la iconografía de la mujer apocalíptica, dando paso a la mujer “vestida de sol y con la luna a sus pies” del Apocalipsis. La Virgen con rostro de adolescente se halla suspendida como una Asunción, en ondulante figura, sobre un escabel de querubines.
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DOMÉNICO THEOTOCOPULI , EL GRECO. San Francisco en éxtasis. Ca. 1600-1605.
Firmado: «doménicos teotocópulos / epoiei», con caracteres griegos, sobre el letrero blanco.

El Greco aportó una nueva iconografía franciscana a la historia de la pintura. Hasta el momento se representaba a San Francisco alegre y sereno, siguiendo la tradición italiana; pero el artista comenzará a pintarlo con un estilo más español, de forma lúgubre, enjuto y anacorético.

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JACINTO MELENDEZ El principe Luis I, hijo Felipe V

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JACINTO MELENDEZ Felipe V vestido de cazador 1712

La actividad de Miguel Jacinto Meléndez se sitúa entre el final de la pintura madrileña del Siglo de Oro y el nuevo período que nace con la creación de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Tío de Luis Meléndez, famoso pintor de bodegones, y hermano de Francisco, pintor real de miniaturas, trabajó en la corte en un momento en el que pocos artistas españoles sobresalían.

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JACINTO MELENDEZ Maria Luisa Gabriela de Saboya (esposa de Felipe V)

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COPIA DE ANTON VAN DYCK S.XVII María de Médicis Reina de Francia 1630
Se convirtió en la segunda esposa de Enrique IV de Francia, y su hijo fue el primer Delfín de Francia en 40 años. Enviudó en 1610 y fue regente durante la minoría de edad de su hijo Luis XIII. Se la considera gran mecenas de las artes en la corte francesa. Durante su regencia cambió el rumbo político de su esposo, buscando la alianza con España mediante un doble matrimonio: casando al futuro rey con Ana de Austria, hija de Felipe III de España, y a su hija Isabel de Borbón con Felipe IV.

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FEDERICO MADRAZO Matilde de Aguilera y Gamboa, Lady Fontagut
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JACOPO TINTORETTO Retrato de Agostino Doria
El retrato coincide con un boceto que realizara Van Dyck en 1625 en su llamado “Cuaderno italiano”, en donde el artista flamenco recogió diversas imágenes percibidas en su estancia en Italia. Junto al boceto figura la inscripción: “Tiziano en casa de Doria”.
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ESCIPIÓN DERROTANDO A ANIBAL Fines del siglo XVI. Lana y seda.
Manufactura de Bruselas. Lleva las marcas de localidad a la izquierda del orillo izquierdo: un escudete entre dos “B”. Marcas de tapicero (sin identificar) en la parte inferior del orillo lateral derecho.

JARDÍN


Esculturas de Júpiter y bustos de dos emperadores reflejadas en el estanque


Otro rincón del jardín, llamado «de los sentidos»

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Entre su densa vegetación de árboles de hoja caduca: acacias de Constantinopla, castaños de Indias, tilos… y escondidos entre jazmines, setos de boj y glicinias, encontramos seres mitológicos y un jabalí, replica en piedra del que Pietro Tacca realizará en bronce, hoy en los Uffici.de Florencia

Dirección:
Museo Cerralbo c/ Ventura Rodríguez, 17 28008 Madrid, España
Fuentes:
http://museocerralbo.mcu.es/informacion/visita.html
http://www.mecd.gob.es/mcerralbo/coleccion/galeria-imagenes.html;jsessionid=BB965FA7C632E42D64D1D296B87B13CE

https://www.culturaydeporte.gob.es/mcerralbo/coleccion/coleccion0/relojes.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Cerralbo#Pintura

La Casa Lis (Salamanca)

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La Casa Lis es un palacete urbano enclavado sobre la antigua muralla de la ciudad mandado construir por D. Miguel de Lis (1855-1909). El encargado de llevar a cabo este proyecto fue Joaquín de Vargas y Aguirre (1857- 1935), natural de Jerez de la Frontera, que desembarcó en Salamanca para ocupar la plaza de arquitecto provincial. 

Don Miguel de Lis era propietario de una fábrica de curtidos que había heredado de su padre y que adaptó a los nuevos sistemas de producción en la última década del siglo XIX.
 Este próspero negocio le facilitó una desahogada posición económica, de modo que D. Miguel es, en la época en que construye su nuevo palacio urbano, uno de los cien mayores contribuyentes de Salamanca.

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Galeria acristalada

La casa Lis, hoy, posee  vidrieras en las ventanas, en las galerías de la fachada sur, o en el lucernario de la escalera central que dan al edificio una riqueza cromática aún más atrayente y auténtica para su época

Vista de Salamanca: Catedral, puente romano y al fondo izquierda la Clarecía


El museo de Art Deco y Art Nouveau de Salamanca se sitúa cerca del Puente Romano, y en frente del Museo de Automoción.
El museo  es en realidad la exposición de unos objetos de colección privada, que pertenecía al Sr Ramón Ramos Andrade, que decidió ponerlos a la disposición del público. Desde juguetes hasta lámparas, muebles, joyas y objetos de cristal


Actualmente el edificio es la sede del Museo Art Nouveau y Art Déco y en sus salones y dependencias se exhibe una parte de los fondos donados por D. Manuel Ramos Andrade (1944-1998), anticuario y coleccionista que vio cómo en 1995 la Casa Lis, con un recuperado esplendor, abría de nuevo sus puertas, ésta vez para exponer sus colecciones únicas en España.

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La fachada sur, que da al río y recibe luz la mayor parte del día, es una espectacular combinación de clasicismo y modernidad. Por encima del muro de piedra se sitúan dos galerías de hierro y cristal, en el centro una escalera que se bifurca hacia una gran terraza abierta. El resultado es uno de los pocos ejemplos de arquitectura industrial empleada para uso residencial, único por su espectacularidad y por la audacia arquitectónica con que Vargas fue capaz de resolver los condicionantes del proyecto.

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La fachada norte, el acceso por la calle Gibraltar, es la única muestra de modernismo en la ciudad de Salamanca. El conjunto, formado por fachada de dos cuerpos, patio y verja, es de gran sencillez

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Actualmente el edificio es la sede del Museo Art Nouveau y Art Déco y en sus salones y dependencias se exhibe una parte de los fondos donados por D. Manuel Ramos Andrade (1944-1998), anticuario y coleccionista que vio cómo en 1995 la Casa Lis, con un recuperado esplendor, abría de nuevo sus puertas, ésta vez para exponer sus colecciones únicas en España.



EL ARTE NUEVO
En las Exposiciones Universales celebradas en torno al año 1900 se configuró una nueva forma de entender el arte y la vida, al movimiento se le denominó «arte nuevo» con sus distintas denominaciones nacionales. Así en España se denominó como Modernismo, en Francia Art Nouveau, en Austria Sezessión Vienesa (Secesión de Viena), en Italia Liberty o en Alemania Jugendstil. 


 En la actualidad, una gran vidriera emplomada, realizada por el taller Villaplana siguiendo diseños de D. Manuel Ramos Andrade, cubre el patio central

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Vidrieras modernistas

COLECCIONES DE VIDRIO:

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Émile Gallé.
Vidrio doblado y grabado al ácido. 11 cm. C. 1900.


Gallé abrió una senda de investigación y de recuperación de técnicas en ocasiones olvidadas que desembocó en uno de los periodos más fructíferos de la historia del vidrio. Émile Gallé, promotor e ideólogo de la Escuela de Nancy, es una figura fundamental en el desarrollo del Art Nouveau.

 

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Émile Gallé Jarrón de las libélulas. Vidrio doblado y grabado al ácido. 48 cm. C. 1900

Usando el vidrio como un pintor, maneja los pigmentos y logra dar a su producción una capacidad expresiva inédita. El éxito comercial de los vidrios de Gallé hizo que su estilo fuese rápidamente copiado dentro y fuera de Francia. 


Emile Gallé autorretrato

Continuaría incorporando técnicas experimentales en su trabajo, como el uso de burbujas de aire o láminas de metal, y también revitalizó la industria del vidrio, creando un taller propio para producir en masas diseños propios y de otros artistas. Su fábrica emplearía a 300 trabajadores y artesanos,  y estaría en funcionamiento hasta 1913. Se le consideró un gran humanista por su apoyo a diversos movimientos sociales de aquella época.

 

Rene Lalique es una figura destacada dentro de la historia del vidrio Art Déco. A diferencia de las obras de Gallé, en que la naturaleza se muestra tal como la percibimos, Lalique realiza en sus obras un ejercicio de abstracción tomando un elemento que estiliza y repite sistemáticamente.

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 Broche de libélula. Rene Lalique
(atribuido). Oro, zafiros, rubíes, esmeraldas, brillantes y esmaltes. c. 1903
Tuvo un gran reconocimiento por sus originales creaciones de joyas, botellas de perfume, vasos, candelabros, relojes, etc., dentro del estilo modernista (Art nouveau y Art déco). La fábrica que fundó funciona todavía (es muy popular por sus perfumes) y el apellido Lalique ha quedado asociado a la creatividad y la calidad, con diseños tanto fastuosos como discretos. 
 

 Frasco ‘Dans la nuit’ de Worth. René Lalique. Vidrio soplado y moldeado. C.1930

Comenzó a concebir frascos de perfume en vidrio siendo así el primero en imaginar la comercialización de un producto tan emblemático del lujo y del refinamiento en un envoltorio igualmente delicado y espléndido.

En el museo, también puede disfrutar de una magnífica muestra de joyería con piezas de los talleres Masriera, Fabergé o Lalique, entre otros.
Con las joyas es donde mejor se pueden representar los nuevos cánones modernistas. En el Museo están bien representadas estas piezas, con relojes de gran calidad de diseño, piezas creadas por el joyero oficial de la Corona rusa, Karl Fabergé como un magnífico Huevo de Pascua, decorado con piezas preciosas.


 CRISELEFANTINAS

En Salamanca el Museo de Art Nouveau y Art Déco, en la Casa Lis, exhibe una notable muestra de criselefantinas representativas del Art noveau de la colección del anticuario Manuel Ramos Andrade.

Con la expresión criselefantina se definía hasta finales del siglo XIX la técnica que empleaba simultáneamente el marfil y el oro en un objeto de arte. A finales del XIX, el concepto se amplió pasando a definir cualquier objeto escultórico en que se combinase el marfil y otro material como la madera, el mármol o el bronce.



Little Miss Shoeshine


Las estatuas criselefantinas se construían sobre un marco de madera al que se sujetaban finos bloques tallados de marfil, representando la carne, y pan de oro para representar los ropajes, la armadura, el cabello y otros detalles.

Reproducción moderna de la estatua de Atenea Partenos de Fidias en el Partenón de Nashville, Tennessee, Estados Unidos.

En la Grecia clásica, la técnica ya se usaba normalmente para estatuas de culto dentro de los templos, que solían ser a escala mayor que la real. La construcción era modular, de forma que parte del oro podía retirarse y fundirse en monedas o lingotes en épocas de escasez. (previsores ellos)


Bailarina mexicana, Fortunato Gory 1895 – 1925



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«Radha» Paul Philippe. Bronce, marfil y mármol. 58 cm. C. 1913.

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 «Pierrot». Otto Hoffmann. Bronce, marfil y mármol. 33,2 cm C.1915


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‘La danza de los cuchillos’. Otto Hoffmann. Bronce, marfil y mármol. 43 cm C. 1920.

 

La Walquiria

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‘Baquesa’. Pierre le Faguays. Bronce y mármol. 42 cm. C.1920.

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Pavo real’. Joseph Lorenzl. Bronce, marfil y ónice. 37 cm. C.1930


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 «Bailarina de Tebas». Claire J.R. Colinet. Bronce, marfil y mármol. 24 cm alt. C. 1930

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“Amantes”. Ernst Seger. Bronce, marfil y ónice. 40 cm. C. 1920

MUÑECAS


La colección exhibida en el Museo Art Nouveau y Art Déco es considerada la mejor colección pública de muñecas de porcelana a nivel mundial. Manuel Ramos Andrade, experto en la historia y evolución de la muñeca francesa y alemana, seleccionó con mucho rigor las mejores piezas atendiendo a su calidad, rareza y estado de conservación. En esta colección, formada por más de cuatrocientas piezas están representadas las mejores manufacturas. Jumeau, Bru, F. Gaultier, A. Thullier, Schmitt, Steiner o Petit & Dumontier, son algunos de los famosos talleres franceses 

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Muñeca Bru Jeune’. Casimir Bru. 70 cm. C. 1880. 

No hay ninguna descripción de la foto disponible.

 Muñeca con bebé y sombrilla’. Léopold Lambert y cabeza Jumeau. 51 cm. 1885-1900.

La imagen puede contener: una persona

Cortesana con abanico’. Léopold Lambert y cabeza Jumeau. Doble melodía. 45 cm. 1885-1900

El bebé «Kewpie» de  J.D. Kestner. Biscuit. 30 cm. 1913

LOS AUTÓMATAS 


 Fueron el no va más de la sofisticación burguesa del siglo XIX. Hoy son piezas de museo. Hablamos de los autómatas. La Casa Lis de Salamanca conserva una de las colecciones más exclusivas del mundo con una docena de piezas de extraordinaria calidad. Por motivos de conservación se ponen en funcionamiento una vez al año.


BRONCES VIENA

«Nativo en camello» Franz Bergmann

Igualmente, pueden contemplarse bronces Viena de temática orientalista con guardianes a la puerta del palacio, vendedores de monos, cazadores de leones o sensuales bailarinas, así como grupos de caza muy de moda en la época, animales domésticos, especies exóticas o animales humanizados. Entre todos ellos, destacan los bronces vieneses por sus delicados acabados y sus pinturas en frío

«La carrera» Édouard Drouot, bronce; hacia 1920


En el Museo cabe destacar la bailarina mora autómata de Karl Kauba, gran artista de este movimiento




 

 

FUENTES:

https://ejerciciodelcriterio.wordpress.com/2015/03/11/emile-galle-en-la-casa-lis-de-salamanca-ilustracion-botanica-sobre-vidrio/

http://www.historialia.com/detalle/172/casa-lis-salamanca

Salamanca.MuseoArtNouveauArtDeco_Museos.pdf
Fotografías:

Imagen M.A.S.. David Arranz. Óscar J. González Hernández

Troya, la Iliada y sus protagonistas.

Troya es una ciudad tanto histórica como legendaria, donde se desarrolló la famosa Guerra de Troya
 En griego se llamaba Τροία (Troia), también llamada Ίλιον (Ilión), Wilusa (en hitita) y Truva (en turco). Los restos arqueológicos nos han dicho mucho acerca de las ruinas, revelándonos pequeños detalles de los humanos que construyeron la ciudad de Troya y que la volvieron a reconstruir en posteriores ocasiones. 
El registro histórico de Troya está presente en los poémas épicos de Homero y habitantes que vivían en un mundo de héroes y dioses cuyas identidades e historias formaron parte de la tradición oral de la región durante siglos antes de que el gran poeta griego nos hablara de ella en sus versos. 
Homero, sin embargo, no fue contemporáneo de esta historia. No sorprende que el contexto histórico épico en la Ilíada y en la Odisea no está tan claro como se desearía. A lo largo de la historia se han realizado varios intentos para identificar los orígenes de Troya y poco a poco se ha ido avanzando en ellos, aunque no del todo.

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HOMERO
La célebre guerra de Troya fue descrita, en parte, en la Ilíada, un poema épico de la Antigua Grecia. Este poema se atribuye a Homero, quien lo compondría, según la mayoría de la crítica, en el siglo VIII a. C. Homero también hace referencia a Troya en la Odisea. La leyenda fue completada por otros autores griegos y romanos, como Virgilio en la Eneida. La Troya histórica estuvo habitada desde principios del III milenio a. C

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Busto de Atenea, tipo Palas de Velletri (los ojos se han perdido). Copia del siglo II de una estatua votiva de Cresilas en Atenas, c. 430-420 a. C. (Gliptoteca de Múnich.)
FUNDACIÓN

Ilo, hijo de Tros, fundó la ciudad de Ilión (Troya) y pidió a Zeus una señal. Casualmente encontró una estatua conocida como Palladio (Atenea), que había caído del cielo. Un oráculo decía que mientras el Palladio permaneciera en la ciudad, ésta sería inexpugnable.
Luego Ilo construyó el templo de Atenea en su ciudad, en el mismo lugar donde había caído.
Palas Atenea, diosa de la sabiduría, de la guerra y de la artes, intervino indirectamente tambien en la guerra y en la cultura romana se la conoció como Minerva
 

LA ILÍADA
Es una epopeya griega, atribuida tradicionalmente a Homero. Compuesta en hexámetros dactílicos (forma métrica muy importante a la hora de su difusión oral), consta de 15 693 versos (divididos por los editores, ya en la antigüedad, en 24 cantos o rapsodias y su trama radica en en el episodio de «la cólera de Aquiles».
Narra los acontecimientos ocurridos durante 51 días en el décimo y último año de la guerra de Troya. El título de la obra deriva del nombre griego de Troya, Ιlión.

