Museo Cerralbo, Madrid

El Museo Cerralbo tiene una dilatada historia. Fue creado por don Enrique de Aguilera y Gamboa, XVII Marqués de Cerralbo (1845-1922), quien compaginará durante toda su vida la dedicación a la Política y la Historia con la sensibilidad hacia las Bellas Artes.
Recorrió Europa en compañía de su familia, visitando museos y adquiriendo obras de arte, reuniendo así una magnífica colección que, junto a los fondos numismáticos, bibliográficos y documentales antiguos, supera las 50.000 piezas.
Por la calidad y diversidad de géneros que abarca llegó a considerarse entonces la colección privada de arte más completa del país; a su formación contribuyeron notablemente su esposa, doña Inocencia Serrano y Cerver, y los hijos de ésta, don Antonio y doña Amelia del Valle y Serrano, marqueses de Villa-Huerta.

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MUSEO CERRALBO

Adema´s de contar con importantes colecciones: Pinturas, esculturas, cerámicas, cristal, tapices, muebles, monedas, medallas, dibujos, estampas, relojes, armas, armaduras y objetos arqueológicos, por mencionar lo más destacado, confieren un encanto especial al palacio que, además de constituir un ejemplo importante de residencia aristocrática, sugiere al visitante una panorámica de la vida cotidiana en Madrid, con las tertulias literarias, los bailes, las confidencias de salón…

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Retrato de José Aguilera y Contreras MARQUÉS DE CERRALBO

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ESCUDO DE ARMAS del Marqués de Cerralbo

Un video a modo de introducción

Portal y escalera de honor

GRAN PORTAL Y ESCALERA DE HONOR

El museo Cerralbo presenta la singularidad de ser uno de los escasos ejemplos en nuestra ciudad que conserva la ambientación original de la que fuera la residencia del marqués de Cerralbo y su familia. Palacio museo, casa histórica y museo de ambientes, es un referente obligado para conocer la forma de vida de la aristocracia madrileña de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX.

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ESCALERA DE HONOR

Nos conduce con una doble rampa y balaustrada de mármol a sendos accesos de la planta entresuelo, mientras que una barandilla de hierro forjado procedente del Palacio de Bárbara de Braganza, actual Palacio de Justicia de Madrid, nos invita a subir a la planta noble alta .

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ACCESO A LA PLANTA PRINCIPAL con columnas de marmol

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PASILLO PLANTA PRINCIPAL

En esta planta transcurrió la vida cotidiana de la familia, compuesta por los marqueses de Cerralbo, don Enrique y doña Inocencia, y los hijos de ésta última, fruto de su primer matrimonio, don Antonio y doña Amelia del Valle Serrano, marqueses de Villa Huerta. Era también la zona donde se recibía a las visitas de confianza.

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SALA DE LAS COLUMNITAS

Zona de reunión de los caballeros, lugar donde conversar sobre los vaivenes de la política, la marcha de los negocios o el estado de la bolsa

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SALA DE LAS COLUMNITAS , detalle

Debe su nombre a las columnas de mármoles, jaspes y ágatas armoniosamente dispuestas en la mesa central y coronadas por pequeñas esculturas de procedencia y culturas diversas presididas por el busto de Luis XV, un biscuit de porcelana de Sèvres.


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SALA DE JUEGOS
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SALA DE JUEGOS MESA DE BILLAR

Francia, hacia 1855. Roble, palorrosa y otras maderas finas/ bronce/ bayeta, lienzo.

Ensamblaje, chapeado, marquetería de elemento por elemento, tintado, grabado a buril, barnizado/ fundición, cincelado, dorado al fuego/ tafetán.

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PURERA Segunda mitad del S.XIX
Madera, marfil, latón. Ensamblaje, chapeado, marquetería de elemento por elemento, barnizado, patinado.

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JUEGO DE FUMADOR DE OPIO

Dinastía Qing, siglo XIX.
Sur de China, probablemente de la provincia de Guangdong.
Madera, barro cocido / acero, hueso / cuero, fibras vegetales e hilo metálico.

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COLECCIÓN DE ARMAS
La armería del museo Cerralbo contiene aproximadamente 700 piezas de diversa procedencia (Europa, América, Asia y Oceanía) adquiridas tanto en España como en el extranjero
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ARMADURA ATRIBUIDA A JUAN PACHECO, II MARQUÉS DE CERRALBO

Italia-Alemania, 1540-1590.
Acero, hierro, cuero Grabado al aguafuerte y a buril, repujado

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ARMADURA JAPONESA

Periodo Edo (1614 – 1868) Hierro, latón, cuero, laca, textiles.

Las piezas más singulares son las armaduras de guerra procedentes del Japón del siglo XVIII. Se trata de armaduras de distinción que pertenecieron a samuráis

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SALÓN DE BAILE
Mención aparte merecen las decoraciones murales de varias estancias, como el techo del fastuoso salón de baile, pintado por Máximo Juderías Caballero
Este salón se concibió buscando un espectacular efecto visual; los espejos y dorados amplifican su suntuosidad y dispone para los músicos de una tribuna en forma de balcón.

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SALÓN DE BAILE
El piso noble o principal destinado al protocolo se decora de forma más suntuosa y artística. Espejo de la posición económica y social de sus propietarios, refleja en su distribución la mentalidad decimonónica donde prima sobre todo la apariencia y se reservan los mejores espacios a los invitados. De hecho, se abría únicamente para recepciones, fiestas y bailes.