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EL INICIO

Pero en la Guerra de Troya intervinieron varios factores y «actores»... a saber:
Discordia o Eris, la diosa de la Discordia, molesta por no haber sido invitada a las bodas de Peleo y Tetis, a la que habían sido convidados todos los dioses, urdió un modo de vengarse sembrando la discordia entre los invitados: se presentó en el sitio donde estaba teniendo lugar el banquete, y arrojó sobre la mesa una manzana de oro, que habría de ser para la más hermosa de las damas presentes: Esto fué el inicio de EL JUICIO DE PÁRIS, que veremos a continuación:

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Detalle de «El juicio de Paris» en el Mosaico de los Amores en Cástulo (Linares, Jaén)
Con Afrodita, Hera y Atenea arriba y por debajo Párís recibiendo la manzana de Hermes.
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El juicio de Páris de Peter Paul Rubens, 1639 (Museo del Prado, Madrid)

Las Tres diosas (Atenea, Afrodita y Hera) se disputaron la manzana produciéndose una gran confusión y pelea, que hizo intervenir al padre de todos los dioses, Zeus que envió a Hermes a buscar a Páris un príncipe-pastor por haber vivido alejado y separado del mundo y de las pasiones humanas. Así, se esperaba de él que su juicio fuera absolutamente imparcial. Paris se decidió finalmente por Afrodita, y su decisión hubo de traer graves consecuencias para su pueblo.
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PARIS
Durante una visita a Esparta, Paris se había enamorado locamente de Helena y, tras el episodio del juicio, ayudado por Afrodita, la raptó llevándose, además, su tesoro. En Troya fue mal recibido, porque temían que el secuestro provocaría la ira de su esposo Menelao, y efectivamente, éste formó una gran alianza de pueblos aqueos -griegos- para recuperar a Helena, el tesoro y destruir Troya.
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HELENA  Antonio Canova 1757-1822

Fué un personaje clave en el conflicto. Era hija de Zeus y Leda, a la que sedujo y yació con ella la misma noche que Tindáreo, esposo de Leda y rey de Esparta.
 
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Leda y el cisne de Francesco Melzi ( pintor italiano del Renacimiento, alumno de Leonardo da Vinci. Fue un artista de gran talento que trabajó como secretario y ayudante de Leonardo, quien en sus últimos años no podía usar sus manos. Galleria degli Uffizi, Florencia.)

Como consecuencia de su unión con Zeus en forma de cisne, Leda puso dos huevos; de uno nacieron Helena y Pólux, ambos inmortales (considerados hijos de Zeus), y del otro Clitemnestra y Cástor, mortales (considerados hijos de Tindáreo) Los cuatro niños, aparecen a sus pies en el óleo, recien salidos del cascarón

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Helena y Paris. Crátera de figuras rojas. 380-370 a. C. Museo del Louvre, París.
Estos dos personajes, según la tradición, fueron el desencadenante del inicio de la guerra.

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Paris y Helena Jean-Louis David Museo del Louvre

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Mapa con la procedencia de los contingentes que, según la mitología griega, intervinieron en la guerra de Troya. Los caudillos aqueos están señalados en verde y los troyanos y sus aliados, en amarillo

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AGAMENÓN

Entre las colecciones de este museo de Atenas está la máscara que vemos en la fotografía. Se trata de la Máscara de Agamenón, un objeto que fue descubierto por el famoso explorador Heinrich Schlieman en 1876 mientras excavaba en la acrópolis de Micenas. Es una importante máscara funeraria elaborada en oro que cubría el cuerpo de la tumba V de la acrópolis. Como el explorador suponía que ese cuerpo era del rey griego Agamenón la máscara fue bautizada con ese nombre

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MENELAO
Legendario rey de la Esparta micénica, esposo de Helena, así como una figura central en la Guerra de Troya. Fue hermano de Agamenón, rey de Micenas y líder de las tropas aqueas (griegas). Prominente figura en la Ilíada y la Odisea, Menelao fue también uno de los guerreros que se ocultaron en el interior del caballo de madera que sirvió a los aqueos como estratagema para introducirse en la ciudad y saquearla.
Una vez en la ciudad, se encontró cara a cara con Helena y estuvo a punto de matarla, pero finalmente la perdonó y la llevó consigo a las naves


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Aquiles de Lycomedes,  Museo del Louvre, París
Hijo de Peleo y de Tetis,fue un héroe de la Guerra de Troya y uno de los principales protagonistas y más grandes guerreros de la Ilíada de Homero.
Según el poema incompleto Aquileida, escrito por Estacio en el siglo I, versión que no aparece en otras fuentes, cuando Aquiles nació Tetis intentó hacerlo inmortal sumergiéndolo en la laguna Estigia, pero olvidó mojar el talón por el que lo sujetaba, dejando vulnerable ese punto, de ahí la expresión de «el talón de Aquiles»refiriendose a la vulnerabilidad de alguien.

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BRISEIDA

Briseida llevada a Agamenón, Giovanni Battista Tiepolo
El poema comienza con la retirada de Aquiles del campamento de los aqueos a causa de una ofensa que comete Agamenón.
El líder del ejército sitiador, Agamenón había tomado a una mujer llamada Criseida como esclava, que le enviaron como regalo; este la hizo su concubina, declarando que la prefería a su mujer Clitemnestra. Crises el padre de la mujer, imploró ayuda entonces a Apolo, quien envió la peste a los ejércitos griegos.  Agamenón accedió devolverla, pero exigió entonces que la esclava de Aquiles, Briseida, debía dársele como reemplazo. Enfadado por esta deshonra y a instancias de Tetis, Aquiles se negó a luchar y llevar a sus mirmidones junto a las fuerzas griegas.

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Los Mirmidones fueron una raza de valerosos guerreros que según la mitología griega lucharon al lado de Aquiles en la Guerra de Troya.  Se decía , que eran hombres descendientes de las hormigas .

El apelativo “mirmidones” proviene del hecho de que esas gentes habitaban una isla muy pedregosa y para conseguir limpiar los campos y poder cultivarlos, formaban largas cadenas humanas transportando piedras, al igual que hormigas transportando su alimento.

(Como última curiosidad añadiremos que el nombre de “mirmidón” fue utilizado en la Europa preindustrial para designar a cualquier subordinado)

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«La cólera de Aquiles» Giovanni Battista Tiepolo
La retirada de Aquiles a su tienda es el primer suceso de la Ilíada de Homero. Con Aquiles fuera del conflicto, los troyanos disfrutaron un período de tranquilidad. Tras el retorno de Aquiles a la batalla, Agamenón le devolvió a Briseida.

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Aquiles atendiendo a Patroclo herido por una flecha, identificado por inscripciones en la parte superior de la vasija.

Tondo de figuras rojas en un kylix, ca. 500 aC  Antikensammlung Berlin

La amistad de Patroclo y Aquiles es proverbial y sin embargo, desde el siglo V a. C., algunos griegos ven en ella algo más. Homero, no pretende saber si Patroclo y Aquiles eran amigos o amantes, y se muestra reservado sobre dicha relación,

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 PATROCLO
Patroclo dando muerte a Sarpedón a pesar de la llegada de Glauco,  400 a. C., Museo Arqueológico Nacional de Policoro.


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Menelao llevando el cuerpo de Patroclo, copia de un original griego en la Loggia dei Lanzi, Florencia.
La muerte de Patroclo, amigo personal de Aquiles:
Cuando, encolerizado, Aquiles se encierra en su tienda tras haber discutido con Agamenón, autoriza a Patroclo a ponerse su armadura y lanzarse al combate a la cabeza de sus Mirmidones. Durante la lucha, Patroclo es herido por Euforbo y matado por Héctor.

Menelao y Áyax el Grande protegen su cuerpo y se lo entregan a Aquiles, quien decide entonces retomar las armas para vengarlo.

 La imagen puede contener: texto

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HECTOR, con su esposa Andrómaca y su primer hijo, Astianacte.

El hijo mayor de Príamo es el mejor de los guerreros troyanos, Héctor es, a diferencia de Aquiles, un personaje muy humano, que sufre como hombre y tiene miedos y dudas ante la incertidumbre del combate. Héctor es un padre y esposo que se plantea el conflicto entre ser fiel a su patria o permanecer junto a su familia para disfrutar de su afecto
En una de las retiradas a la ciudad de las tropas troyanas, Héctor queda fuera de las puertas y es perseguido por Aquiles. Dan tres vueltas a las murallas hasta que Atenea, en la forma de Deífobo, incita a Héctor a plantar cara a Aquiles.


(Como anecdota, añadir que Schelimann en su afán de seguir los pasos del relato de la Ilíada, se hizo esas carreras alrededor de la aldea de Bunarbaschi, a unos 13 kilómetros de los Dardanelos, donde creía que se encontraba Troya y que posteriormente desechó).


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Muerte de Héctor de Peter Paul Rubens
Héctor pide a Aquiles que se honre el cadáver de Patroclo, pero el griego rechaza cualquier trato. Finalmente Aquiles mata a Héctor, clavándole la lanza en la base del cuello, el único lugar desprotegido por su armadura.

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Aquiles arrastrando el cuerpo de Héctor ante las murallas de Troya
Una vez muerto, el cuerpo de Héctor es lacerado por los aqueos, y posteriormente atado por los tobillos al carro de Aquiles, que lo arrastra extramuros. Durante doce días, el cuerpo permanece expuesto al sol y los animales, pero el Dios Apolo protege el cuerpo del héroe de estos maltratos y lo conserva impoluto.

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Aquiles arrastrando a Héctor. Lecito de finales del S. V. Museo del Louvre

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Regreso del cuerpo de Héctor a Troya.
Bajorrelieve en mármol de un sarcófago romano en el Louvre.
Finalmente, el rey Príamo, con la ayuda de Hermes, se aventura hasta la tienda de Aquiles y le suplica por la devolución. Aquiles se apiada y, a cambio de un rescate, entrega el cadáver de Héctor a su padre, que ya en Troya celebra los funerales.


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TETIS
Tetis, tras la cólera de Aquiles, suplica a Zeus para que éste permita que los troyanos adquieran ventaja. Jean Auguste Dominique Ingres.

Tetis no desempeña virtualmente papel alguno en los textos griegos conservados, ni en registros históricos de la religión y los cultos griegos. Solo se señala la presencia de Tetis en el Libro XIV de la Ilíada, en el pasaje que los antiguos llamaban el «Engaño de Zeus», cuando Hera tiende una trampa a su marido diciéndole que quiere ir «a los confines de la fértil tierra, a ver a Océano, padre de los dioses, y a la madre Tetis».


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Tetis entrega a Aquiles las armadura fabricada por Hefesto. Hidria ática de figuras negras, ca. 575–550 a. C.


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Muerte de Aquiles de Hugo Morais
Escultura que se encuentra en el palacio conocido como Akíleon, que la emperatriz Sissi compró y decoró en la isla de Korfú, en honor y recuerdo de su héroe Aquiles.
Aquiles era invulnerable en todo su cuerpo salvo en su talón. Las leyendas sostienen que Aquiles murió en batalla al ser alcanzado por una flecha envenenada en el talón,disparada probablemente por Páris

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Cerámica, VI aC., Ayax llevando el cadaver de Aquiles

AJAX
Ajax, al igual que Aquiles, fue entrenado por el centauro Quirón. Áyax, era sin duda, uno de los reyes más importantes en el campo de batalla.
Se cuenta que disputó con Odiseo por la armadura de Aquiles y al ganarla aquel, enloqueció de furia. En su delirio confundió un rebaño de ovejas con los líderes aqueos, y las mató.
Cuando se recuperó se suicidó, avergonzado, con la espada de Hector.

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ULISES
Cabeza de Odysseus Museo archeologico nazionale de Sperlonga (Italia) S.II a.C.
Odiseo o Ulises fue uno de los héroes legendarios de la mitología griega que aparece como personaje de la Ilíada, es el protagonista y da nombre a la Odisea, ambas obras atribuidas a Homero. Aparecía también en varios de los poemas perdidos del llamado ciclo troyano y posteriormente en muchas otras obras. Era rey de Ítaca, una de las actuales islas Jónicas, situada frente a la costa occidental de Grecia.
Junto con Diomedes entra en Troya disfrazado de mendigo, y consigue robar el Palladio, imagen de Atenea que aseguraba la inexpugnabilidad de la ciudad en tanto estuviese ella dentro.

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Escena de la película «Troya» dirigida por Wolfgang Petersen en 2004.
A Ulises, en fin, se le atribuye la idea de construir el caballo de madera en cuyo interior se alojaron treinta guerreros escogidos, mientras los demás simulaban poner fin al asedio, lo que habría de motivar la caída de Troya.
Los troyanos creyeron que los griegos se habian ido y que el caballo era una ofrenda para el dios Poseidón, por lo que Príamo decidió introducir el caballo en la ciudad.

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Caída de Troya, de Francisco Collantes (1635), Museo del Prado. 

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ENEAS con su familia, huyendo de Troya , cargando con su padre Anquises
Eneas, fue uno de los más distinguidos guerreros troyanos, cuyo valor se equipara al gran héroe troyano, Héctor, hijo del rey Príamo, cuya muerte, inclinará la balanza hacia el lado griego
Eneas, se mantuvo firme en su puesto, hasta el último de los días de la ciudad, en el que los griegos, consiguieron penetrar al recinto amurallado, devastando todo a su paso. Como muchos otros troyanos, al ver que la situación estaba perdida, escapó junto a su familia a los campos cercanos de Troya y mas tarde a Italia.
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La relación familiar de Eneas con los origenes de Roma a través de sus fundadores Rómulo y Remo, justifica que la historia narrada por el genial Virgilio en la Eneida, fuera creada para glorificar la figura del más grande dirigente de Roma: Octavio Augusto



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TROYA
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 La colina está situada al borde del mar Egeo. Hisarlik es el nombre de una de las muchas civilizaciones (pequeñas civilizaciones) que existieron en la zona, pues se cree que hubo asentamientos humanos hace más de 8.000 años (6.000 a. C.) Incluso hay quien cree que hubo asentamientos mucho antes. El lugar se ve que gustó a sus moradores y a los que iban viniendo detrás.

Cada vez que la ciudad desapareció, por las causas que fueren, hubo quien la volvió a construir, pero no aprovechando sus ruinas, sino tapándola de tierra y construyendo encima. Y lo más curioso es que esta tediosa tarea se llevó a cabo hasta nueve veces.

La única explicación es que las ciudades fueran destruidas de tal manera que nada quedaba en pie para que fuera aprovechable; que fuera menos costoso empezar de nuevo antes que aprovechar sus ruinas. Y ya de paso se elevaba el terreno para que su defensa fuera más eficiente.  Quizás una de las preguntas que más frecuentemente se hicieran los arqueólogos fuera, ¿cuál de las diez ciudades descubiertas fue la verdadera Troya?

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Imagen de 1835 donde figura, en primer plano, el río Escamandro; en el centro, el pueblo de Bunarbaschi y tras él, la colina donde Lechevalier creía que estaban las ruinas de Troya.
En el contexto de las guerras napoleónicas surgió una extraordinaria rivalidad entre Francia e Inglaterra que contribuyó tanto al saqueo como al estudio de muchas de las ruinas situadas en las fronteras de sus imperios o en países limítrofes en horas bajas. El Louvre y el British deben buena parte de sus impresionantes colecciones a este proceso conjunto de rapiña y amor al arte.


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Recreación Troya

Heinrich Schliemann, el millonario alemán (1822-1890) dedicó los últimos veinte años de su vida «a su obsesión, a su sueño infantil»: hallar las ruinas de Troya y demostrar la verdad del relato de Homero. La historia de este personaje está teñida de aventuras, ambición, entusiasmo e imprudencia. De sí mismo dijo: «Mi peor defecto, ser un fanfarrón y un farolero… pero me proporcionó innumerables ventajas».

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HEINRICH SCHLIEMANN Y SU ESPOSA SOPHIA

En 1871,  Schliemann excavó la colina de Hisarlik (por indicación del también arqueólogo Frank Calbert en busca de la mítica ciudad de Troya. El yacimiento escondía nueve ciudades construidas una sobre otra, así que este millonario prusiano utilizó, para excavar más rápido, una sustancia que Alfred Nobel había descubierto cuatro años antes: dinamita!..(expeditiva manera de excavar un yacimiento)
Se enamoró de una bellísima griega llamada Sofía Engastromenos, con la que contrajo matrimonio en 1869, (se llevaban mas de 30 años).
 

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FRANK CALVERT
El primero que dirigió excavaciones en la zona de la colina de Hisarlik fue el ingeniero John Brunton, en 1856, pero el lugar exacto donde las realizó no está claro. Algunos años después, en 1865, Frank Calvert emprendió excavaciones en las que halló restos del templo de Atenea, de muros y algunos otros fragmentos de cerámica pero tuvo que abandonar los trabajos. Cuando el alemán Heinrich Schliemann visitó casualmente a Calvert durante un breve viaje que había hecho a Tróade en 1868, se convenció de que la ubicación de Troya estaba en esa colina. Por ello, a partir de 1870 el alemán inició allí las excavaciones a gran escala
Schliemann ingrato, robó las ideas de Calvert, explotó su conocimiento y asesoramiento, y, finalmente, le robó la gloria a Calvert, en parte por calumniarlo y denigrar su trabajo.
El arqueólogo, terminó por irse del lugar, decepcionado.


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Ilustración del alemán Heinrich Schliemann dibujando en las ruinas de Troya
Entre 1871 y 1873 se consiguió identificar cuatro “estratos” o ciudades diferentes. La atribución de uno de ellos a la ciudad de Troya homérica no causó más que nuevas controversias porque, a pesar de que en los restos se encontraban claras señales de un posible asalto bélico, el recinto era demasiado diminuto

inframundo LOS HITITAS Y SU POSIBLE RELACIÓN CON TROYA

Hatti fue un reino de la Antigüedad situado en Anatolia Central que se desarrolló entre los siglos XVII y XII a. C. y cuya capital fue Hattusa.se consideró la «tercera» potencia en Oriente Próximo, junto con Babilonia y Egipto.
En las derruidas puertas de Hattusa se encontraban relieves con figuras de tamaño natural. A estas figuras de basalto negro y dureza similar al hierro les debemos en gran parte el conocimiento acerca de los reyes y de los guerreros hititas más notables.
Wilusa (también en las formas Wilussa o Wilusija) es un topónimo que aparece en algunos documentos hititas encontrados. Varios historiadores identificaron este término con uno de los nombres con que la ciudad de Troya aparece mencionada en la Ilíada: Ilios.Sin embargo esta hipótesis se ha puesto en duda puesto que los indicios que lo sostienen son muy débiles

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LOS ESTRATOS DE «TROYA»
Schliemann con su ejército de obreros excavó grandes trincheras, extrajo toneladas de tierra y se llevó por delante parte de las murallas que buscaba. Sin embargo, fijó la clave del yacimiento: Hisarlik era una sucesión de estratos -el más antiguo, del 3.000 a.C.-, fruto de una costumbre de la zona, la constante reedificación, y de sus siguientes colonizadores. Uno de esos estratos fue el escenario de lo que se convirtió en el célebre relato.
 

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El arqueólogo dedujo que, en medio de la colina, debía de levantarse el templo, y a su alrededor, con sus cimientos bien clavados en tierra, la muralla de los dioses. Empezó a excavar en la colina y halló resistencia de muros que le parecían insignificantes; y, en efecto, venció tal resistencia derribándolos. Halló armas, utensilios domésticos, joyas y vasos, testimonio irrefutable de que allí había existido una rica ciudad 
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Excavación donde se aprecian los estratos aparecidos en Hisarlik 

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Ágora de Troya
Los restos de los edificios cerca del ágora de Troya-posiblemente la ciudad de Príamo de la Iliada
El yacimiento arqueológico se llama Hisarlik, provincia de Çanakkale, y tiene varias ciudades de Troya superpuestas, como resultado de sucesivas destrucciones y reconstrucciones a lo largo de los siglos. El nombre de esta zona se traduce como ‘lugar de fortalezas’.
 

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Vista desde la colina de Hisarlik hacia la llanura de Ilión y el mar Egeo.
El mar se encuentra actualmente a unos 6 Km, pero en el S.XIII aC, estaría mucho mas cerca, como se indica en la Iliada… Ello es debido a que se han ido depositando sedimentos en lo que antes era un brazo de mar.


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Las llamadas murallas de Troya
Schliemann excavaba y buscaba. Y en la penúltima y antepenúltima capas halló huellas de incendio, ruinas de fortificaciones poderosas y restos de una puerta gigantesca. Entonces estuvo seguro: aquellas fortificaciones eran las que rodeaban el palacio de Príamo, y aquélla era la famosa puerta Escea. Y fue hallando tesoros, tesoros, desde el punto de vista científico. Por lo que remitía a su casa y lo que daba a los expertos para su valoración.

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HALLAZGO DEL TESORO DE PRÍAMO 

Era en las primeras horas de un día caluroso. Schliemann, como de costumbre, inspeccionaba con su esposa las excavaciones, convencido de que ya no hallaría nada importante, mas a pesar de todo siguió los trabajos, lleno de atención. Había llegado a unos veintiocho metros de aquellos muros que Schliemann atribuía al palacio de Príamo, cuando su mirada se fijó repentinamente en un punto que animó de tal modo su fantasía que se vio inmediatamente impulsado a mandar a casa a los obreros, inmediatamente…. 

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Fotografía del Tesoro de Príamo hallado en Troya II

Los obreros se alejaron. —¡Aprisa! Vete en busca de tu pañuelo encarnado —gritó Schliemann mientras saltaba a la fosa y con un cuchillo escarbaba como un loco.
Con la mayor presteza, separó el tesoro con un cuchillo, cosa que no era fácil sin gran esfuerzo y mayor peligro de la vida, ya que la gran muralla de la fortificación bajo la cual tenía que cavar amenazaba enterrarle a cada momento. «Pero a la vista de tantos objetos, cada uno de los cuales tenía un valor inmenso, me volvía audaz y no pensé en peligro alguno»,

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Collar del Tesoro de Priamo (copia) (Neues Museum, Berlin)
Su mujer tendió el pañuelo, y éste se fue cubriendo de tesoros de valor incalculable. ¡El tesoro de Príamo! ¡El dorado tesoro de uno de los reyes más poderosos de los tiempos más remotos, amasado con sangre y lágrimas; las joyas de personas semejantes a los dioses, un tesoro enterrado durante tres mil años y sacado a la luz de un nuevo día bajo las murallas de siete reinos olvidados! Schliemann no dudó ni un instante de que había hallado el tesoro.

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Los esposos ocultaron aquellas riquezas en una choza, cual si fuesen ladrones. Y luego, llegó el momento en que sobre una mesa de tosca madera se derramó aquel tesoro. Había diademas y brazaletes, cadenas, broches y botones, fíbulas, serpientes e hilos.
Esta información proporcionada por Schliemann en sus escritos, se ha sabido despues que es falsa: Sophia no estaba con él en ese momento, porque habia muerto su padre y tuvo que ausentarse. En realidad formaba parte del montaje que se hizo a si mismo y para convencer y deslumbrar al publico para adquirir el prestígio, que siempre buscó.


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El Tesoro de Príamo está constituido por numerosos objetos de metales preciosos que el arqueólogo Heinrich Schliemann afirmó haber encontrado el 31 de mayo de 1873 a una profundidad de 8 metros y medio en el sitio de la antigua Troya.

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A continuación, Schliemann, el soñador, toma unos zarcillos y un collar y se los pone a su joven esposa. ¡Joyas de tres mil años para aquella mujer griega que no pasa de los veinte! Hechizado, la contempla. —¡Helena! —murmura
(la foto se hizo por un fotografo, dias despues del hallazgo, una vez reunido con su esposa)


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  El hallazgo se conoce científicamente como Tesoro A y Schliemann atribuyó las piezas halladas al rey Príamo de Troya. Hoy se piensa que esta atribución fue el resultado del entusiasmo de Schliemann por encontrar los sitios y objetos mencionados por Homero.

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Detalle de un pendiente del tesoro (copia en el Museo de Berlín)

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Copias expuestas en el Museo de Berlín

En la época, el análisis estratigráfico de Troya aún no había cristalizado, y fue hecho posteriormente por el arqueólogo Carl William Blegen. La capa, en la que el tesoro de Príamo fue supuestamente encontrado fue la de Troya II, mientras que Príamo, según la tradición, habría sido habitante de Troya VI o VII, que fueron ocupadas cientos de años después.

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Copia de un brazalete del tesoro de Príamo, encontrado por Schliemann en el supuesto sitio de la antigua Troya. Los originales permanecen en Moscú, en el Museo Pushkin

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Los primeros objetos de oro y plata que aparecieron estaban dentro de un recipiente de cobre: «Copas de oro de una libra de peso, grandes jarros de plata, diademas de oro, pulseras, cadenas para el cuello formadas por miles de laminillas de oro pacientemente engarzadas…»

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En junio de 1873 Schliemann suspendió los trabajos y regresó a Atenas con el tesoro de Príamo, dispuesto a publicar sus hallazgos. Al año siguiente emprendió la excavación de Micenas mientras el Gobierno turco le demandaba por robo. Tras año y medio de proceso, fue condenado a pagar 10.000 francos. El multimillonario accedió a abonar la mitad. A pesar de la mala relación con las autoridades turcas, regresó al país en 1875 con intención de seguir excavando. Consiguió los permisos, pero tuvo que trabajar vigilado

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Jarrones de plata en el Museo de Berlín
Schliemann siguió publicando sus hallazgos («Troya y sus ruinas», 1875; «Micenas», 1878; «Tirinto», 1886.) que fueron cuestionados por algunos académicos, lo que le llevó a protagonizar varias polémicas, a veces sobre el terreno. Se llegó a decir que había montado el tesoro de Príamo a través del tráfico de antigüedades y que había falsificado los hallazgos de Micenas.

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Actualmente se sabe que aquel fabuloso tesoro, aquellas joyas no fueron precisamente del rey Príamo evocado por Homero, sino de algún rey mil años más antiguo, lo que no disminuye el mérito de Schliemann. Burlando al gobierno turco, que quería incautarse de aquellas riquezas halladas en su territorio, Schliemann las puso a buen recaudo en Grecia, y de allí las remitió la Museo de Berlín, indemnizando, en cambio, a la Sublime Puerta con su fortuna.

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Lo más terrible fue que en 1940, durante la segunda Guerra mundial, un bombardeo dispersó en parte el tesoro de Schliemann, desapareciendo muchísimos de aquellos únicos e insustituibles objetos de arte. La toma de Berlín por los soviéticos propició la desaparición del tesoro de Príamo que, posteriormente apareció en los fondos del Museo de Pushkin en Moscú, donde fue llevado como botín de guerra.

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El tesoro, una de las colecciones artísticas objeto de litigio entre Moscú y Bonn, ha estado oculto, durante más de cincuenta años, entre los fondos artísticos que Rusia considera como una compensación parcial por los daños sufridos por su propio patrimonio cultural durante la ocupación nazi.
Se cuestionó su autenticidad, se cuestionó su titularidad, se cuestionó su desaparición, y como en un círculo, vuelve a cuestionarse a quien pertenece: A Berlín, Rusia, Turquía o Grecia

MICENAS

https://www.youtube.com/watch?v=EYBRLcJKeaU

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Recipientes y figurillas de cerámica encontradas en las excavaciones por Schleimann y que tras reconocer su error en la datación del tesoro, trató de comparar con restos encontrados en Micenas de la misma época, por lo que se fué para allá, empeñado en justificar su hallazgo ante las autoridades académicas alemanas.


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MICENAS PUERTA DE LOS LEONES

En 1876 empezó las excavaciones, junto con el arqueólogo, Dörpfeld con el libro de Pausanias en la mano. Según el escritor griego las tumbas de Agamenón y de sus fieles se encontraban dentro de la murallas y las de los traidores Clitemnestra y Egisto fuera. Así que con esas pocas indicaciones empezó a excavar en el interior del recinto fortificado junto a la puerta monumental e inmediatamente encontró lápidas esculpidas (estelas).

  

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MICENAS: EL TESORO DE ATREO
En breve tiempo desenterró un espacio circular rodeado por una doble hilera de losas verticales donde encontró una serie de tumbas, el Circulo A. Los esqueletos encontrados yacían con sus ajuares: máscaras de oro tapaban los rostros de los hombres y diademas del mismo metal se ceñían a las sienes de las mujeres. Schliemann en compañía de su esposa registraron cuidadosamente miles de objetos contenidos en esas tumbas que la arqueología posterior probó pertenecían al siglo XVI a. C., cuatrocientos años antes del relato de Homero

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La mal llamada máscara de Agamenón: Descubierta por Heinrich Schliemann en 1876 en Micenas. Se desconoce su identidad

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CONCLUSIONES FINALES SOBRE TROYA

En 1882 convenció a Dörpfeld para que se uniera a su aventura, consiguiendo con ello que sus trabajos no fueran los del buscador de tesoros sino los de un verdadero arqueólogo. 

Finalmente, el arqueólogo estadounidense Carl Blegen, rechazó la tesis de Dörpfeld de la Troya VI como fase de la Iliada, probablemente destruida por un terremoto y no por un incendio, por ello, Blegen se decidió por la fase de asentamiento de Troya VII, que data de 1.250-1.000 a.C. donde existe un amplio estrato de cenizas y restos carbonizados, entre los vestigios hallados en este estrato figuran restos de esqueletos, armas, depósitos de guijarros, etc.Éste le ayudó a reinterpretar la estratigrafía de Troya (ahora es cuando se conoce que las ciudades eran siete y no cuatro), continuar las excavaciones de Micenas y Orcomenos y a excavar la ciudadela de Tirinto, no muy lejos de Micenas. Schliemann murio en 1890. Wilhelm Dörpfeld continuó su trabajo

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RESUMEN

Debemos a Heinrich Schliemann la ruptura del paradigma vigente en el siglo XIX respecto a la historicidad del relato homérico. Este peculiar aficionado a la arqueología logró, Ilíada en mano, desenterrar los restos de la mítica Troya ante el pasmo de muchos ortodoxos académicos. El interés por el redescubrimiento del pasado de Grecia se vio claramente aumentado en el siglo XIX tanto por causas políticas (nacionalismo frente a la hegemonía turca) como al avance de las técnicas arqueológicas

  

  FUENTES:

 Documentales : https://www.youtube.com/watch?v=y1ZleJsgXk0

 https://www.youtube.com/watch?v=jigqJnvvTDY 

http://www.diariosur.es/v/20101016/cultura/millonario-encontro-troya-20101016.html 

https://oldcivilizations.wordpress.com/2012/01/25/heinrich-schliemann-el-descubridor-de-troya/ 

https://ociointeligenteparavivirmejor.blogspot.com.es/2014/05/opinion-personal-12-la-troya-de-homero.html

Bibliografía:

«La guerra de Troya» Peter Graves

«La Iliada» de Homero, Brontes, 2009

 

San Pedro y San Pablo

Iglesia de San Pedro y San Pablo (Cracovia, Polonia)


La Fiesta de San Pedro y San Pablo, cuyo nombre oficial es «Solemnidad  de san Pedro y san Pablo, apóstoles» es la conmemoración del martirio en Roma de los apóstoles Simón Pedro y Pablo de Tarso, celebrada el 29 de junio


San Pedro y San Pablo por el Greco.

En esta fecha coincide la celebración de San Pedro, el primer Papa, y San Pablo, también llamado “el Apóstol”, ambos considerados grandes pilares de la Iglesia.

San Pedro por Rubens

SAN PEDRO

Todos los datos y episodios relacionados con este santo, aparecen en los Evangelios oficilaes y apócrifos, Los Hechos de loa Apóstoles y las Epístolas de San Pablo, ademas de otros escritos del S.I.


Estatua de San Pedro en el Vaticano

Según el evangelio de San Mateo, Jesús,»caminando por la ribera del mar de Galilea vio a dos hermanos, Simón, llamado Pedro, y su hermano Andrés, echando la red en el mar, pues eran pescadores, y les dice: Venid conmigo, y os haré pescadores de hombres. Y ellos al instante, dejando las redes, le siguieron»


D. Ghirlandaio, «Llamada de los apóstoles» (1481), detalle  Capilla Sixtina (Vaticano)

Su nombre de nacimiento era Simón bar-Jona​, conocido también como, Cefas o simplemente Pedro y fue, de acuerdo con múltiples pasajes del Nuevo Testamneto, pescador de oficio en el mar de Galilea. Su lugar de nacimiento fue Betsaida,​ un pueblo junto al Lago de Genesaret y allí ejercía el oficio de pescador junto a su hermano Andrés, quien también fue apóstol.

Los hermanos Zebedeos: Santiago y Juan  Museo de las Peregrinaciones, Santiago de Compostela S.XVI

Los evangelios sinópticos lo presentan como uno de los tres discípulos íntimos que, junto con Santiago y Juan

Según dos pasajes del Nuevo Testamento fue el primero en reconocer a Jesús como el Mesías esperado. «Y él (Jesús) les preguntaba: “Y vosotros, ¿quién decís que soy yo?”. Pedro le contestó: “Tú eres el Cristo”

«Entrega de las llaves a San Pedro»   Perugino,  Vaticano

La Iglesia católica lo identifica a través de la sucesión apostólica como el primer papa, basándose, entre otros argumentos, en las palabras que le dirigió Jesús: «Tú eres Pedro, y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia, y el poder de la muerte no prevalecerá contra ella. Yo te daré las llaves del Reino de los Cielos. Todo lo que ates en la tierra, quedará atado en el cielo, y todo lo que desates en la tierra, quedará desatado en el cielo» (Mateo 16, 18-19)


La negación de San Pedro, óleo sobre lienzo de Theodor Rombouts (1597-1637, Belgium)

Los cuatro evangelios recogen también la profecía de Jesús anunciando la traición de Pedro quien lo negaría tres veces consecutivas por miedo a ser reconocido como seguidor de Jesús.

«Las lágrimas de San Pedro», José de Ribera

La negación de Pedro se cumplió…


«Liberación de San Pedro» por Rafael  estancias de Heliodoro, Vaticano

Aproximadamente en el 42-44 d.C. Pedro, quien se hallaba en Jerusalén, fue encarcelado por el rey Herodes Agripa I, pero fue liberado por un ángel.



Altar en la Carcel Mamertina de Roma, donde estuvo Pedro encarcelado

Icono bizantino

De acuerdo con la epístola a los Gálatas, Pedro se trasladó a Antioquía, donde Pablo lo encontró más tarde  y después de haber fundado la iglesia de Antioquía, fue a Roma a predicar el Evangelio


«Dómine, quo vadis?» de Anibal Carracci

En el camino a Roma, por la Via Appia, fué cuando dijo la famosa frase en latín «Quo Vadis?» que significa «¿A dónde vas?» que viene del  texto de los «Hechos de Pedro»



San Pedro por el Greco

La tradición católica de los Padres de la Iglesia narra que Pedro acabó sus días en Roma, donde fue obispo

«Martirio de San Pedro» por Caravaggio

Allí murió martirizado bajo el mandato de Nerón en el Circo de la colina vaticana o en sus proximidades, sepultado a poca distancia del lugar de su martirio y que a principios del siglo IV el emperador Constantino I el Grande mandó construir una gran basílica sobre su sepultura.


«Crucifixión de San Pedro» Políptico de Pisa  por Masaccio

El texto apócrifo «Hechos de Pedro», escrito en el siglo II, relata que Pedró murió crucificado cabeza abajo, ya que no quiso hacerlo igual que Cristo

Su tumba fué encontrada mas tarde bajo el altar de la Basílica de San Pedro en 1965. Está sencillamente marcada con su nombre y hay restos humanos en ella.

En la Iglesia de San Pedro de Olite, el dintel tiene una decoración esculpida a base de tres escenas consecutivas que describen algunos momentos de la vida del titular del templo: San Pedro. Vemos consecutivamente como recibe las llaves de la Iglesia de manos de Cristo, Luego una escena en que aparece en su barca y Cristo frente a ellos Y por último un momento de su juicio y sentencia seguidos de la escena de la crucifixión cabeza abajo


Basílicas de San Pablo extramuros y San Pedro del Vaticano en Roma

SAN PABLO

Saulo Pablo nació entre el año 5 y el año 10 en Tarso (en la actual Turquía), por entonces ciudad capital de la provincia romana de Cilicia

San Pedro y San Pablo por el Maestro de San Ildefonso

San Pedro y San Pablo por Fernandez Navarrete

La información sobre la ciudadanía romana de Pablo solo es presentada por los Hechos de los Apóstoles​ y no encuentra paralelismos en las cartas de Pablo, lo que aún hoy resulta motivo de debate, pero algunos sostienen que Pablo era descendiente de uno o más libertos, de quienes habría heredado la ciudadanía



Martirio del diácono Esteban. 