SALÓN DE BAILE

Reloj Misterioso
Aquí hay que destacar las lámparas de Murano, los espejos de fabricación veneciana y un llamativo reloj monumental misterioso (de maquinaria oculta) atribuido en su parte escultórica a la fundición de Ferdinand Barbedienne, de París

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Alcoba en el piso superior
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ESPEJO PSIQUÉ CON CERÁMICA DE MEISSEN

Siglo XIX. Porcelana y cristal azogado. Fábrica de porcelana de Meissen (Sajonia)

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Lámpara de cristal veneciano

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ESCIFO (SKYPHOS) ITALOGRIEGO Mediados s. IV a.C.

Arcilla, barniz antiguo Técnica de figuras rojas

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DIANA CAZADORA

Original romano del siglo II d.C. / Montaje actual del siglo XIX
Mármol blanco, mármol brocatel y metal Esculpido, pulido con escofina, ensamblado
Procedencia: Clunia (Peñalba de Castro, Burgos)

Cerámica

Pequeñas esculturas, jarrones, cajitas, piezas de vajilla y otros muchos elementos realizados en cerámica, porcelana y cristal aportan brillo y colorido a los objetos de uso cotidiano y de adorno.
La calidad define las creaciones de cerámica, a través de las piezas elaboradas en talleres y fábricas de reconocido prestigio internacional: Manises, Talavera y Puente del Arzobispo, Sèvres, Wedgwood, Meissen, Buen Retiro, además de elementos procedentes de China y Japón.

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JARRON TIPO IMARI CHINO

Dinastía Qing, hacia 1690 comienzos del XVIII de la era Kangxi (1662-1722).
Porcelana torneada en tres piezas unidas con engobe

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TONDO DE LA ADORACIÓN DE LA VIRGEN

Escuela italiana. Seguidor de Andrea della Robbia o del taller de los Buglioni Primer tercio del siglo XVI

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ENFRIADOR DE COPAS DE FELIPE V

Última década del siglo XVIII. Loza o pasta tierna

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JUEGO DE TÉ WEDGWOOD Último tercio del siglo XVIII.

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JARRA DE MEISSEN
Por las marcas de la base situamos la pieza entre 1814 y 1860. Porcelana caolínica.

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VITRINA CON PORCELANA DE MEISSEN Siglo XIX
Madera ebonizada y porcelana. Fábrica de porcelana de Meissen (Sajonia)

RELOJES

Los relojes que reunió el Marqués de Cerralbo en su colección son de una tipología muy variada, aunque todos ellos de las relojerías inglesa y francesa de los siglos XVIII al XX. Los relojes están distribuidos a lo largo del palacio en sus distintas habitaciones, colocados sobre consolas, chimeneas o mesas. Esto indica que los relojes del palacio no fueron adquiridos con un afán coleccionista sino meramente decorativo o de amueblamiento del palacio madrileño.

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RELOJ FRANCÉS CON CAJA DE MÁRMOL DE SOBREMESA O CONSOLA CON ÓRGANO DE FLAUTAS
Manufactura Brocot. Francia, segunda mitad del siglo XIX.
Mármol blanco, tipo Carrara o Macael, alabastro, bronce dorado.

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RELOJ INGLÉS BRACKET John Taylor. London Siglo XVIII

El reloj inglés se caracteriza por la solidez y perfección de su mecanismo así como por su elegante y sobria decoración. Los relojeros más prestigiosos de Inglaterra colaboraron activamente con grandes ebanistas que se encargaban de la fabricación del mueble y enriquecían la caja con elegantes adornos. Para lacar las mejores piezas contaron con la maestría de los artesanos chinos.

Reloj despertador inglés de pared a pesas J. Wats. London. S.XVIII.

Esfera repuesta de bronce dorado, cuadrada, con copete semicircular, a la que sirven de adorno seis molduras fundidas del mismo metal. Motor a pesas. 30 horas cuerda. Sonería de horas. Péndulo corto de pera, vinculado directamente al escape, que es de paletas, con rueda catalina y una sola aguja.

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RELOJ GINEBRINO DE BOLSILLO CON AUTÓMATAS Robert Brandt & Cie. Siglo XIX

Este reloj fue regalado al Marqués de Cerralbo por D. Carlos VII, según consta en carta autógrafa que conserva el archivo del Museo, en la que se indica que el reloj fue utilizado por el Archiduque Fernando de Austria en las guerras contra Napoleón

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RELOJ ALEMÁN DE VIAJE Elias Kreittmaÿr. Friedberg. 1670.

Despertador. Caja de plata calada y grabada, en la que se aloja la campana, de acero. Esfera con sector horario de plata y el centro dorado, en el que figura la numeración que corresponde a la alarma. Los relojes llamados de carroza (carriage clocks / pendules de voyage) fueron utilizados en estos medios de transporte durante largo tiempo. Cuando no eran de sonería al paso, como en este caso, solían tener la sonería forzada (a la demanda) para poder oír la hora que fuese en cualquier momento de la noche.
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RELOJ FRANCÉS CON GUARNICIÓN EN PORCELANA DE SAJONIA
Primera mitad del Siglo XIX.


Composición barroca con figuras situadas escalonadamente en su estructura. Porcelana policromada. Está compuesto por dos piezas: el reloj propiamente dicho y el zócalo. Tiene un escudo de armas de las casas reales de Polonia y Sajonia, pintados en dos cuarteles. Hay un águila con corona imperial y la alegoría de Marte

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RELOJ FRANCÉS DE CONSOLA O SOBREMESA, DE BRONCE DORADO Y DE FIGURA Primera mitad del siglo XIX. Época Carlos X.