Se trata de una representación bizantina en miniatura incluida en el menologio de Basilio II, obra de arte señera entre los manuscritos griegos con miniaturas

Según los Hechos de los Apóstoles, el primer contacto fidedigno con los seguidores de Jesús lo tuvo en Jerusalén, con el grupo judeo-helenístico de Esteban y sus compañeros.​ Saulo Pablo aprobó la lapidación de Esteban el protomártir, ejecución datada de la primera mitad de la década del año 30


 Conversión en el camino para Damasco. Por Caravaggio, en la Basílica de Santa María del Popolo, en Roma. 

En las obras de arte y en la creencia popular se tiene la imagen de que Pablo cayó de su caballo, cuando ni en las epístolas paulinas ni en los Hechos de los Apóstoles se menciona la caída de un caballo. Podría tratarse, pues, de un anacronismo.

Según el libro de los Hechos de los Apóstoles,tras el martirio de Esteban, Saulo Pablo se dirigió a Damasco  Sucedió que, yendo de camino, cuando estaba cerca de Damasco, de repente le rodeó una luz venida del cielo, cayó en tierra y oyó una voz que le decía: «Saulo, Saulo, ¿por qué me persigues?» El respondió: «¿Quién eres, Señor?» Y él: «Yo soy Jesús, a quien tú persigues. Pero levántate, entra en la ciudad y se te dirá lo que debes hacer».



Restauración de la vista a San pablo. Pietro da Cortona

Después del suceso vivido por Pablo en el camino de Damasco, del que quedó ciego, fué al encuentro de Ananías que lo curó de su ceguera imponiéndole las manos. Pablo fue bautizado y permaneció en Damasco «durante algunos días».


Las cartas de San Pablo S:XVII   (Blaffer Foundation Collection, Houston, Texas)

. Probablemente escritas todas en la década del año 50, son las siguientes (en un posible orden cronológico):

Primera epístola a los tesalonicenses, Primera epístola a los corintios, Epístola a los gálatas, Epístola a Filemón, Epístola a los filipenses, Segunda epístola a los corintios y Epístola a los romanos.

Los Hechos de los Apóstoles, es el nombre del quinto libro del Nuevo Testamento, en el cual se narra la historia del conocido como período apostólico.

Imagen que representa a San Pablo escribiendo, de una versión manuscrita de las cartas de san Pablo datada de los inicios del siglo IX  Abadía de Sankt Gallen (Suiza)


«San Pablo encarcelado» por Rembrandt

La cautividad de Pablo en Roma, considerada un hecho fidedigno, habría tenido una duración de dos años, tiempo en que el Apóstol no vivió encarcelado sino en custodia


​»Decapitación de San Pablo» por Simonet 1887

Tertuliano describe que Pablo sufrió una muerte similar a la de Juan el Bautista, quien fue decapitado: el texto apócrifo del Pseudo Marcelo, conocido bajo el título de Hechos de Pedro y Pablo 80, señaló que el martirio de Pablo habría sido por decapitación en las Acque Salvie, en la vía Laurentina, hoy abadía delle Tre Fontane, con un triple rebote de su cabeza que aseguraba haber causado la generación de tres vías de agua



«la Pasión de Pablo» del Pseudo Abdías (siglo VI) señaló la sepultura del Apóstol «fuera de la ciudad , en la segunda milla de la vía Ostiense», más precisamente «en la hacienda de Lucina», una matrona cristiana, donde más tarde se levantaría la basílica de San Pablo Extramuros.




http://www.arquivoltas.com/6-Navarra/Olite01.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Sim%C3%B3n_Pedro

https://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_de_Tarso

Los niños en la escultura

Se llama escultura, al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a la obra elaborada por un escultor.
Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado.
Dentro de la escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo repertorio artístico.
Desde la Prehistoria, se ha utilizado la escultura de diversas formas: como amuletos, representación de dioses, con fines funerarios como en Egipto, representando mandatarios, seres mitológicos etc y entre todos ellos, tambien hay figuras de niños: Cupido, amorcillos, angelotes, personajes de episodios históricos o fabulosos y tambien la muy frecuente imagen del Niño Jesús.

Vamos a dar un repaso al niño a través de las esculturas, que de él se han hecho a lo largo de la Historia, con distintos estilos, materiales (donde predomina la piedra) y posturas..
Veremos niños en muy distintas situaciones y sobre todo sentimientos, que pueden pasar de alegria propia de sus juegos a la tristeza secundaria a un determinado episodio e incluso a enfado en alguna ocasión
Tambien vereis que algunos aparecen acompañados: es inevitable, sobre todo si lo hacen con sus madres y otras con animales u otros personajes, justificados por la escena que representan…pero sienpre serán protagonistas y nos mostraran sus encantos e inocencia.
Vamos a ello…

EL NIÑO DE LA ESPINA O ESPINARIO 

Autor desconocido Siglo I a. C. Bronce Museos Capitolinos, Roma Escultura romana, copia de un original helenístico
Esta escultura del Niño de la espina, también conocida en el mundo del arte como el Espinario, es una de las obras clásicas más conocidas,sin embargo, la escultura que conocemos a través de diferentes copias del original helenístico, dista mucho de ser considerada como una obra excepcional, a pesar de suponer que el modelo que inspiró la larga serie sin duda presentaría matices que los copistas romanos no supieron captar y transmitir..
Este tema ha tenido una gran influencia en la historia del arte y ha sido motivo de múltiples reproducciones e inspiración de diversos artistas. Una copia romana en mármol puede admirarse en los Uffici de Florencia, otra en mármol en el museo del Louvre de París, y otra más en el museo Pushkin de Moscú. En el museo del Prado de Madrid existe una copia del s. XVII (Cesare Sebastian, 1650).

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«El joven rey Tutankamón». Talla en madera policromada. 
 
Tutankamón, llamado en vida Neb-jeperu-Ra Tut-anj-Amón, fue un faraón perteneciente a la dinastía XVIII de Egipto, que reinó de 1336/5 a 1327/5 a. C.4 Su nombre original, Tut-anj-Atón, significa «imagen viva de Atón» fue el último faraón de sangre real de la dinastía. Ascendió al trono después del periodo de Amarna y devolvió a los sacerdotes de Amón la influencia y el poder que habían poseído antes de la revolución religiosa y política de Akenatón.el adorador de Atón.

 «Hércules niño con una serpiente»
 
Escultura que presenta a Hércules cuando estrangula una serpiente. La obra fue elaborada en Roma en el siglo 2 d. C La diosa Hera odiaba al niño y envió dos serpientes para que lo matasen, pero el bebé se les adelantó estrangulándolas

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 Escultura de bronce griega Museo Paul Getty

 «Niño con una oca» Boetas 200-150 a.C.Grecia Museo: Museo Nacional del Louvre

Boeto de Calcedonia, debe la inmortalidad sobre todo al conocido grupo del Niño de la oca, llegado a nosotros en varias copias. Debía de ser un tema bastante común, que tenía su lugar en los santuarios de Asclepio, pero la obra de Boeto logró un éxito muy particular: las carnes realistas y blandas del niño, el uso -un tanto irónico- de la estructura piramidal que se empleaba en Pérgamo para plasmar gestas heroicas, todo hubo de contribuir a su fama.

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«Jinete de Artemision» detalle. Museo Arqueológico de Atenas. S. II.I a. C.
 
Representa un perfecto modelo iconográfico de la nueva estética que aporta a la escultura griega el periodo helenístico. Una plástica caracterizada por un naturalismo espontáneo y directo que enlaza directamente con la contemplación de la realidad y se desliga por tanto del idealismo que había caracterizado el periodo clásico.

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Centauro y Eros copia de original romano Museo del Louvre

Las esculturas de arte clásico que en el siglo XVII formaban parte de la colección del cardenal Scipione Borghese, sobrino del papa Pablo V, y que en 1807 Camillo Borghese vendió al emperador Napoleón Bonaparte. Esta extraordinaria colección constituye uno de los pilares del actual Museo del Louvre de París. El hermafrodita dormido, que fue restaurado por un joven Bernini; Silineo con Baco niño; el conjunto de Las tres Gracias o el famoso Centauro con Eros sobre sus lomos. La colección reunida por el cardenal Borghese fue vendida en 1807 por su descendiente Camillo Borghese, que estaba casado con la famosa Paolina Bonaparte, a su cuñado el emperador.

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 «Sileno con Dionisios en brazos»  Museo del Louvre

Copia de un original de Lisipo Arte romano imperial. Siglo I – III a.C.

Según la mitología griega, Zeus entregó a su hijo ilegítimo, Dioniso, al cuidado de Sileno, para protegerlo de la ira de su esposa Hera. Junto a él, Dioniso se crió en el monte Nisa, rodeado de sátiros y ninfas. Las características de esta escultura llevan a pensar que la pieza es una copia romana, de época imperial, basada en una escultura griega más antigua, del siglo IV a.C., realizada en bronce por Lisipo.
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Eros de  Lisipo

Fue un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso, h. 370 a. C. y fallecido hacia el 318 a. C. Lisipo, Escopas y Praxíteles están considerados los tres grandes escultores de la segunda fase del clasicismo (siglo IV a. C.),

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Escultura de bronce romana, Museos Vaticanos

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Escultura romana. Cartagena, Murcia
 
Retrato infantil encontrada en la calle de los Cuatro Santos en 1857. La cabeza, ceñida con una corona, ha sido interpretada habitualmente como un retrato de un miembro de la familia del emperador Augusto. Por la proximidad del lugar de hallazgo con el teatro podría haber pertenecido a su programa decorativo, incluso podría ser un retrato de Cayo o Lucio, miembros de la familia imperial asociados a la construcción del mismo teatro
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Estatua de niño S.III dC Los Angeles .County Art Museum, California
 
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«Niño con liebre» Museo Arqueológico Municipal de Cabra, Córdoba
 
Escultura romana procedente del yacimiento de la villa romana del Mitra, de la que era propietaria la familia del ex ministro franquista José Solís y que ya ha pasado a los fondos del Museo

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«Loba capitolina» Museos Capitolinos Roma
 
La cronología de la figura de la loba ha sido muy discutida; según la tradición la escultura de la loba sería etrusca, aunque se estima que data de la Edad Media,siglo XI y XII mientras las estatuas de los niños Rómulo y Remo fueron creadas y añadidas en 1471 y probablemente son obra del escultor Antonio Pollaiuolo.

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«Virgen Blanca» S XII-XIII Catedral de Tudela
 
Se trata de una estatua de piedra policromada de la Virgen y el Niño, fechable alrededor del año 1200 y que presidía el ábside central.

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“la Virgen y el Niño“ Miguel Angel Buonarroti
 
La iglesia de Nuestra Señora, uno de los templos más importantes de Brujas junto a la catedral del Salvador, tiene como principal atractivo para la visita una escultura de una Virgen que esculpió el genial Miguel Angel en 1504.Miguel Angel la realizó para la catedral Duomo de Siena, pero una familia de Brujas la compró y la llevó a la citada iglesia de Nuestra Señora.No es raro que te pueda sorprender este hecho pues apenas se pueden ver obras de Miguel Angel fuera de Italia.

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   «San Juanito» Miguel Angel 
 
Es una obra de juventud del artista, anterior a la Piedad del Vaticano y a los frescos de la Capilla Sixtina, que fue donada por el duque de Florencia, Cosmé I de’ Medici, a Francisco de los Cobos, secretario del emperador Carlos V. El monarca la envió a España, a la villa de Francisco, en Sabiote, pasando a enriquecer, tras su muerte, la capilla sepulcral que mandó construir en su ciudad natal de Úbeda. Fue destrozada en 1938 y posteriormente reconstruida.

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San Juanito, detalle

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Cabeza de muchacho, atribuida al círculo de della Robbia

«Putti» realizados en terracotta por Andrea Della Robbia (1435-1525)
 
Hoy día estan en la fachada dell’Istituto o Ospedale degli Innocenti, Florencia
Entre las creaciones más famosas del artista cabe citar la serie de retablos para los franciscanos de Asís; sobresale la estatua de San Francisco para Santa Maria degli Angeli y las terracotas vidriadas para la Chiesa Maggiore y la Chiesa della Stimmate, que formaban parte del convento de La Verna. Entre otros notables ejemplos, citaremos el grupo de tondos que decoran la logia del Ospedale degli Innocenti de Florencia, que representan una serie de putti animando a los florentinos más ricos a que ejerzan la caridad

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 «Alegórico figura de Atis niño» Donatello Museo Barghello, Florencia
 
No se conocen documentos sobre su colocación originaria ni de su encargo, pero Vasari lo cita probablemente como Mercurio y de «altura de un brazo y medio, de bulto completo y vestido de extraña manera, en casa de Agnolo Doni», con atribución a Donatello.

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 «Spiritelli» o niños alados de Donatello
 
Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello, fue un artista y escultor italiano de principios del Renacimiento, uno de los padres del periodo junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio.


 «Amorcillo con delfín» Verrochio
 
Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni, conocido simplemente como Verrocchio fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de’ Medici en Florencia

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«La cabra Amaltea con Jupiter niño y Juno» Gian Lorenzo Bernini Mármol. Galleria Borghese. Roma 
 
La Cabra Amaltea es una escultura barroca de Gian Lorenzo Bernini. Bajo el patrocinio del cardenal Borghese, sobrino del papa Pablo V, sus primeras obras eran piezas para decorar los jardines del cardenal. Esta obra destaca por ser la primera de Bernini, realizándola con tan solo 18 años.
El mito de la cabra Amaltea es una leyenda heredada de la mitología griega y, posteriormente adaptada por los romanos, que dicen que Amaltea es la cabra que alimentó con su leche a Júpiter, el dios Zeus en la mitología griega como un niño y que jugando con ella, el pequeño dios había roto uno de sus cuernos.

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«Manneken Pis», Bruselas, Bélgica

La traducción de su nombre es «niño que mea». Es una estatua de bronce de 61 cm. situada en el centro histórico de Bruselas, al sur de la Grand Place y es todo un símbolo de Bruselas. Leyendas acerca del porqué de su construcción y su fama hay muchas, pero la más extendida viene a ser la siguiente: Un rico comerciante que visitaba la ciudad en familia perdió a su hijo pequeño y se organizaron unos grupos de búsqueda. El niño fue encontrado riendo y orinando en un pequeño jardín, por lo que el padre decidió ayudar a la construcción de una fuente. Una fuente que tiene a su hijo orinando en la parte superior.
Es pequeño, es simplemente una fuentecilla, mucha gente se siente decepcionada cuando lo ve e, incluso, se nos puede pasar por alto si no estamos atentos


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«Niños» Ercole Ferrata 1610-1686 Museo Hermitage San Petersburgo
 
Ercole Ferrata fue un escultor italiano, uno de los máximos exponentes del barroco romano

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 «Niño Jesús» Juan de Mesa y Velasco (Córdoba, 1583 – Sevilla, 1627) 

Fue un escultor español del Barroco, con abundante obra de imagenería religiosa sobre todo en Sevilla, destacando el Gran Poder y el Cristo del Amor

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 «Niño Jesús del Sagrario» de la Catedral de Sevilla, imagen de Juan Martínez Montañés
 
Representa a Jesús niño, desnudo y erguido con los pies sobre un cojín y las manos alzadas. Sin embargo, la morfología de las manos que actualmente conocemos de la imagen no es la primitiva concebida por Martínez Montañés. En 1629, por encargo de la cofradía, el pintor Pablo Legot (1598-1671) realizó unas nuevas manos a la escultura, probablemente de plomo.
Otra obra destacada es el Cristo de la Pasión en Sevilla.


 Niño Jesús mostrando el corazón. F. Salzillo s.XVIII. Colección particular. Murcia

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» El niño del pájaro». 

 Labrado en mármol a fines del siglo XVIII, según un modelo en terracota de Charles-Antoine Bridan (1730–1805) de 1784, que a su vez es una copia de una escultura romana antigua de la Villa Borghese (Roma, Italia). Forma pareja con La niña del nido.

 «Fillette à l’oiseau et à la pomme»Niña con un pajaro y una manzana Jean-Baptiste Pigalle (1784) Musée du Louvre 
 
(París, 27 de febrero de 1714 – París 22 de agosto de 1785 ) fue un escultor francés.
nacido de una familia de ebanistas, aprende la escultura con Robert Le Lorrain y Jean-Baptiste Lemoyne. Considerado como un maestro por sus contemporáneos, su obra está a caballo de los periodos barroco y neoclásico.



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«Niño leyendo» Antonio Canova (1757 – 1822)
 
Fue un escultor y pintor italiano del Neoclasicismo. Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la antigüedad, fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini.

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 «Pescador de cangrejos» Escuela francesa S.XIX

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«Pequeña bailarina de 14 años» Edgar Degas (1834-1917)
Estatua en bronce con patina de diversas coloraciones, tutú de tul, lazo de satén rosa en el cabello .París, museo de Orsay

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«La fuente de los ocho niños» Mariano Benlliure Valencia
 
En 1962 se erigió una fuente dedicada a su memoria.
La fuente, tiene en su anverso la reproducción en bronce de la «Fuente de los Niños», obra de Mariano Benlliure y cuyo original en yeso se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Valencia y del que se obtuvo el vaciado de este monumento. El original se encuentra en Cádiz. En la cara posterior encontramos un relieve en bronce, con el rostro de perfil de Benlliure y la leyenda «Valencia a Mariano Benlliure».

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«Adolescencia» – Vala Ola Bronce -2002 Colección privada

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«Niño herido» Enric Clarasó ( Sant Feliu del Racó , 14 de octubre de 1857 – Barcelona , 1941 )
 
Fue un escultor modernista catalán cuyo estilo transita entre el costumbrismo y el simbolismo. Frecuentó los círculos de Rusiñol y Casas . Su estilo se ha relacionado con el del escultor Josep Llimona .
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 “Sinnataggen”, Vigeland Sculpture Park, Oslo 2011

«Gruñón» muestra un enojado niño y se considera la escultura más famosa de Gustav Vigeland que fue modelado probablemente en 1928 . Está fundido en bronce y se estableció como una de las 58 esculturas del Museo Vigeland en 1940.

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«El niño no nacido» Martin Hudáčeka. Eslovaquia
 
La obra sorprende por su realismo y poética expresividad. El niño parece esculpido en cristal, mientras que a su lado, de rodillas, una madre arrepentida está representada en piedra. Los materiales son por sí mismos bastante metafóricos. El niño levanta la mano sobre la cabeza inclinada de su madre en un gesto de amor filial.

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Nadia Bounhar, escultora desde 1990, trabaja tradicionalmente esculturas de arcilla, de libre inspiración: la conservación del patrimonio histórico, leyenda e historia, etc …
Sus proyectos personalizados de encargo le permitió trabajar con varias instituciones. Todas sus obras han sido diseñadas por primera vez en su taller, y luego cocidas, en un viejo horno de ladrillo tradicional. La combinación de la creatividad y su dominio, ha hecho que Nadia sea ahora una artista esencial de la región de Toulouse.(Francia)

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Monumento a los niños víctimas de la guerra en Lídice erigida por la artista Marie Uchytilová en la década de 1.990
 
El 27 de mayo de 1.942, un oficial nazi alemán de alto rango, llamado Reinhard Heydrich, era conducido desde su casa de campo a su oficina en Praga cuando fue emboscado por soldados checos entrenados por los británicos. El ataque, que se llevó a cabo con granadas, le dejó gravemente herido y murió ocho días después.

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Lídice, esta situada a unos 20 kilómetros al oeste de Praga, en la República Checa.
Para vengar la muerte de Heydrich, los alemanes lanzaron una represalia aterradora al pueblo
En los posteriores días, 340 personas de Lídice murieron a causa de la represalia alemana: 192 hombres, 60 mujeres y 88 niños. Solo 153 mujeres y 17 niños regresaron después de la guerra.



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Niño gigante Ron Mueck 2000
 
Ron Mueck es un escultor australiano, que tuvo su origen profesional en el mundo de los efectos especiales para el cine. No es un escultor cualquiera, ya que sus “obras de arte” son hiper-realistas, reproducen fielmente cada detalle del cuerpo humano, llega a tal extremo de colocar en sus figuras poros, lunares, puntitos negros, vellos en los brazos y piernas, cabello y todo lo que el cuerpo pueda tener.
 
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 «El Dia»: cabeza de la nieta despierta de Antonio López García
 
(Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español.

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 «María dormida», Antonio López.1964. Madera policromada. Colección privada.

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 Gerard Demetz Italia

selección de sus impactantes esculturas en madera centradas en la imagen de los niños y adolescentes de nuestra época. Las elabora con fragmentos de madera ensamblada o con materiales sintéticos, y su empleo de piezas diferenciadas y no de bloques le sirve para expresar su cuestionamiento de la realidad humana

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 The First Generation (2000) by Chong Fah Cheong, Cavenagh Bridge, Singapore
 
Es un escultor conocido por muchas esculturas públicas en Singapur. A pesar de que trabajó en una variedad de estilos , su nombre se identifica con una serie de esculturas figurativas que representan la vida de las personas que viven y trabajan a lo largo del río Singapur, en este caso un grupo de alborozados niños.

«Niños jugando al corro» Localizado en Benson Garden, Loveland, Colorado, USA
 
El parque, inagurado en 1985, cuenta actualmente con 116 esculturas.

Y nada mas, quiero terminar con esta alegre escena, que es la que los niños de todo el mundo, deberían vivir y disfrutar siempre…

Fuentes:

La escultura ecuestre

Las estatuas ecuestres no son más que la representación de hombres montados a caballo y se lleva haciendo desde la antigüedad este tipo de homenaje. Dependiendo del contexto sociohistórico, a veces encontramos que están restringidos a ciertas clases, como por ejemplo militares en la Roma republicana o a monarcas en la Alemania del siglo XIX.

Siempre han resultado intrigantes las estatuas de los caballos con su respectivo jinete encima. ¿Por qué algunas tienen una pata levantada? y otras por qué tienen dos patas levantadas o todas en el suelo?

Es bien conocida entre la gente cierta simbología atribuida a estas estatuas, concretamente, a la posición de las patas de los caballos.

Seguro que habréis, oído que si el animal está erguido sobre sus patas traseras dejando las delanteras en el aire quiere decir que su jinete murió en combate, es decir, en alguna batalla.

Si es solo una pata del caballo la que está suspendida en el aire significa que el jinete murió por heridas recibidas durante un combate.

Sin embargo, si las cuatro patas del caballo reposan todas en la superficie,  parece ser que el deceso de su jinete se produce por cualquier otra causa.

Pero, es esta leyenda popular cierta? Una vez más, encontramos que el mito es falso.

No todas las estatuas en las que se muestre un caballo mantendrán esta costumbre, pudiendo existir muchas que por interés estético de la figura del caballo prefieran obviarla.

En muchas ocasiones un caballo levantado sobre sus patas traseras es mucho más estético que uno que adopte una actitud normal por mucho que su dueño haya muerto en unas circunstancias anormales.

Además, esta práctica cada vez está más en desuso, siendo más habitual encontrar esculturas ecuestres que no sigan esta regla a medida que sean más cercanas en el tiempo.

Vamos a ver algunos ejemplos, empezando por los mas antiguos:

LA ESCULTURA ECUESTRE EN LA ANTIGÜEDAD

EL JINETE DE ARTEMISIÓN 

 

140 AC Museo Arqueológico Nacional de Atenas

Es una escultura ecuestre de un niño, que data del año 140 a. C. y que fue elaborada en la Antigua Grecia. La escultura fue hallada en 1928 y 1937 en varios fragmentos en el fondo del mar, frente a las costas del Cabo Artemisión, situado al norte de la isla o región de la Antigua Grecia llamada Eubea.

 

EL JINETE RAMPIN

 

También llamado Caballero Rampin, es una escultura tipo kuros que data de mediados del S.VI aC  y que fue esculpida por un artista de los talleres de Ática, siendo la escultura de un hombre a caballo más antigua del Arte que esta expuesto en el Museo de la Acrópolis de Atenas en Grecia  cuyo torso es original, siendo la cabeza una réplica.  La cabeza original, se expone en el Museo del Louvre

 

LOS CABALLOS DE SAN MARCO

 

Actualmente en la catedral de San Marco Venecia. Proceden del Hipódromo de Constantinopla y su cronología no se ha podido establecer con certeza. aunque se creen datan de finales del S.IV aC y las  han sido atribuidas al escultor griego Lisipo; originalmente eran parte de un monumento que representaba una cuadriga y fueron traidas a Venecia en 1204 por las tropas del Dux, tras el asedio de la capital bizantina.

ALEJANDRO MAGNO

 

La escultura clásica tiene su principal exponente en la desaparecida estatua ecuestre de Alejandro Magno, (montado en el mítico Bucéfalo, que levanta sus dos patas delanteras) de Lisipo. Ante su falta pongo la imagen de Alejandro y su caballo en el mosaico llamado de Issos, encontrado en Pompeya.

MARCO AURELIO

 

Museos Capitolinos (original) Campidoglio (copia) Roma

Marco Aurelio Antonino Augusto (apodado el Sabio o Philosopho ) (26 de abril de 1214 – 17 de marzo de 180) nacido en Roma, fue emperador del Imperio romano desde el año 161 hasta el año de su muerte en 180. Fue el último de los llamados Cinco Buenos Emperadores, y está considerado como una de las figuras más representativas de la filosofía estoica.

Es el único monumento ecuestre de bronce que nos ha llegado de la Antigüedad. Pocos debían ser tan conseguidos. Marco Aurelio va montado con los pies colgando porque aún no se habia inventado el estribo y parece grande en comparación con su caballo.

QIN SHI HUANG 

 

El mausoleo de Qin Shi Huang es el gigantesco recinto funerario que alberga la tumba de Qin Shi Huang, primer emperador de la China unificada (del 221 a. C. al 10 de septiembre de 210 a. C.), perteneciente a la dinastía Qin, así como unas 400 tumbas más y los conocidos Guerreros de terracota de Xian, que él mismo mandó construir durante su mandato.

EDAD MEDIA

No hay practicamente esculturas exentas de esta época, viendose en algunos capiteles luchas entre caballeros o imágenes de Santiago Matamoros.

 

 

CARLOMAGNO?

 

Museo del Louvre

Se ha discutido mucho sobre la fecha en que fue realizada esta figura, algunos historiadores apuntan a que se trata de la representación de un sucesor de Carlomagno, otros creen que la obra no es anterior al siglo XVI. Fue en 1935, tras numerosos estudios, cuando se concluyó que el caballo es grecorromano, el cuerpo del jinete bizantino y la cabeza carolingia

 

SAN PEDRO DE CARACENA, SORIA.

 

PALACIO DE LOS REYES DE NAVARRA,  ESTELLA, 

Combate entre Roland y el gigante Ferragut, personaje de ficción que aparece en la historia del emperador Carlomagno, es un gigante soberbio, tan alto como dos hombres muy grandes; su cara tiene dos palmos de largo, y otro tanto de ancho y muy fornido de cuerpo.

 Venció a once de los pares de Carlomagno, pero, tras un combate de varios días con Roldán, el más esforzado de todos ellos, sucumbió después de ser herido con un puñal en el ombligo y le cortaron la cabeza al negarse a recibir el bautismo.

Roland  es el protagonista de «La Canción de Rolando» (La Chanson de Roland, en francés) que es un poema épico de varios cientos de versos, escrito a finales del siglo XI en francés antiguo, atribuido a un monje normando, Turoldo, que narra deformando legendariamente los hechos de la batalla de Roncesvalles, donde murió Roland.

 

EL JINETE DE BAMBERG

 

El Caballero o El Jinete, catedral de Bamberg, Baviera Alemania

La escultura fue tallada en la primera mitad del siglo XIII, probablemente en 1225, antes de la consagración de la iglesia catedral en 1237. Es una lograda manifestación de arte gótico, con influencias de los escultores de las catedrales góticas francesas, como Reims.

SANTIAGO MATAMOROS

 

Esta imagen  no es medieval y esta situada en la fachada de la Iglesia de Santiago en Logroño, Santiago Matamoros es de un autor flamenco desconocido y data de 1737. En un principio todo el conjunto estaba al aire libre, pero se construyó la arcada de ladrillo y yeso imitando la sillería para protegerlos de la intemperie

La iglesia de Santiago el Real es la iglesia de origen más antiguo de la ciudad de Logroño.y es probable que su origen se remonte a una cripta de los primeros años de la cristianización de la zona. En el año 844, tras la Batalla de Clavijo, se amplía consruyendo encima en estilo románico que es destruido casi por completo en un incendio,reconstruyendose en el S.XVI

 

 

MONASTERIO DE SAN PEDRO DE CARDEÑA

 

Otra imagen de Santiago Matamoros en su fachada.

RENACIMIENTO

 

El renacer de la cultura clásica en el arte se manifiesta también en la recuperación de la figura ecuestre en escultura, que practicaron entre otros, los escultores mas relevantes del Quattrcento

 

CANGRANDE I DELLA SCALA

Cangrande della Scala, tercer hijo de Alberto I della Scala, fue un condottiero o militar mercenario señor de Verona entre 1308 y 1329 

  La sonrisa serena y jovial del señor de Verona está tan llena de vida que parece ablandar la dureza del mármol de la escultura. Con la misma afabilidad debió tratar este príncipe a sus súbditos y a los huéspedes de su corte. Así fue como Dante Alighieri, a quien acogió durante el exilio, lo recordó con elogio en la Divina Comedia.

El gran artista medieval que esculpió el monumento debió quedar tan prendado de las grandes cualidades de este señor, que hasta representó alegre y simpático a su caballo, que parece guiñar el ojo con picardía.

REGISOLI DI FERRERI

 

Regisole, recreación de la estatua original romana. Piazza del Duomo, Pavia

Cuando Leonardo da Vinci ideaba su caballo para el duque de Milano, viajó a Pavia a ver el Regisole y apuntó las siguientes observaciones en su cuaderno:

“Más que ninguna otra cosa es su movimiento lo que merece elogios. El trote siempre ha sido el rasgo de un caballo libre. Donde falta la vivacidad natural es necesario crear una casual. La imitación de las obras clásicas es superior a la actual.” 

Por el último apunte parece que quiso decir que los romanos antiguos imitaron mejor a los griegos que los contemporáneos de Leonardo imitaban a las obras del mundo clásico.

El Regisole original fue destruído en el siglo XIX. Antiguos grabados muestran la figura de un perrito que soporta la pata alzada del caballo.

EL GRAN CABALLO DE LEONARDO

 

Leonardo prometió al duque de Milan crear un monumento ecuestre colosal. Hizo boceto tras boceto de caballos y jinetes y dejó que su imaginación volara. Por fin, optó por uno de sus versiones y se puso a modelar en barro un caballo de siete metros de altura. Confiaba en su ingenio para solucionar cualquier problema que se presentara a la hora de su fundición. La vivacidad era lo que quería captar. En algunos de sus bocetos, como éste para un monumento posterior, el caballo se alza sobre sus patas traseras: las delanteras descansan sobre un enemigo agachado. 

EL CABALLO DE LEONARDO

 

Tardó años en terminar el caballo de barro de siete metros de altura, todavía sin jinete. Cuanto más se acercaba el momento de la fundición, más le preocupaba. Hizo infinidad de estudios; inventaba armazones, marcos, fosos para el fuego, tubos y canales para la entrada del bronce caliente. Pero a pesar de sus estudios y ingeniería genial, no consiguió dar con la solución de cómo fundir su caballo. Según una fuente, pasó nada menos que dieciséis años dando vueltas.

Miguel Ángel, contemporáneo pero no amigo suyo, se mofó de su incapacidad. ¡El gran inventor  Leonardo da Vinci no fue capaz de crear su propia figura de bronce!

En 1977 , Charles Dent, un piloto de aviones retirado aficionado al arte, leyó un texto en National Geographic sobre “El Caballo que nunca fue”. El artículo disparó la imaginación de Dent, que dedicó el resto de su vida a intentar llevar a término el viejo sueño de Leonardo. Para ello, creó una fundación y se dedicó a recolectar fondos durante los siguientes 15 años. Lamentablemente, nunca pudo ver la obra culminada, ya que falleció en 1994. Pero la fundación que había creado continúo su actividad tras su muerte.

LUIS XII

Luis XII en el castillo de Blois (las patas del caballo están en la posición denominada à l’amble’).Luis XII de Francia  (Blois, 27 de junio de 1462 – París, 1 de enero de 1515), rey de Francia, de 1498 a 1515, y que recibió el nombre de padre del pueblo

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COSME I DE MÉDICI

 

Piazza della Signoria, Florencia

La estatua ecuestre de Cosme I de Médici es una obra de Giambologna, encargada por Fernando I de Médici, para honrar a su padre, que fue el primer Gran Duque de Toscana, quien había fallecido hacía quince años.

Fue encargada en 1587 al escultor más importante de Florencia en aquel momento, Giambologna. El diseño con el paso de avanzar del caballo, fue la primera escultura ecuestre más importante que se logró en Florencia.

 

CONDOTTIERE GATTAMELATA

El escultor florentino Donatello obtuvo el encargo de la ciudad de Padua, que quiso honrar así a su Condottiere Gattamelata, o“gato de miel”, como llamaban popularmente a Erasmo da Narni.

Era uno de los déspotas de la época, alguien que tomaba el poder por la fuerza; y parece ir avanzando como al frente de un desfile de victoria lento e intimidor. Su caballo es fuerte y pesado. A Donatello le interesan más las formas generales del caballo que su jinete

Lleva en la mano los símbolos del poder; una espada enorme cuelga de su cinturón.

Una bola soporta la pata levantada del caballo, un artificio ingenioso que ha sido imitado muchas veces en estatuas ecuestres posteriores. La bola, mejor que una figura cualquiera o una caja, que pueden parecer obstáculos para la marcha del caballo, ayuda a la ilusión del movimiento hacia adelante.

CONDOTTIERE COLLEONI

Estatua ecuestre de Verrocchio, Venecia, Italia

Cuarenta años más tarde, el alumno de Donatello, Andrea Verrocchio, obtuvo de la ciudad de Venecia el encargo para otro gran monumento ecuestre. Recordaban así a su Condottiere Bartolomeo Colleoni.

Verrocchio dió más vida a su creación. Un Colleoni altanero se tira para atrás en la silla y echa una mirada amenazante a la izquierda. No va simplemente sentado sobre el caballo, lo domina. Las arrugas de la piel del caballo, mas suavizadas en el bronce de Donatello, aquí enseñan la torsión y la contracción de los músculos.

Es el primer caballo del Renacimiento con una pata alzada: ningun enemigo vencido, ningun perrito ni bola para sostenerla.LOS REYES EUROPEOS

LUIS XIV

 

Llamado Rey Sol o Luís el Grande, es uno de los monarcas más conocido a nivel mundial. Nació en la primera mitad del siglo XVII y murió ya iniciado el siglo XVIII, en 1715, tras un reinado de 72 años, el más largo de una monarquía europea.

Esta estatua fue encargada por el propio monarca al artista italiano Bernini, para colocarla en el palacio de Versalles. Bernini la esculpió en su taller de Italia y, una vez finalizada, la mandó a París, pero al rey no debió gustarle mucho, pues mandó que el escultor Girardón la retocara, transformándola en una representación alegórica del monarca, tan de moda por aquella época. No sabemos si el caballo representado es Le Bonite, uno de los caballos del rey.