Caja de bronce dorado, formada por un zócalo rectangular en dos cuerpos, el superior con bajorrelieve frontal que representa una escena de caza en la que los corzos son perseguidos por perros y a la zaga va Diana con un arco y flechas. En la parte superior se materializa este mismo asunto con figuras de bulto redondo. La de la diosa, ya en reposo, apoya el brazo derecho en ara en la que se aloja el movimiento, sosteniendo una cuerna en la mano, mientras que con la otra mantiene vertical el arco.

Reloj francés Misterioso, colgante de cristal

Henri Robert. París. Horloge mysterieuse. Brévété.Siglo XIX, segunda mitad (1878)

Reloj pensado para reclamo de escaparates de relojería, muy posiblemente. Su autor presentó el prototipo en la Exposición de Productos Franceses de 1878, en París.era un reloj para excitar la curiosidad, pues por mucho que se fije en él la atención, no se ve más que un cristal transparente, sobre cuya superficie se mueven dos agujas, minutero y horaria. Cada una de las agujas de este reloj lleva en sí misma el mecanismo motor, viniendo a formar solas o entre ambas una especie de balanza equilibrada de brazos desiguales, en la cual el mecanismo de relojería no tiene otro objeto que desplazar el centro de gravedad del sistema a la velocidad conveniente para que una aguja señale la hora y la otra el minuto. Colgado de dos cadenas, su colocación frontal al escaparate de un establecimiento de relojería, atraería la curiosidad del paseante por lo misterioso de su funcionamiento.
DIBUJOS

La colección de dibujos consta de unos 700 ejemplares, de los que mostramos aquí una pequeña selección. El fondo destaca por su calidad y por la variedad de artistas europeos reunidos, especialmente de la Escuela Española, Francesa, Italiana, Holandesa y Flamenca.

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FRANCISCO DE GOYA Dibujo Coche barato y tapado

1824-28 Papel blanco, verjurado, con filigrana.Lápiz litográfico.

El personaje representado empuja una carretilla cuyo contenido está oculto bajo un gran paño. Su espalda torcida y el pie que apoya en el suelo sugieren el andar dificultoso y esforzado de un cojo; tres personajes -¿mujeres?– situados a sus espaldas parecen contemplarlo y divertirse

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PIETRO DA CORTONA Dibujo del martirio de Santa Martina

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MANUEL SALVADOR CARMONA Dibujo de niño

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FRANCISCO RIZZI Proyecto para la decoración de una iglesia

Cabeza de joven anónimo francés Siglo XVII. Papel blanco, verjurado, con filigrana.Sanguina.

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FEDERICO ZUCCARO Monarca recibiendo a un emisario


PINACOTECA
El marqués de Cerralbo tenía gustos eclécticos y dirigió parte de sus esfuerzos a la arqueología, lo que ayuda a explicar el perfil más bien desigual de su pinacoteca. Con todo, cuenta con una relevante sucesión de maestros y varias obras han recobrado autorías de prestigio tras las últimas investigaciones.

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LUIS MELÉNDEZ Bodegón con frutas y utensilios de cocina

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JUAN ESPINOSA Bodegón con uvas

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ANÓNIMO Alegoría de la Eucaristía oleo sobre tabla

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FRANCISCO DE ZURBARÁN Inmaculada Concepción.
Hacia 1640. Procedencia: Colección del Marqués de Leganés.

Esta representación de la Inmaculada añade algunos de los atributos de las letanías del Cantar de los Cantares, junto a referencias a la iconografía de la mujer apocalíptica, dando paso a la mujer “vestida de sol y con la luna a sus pies” del Apocalipsis. La Virgen con rostro de adolescente se halla suspendida como una Asunción, en ondulante figura, sobre un escabel de querubines.
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DOMÉNICO THEOTOCOPULI , EL GRECO. San Francisco en éxtasis. Ca. 1600-1605.
Firmado: «doménicos teotocópulos / epoiei», con caracteres griegos, sobre el letrero blanco.

El Greco aportó una nueva iconografía franciscana a la historia de la pintura. Hasta el momento se representaba a San Francisco alegre y sereno, siguiendo la tradición italiana; pero el artista comenzará a pintarlo con un estilo más español, de forma lúgubre, enjuto y anacorético.

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JACINTO MELENDEZ El principe Luis I, hijo Felipe V

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JACINTO MELENDEZ Felipe V vestido de cazador 1712

La actividad de Miguel Jacinto Meléndez se sitúa entre el final de la pintura madrileña del Siglo de Oro y el nuevo período que nace con la creación de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Tío de Luis Meléndez, famoso pintor de bodegones, y hermano de Francisco, pintor real de miniaturas, trabajó en la corte en un momento en el que pocos artistas españoles sobresalían.

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JACINTO MELENDEZ Maria Luisa Gabriela de Saboya (esposa de Felipe V)

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COPIA DE ANTON VAN DYCK S.XVII María de Médicis Reina de Francia 1630
Se convirtió en la segunda esposa de Enrique IV de Francia, y su hijo fue el primer Delfín de Francia en 40 años. Enviudó en 1610 y fue regente durante la minoría de edad de su hijo Luis XIII. Se la considera gran mecenas de las artes en la corte francesa. Durante su regencia cambió el rumbo político de su esposo, buscando la alianza con España mediante un doble matrimonio: casando al futuro rey con Ana de Austria, hija de Felipe III de España, y a su hija Isabel de Borbón con Felipe IV.

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FEDERICO MADRAZO Matilde de Aguilera y Gamboa, Lady Fontagut
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JACOPO TINTORETTO Retrato de Agostino Doria
El retrato coincide con un boceto que realizara Van Dyck en 1625 en su llamado “Cuaderno italiano”, en donde el artista flamenco recogió diversas imágenes percibidas en su estancia en Italia. Junto al boceto figura la inscripción: “Tiziano en casa de Doria”.
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ESCIPIÓN DERROTANDO A ANIBAL Fines del siglo XVI. Lana y seda.
Manufactura de Bruselas. Lleva las marcas de localidad a la izquierda del orillo izquierdo: un escudete entre dos “B”. Marcas de tapicero (sin identificar) en la parte inferior del orillo lateral derecho.

JARDÍN


Esculturas de Júpiter y bustos de dos emperadores reflejadas en el estanque


Otro rincón del jardín, llamado «de los sentidos»

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Entre su densa vegetación de árboles de hoja caduca: acacias de Constantinopla, castaños de Indias, tilos… y escondidos entre jazmines, setos de boj y glicinias, encontramos seres mitológicos y un jabalí, replica en piedra del que Pietro Tacca realizará en bronce, hoy en los Uffici.de Florencia

Dirección:
Museo Cerralbo c/ Ventura Rodríguez, 17 28008 Madrid, España
Fuentes:
http://museocerralbo.mcu.es/informacion/visita.html
http://www.mecd.gob.es/mcerralbo/coleccion/galeria-imagenes.html;jsessionid=BB965FA7C632E42D64D1D296B87B13CE

https://www.culturaydeporte.gob.es/mcerralbo/coleccion/coleccion0/relojes.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Cerralbo#Pintura

Las pinturas de castas

La pintura de castas fue un fenómeno artístico que existió principalmente en la Nueva España en el siglo XVIII, existiendo también ejemplares en Perú.

Las pinturas eran, en parte, producto de la Ilustración e intentaban representar las muchas castas, el producto de la mezcla de razas, que existían en el Nuevo Mundo.
Asi que durante el siglo XVIII en los virreinatos de Nueva España y Perú se desarrolló un género de pintura ahora llamado los «cuadros de casta».

Por documentos, sabemos que el origen de estas obras se puede rastrear hacia 1710, cuando el virrey Fernando de Alencastre , duque de Linares, quiso darle a conocer al rey Felipe V y a su corte, las diferentes mezclas raciales de la Nueva España.
Distinto del concepto de “raza”, típicamente representado en la sociedad contemporánea, la casta en Hispanoamérica integraba representaciones culturales más que las biológicas.

El Imperio Español clasificó a las personas, según «razas» y «cruzas» étnicas, para organizar un sistema social estratificado en sus posesiones de América.

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El diccionario de la Real Academia Española de 1780 define “casta” como “generación o linaje.”

Definiciones de la RAE (actual):

  1. Ascendencia y descendencia de una persona o de un animal.
  2. Variedad de una especie animal que reúne ciertos caracteres hereditarios.
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    El sistema de castas, no solo se dió en las posesiones española, en otros países también aparecieron, asi en: Sudafrica (apartheid), Estados Unidos, la India (llamados yati o ‘clan), el Imperio británico (separación entre blancos e indígenas), el Imperio alemán, y también separación entre blancos y negros en Ruanda-Burundi y entre negros hutus y tutsis…)

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El diccionario indica el sentido de que también existen las castas en ciertos animales, como los caballos, perros, etc y en esta imagen se muestra la diferencia de tamaños, colores, pelajes, etc entre algunas de las más de 300 razas de perros, que han sido criados selectivamente para conseguir características específicas durante miles de años. Se trata de juntar, a propósito el macho y la hembra de cada especie para que de su procreación salga determinada casta.”
Las castas se desarrollaron de un proceso de intercambio cultural, y las raíces étnicas que forjaron la identidad mestiza en Nueva España: fueron los indígenas, los españoles, los negros y escasas veces los asiáticos.

<img src="https://image.slidesharecdn.com/lascastasdelanuevaespaa-091109164351-phpapp02/95/las-castas-de-la-nueva-espaa-5-1024.jpg?cb=1257785063&quot; alt="Las actividades en la Nueva España estaban estrechamente ligadas a este complicado sistema de clasificación:

  • Gobie…»>
    Las listas que se presentan aquí probablemente son las que el artista conocía o prefería, la que el cliente pidió, o una combinación de ambos. Es importante aclarar que estos cuadros tenían como objetivo ser apreciados por un público europeo, ávido de conocer los detalles exóticos de las nuevas tierras. Por ello, en los cuadros no sólo aparecen personas, sino también sus alimentos, carácter y manera de ganarse la vida etc, siendo una rica fuente de información para el estudio de todo ello.

    Muchos autores, al referirse a la población de la Nueva España consideran primero a los grupos mayoritarios y su importanc...
    Un «mestizo» era producto de la mezcla de un español más un indígena. Por ello, algunos mestizos fueron educados como caballeros y damas españoles porque la Corona consideraba humillante que un hijo de español fuera educado entre los indígenas. Otros eran negados y discriminados y a veces se les tomaba por españoles o indígenas, pero sin ser aceptados totalmente por ninguno de los dos grupos.