VAKHTANG GORGASALI (GEORGIA)

 

Estatua ecuestre de Vakhtang Gorgasali o Vakhtang I de Iberia (la Iberia caucásica) en el Metekhi de Tiflis, de Elguja Amashukeli (1967)

Él condujo a su pueblo, a una alianza nefasta con el Imperio bizantino , en una larga lucha contra el sasánida de Irán , que terminó con la derrota y el debilitamiento del reino de Iberia de Vakhtang. La tradición también le atribuye la reorganización de la Iglesia Ortodoxa de Georgia y la fundación de Tbilisi , capital de Georgia moderna

 SAN ESTEBAN DE HUNGRÍA

Entre el Bastión de los Pescadores y la Iglesia de San Matías (Budapest) se alza una estatua de bronce de Esteban I de Hungría ( Primer rey de Hungría (1000-1038) a caballo, erigida en 1906… San Esteban se convirtió oficialmente en un rey cristiano y Hungría pasaría al rango de Reino, siendo el segundo reino creado en la Europa central y oriental después de Croacia , Polonia y Bohemia,

Esteban I fue canonizado por el papa Gregorio VII en 1083 por petición del rey húngaro San Ladislao I y su festividad se celebra el 16 de agosto. En su honor se levantó la Basílica de San Esteban, donde se conserva su mano derecha como reliquia.

SAN WENCESLAO PRAGA

El santo, a caballo, fue esculpido por Josef Václav Myslbek entre 1887 y 1924. La imagen de Venceslao está acompañada de otros patrones checos, tallados en la decorada base de la estatua: Santa Ludmila, Santa Inés de Bohemia, San Procopio y San Adalberto de Praga

San Wenceslao, duque de Bohemia, tuvo una existencia breve y agitada. Murió mártir a los 30 años Su padre, buen cristiano y amante de la paz, murió pronto. Su madre era cruel, vengativa, y fanática pagana, que indujo a su hermano a su asesinato, para conseguirle el trono en el año 938.

Venerado por los bohemios, descansa en le Catedral de San Vito de Praga.

 

 

SAN WENCESLAO

 

Praga Estatua ecuestre de Wenceslao en el Pasaje Lucerna de la Plaza de Wenceslao donde

llama la atención la estatua ecuestre de San Wenceslao…montado sobre el caballo al revés.Esta estatua ecuestre es obra del escultor checo David Cerny, que se ha caracterizado en los últimos años por controvertidas obras y por algunos actos considerados como desobediencia civil.

PEDRO EL GRANDE

Erigida por Etienne Maurice Falconet en 1766-82

Pedro I el Grande, es la figura más sobresaliente de toda la dinastía de los zares rusos Románov, desde el primer representante de la casa, Miguel I (1613-1645), hasta Nicolás II (1894-1918), asesinado por los bolcheviques.

Este escultor favorito de la Pompadour fue elegido por Catalina II de Rusia, gracias en parte a la recomendación de Diderot,

Para alzar la imponente estatua ecuestre de Pedro el Grande en San Petersburgo, Diderot sueña con el zar sobre fogoso caballo encima de una escarpada roca, expulsando a la Barbarie y a sus pies una fuente rodeada de la Barbarie, el Amor de los pueblos y el símbolo de la Nación. Falconet rechaza estos consejos y considera que «sobran todas esas figuras pues mi héroe se basta a sí mismo, él mismo es su sujeto y su atributo».

 

JOSÉ I DE PORTUGAL

 

 Plaza del Comercio de Lisboa, de Joaquim Machado de Castro (1775)

José I de Portugal, apodado el Reformador, (6 de junio de 1714 – 24 de febrero de 17771 )

El 19 de enero de 1729, José I se casó con la princesa española, Mariana Victoria de Borbón, hija del rey Felipe V de España y de Isabel de Farnesio. Los vínculos con España eran muy estrechos, ya que José I era además el hermano de la futura esposa del rey Fernando VI de España, Bárbara de Braganza.

Nada mas acceder al trono dejó el poder en manos de Sebastião José de Carvalho e Melo, más conocido como el Marqués de Pombal, que supervisó todos los aspectos de la política económica, social y colonial, con la intención de hacer que Portugal se convirtiera en un serio rival para las otras potencias europeas.

FEDERICO AUGUSTO I EL FUERTE

Esta estatua ecuestre de Federico Augusto I el Fuerte, es uno de los simbolos de la ciudad de Dresde.

La estatua muestra a este rey vestido como un emperador romano, y se alza en la Hauptstrasse, el boulevard peatonal en la zona nueva de la ciudad, al final del puente de Augusto.

Augusto el Fuerte fue responsable de varios de los famosos edificios de los años barrocos en la ciudad, como el palacio de Zwinger.

 

 

REINA VICTÓRIA DE INGLATERRA

 

En St George’s Hall, Liverpool.

Victoria del Reino Unido (Londres, 24 de mayo de 1819-isla de Wight, 22 de enero de 1901) fue monarca británica desde la muerte de su tío paterno, Guillermo IV, el 20 de junio de 1837, hasta su fallecimiento el 22 de enero de 1901, mientras que como emperatriz de la India fue la primera en ostentar el título desde el 1 de enero de 1877 hasta su deceso.

Se casó con su primo, el príncipe Alberto de Sajonia-Coburgo-Gotha en 1840. Sus nueve hijos y veintiséis de sus cuarenta y dos nietos se casaron con otros miembros de la realeza o de la nobleza de Europa, uniendo a estas entre sí. Esto le valió el apodo de «abuela de Europa». Por desgracia era portadora de la hemofilia y se la trasmitió a algunos de sus descendientes, entre ellos los hijos de Alfonso XIII, por su mujer Victoria Eugenia, su nieta y al hijo del Zar Nicolás  Depositphotos

ISABEL II DEL REINO UNIDO

 

Estatua ecuestre de la reina Isabel II en Parliament Hill, Ottawa, de Jack Harman (1992)

Londres, 21 de abril de 1926) es la actual monarca británica, y por tanto, reina de dieciséis Estados soberanos conocidos como Reinos de la Mancomunidad de Naciones desde el fallecimiento de su padre, Jorge VI, desde 1952.

Y en su rol específico como monarca del Reino Unido es a su vez la gobernadora suprema de la Iglesia de Inglaterra.

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LOS MONARCAS DE LOS REINOS  HISPANOS

 

RAMÓN BERENGUER III

 

(Josep Llimona, 1880). situado en la Via Layetana de Barcelona

Ramón Berenguer III (Rodez, 1082 – Barcelona, 1131), llamado el Grande, no fué rey, fue un noble medieval que llegó a ser conde de Barcelona, Gerona, Osona y Cerdaña, y princeps de Aragón (o a veces también de Sobrarbe y Ribagorza), que en la época significaba «primus inter pares»

JAIME I EL CONQUISTADOR

 

Jaime I nació en Montpellier el 2 de febrero de 1208. Fue rey de Aragón y Conde de Barcelona, de Valencia y de Mallorca, señor de Montpellier y de otros feudos en Occitania.

La estatua ecuestre del rey Jaime I en los Jardines del Parterre, en la céntrica plaza de Alfonso el Magnánimo, es uno de los monumentos más conocidos de Valencia,

La estatua es obra de Agapito Vallmitjana, prestigioso escultor catalán, y fue fundida en los valencianos talleres de La Maquinista Valenciana bajo la dirección de Francisco Climent,a partir del bronce obtenido de los cañones del Castillo de Peñíscola.

 

SAN FERNANDO III EL SANTO

 

Escultor: Joaquín Bibao Rodríguez – Plaza Nueva – Sevilla

Fernando III de Castilla, llamado «el Santo» (Peleas de Arriba, 1199 o 24 de junio de 12011 – Sevilla, 30 de mayo de 1252), fue rey de Castilla entre 1217 y 1252 y de Leóna entre 1230 y 1252. Hijo de Berenguela, reina de Castilla, y de Alfonso IX, rey de León, unificó definitivamente durante su reinado las coronas castellana y leonesa, que habían permanecido divididas desde la época de Alfonso VII «el Emperador»,

Durante su reinado fueron conquistados, en el marco de la Reconquista, el Reino de Jaén, el Reino de Córdoba, el Reino de Sevilla y Extremadura, obligando con ello a retroceder a los reinos musulmanes

LOS REYES DE ESPAÑA

ISABEL LA CATÓLICA

Monumento a Isabel la Católica reina de Castilla, de Manuel Oms Canet (1883) Madrid

representa la apoteosis de Isabel la Católica marchando a la realización de nuestra unidad nacional.Está integrado por tres figuras de bronce, que representan a Isabel la Católica montada a caballo, al Gran Capitán y al Cardenal Mendoza.

 

FELIPE III

 

La estatua ecuestre de Felipe III que se encuentra en el centro de la plaza Mayor fue comenzada por el escultor italiano Juan de Bolonia (Giambologna) y terminada por su discípulo Pietro Tacca en 1616.

Fue un regalo del entonces Gran Duque de Florencia para el rey de España. Inicialmente se ubicó en la Casa de Campo.En 1848 la reina Isabel II ordenó su traslado desde su emplazamiento anterior a la plaza Mayor.

Según la simbología popular, nuestro monarca Felipe III debería haber muerto de heridas derivadas de una batalla, ¿pero fue así? ¡No! Aunque la anécdota que circula sobre su muerte no está verificada, el rey murió al contraer la erisipela, que se caracteriza por una fiebre alta. Supuestamente, el brasero le estaba dando un calor inmenso, pero la persona encargada de moverlo de sitio no estaba presente y como en la corte la etiqueta era tan importante, el rey se estaba asando sin que nada pudiera evitarlo. Hasta 1931 la estatua de Felipe III fue un cementerio de pájaros, que penetraban por su boca y que se descubrieron tras un atentado.

 

FELIPE IV 

Situado en la Plaza de Oriente, Madrid

Aunque se dice de él que era poco espabilado, lo cierto es que fue el regente durante el período de más esplendor cultural en España: el siglo de oro.

Los dos monumentos ecuestres de Donatello y Verrocchio eran los modelos a imitar durante ciento cincuenta años. ¿Qué más se podía pedir? Parecían llegar al límite de lo que en bronce se podía hacer. Entonces, en 1660, Pietro Tacca sorprendió a todos con esta espectacular figura del rey español Felipe IV.

Se trata de que el caballo solo se sujeta con sus patas trasera haciendo una cabrióla y aunque eso indica «muerte en batalla» no es es así en este caso, ya que el monarca murió en su cama por culpa de una disentería.. Tacca había descubierto una manera de hacer que el caballo del Rey se quedara levantada sobre sus patas traseras: no hay soporte alguno para la parte delantera del caballo. Tacca se inspiró en esta pintura de Velázquez, en donde el caballo y su noble jinete parecen casi flotar en el aire.

Tacca, como Leonardo con su caballo, lo pensó durante mucho tiempo. Un día se lo preguntó a su amigo, el gran Galileo. “Fácil,” dijo el genio. “La parte levantada haces hueca, y la parte trasera, maciza. Tacca sacó provecho del consejo de Galileo. La espesa cola del caballo, que cae hasta la base, actua como contrapeso. El busto del rey fué modelado por el imaginero Juan Martinez Montañés.

CARLOS III

 

Fue duque de Parma y Plasencia  entre 1731 y 1735, rey de Nápoles, rey de Sicilia de 1734 a 1759 y de España desde 1759 hasta su muerte

La estatua del llamado mejor alcalde de Madrid, ubicada en la Puerta del Sol, es de factura reciente, 1994. Los escultores se basaron en retratos de Carlos III de Goya y Mengs para el busto.

El lugar que iba a ocupar la nueva estatua se eligió mediante referéndum popular, en el que, por mayoría, salió elegida la Puerta del Sol

 

ALFONSO XII

 

Apodado «el Pacificador»

 

 Fue rey de España entre 1874 y 1885.

Hijo de la reina Isabel II, el inicio de su reinado puso término a la Primera República y dio paso al período conocido como Restauración.

La escultura de Mariano Benlliure del rey en campaña, con el sable en la mano y el caballo con las orejas atentas al campo de batalla, y a sus pies un mirador de esta parte de El Retiro, vista que hasta hace unas décadas de años el pueblo podía acceder, y disfrutar de ellas.

Situado en el lado oriental del Estanque del Retiro, el monumento a Alfonso XII es una obra arquitectónica que combina una gran columnata semicircular de 86 metros de largo y 30 metros de altura con numerosas esculturas distribuidas a lo largo de todo el monumento.

 

LOS GRANDES  MILITARES

RODRIGO DIAZ DE VIVAR, EL CID

 

Estatua ecuestre de El Cid en Burgos, de Juan Cristóbal González Quesada (1955)

En la Plaza de Mio Cid de Burgos se erige la estatua monumento.

Ya en el año 1904 se constituye una comisión al efecto para su realización. Alfonso XIII coloca la primera piedra el año 29 de Agosto de 1905.

 

FRANCISCO PIZARRO

 

Como estatua ecuestre de Francisco Pizarro se conoce a un conjunto de tres esculturas de bronce obras del escultor norteamericano Charles Cary Rumsey, ubicadas una en la ciudad de Trujillo, España (lugar de nacimiento de Pizarro) otra en la ciudad de Lima, capital del Perú (lugar donde falleció y se encuentra enterrado), y la última en la ciudad de Buffalo (Estados Unidos) situada al frente de la Albright-Knox Art Gallery.

Representan al conquistador Francisco Pizarro montado sobre un caballo y ataviado para la lucha con armadura y espada. Pizarro es célebre por haber liderado la Conquista del Perú en el siglo XVI y haber fundado la ciudad de Lima el 18 de enero de 1535 estableciendo lo que sería el Virreinato del Perú.

 

JUANA DE ARCO

Estatua de Juana de Arco en París, de Emmanuel Frémiet (1874 -reelaborada en 1899)

Ésta es probablemente una de las esculturas más reconocibles de París, una estatua ecuestre de Juana de Arco realizada en bronce dorado que se encuentra en una de las entradas del Jardín de las Tullerías, la correspondiente a la Place des Pyramides.

Se erigió en 1874, tres años después de finalizar la guerra franco-prusiana, por encargo del recientemente formado gobierno de la Tercera República Francesa. El motivo no fue otro que el de renovar la confianza del pueblo francés en su nación, que había abandonado para siempre su época imperial

 foto: tales of wonderer

ARCHIDUQUE CARLOS DE AUSTRIA

 

Estatua del Archiduque Carlos de Austria-Teschen en la Plaza de los Héroes. recordado como gran jefe militar, la mayor del mundo con dos puntos de apoyo, de Anton Dominik Fernkorn, con zócalos de Eduardo van der Nüll. La estatua del Archiduque Carlos de Austria, inspirada en una popular pintura de Johann Peter Krafft, fue inaugurada en 1860. Se suponía que debía glorificar a la dinastía de los Habsburgo como a los grandes líderes militares de Austria, a pesar de que acababa de sufrir una sangrienta aplastante derrota en la Batalla de Solferino por Napoleón III y Victor Manuel de Saboya en la que el ejército austríaco fué derrotado 

Solferino fué tan cruenta, que motivó la creación de la Cruz Roja Internacional por Henri Dunant.

Foto: depositphotos

NAPOLEÓN BONAPARTE

 

Estatua ecuestre de Napoleón en Cherburgo, de Armand Le Véel (1855)

En 1852 , después de la decisión de Napoleón III para conseguir el tren a Cherbourg, el ayuntamiento de Cherbourg, decidió construir frente al puerto , un monumento a Napoleón , creador del puerto militar de Cherburgo .

Napoleón se muestra en su caballo árabe Marengo (el mismo que el emperador montó en la batalla de Waterloo), frente al mar, señalando el brazo derecho del puerto militar, y no Inglaterra, como a menudo se cree.

GEORGE WASHINGTON

 

Estatua ecuestre de George Washington en el Boston Public Garden

Fue el primer Presidente de los Estados Unidos entre 1789 y 1797 y Comandante en Jefe del Ejército Continental revolucionario en la Guerra de la Independencia de los Estados Unidos (1775-1783).Falleció en 1799 a consecuencia de una neumonía .

El escultor, fué Henry Kirke Brown, nacido el 24 de febrero de 1814 en Leyden, Massachusetts y fallecido el 10 de julio de 1886 en Newburgh, Nueva York, fue un escultor estadounidense.

Foto: depositphotos

GENERAL ROBERT E. LEE

 

Parque Militar Nacional de Gettysburg

Hay monumentos dedicados a los soldados confederados, incluyendo el Cementerio Colón de la Confederación en Columbus, Mississippi, y el Robert E. Lee estatua ecuestre en Dallas, Texas. Muchos monumentos de la guerra civil en el norte de Estados Unidos se encuentran en Washington, DC y los parques nacionales, como el campo de batalla de Gettysburg, Pennsylvania , donde se erigió la estatua ecuestre del General Lee.

GENERAL ESPARTEROS

 

Es obra del pintor y escultor tarraconense Pablo Gibert Roig (1853)

El monumento al General Espartero de la Villa de Madrid (España) está ubicado en la confluencia de las calles de Alcalá y O’Donnell, justo en el límite de los distritos de Salamanca y Retiro, y frente a la puerta de Hernani que da acceso al Parque del Retiro. Representa al político y militar Baldomero Espartero (1793–1879) montado a caballo y ataviado con traje de campaña. en Logroño hay otra estatua en el Paseo del Espolón.y en su ciudad natal: Granátula de Calatrava (Ciudad Real)

De los atributos del equino, sin comentarios.

GENERAL MARTINEZ CAMPOS

 

De Mariano Benlliure Como se aprecia en la imagen, las cuatro patas del caballo descansan sobre la superficie de piedra. De acuerdo con lo que sabemos, esto significa que no murió ni en batalla ni en heridas derivadas de esta. ¿Es cierto?