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    Castas mexicanas (Fragmentos de los óleos de Cabrera)

    Hoy sabemos que la pigmentación de la piel está determinada por los genes biológicos y no por la “sangre” de las personas, de manera que estas pretendidas nomenclaturas raciales plasmadas en los cuadros, científicamente no son ciertas y sólo son propias de la forma de pensar que se tenía trescientos años atrás.

    LOS VIRREINATOS
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    Los Virreinatos de Nueva España en 1819

    El virreinato de Nueva España fue una entidad territorial integrante del Imperio español, establecida en gran parte de América del norte por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX, etapa conocida como período colonial mexicano. Fue creada tras la caída de México-Tenochtitlán, evento principal de la Conquista la que propiamente no concluyó sino hasta mucho después, pues el territorio de Nueva España siguió creciendo hacia el norte, a costa de los territorios de pueblos indígenas del desierto.
    La mayoría de las imágenes de castas, salen de Nueva España (lo que principalmente es México hoy en día) durante los años 1780. Los cuadros de castas también se pintaron en el Perú y otras partes de los virreinatos.
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    El Virreinato del Perú fue una entidad territorial situada en América del Sur, integrante del Imperio español y que fue creada por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX.
    El inmenso virreinato abarcó gran parte del territorio de Sudamérica, incluida Panamá. Quedó fuera de él, también como bien realengo, Venezuela y Brasil, que sobre el océano Atlántico, pertenecía a Portugal.
    Sin embargo, durante el transcurso del siglo XVIII su superficie sufrió tres importantes mermas al crearse -con parte de su territorio- dos nuevos virreinatos de la corona española: el Virreinato de Nueva Granada y posteriormente el Virreinato del Río de la Plata. Al mismo tiempo el Brasil lusitano extendía sus fronteras hacia la Amazonia.

    LAS CASTAS Y SUS REPRESENTACIONES:

    Con este abundante racismo, se llegaría a intentar definir las tantas «mezclas» como personas había, aplicando para ello decenas de nombres para todo tipo de «resultados» surgidos.

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    Los nombres de las castas varían de región en región y cambiaban a través del tiempo y en cualquier caso, los genetistas e historiadores modernos no aceptan que existan las llamadas razas puras, siendo quizá la totalidad de la población mundial el producto de diversas mezclas, algunas de más compatibilidad fenotípica dando apariencia racial.

    Muchas de las series de pinturas de castas, se encuentran incompletas y sin autoría, mientras que hay otras de pintores como: Ignacio de Castro, José Joaquín de Magón, Andrés de Islas, y por supuesto, Miguel Cabrera.

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    Indios gentiles de Andrés de Islas, (1774)
    Cartela: «Expresión de las Castas de gentes de que se compone este Reyno de Mexico; los motivos porque resultó la diversidad; y los nombres con que se distinguen todas las calidades: Hecha en Puebla de los Angeles», ca. 1750.

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    Sor Juana Inés de la Cruz por Andrés de la Islas, (una de sus obras mas conocidas).
    Al margen de sus pinturas de castas, este artista pintó a una de las pocas figuras de la cultura mexicana durante el período colonial, que fueron más populares y despertaron más interés que, la que tras entrar en religión, tomó el nombre de Sor Juana Inés de la Cruz. Mujer de gran cultura, literata de renombre y protegida de virreyes, desde muy temprana edad dedicó la mayor parte de su vida a la lectura y el estudio, pasando pronto a realizar sus propias composiciones en diferentes géneros

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    Pintura de castas de Luis de Mena (C. 1750). Museo de América, Madrid.
    Otra serie muy interesante, porque reflejan la vida de la sociedad novohispana del siglo XVIII. anónimo.
    Los cuadros de castas se presentaron con mayor frecuencia en series de dieciséis lienzos individuales agrupados a modo de mural en dieciséis compartimentos. Cada serie suele representar por lo general a un hombre, mujer y niño
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    Pintura de castas anónimo del S.XVIII. Museo Nacional del Virreinato (Tepotzotlán)
    Lista anónima:
    1. Español con India, Mestizo
    2. Mestizo con Española, Castizo
    3. Castiza con Español, Española
    4. Español con Negra, Mulato
    5. Mulato con Española, Morisca
    6. Morisco con Española, Chino
    7. Chino con India, Salta atrás
    8. Salta atrás con Mulata, Lobo
    9. Lobo con China, Gíbaro (Jíbaro)
    10. Gíbaro con Mulata, Albarazado
    11. Albarazado con Negra, Cambujo
    12. Cambujo con India, Sambiaga (Zambiaga)
    13. Sambiago con Loba, Calpamulato
    14. Calpamulto con Cambuja, Tente en el aire
    15. Tente en el aire con Mulata, No te entiendo
    16. No te entiendo con India, Torna atrás
    (Transcripción literal de la lista)

    Obras del pintor novohispano Miguel Cabrera (1695-1768)

    En México resalta el arte novohispano de Miguel Cabrera, quien realizó una serie de obras inspiradas en las castas del México colonial.

    Esta serie de pinturas data del año 1763, en ellas se representan a las familias (padre madre y prole) de diferentes castas y estrato socio económico, en situación cotidiana (mercado, hogar o calle) en las que se puede apreciar claramente la diferencia entre los estratos sociales y la relación que tiene dicho estrato con la casta a la que pertenecía el individuo. Actualmente esta colección se encuentra en el Museo de América, en Madrid
    Resultado de imagen de LA ILUSTRACION EN NUEVA ESPAÑA
    El problema en torno a las razas y al mestizaje como consecuencia de la unión entre los tres grupos raciales de la colonia: españoles, indios y negros, contó en el siglo XVIII con un gran auge entre los estudiosos que en el marco de las reformas Borbónica y la Ilustración, realizaban por todo el nuevo continente un exhaustivo trabajo de observación y clasificación de la naturaleza, su flora, su fauna, los recursos naturales y entre esta naturaleza, los seres humanos.
    P04778
    “Mulatos de Esmeraldas” de Andrés Sánchez Gallque (1599) Museo de América, Madrid.
    Antes del siglo XVIII, la mayoría de los mestizos era considerada «gente vil» y se les negaba el derecho de ocupar cargos reales, eclesiásticos o municipales. Por ello, el papel de los mestizos en la Colonia fué desde un principio un factor de inestabilidad, pues no tenía un lugar definido en la sociedad de su tiempo. Los mestizos fueron rechazados tanto por los indígenas como por los españoles

    Castas de origen Casta resultante
    español indígena mestizo
    indio negro zambo
    negro zambo zambo—prieto
    español negro mulato
    mulata español morisco
    español morisca albino
    albino español saltatrás
    indio mestizo coyote
    español coyote harnizo
    coyote indio chamizo
    chino india cambujo
    cambujo india tente en el aire
    mulato tente en el aire albarazado
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    Indios gentiles (Cabrera)

    Se denomina indios o indígenas a los descendientes de los habitantes nativos de América –a quienes los descubridores españoles, por creer que habían llegado a las Indias, llamaron indios. El adjetivo gentil, se refiere a una persona, que no es cristiana ni pertenece a alguna religión y no esta bautizada

    Aquí se presentan dos listas de castas de diferentes conjuntos de retratos de castas. que solo están de acuerdo en los nombres de las primeras cinco combinaciones, en su mayoría las que son entre blancos e indígenas. No hay acuerdo en los nombres, ni definiciones, de las mezclas con negros.
    A continuación pongo la serie de Miguel Cabrera y las que llevan la cartela que corresponden a Mexico (Álbum del mestizaje)
    Comprobareis que aunque muchos coinciden en los nombres asignados, en otras difieren totalmente, según el autor.
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    De español e india nace mestizo

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    De español e india nace mestizo (Cabrera)
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    De español y mestiza nace castizo
    La imagen puede contener: 3 personas
    De español y mestiza nace castizo (Cabrera)

    Los castizos surgieron entre la mezcla de europeos con mestizos, su aparición comenzó después del mestizaje entre europeos (españoles en su mayoría) y amerindios junto con la continua llegada de otros europeos al continente americano una vez establecido el colonialismo.

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    De español y negra nace mulata (Cabrera)
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    De español y negra nace mulata
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    De español y mulata nace morisca (Cabrera)
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    De español y mulata nace morisca
    De español y morisca, nace albino (Cabrera)
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    De español y morisca nace albino
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    De español y albina nace torna atrás (Cabrera)
    En este punto, hay que precisar que el blanqueamiento no se aceptaba para la «raza» negra. Por ejemplo, un torna atrás era una persona nacida de la unión sexual de dos «blancos», pero que tenía características fenotípicas de «negro». Esto era porque la sociedad hispanoamericana colonial asociaba un atavismo ( es decir, tendencia a reproducir tipos originales) a los negros. El miedo era que no importaba cuántas generaciones de «blancos» una persona podía tener: si finalmente un abuelo o bisabuelo había sido «negro» o «indio», los rasgos raciales negros o indígenas volvían a aflorar en sus descendientes en mayor o menor medida.
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    De español y albina nace torna atrás
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    De lobo e india nace albarazado (Cabrera)
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    De sambaigo e india nace albarazado
    El apelativo «lobo» cambia en esta serie a «Sambaigo»

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    De español y torna atrás nace Tente en el aire (Cabrera)
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    De lobo torna atrás e india nace tente en el aire
    Esta es otra acepción de «torna en el aire»
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    De castizo y mestiza sale Chamizo (Cabrera)
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    De albarrado e india nace cachimboreta

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    De albazarado y mestiza sale barcino
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    De indio y barcina nace zambaiga
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    De lobo e india sale sambaiga

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    De negro e india sale china cambuja

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    De chamizo e india nace cambuja
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    De mestizo e india nace coyote

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    De mestizo e india sale Coyote

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    De chino cambujo e india nace Loba

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    De negro e india nace lobo

    jerarquias castas

    La sociedad americana se organizó como una pirámide jerárquica que ubicaba en la cúspide a los «españoles» (peninsulares y criollos), y bajo ellos, a la mayoría de la población integrada por «indios» o «naturales» (pueblos originarios), «negros» (traídos como esclavos de África) y «castas» (descendientes de relaciones sexuales entre las tres grandes ramas étnicas anteriores)
    El primer estrato de esta sociedad discriminatoria por la piel está ocupado, por el sector blanco de la población. Lo constituye una minoría de españoles peninsulares ricos y muy influyentes (los llamados «gachupines» en Nueva España y «chapetones» en Perú) y de criollos que les siguen por prestigio socioeconómico.