Esta vez sí. Tras cesar su actividad política y pública, murió al poco tiempo, un mes o así.

GENERAL SAN MARTÍN

 

La estatua ecuestre del general San Martín, obra fundida en bronce del escultor José F. García, que representa al «Gran Capitán» con el dedo índice señalando hacia el oeste, en alusión al cruce de la cordillera de los Andes para libertar a Chile y Perú.La inauguración se realizó el domingo 5 de junio de 1904. y esta situada en la plaza de San Martín en Mendoza

José Francisco de San Martín y Matorras (Yapeyú, 25 de febrero de 1778-Boulogne-sur-Mer, 17 de agosto de 1850)2 fue un militar y político, cuyas campañas revolucionarias fueron decisivas para las independencias de Argentina, Chile y Perú. Junto con Simón Bolívar, fue reconocido libertador de América por sus importantes contribuciones a la autodeterminación de una gran parte de la América española.

SIMÓN BOLIVAR

 

Estatua Ecuestre de Simón Bolívar, Adamo Tadolini, 1874. Ubicada en la Plaza Bolívar de Caracas «El Libertador» se representa tomando al caballo por las riendas con una mano, mientras con la otra ofrece su sombrero.

Simón José Antonio de la Santísima Trinidad Bolívar Ponte y Palacios Blanco, conocido como Simón Bolívar (Caracas, Capitanía General de Venezuela, 24 de Julio de 1783 – Santa Marta, Colombia, 17 de diciembre de 1830)

Contribuyó a inspirar y concretar de manera decisiva la independencia de las actuales Bolivia, Colombia, Ecuador, Panamá, Perú y Venezuela, los llamados países bolivarianos.

 

GENGHIS KHAN

 

De la estepa mongola, a aproximadamente una hora de la capital Ulan Bator, surge desde hace pocos años la considerada como la estatua ecuestre más grande del mundo. Con unas dimensiones que llegan a los 50 metros de altura se yergue Genghis Khan con su caballo,

Forjado en acero inoxidable, y con un gesto temible, el gran Temuyin (así se llamaba Genghis Khan antes de ser el Emperador de los mongoles) resurge con nada menos que 250 toneladas de peso. Nunca hubo semejante gigante a caballo, pero para el pueblo mongol se han quedado incluso cortos

GENGHIS KHAN

 

En la base sobre la que cabalga Genghis Khan, de unos 10 metros de altura, hay espacio para restaurantes,y tiendas de souvenirs y lo mejor es que la estatua está preparada para que la gente acceda a su interior haciendo un recorrido que finaliza en la cabeza del caballo desde el que se tienen unas vistas formidables de la estepa mongola.

OTROS CABALLOS

LOS PORTADORES DE LA ANTORCHA

 

Ciudad Universitaria de Madrid Anna Hyatt Huntington

Este espléndido grupo escultórico «The Torch Bearers» (Los Portadores de la Antorcha) figura desde 1955 en la Plaza Ramón y Cajal de la Ciudad Universitaria de Madrid, (Frente a las Facultades de Medicina y Farmacia) y es una de las varias réplicas originales que realizó la escultora norteamericana Anna Vaughn Hyatt y que fueron repartidas por el mundo. Dos en España (en Madrid y Valencia), una en La Habana, Cuba, y cinco en instituciones culturales de Estados Unidos

 DON QUIJOTE Y SANCHO

 

En el monumento a Cervantes de la Plaza de España de Madrid

Al cumplirse 300 de la muerte de Cervantes, en 1920 se constituye el comité de recaudación de fondos para la construcción del monumento en todos los países castellano parlantes, no comenzando las obras hasta 1925, contando entonces con la colaboración adicional del arquitecto Pedro Muguruza, al proyecto del escultor Lorenzo Coullaut Valera.

y por último dos graciosos caballos hechos con maderas…

y un resumen en tono de humor…

FUENTES:

http://sabiasquehistoria.blogspot.com.es/2014/01/el-significado-de-las-estatuas-ecuestres.html

http://canalviajes.com/las-7-estatuas-ecuestres-mas-famosas-del-mundo/

El falso mito de las estatuas ecuestres

http://www.hipicaparquedelagua.es/8-insolitas-estatuas-ecuestres/

https://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:Estatuas_ecuestres

La tumba de Alejandro VII en la Basílica de San Pedro del Vaticano

Obra de Gian Lorenzo Bernini en Basílica de San Pedro, este genial autor italiano sabía trabajar como nadie la teatralidad del Barroco y lo mostró en obras tan conocidas como el famoso Baldaquino de San Pedro o esculturas tan dinámicas y reales como El Éxtasis de Santa Teresa.
Realizó numerosos monumentos funerarios para los Sumos Pontífices de Roma, sin embargo hay uno que destaca por su teatralidad y por el mensaje tan directo que transmite. Ya cercana su propia muerte, Bernini dio luz a una de sus últimas muertes: El Mausoleo del Papa Alejandro VII.
Este sepulcro, el más magnífico del escultor, representa el punto culminante de la preocupación por la muerte por parte de Bernini. Pertenece a la etapa final del artista cuando se replantea los aspectos tradicionales de la iconografía sepulcral.
En esta obra, Bernini unifica el monumento conmemorativo y el sepulcral, y fija el tipo hasta casi el siglo XIX: el papa bendice, sentado en un trono, o reza, de rodillas, sobre un pedestal que se sitúa detrás de un sarcófago, flanqueado por figuras alegóricas alusivas al difunto.
Se cuenta que el austero Alejandro VII había hecho hacer su ataúd el día después de su elección como sumo pontífice. La puerta, existente antes de ubicar el sepulcro, se convierte en la puerta de la muerte, que todos los seres humanos traspasarán algún día…

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Tumba de Alejandro VII de Bernini

 El pontífice no aparece, como en otras tumbas de papas anteriores, de un modo arrogante y poderoso, sino arrodillado humildemente y sin la tiara, rezando con profundo fervor.

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A pesar de lo exiguo del espacio disponible, Bernini consigue el máximo efecto llevando al espectador a seguir su obra a lo ancho de un amplio campo visual

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Detalle de las Virtudes:  la Caridad, y la muerte surgiendo de su mortaja de jaspe rojizo




 El amenazador brazo de la Muerte surge con un reloj de arena vacío en la mano, recordando su omnipresencia. Aparta el gran dosel de jaspe siciliano, esculpido a manera de mortaja. Esta macabra aparición no altera al pontífice, que la espera desde hace tiempo en íntima unión con Dios


Fuentes:

https://vicentjoan.wordpress.com/2014/11/27/roma-basilica-de-san-pedro-del-vaticano-sepulcro-del-papa-alejandro-vii-gian-lorenzo-bernini-marmol-bronce-y-jaspe-1671-1678/

https://elpoderdelarte1.blogspot.com.es/2014/02/el-mausoleo-del-papa-alejandro-vii.html

Las transi-tombs

El «transi tomb», en el arte de la Baja Edad Media, es la representación de un cuerpo humano muerto y en proceso de descomposición. Fue un tema iconográfico relativamente habitual en la escultura funeraria del siglo XV.

Antes me quiero referir a la frase:»Memento mori»  que en latín,  significa «Recuerda que puedes morir» en el sentido de que debes recordar tu mortalidad como ser humano. Suele usarse para identificar un tema frecuente, o tópico, en el arte y la literatura que trata de la fugacidad de la vida.

La frase tiene su origen en una peculiar costumbre de la Antigua Roma, que quizás tenga origen sabino. Cuando un general desfilaba victorioso por las calles de Roma, tras él un siervo se encargaba de recordarle las limitaciones de la naturaleza humana, con el fin de impedir que incurriese en la soberbia y pretendiese, a la manera de un dios omnipotente, usar su poder ignorando las limitaciones impuestas por la ley y la costumbre.

Hoy quiero hablaros de los «transi»como muestra gráfica de lo efímero de nuestras vidas.
Para la cultura occidental moderna, esta reflexión se revela como profundamente anómala. No ha existido jamás una civilización que haya desarrollado una animadversión semejante hacia la mortalidad. Pero no siempre ha sido así, si quereis conocerlo, seguid leyendo… si vuestra sensibilidad, os lo permite.

Un ejemplo atípico pero excepcional de este tipo de monumento es el transi de René de Châlon en la Iglesia de Saint Peter in Bar-le-Duc, atribuido a Ligier Richier of Lorraine.
Transi-Tomb doble, de una dama  c. 1435-40 «Carthusian miscellany of poems»   Manuscrito de la British Library
Tumba del Cardenal Jean de la Grange, c.1325 – 1402. en Avignon, uno de los transi mas antiguos.
El origen de esta peculiar forma de escultura funeraria se establece con la célebre efigie de la tumba del Cardenal Jean de LaGrange ( muerto en 1402) en Avignon; en ella se fijaron las primeras líneas del estilo del transi, que fue el final, en arquitectura monumental, de la representación habitual del fallecido en vida. El término transi puede ser aplicado también a un monumento que muestra únicamente el cadáver, sin efigie alguna de la persona viva.
En la Edad Media, semiocultos en iglesias y catedrales de medio mundo, existían vestigios de la existencia un acercamiento franco y honesto a la imagen de la decrepitud y la muerte, en un contexto espiritual, sin concesiones al sentimentalismo ni a la idealización.

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Debajo del fresco de Masaccio de la Trinidad pintado en 1425-28 en Santa Maria Novella , Florencia, hay una representación pintada de una tumba de cadáver.
El “transi”´ (de tránsito, una de cuyas acepciones es deceso o muerte) es una forma especial de escultura funeraria que llegaría a ser muy popular en el norte de Europa –exceptuando los países meridionales, Italia o España, donde son menos frecuentes– a principios del siglo XV. Estos monumentos funerarios son usuales en Gran Bretaña, pero también se los puede ver en algunas iglesias italianas  
La cuestión de por qué esta forma tan singular de ornamentación funeraria fue desarrollada es bien compleja y las intenciones de sus creadores incomprensibles a duras penas para nosotros, poco acostumbrados como decíamos a la presencia de la muerte en nuestros hogares o en nuestro entorno social próximo
 
La gente que concibió el transi convivía a diario con plagas, el fantasma de la pestilencia y la enfermedad, con el horror del infierno. Para el hombre del medievo, la muerte era casi más real, física y presente que la propia vida.
 
 Siglo XVI; «l’homme à moulons» (cadáver devorado por gusanos) en Boussu , Bélgica

Se ha intentado probar en este sentido la influencia de las epidemias de peste sobre la visión de la muerte en la Edad Media y el primer Renacimiento, al margen de las raíces judeocristianas de la Europa medieval, que por sí solas constituírían una buena explicaciónhttps://2.bp.blogspot.com/-vyATe02i2og/V9zoeSGQiTI/AAAAAAAALoM/WZpeMqfayHIHUMZ9vG70CcoHH-A3efa-ACLcB/s400/02%2B640px-Transi_Guillaume_Lefranchois_Arras_31052014_03.jpg

Transi de Guillaume Lefranchois, doctor (1446). Musée des Beaux-Arts d’Arras. Francia.
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Transi de Francois I de la Sarra, c. 1363
No es extraño que se acompañe al cuerpo de distintas alimañas como serpientes, sapos o gusanos, colocados en puntos estratégicos como el vientre, los ojos o los genitales, dando como resultado un espectaculo espeluznante,


 

Estas formas extremas de la representación de la mortalidad en toda su crudeza servirían, seguramente, como recordatorio de la fugacidad de la existencia humana, una expresión sublime y tremenda del memento mori que prevenía a muchos, del pecado y la vida licenciosa. 


 

Eran asímismo una advertencia de que, independientemente de lo alto que fuera el estatus de una persona, cuán rica o poderosa fuese ésta, no había escape posible de la muerte, ni –desde una perspectiva cristiana– escape del alma a la balanza del Juicio Eterno.

Sin embargo, este tipo de monumentos, con un exigente programa escultórico, era muy costoso y sólo podría hacerse para personajes de la más alta nobleza
Generalmente reyes, obispos o abades, porque se necesitaba una fortuna para costear los gastos de la tumba y además había que ser suficientemente poderoso para asegurarse un lugar en la catedral o la iglesia a la que se destinaría el sepulcro.
Parte inferior de la figura yacente de Jean III de Trazegnies y su esposa Isabeau de Werchin (1550) en Trazegnies , Bélgica.

 

Estas extraordinarias obras de arte, aunque gozaron de popularidad hace siglos, se han ido perdiendo y cada vez son más raras

 

Algunos de los transi eran tumbas dobles, para el rey y la reina (lo cual, curiosamente, nos remite de nuevo a algunos aspectos del simbolismo alquímico)

Mausoleo de Luis XII y Ana de Bretaña
Otro ejemplo muy conocido de transi doble es el que se encuentra en el crucero norte de la Basílica de Sant Denis,(París) donde  Luis XII y Ana de Bretaña están representados muertos, desnudos y descarnados dentro de la tumba de mármol de Carrara realizada en Tours por el florentino Giovanni di Giusto Betti entre 1516 y 1522

 Basílica de Sant Denis,(París) donde  Luis XII y Ana de Bretaña

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Detalle de la reina Ana de Bretaña

 Existen dos variantes iconográficas esenciales: el transi simple, que muestra un solo individuo en forma de cadáver, y el transi doble, que confronta la imagen del difunto, representándolo como si estuviera dormido, con su doble muerto y degradado, en una especie de visión especular”.*
Un buen ejemplo de transi doble es la tumba de dos niveles de John FitzAlan, decimocuarto conde de Arundel, muerto en 1435 
 
Transit doble del arzobispo Henry Chichele, 1424-1426

 
Se conservan algunos ejemplares espectaculares, especialmente en Gran Bretaña.


Transi de Louis de Brézé

Ruego me disculpeis, si os he tocado en vuestra sensibilidad, pero al fin al cabo, se trata de una mas de las manifestaciones artísticas, en este caso la escultura, muy relacionada con las «vánitas» en la pintura, los frescos de «las danzas de la muerte», que llenaban las iglesias  y hasta los romances de los trovadores, de «los tres vivos y los tres muertos» y que se deben considerar en su contexto histórico, como antes os he reseñado.
Fuentes:
 

Las sirenas y otros seres acuáticos

Las sirenas son seres mitológicos relacionados con el agua, no obstante no siempre se
han representado como las conocemos hoy en día

La figura mitológica de la sirena, mitad pez mitad mujer, es uno de los temas heredados de época clásica más representados en el medievo.
Las formas de representación varían, aunque principalmente conocemos la clásica, con mitad del cuerpo de mujer con el pelo largo y cola de pez, y una variación híbrida con cabeza de mujer y cuerpo de ave en el caso de las sirenas-pájaro, a menudo confundidas con las arpías

Aunque en un principio se mostró como híbridos de mujer y ave con que los egipcios simbolizaban a Ba, posteriormente la Iglesia las convirtió en representantes de la voluptuosidad y asimiló sus cantos con el atractivo de las falsas doctrinas. 

Inicialmente se representan como mujeres mitad aves, aunque en ocasiones son seres masculinos, no obstante la concepción de mujer-pez es la predominante en estos tiempos.

Parroquia de San Pedro de Aibar (Navarra)

Entre las figuras fantásticas esculpidas en Aibar tienen un protagonismo especial las sirenas. Destaca una variante de las sirenas-ave que también aparecen en Sangüesa mediante unos seres en cuclillas con garras y cabeza monstruosas. (No en vano, Homero concebía a la sirena como un ave con rostro femenino).
Asimismo, destaca la versión de la sirena con doble cola de pez, como la de la imagen, que tenía unas connotaciones y un significado negativos.

LAS SIRENAS EN GRECIA

En el marco de la mitología griega, las sirenas son criaturas bastante indefinidas, debido al remoto y rico trasfondo de su origen, probablemente ligado al mundo de los muertos. Según los mitos originales, se trataba de seres con cuerpo de pájaro y rostro o torso de mujer, que inequívocamente se distinguen siempre por el hecho de tener una voz musical, prodigiosamente atractiva e hipnótica.

La tradición las hacía habitar en una Isla del Mediterráneo frente a Sorrento, en la costa de la Italia meridional (en ocasiones se alude concretamente a Capri).
Algunas versiones narran que acompañaban a Perséfone cuando fue raptada por Hades, y que su apariencia bestial fue el castigo impuesto por Deméter por no proteger a su hija del dios del inframundo.



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Poseidón portando su tridente.550-525 a. C., Museo del Louvre.

Placa de cerámica corintia procedente de Penteskouphia,

Los griegos llenaron al Mare nostrum de las más variadas criaturas. Monstruos y deidades formaban la más animada población de las aguas del mar. Nereidas, y Oceánidas, junto con las Sirenas y Tritones, constituyen el brillante desfile, que da su mayor esplendor a la corte de Poseidón y Anfitrite



Estatua de un poeta sentado (Orpheo) con dos sirenas-pájaros. sur de Italia, Tarento  S.IV aC, Villa Getty en Malibú (California)
Existen diversos mitos que tratan sobre su formación, aparecen también en diversas fuentes literarias clásicas que nos han acompañado desde hace mucho como La Odisea, o el mito de Jasón y los argonautas, La Teogonía de Hesíodo, Las Metamorfosis de Ovidio, en todas estas fuentes se las describe como seres que atraen al hombre a su perdición, concretamente a los marineros.
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Los argonautas pasaron por la isla de las sirenas, pero el canto de Orfeo pudo mas que el de ellas

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Mosaico de Ulises Museo del Bardo (Tunez) 
Atado al mástil de un barco para resistir los cantos de las sirenas

Sirena de Canosa es una estatua que data del 400 a. C. – 301 a.C. MAN

Fue tallada en Canosa, ciudad perteneciente a la Magna Grecia, que es el nombre dado en la Antigüedad al territorio ocupado por los colonos griegos al sur de la península italiana y Sicilia

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Estatua  de bronce de sirena 540 aC  Colección Estatal de Munich

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Ulises y las sirenas finales del siglo VI aC

La creación plástica de las sirenas se gestó en el mundo griego donde es frecuente ver la escena de la Odisea relativa al canto de las sirenas dirigiéndose a Ulises en la decoración de vasos, así como representaciones de estos seres en contextos funerarios. Del mundo griego pasó a Roma y se extendió por la cuenca del Mediterráneo.