    Resultado de imagen de piramide castas

    Los negros y mulatos suelen representarse como cocheros, los indios como vendedores de comida, y los mestizos como sastres o zapateros. Las mulatas y mestizas, como cocineras o costureras.
    A medida que la sociedad colonial se había ido estructurando durante la anterior centuria, se fue dando mayor importancia a la pureza de sangre, derivando en un sentido jerárquico y aristocrático, perfectamente conformado a principios del siglo XVIII.
    Tal fue la importancia atribuida a la limpieza de sangre (que en muchos casos no era limpieza absoluta de sangre blanca) que con frecuencia los individuos de este sector recurrieron en este período a la Audiencia para certificarla
    Fuentes:

    http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?
    http://www.scielo.org.ar/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1852-96152012000200009
    https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_de_castas
    https://alcolonial.wordpress.com/2012/12/09/pintura-de-castas-miguel-cabrera-imagenes/
    http://genealogiaegusquiza.blogspot.com.es/2010/12/las-pinturas-de-las-castas-en-america.html
    http://ablaevariteprobatum.blogspot.com.es/2013/04/miguel-cabrera-y-la-pintura-de-castas.html

Los ángeles arcabuceros

 

Los ángeles son uno de los temas más característicos de la pintura virreinal en América. Su originalidad viene de la iconografía y de la excelencia de su realización, que contrastan con las versiones europeas. En la cultura occidental, el origen de la iconografía de los ángeles se remonta a los primeros siglos del cristianismo.
 En la Edad Media, los ángeles no eran representados de forma aislada, a excepción de algunas obras como «San Miguel Arcángel, que encontramos como «Juez de las Almas» en la pintura flamenca, italiana y española. Es en el Renacimiento que los ángeles comienzan a ser pintados individualmente, práctica que se extiende durante el barroco. 
 La teología cristiana tomaba la obra de Dionisio Areopagita, obispo y escritor religioso del siglo VI, como base de la enseñanza oficial de los personajes y de las funciones de los ángeles. Este autor, en su obra sobre la «Jerarquía Celestial», divide a los ángeles en tres grupos. El primero esta compuesto par serafines, querubines y tronos, el segundo por potestades, virtudes y poderes y el tercero par príncipes, arcángeles y ángeles.
 Los serafines están en la cima de la jerarquía y rodean el trono de Dios, son de color rojo y su atributo es el fuego. Los querubines simbolizan la sabiduría divina y son de color azul y oro. Los tronos representan la justicia divina y llevan toga y bastón de mando.
 Las series de ángeles constituyen uno de los temas mas originales de la pintura andina, particularmente en las regiones de Cuzco, el lago Titicaca, La Paz y Potosí Parece ser que la aparición en los Andes de los ángeles arcabuceros se debe a los esfuerzos de religiosos letrados que querían sustituir por símbolos religiosos cristianos las creencias indígenas en los dioses de los elementos naturales como el rayo (Illapa), el sol (Inti), la luna (Quella), la nieve y todos los fenómenos naturales de los altiplanos y montañas.
 Así apareció una nueva iconografía fundada en textos apócrifos como el de Enoc, por ejemplo, que brinda a los ángeles el divino poder de dominar a las estrellas y la naturaleza.

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LOS ANGELES DE CALAMARCA
En el altiplano de La Paz se encuentran interesantes iglesias construidas a fines del siglo XVI e inicios del siglo XVII.Una de las más significativos es la colección de arte de la iglesia de Calamarca que tiene una conocida serie de ángeles y arcángeles de los cuales sólo se conjetura el posible significado (las interpretaciones suponían que se relacionaban a dioses andinos),
Este arte fue llamado ´Escuela del Collao´ para diferenciarlo de la Escuela Cuzqueña que tiene otras influencias y características. Los cuadros de Calamarca son anónimos y su autoría se la conoce como del Maestro de Calamarca.


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El lago Titicaca, considerado como el lago navegable más alto del mundo, se encuentra ubicado en la Meseta del Collao, en la cordillera de los Andes, a 3,800 metrosEl impacto causado por los arcabuceros de Calamarca fue grande en toda la zona del altiplano paceño y del lago Titicaca. Los pueblos existentes en las villas del Lago Titicaca tuvieron fuerte influencia de los Jesuitas, cuyo establecimiento en la región fue muy temprano (c 1670 – 80)
Es sabido el especial interés que esta Orden tuvo sobre todo en España por la difusión a través de libros. folletos, devocionarios. etc, ligando a estos seres celestiales con el imperio. 

No es claro que tal relación entre ángeles e imperio se cumpla en el caso de los arcabuceros. pero en todo caso la intención es clara: los ángeles son defensores de alguien o algo. Serán estos ángeles los adelantados del cielo para la defensa del imperio español que tantos problemas tenía en el periodo en que estas series aparecen ( 1660-1680). Epoca luctuosa y problemática que se complicara con el fallecimiento del Rey Carlos II, el último vástago de la dinastía de los Hasburgos


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 Las series de ángeles aparecen hacia 1660, en un territorio que se extiende del norte del Perú al norte de la Argentina, siendo La Paz y Cuzco los centros de difusión . Las series de Calamarca, Peñas y Jesús de Machaca (La Paz), Yarvicolla y Sora-Sora (Oruro) y de la iglesia San Martín de Potosí, todas en Bolivia, figuran entre las más importantes.