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Odiseo y las Sirenas .detalle de un vaso ático de figuras rojas ca. 480-470 BC

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Kylix negro con sirena representada como criatura compuesta el siglo VIII aC, quizá es un motivo derivado de fuentes egipcias.

No hay ninguna descripción de la foto disponible.Kotyle de pintura negra con sirena, pantera, cisne esfinge y cabra; 590-570 aC

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Colgante con sirena V aC Museo Metropolitan de NY.

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Sirena, 550 a.C .Selinunte (Grecia)

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Sirena Kerameikos Archaeological Museum 390 AC

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Sirena 330 aC Grecia

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Sirena de terracotta de Myrina, (Grecia) S.I aC.
ASIRIA 

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Lilith Relieve de Burney, 2.000- 1.950 AC

Lilith, cuyo nombre significa «Espíritu de la Noche», era parte femenina de uno de sus semidioses y se encargaba de guardar las puertas que separaban el plano espiritual del físico terrenal. Por eso, como guía hacia la sabiduría de la inmortalidad, se la representaba como una bellísima doncella alada que llevaba los anillos de Shem

Sant Pere de Galligans

En un capitel de la iglesia de Sant Pere Galligans (Girona), hay representada una sirena que se yergue poderosa y majestuosa sobre su cola de pez. Se muestra sujetando unos peces en cada una de las manos, mientras mantiene los brazos elevados y separados del cuerpo. Apoyando su cabeza y a modo de tocado, se representa una plataforma donde aparecen esculpidas unas estrellas en formación de semicírculo.

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Comparativa entre la sirena de Sant Pere de Galligans y Lilith

Las garras de la Lilith sumeria se unifican en cola de sirena formando una nueva imagen y los anillos de Shem, representativos del transito de un mundo a otro son sustituidos por peces, animales de las profundidades oceánicas y de una fuerte tradición psicopompa. (Psicopompo es un ser que en las mitologías o religiones tiene el papel de conducir las almas de los difuntos hacia la ultratumba, cielo o infierno.)


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La posición ascendente del pez se invierte para conseguir que sus cabezas queden unidas a las aletas de la cola. La sirena esta aún erguida, pero en proceso de división.

BIZANTINO

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enkolpión bizantino

Lo podemos ver perfectamente en los relicarios o enkolpiones bizantinos (s.X-XI).
Observamos en el aparente faldón de la Virgen, y de forma muy evidente, unos pliegues de sospechosa similitud a la cola de pez y que se yergue hasta el vientre de una María, que aparece ostentando una tiara de tres peces como participe de los tres mundos, cielo, tierra y profundidades marinas, portando los peces psicopompos en su manos.


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Aquí, la mutación formal y simbólica, evidencia  una evolución interesada de una mujer tentadora, a una diosa-madre, gestante de Iesus Xhristus (pez).
Posteriormente, ese mismo arte, propiciará, en los mismos medios, la evolución de la imagen hacia una desaparición paulatina de la cola de la sirena-pez en su variante fecundadora, y se precipitará hacia el signo de gestación en el vientre, como punto central.

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Finalmente en la figuración bizantina de la Orante o Virgen del Signo, la tiara se convierte en nimbo de luz y los peces que portaba en las manos en la personificación de Gabriel y Miguel, los arcángeles que, al igual que los anillos de Sem o los peces psicopompos, conductores de almas de un ámbito a otro.

CAROLINGIO

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Frontispicio del Sacramentario de Gellone (Bibliothèque nationale de France, París)
En el arte cristiano occidental fue en las ilustraciones de libros en el marco merovingio y carolingio cuando hicieron su aparición, gracias al interés por la recuperación del saber del mundo clásico de los sabios de la época. En este ambiente hay que destacar la representación de una sirena ave cuya extremidad se enrosca en una cola pisciforme, que se dispone junto a la Virgen.

LAS SIRENAS ROMÁNICAS
Resultado de imagen de Liber Monstrorum. sirenas
Sirena al Bestiary Harley MS 324
En Occidente, se metamorfosearon en seres pisciformes a partir del siglo IX, cuando empezó a difundirse el Liber Monstrorum.

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Basílica de San Vicente de Ávila,S.XII

A través del arte carolingio, el proceso alegorizador de la mitología clásica se convierte en vehículo fundamental para la expresión religiosa del arte románico y, desde entonces, la sirena pisciforme se convierte en uno de los emblemas iconográficos más evocados para los fines catequizadores de la Iglesia.


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Sant Pau del Camp (Barcelona) capitel con sirenas-pájaros

En el arte románico español predomina el tipo de sirena con tipología de ave, quizás por la influencia de los pájaros antropomórficos del folklore islámico .


Sirenas pájaro o arpías , comienzos del s. XII

Relieve en piedra, claustro de la abadía de Santo Domingo de Silos, Burgos (España)

La sirena es un ser híbrido con cabeza de mujer y cuerpo de ave en el caso de las sirenas-pájaro. Pero también puede tener cuerpo de mujer que desde la cintura se metamorfosea en pez rematando en una aleta caudal.


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Catedral  St. Stephen´s  Viena

En cuanto a soportes y técnicas por su carácter moralizante fueron frecuentes en las miniaturas de los códices, en escultura formando la decoración de capiteles, ménsulas y otros elementos arquitectónicos, así como en la decoración de las sillerías de coro, en pintura, vidrieras, marfiles, cerámica y todo tipo de artes suntuarias.

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Sirènas y tritones afrontados en un capitel procedente de l’abbaye de Saint-Géry aur Mont Francia

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 Iglesia de San Juan Evangelista, Arroyo de la Encomienda (Valladolid)

Capitel de la portada que representa la sirena tan repetida en la iconografía románica, símbolo de la lujuria, que alza con sus manos las dos colas pisciformes


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Sant Pere de Galligans- sirena bicaudal

la Iglesia jugó un papel fundamental en la nueva concepción de la sirena, que reemplazó la parte de ave por la de pez. Esto ocurrió en el siglo IX, y entonces la sirena comenzó a representar la voluptuosidad, y su canto fue el símbolo  de lo que la Iglesia consideraba las «falsas doctrinas».

Durante los siglos XI-XII convivirán  las sirenas-pájaro y las sirenas-pez y se convertirán en verdaderas protagonistas de la obra artística.



San Pedro de Teverga, Asturias. capitel con sirenas de dos tipos: pájaros y pisciformes

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Las sirenas pez de este periodo pueden mostrarse con extremidad única o con cola bífida, siendo esta última la más representada. No suelen presentar estas sirenas el aspecto seductor del que las dotan las fuentes y lo habitual es que se cojan las extremidades con ambas manos

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Sirena representada en un candelero (Hungría, 1150 -1200)

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Sirena, Bajo Tirol s.XII
Un ejemplo de sirena-pájaro-pez

 GÓTICO

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Sirena-pez de cola bífida S. XIV, pintura sobre tabla, Palacio de Villahermosa, Huesca (España).

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Sala De las Sirenas Antiguo Palacio Episcopal de Beauvais l’Oise (Francia)

Bóveda de la nave suroeste, las pinturas murales de la primera mitad del siglo XIV dio su nombre a la sala. Las sirenas son portadoras de distintos instrumentos.

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Sala De las Sirenas Antiguo Palacio Episcopal de Beauvais l’Oise (Francia)

Bóveda de la nave suroeste. En este caso la sirena toca una gaita acompañando su dulce canto

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Por otro lado las arpías también eran tres, que  salen en la epopeya de Jasón y los Argonautas, cuando van en busca del vellocino de oro. Las arpías, se asimilan a veces con las sirenas-pájaros

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Miniature from Benoît de Sainte Maure’s Le Roman de Troie
Otra representación del episodio entre Ulises y las sirenas, en este caso con doble cola de pez.

RENACIMIENTO

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«Soffito de semidei» Palazzo Della Rovere, Roma


El Techo de los Semidioses es una obra de Pinturicchio , que data de 1490 y almacenada en el ala derecha de la sala de Cárceles de este palacio en Roma . Es una armadura dorada octogonal de madera y decorado con muchas figuras alegóricas y mitológicas pintadas sobre un fondo falso de mosaicos de oro sobre papel montado sobre madera. 

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Castillo de Urach , OfenBaden Wurtemberg Alemania.

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Memento mori con sirenas, en la  Chiesa di Santa Maria dei Miracoli (Brescia)

Aparecen varias sirenas híbridas con cuerpo de mujer, patas de ave y cola de pez.

La imagen puede contener: cielo, nubes, planta y exteriorSizun Iglesia Saint-Suliau 

Una de las extrañas esculturas en el tejado representa una sirena que lleva restos de algas.

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Casa de las Sirenas

Donde aparecen estas y un motivo decorativo en forma de concha que fue empleado frecuentemente por la arquitectura renacentista, sobre todo coronando las hornacinas. La Serena Badajoz

foto JA Aznar

BARROCO

Baco y una sirena Strasbourg, Musée Alsacien

Mixoparthenos , Palazzo Barberini de la familia Colonna (Roma) figura de bronce, de 1644 
 Es una criatura híbrida, en la mitología griega , mitad serpiente, mitad mujer

EL SIGLO XIX

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Sirenas-pajaro 1875 Boecklin


La sirena, nació como símbolo de los peligros que entraña el abismo marítimo, pero en la Edad Media se asoció a la lujuria, la tentación y los peligros que encarna la sexualidad , porque eran seres volátiles como el amor, además de encarnar la falsedad, el engaño y la inconstancia.


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Herbert James Draper – Ulysses and the Sirens 1910

Odiseo (Ulises), fecundo en ardides, cuando se iban acercando a la isla temida, por consejo de Circe, ordenó a sus hombres que se taparan los oídos con cera, y él que no podía con la curiosidad de escucharlas, se hizo amarrar al mástil, con orden de que pasara lo que pasara, no lo desataran. Al escuchar los cantos de las sirenas quizo soltarse pero sus compañeros no se lo permitieron. Cuenta la leyenda, que las sirenas devastadas por su fracaso, se lanzaron al mar y murieron ahogadas

John William Waterhouse: sirena

 Las primeras historias conocidas sobre sirenas aparecieron en Asiria, antes del 1000 AC. El hecho de representarlas con medio cuerpo de pez se debe a la leyenda referida por Diodoro Sículo en la que Derceto ofendió a Venus y entonces la diosa le inspiró amor hacia un pastor. De este amor nació una niña, Semíramis, que llegaría a ser reina de Babilonia. Después de nacer su hija, también por obra de Venus, acabó el amor. Derceto, llena de ira, abandonó a su hija, hizo matar al hombre a quien había amado y se arrojó al agua dispuesta a suicidarse, lo que los dioses no permitieron.

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Ulysses and the Sirens (1891) John William Waterhouse
Los tritones y estas son los mas parecidos a la sirena como mujer pez, pero en la cultura clásica, las sirenas son mujeres pájaro, como se cuenta en la Odisea.

La imagen puede contener: 2 personasUlyses y las Sirenas,  Léon Belly

El pintor las muestra aqui como mujeres normales

El mito de las sirenas nace en relación con el peligro que entrañaban las travesías marinas en la cercanía de las islas de su nombre, frente a las costas de Sorrento, que ocasionaban numerosos naufragios y peligro de muerte, pero pronto fueron asociadas con todo tipo de peligros que acosaban a los hombres y les conducían al mal.

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El marinero y la sirena,  Leighton 1856-1858

Según los poetas romanos Virgilio (en la epopeya Eneida) y Ovidio, la Sirenum scopulieran o Isla de las Sirenas eran tres pequeñas islas rocosas donde las sirenas de la mitología griega vivían y engañaban a los marineros con su música y con su voz para llevarlos a la muerte.

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Las sirenas de Segovia
Escultura de sirena en Segovia, en la plaza de Medina del Campo (llamada de «las sirenas»); obra de Francisco Bellver en 1852.A pesar de que su calidad de sirenas está perfectamente documentada, las imágenes se asemejan mucho más a esfinges que a éstas. En la Antigua Grecia las esfinges eran representadas con cabeza y pechos de mujer, alas de pájaro y cuerpo y pies de león; en este caso, a excepción de las alas, cumplen con el canon de esfinge.
Se encuentran situadas como remate de la escalinata de la plaza de Medina del Campo, que da acceso a la plaza de San Martín, y flanquean la escultura que Aniceto Marinas dedicó al comunero Juan Bravo. La plaza recibe popularmente los nombres de plaza de Juan Bravo o plaza de las Sirenas, aunque su denominación oficial es la de Medina del Campo.





Sirenas legendarias en España

Es famosa en Cantabria la historia de La Sirenuca, una sirena que antes fue humana. Su madre, harta de que la desobedeciera para ir a los acantilados, gritó «Permita Dios que te vuelvas pez», y así sucedió. Desde entonces, alerta con su canto a los marineros de que se acercan peligrosamente a los acantilados. Esta es una de las pocas sirenas benévolas de la mitología europea

En la mitología extremeña también hay sirenas, pero éstas viven en los ríos, de los que salen para ahogar a los hombres después de seducirlos (Garrovillas)
En la mitología gallega existe la leyenda de Marina o Marinha, ésta fue rescatada o rescató al duque Don Froilaz del tormentoso mar de Finisterra

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Sirena-pájaro, en un Lubok ruso S.XIX

Un lubok (plural Lubki, Cirilico: es un tipo de arte popular ruso, caracterizado por la utilización de gráficos simples y narrativas derivadas de la literatura, historias religiosas y cuentos populares rusos.


Imagen relacionada
Escila
La transformación iconográfica de la sirena-ave a la sirena-pez parece que se produjo ya en el mundo romano, tomando como modelo a las tritonisas y a Escila, criatura monstruosa que acechaba a los navegantes que surcaban el Estrecho de Mesina de aspecto femenino hasta la cintura, de la que surgían seis fieros canes, y cola de pez.
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Tritón

Hércules luchando con el Tritón anfora griega realizada con la técnica de figuras negras se deriva de la corriente miniaturista de la cerámica corintia, aunque sea en el Atica donde adquiere esplendor. Su influjo se reconoce claramente en torno al año 560. En primer lugar se preparaba la superficie del vaso, cuya tonalidad anaranjada cobraba fuerza. Luego se trazaban los contornos de las figuras y una vez definidas y delimitadas, se aplicaba en el interior una especie de barniz parduzco-negro


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Tritón Mosaico romano, S III  Museo nazionale del Bardo, Tunez.
En la mitología griega, Tritón (en griego antiguo Τρίτων Tritôn) es un dios, mensajero de las profundidades marinas. Es el hijo de los dioses marinos Poseidón y Anfítrite. Suele ser representado con el torso de un humano y la cola de un pez.
Como su padre, llevaba un tridente. Sin embargo, el atributo especial de Tritón era una caracola que tocaba como una trompeta para calmar o elevar las olas del mar.
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Tritón de Giambologna, o en España Juan de Bolonia 1560-70 circa Nueva York, Museo Metropolitano de Arte

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Fuente del Tritón, de Gian Lorenzo Bernini.-Piazza Navona (Roma)

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Ninfas William Adolphe Bouguereau S.XIX
En la mitología griega, una ninfa es una deidad menor femenina típicamente asociada a un lugar natural concreto, como puede ser un manantial, un arroyo, un monte o una arboleda.Se relacionaban con Pan, los Silenos y los Sátiros, a quienes se unían en deleites y bailes báquicos.


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Ondina, por John William Waterhouse (1872)

Se llamaban ondinas a las ninfas acuáticas o Náyades, de espectacular belleza que habitaban en los lagos, ríos, estanques o fuentes al igual que las Nereidas mitad mujer y mitad pez.
Aunque las náyades estaban asociadas con el agua dulce, las oceánidas con el agua salada y las nereidas específicamente con el mar Mediterráneo, había cierto solapamiento debido a que los griegos pensaban en las aguas del mundo como en un sistema único


La imagen puede contener: planta y exteriorLa fuente de la Ninfa Jardines de la Isla, Palacio de Aranjuez (Madrid)
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Nereidas, Gaston Bussière (1902).
Son las cincuenta hijas de Nereo y de Doris y hermanas del apuesto Nerites (deidad marina menor).Se las considera ninfas del Mar Mediterráneo, y como tales viven en las profundidades del Mediterráneo; no obstante, emergen a la superficie para ayudar a marineros que surcan los procelosos mares, siendo los Argonautas los más famosos de entre los que socorrieron mientras viajaban en búsqueda del vellocino de oro.
SIGLO XX

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La Sirenita
Es una escultura de una sirena de bronce, que se encuentra en la ciudad de Copenhague. Se encuentra en el Parque Langelinie, en la Bahía del Puerto de Copenhague y se considera el símbolo de la ciudad.
Recuerda a un cuento de hadas del escritor y poeta danés Hans Christian Andersen, famoso por sus cuentos para niños. Fue originalmente publicado el 7 de abril de 1837

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Y por último una preciosa «sirenita» real…
La sirenomelia es una enfermedad extremadamente rara. Se produce por la fusión de los miembros inferiores secundaria a un trastorno severo en el desarrollo del blastema caudal axial posterior (en la cuarta semana de desarrollo embrionario), posiblemente debido a una alteración vascular de una rama de la arteria aorta abdominal.

FUENTES:

https://www.ucm.es/…/cont/docs/621-2013-11-13-LasSirenas.pdf

http://saludyromanico.blogspot.com.es/…/metamorfosis-de-un-…

https://es.wikipedia.org/wiki/Sirena

http://anomaliasdeloceano.blogspot.com.es/p/blog-page_9807.…

https://barcosmaryarte.wordpress.com/2013/12/21/las-sirenas-peces-ninfas-o-aves/