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 Iglesia de Calamarca fachada sur

Ninguna de estas pinturas está firmada y no existe documento que nos permita identificar a su autor, que por consiguiente fue denominado Maestro de Calamarca. Sin embargo, la comparación de estas obras con las de la iglesia de Carabuco permite pensar que el Maestro de Calamarca podría ser José López de los Ríos, quién pintó los cuadros de Carabuco en 1684.



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Iglesia de Calamarca fachada principal

Maestro de Calamarca es la denominación historiográfica de un pintor barroco colonial que trabajó en la actual Bolivia a comienzos del siglo XVIII. Sus obras principales fueron dos series de ángeles pintados en los muros de la iglesia de Calamarca (departamento de La Paz),

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Iglesia de Calamarca

Interior de la nave donde se pueden ver la serie de los doce ángeles y arcángeles que han perdurado en la actualidad.


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La primera serie de ángeles, cada uno de los cuales aparece con su nombre al fondo, son los más famosos ejemplos de «ángel arcabucero» o de «ángel boliviano» en general. La segunda serie representa ángeles andróginos con elaborados ropajes a la moda femenina europea y botas militares romanas. 

Los siete Arcángeles de Palermo de Massimo Stanzione, década de 1620. iglesia de Sant’Angelo al Casseroen Palermo.

La iconografía de esta pintura monumental, expresión de un culto muy difundido en la época postridentina, especialmente en España y en los territorios virreinales, tiene su origen en una tradición medieval muy venerada en España, aunque sólo tres de ellos tienen reconocimiento eclesiástico
La primera comprende a los siguientes ángeles: Gabriel, Rafael, ángel de la Guarda, Dominio, ángel de la columna (Virtud), ángel con las rosas (Virtud), ángel desenvainando la espada, ángel con la espada de fuego, ángel sosteniendo una llave, ángel con un haz de fuego en la mano (Serafín), ángel con la espiga de trigo.


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Un inventario de la iglesia, datado de 1728, indica que “en lo alto de los muros de esta Santa Iglesia se encuentran treinta y seis pinturas de ángeles y arcángeles, todas de la misma dimensión en sus bastidores”. Se puede deducir de este texto que en esa época fueron terminadas dos series: las Jerarquías y los Angeles Militares.

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El Libro de EnocLa amplia difusión de las series de ángeles en el Altiplano deben ser buscadas en los escritos apócrifos, como el libro de Enoc y en las iglesias minoritarias del cristianismo, como la iglesia Copta, que venera a Uriel En este texto, los nombres y las funciones de los ángeles son los siguientes:
Baradiel, príncipe del granizo; Galgaliel, príncipe del sol; Kokbiel, príncipe de las estrellas; Laylahel, príncipe de la noche; Matariel, príncipe de la lluvia ; Ofaniel, príncipe de la luna; Raamiel, príncipe del trueno; Raaziel, príncipe de los terremotos; Rhatiel, príncipe de los planetas; Ruthiel, príncipe del viento; Salgiel, príncipe de la nieve; Samziel, príncipe de la luz del día; Zaamael, príncipe de la tempestad; Zaafiel, príncipe del huracán; Zawae, príncipe del torbellino; Ziquiel. príncipe de los cometas.

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Los ángeles arcabuceros están vestidos a la moda del siglo XVII, mangas abiertas cuellos a lo Van Dyck, pantalón hasta las rodillas, sombrero ancho con plumas. El ángel del Museo Nacional de Arte es una de las mejores obras del Maestro de Calamarca, que podría ser José López de los Ríos. 


Aunque hay variaciones en los colores y ciertos detalles en el diseño de la tela, en lo esencial eran similares entre si con muchas prendas.
Los ángeles llevaban un sombrero chambergo adornado con tres plumas, una valona o corbata al cuello rodeada por encajes o puntillas, al igual que los puños, las mangas son muy abultadas acuchilladas como las llevaban los soldados de los tercios; y una casaca también de tipo chambera muy amplia que permite ver la túnica ceñida al cinto.
Por encima de las rodillas los greguescos o calzones de la misma tela con brocados que empleaba la casaca, junto con medias manchegas ajustadas y zapatos con grandes lazos, completado con un gran manto recogido al lado y con largas cintas que descienden por sus espaldas. (un uniforme muy «cómodo y ponible»…)

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Angel (Maestro de Calamarca)   S.XVII

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Uriel Dei Maestro de Calamarca Siglo XVII Iglesia de Calamarca, La Paz

Concentrado en cargar su arcabuz, al que sostiene con una mano y del que cuelga la cuerda como parte de la «fornitura’ (conjunto de accesorios que acompañaban el uso de esta arma), tiene el ángel la mirada baja y el rostro de finos rasgos. Uriel Dei es otro ejemplo sobresaliente de Los ángeles de Calamarca; vestido de rojo y verde, con la cabeza ligeramente inclinada, imprimiendo mayor suavidad a su actitud, el ángel que por su iconografía personal debía portar una espada flamígera aparece como otro arcabucero del conjunto. Uriel es el cuarto de los siete principales arcángeles difundidos en occidente, a quien se le rinde culto en las iglesias cristianas de oriente, e identificado con la Virtud de la Prudencia y el Don de la Ciencia

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Gabriel Dei Maestro de Calamarca Siglo XVII Iglesia de Calamarca. La Paz

La primera serie, a manera de una compañía de infantería a la usanza de los regimientos españoles del S. XVII, esta encabezada por Gabriel Dei, el arcángel de la Anunciación, y la completan otros once ángeles vestidos de militares. Gabriel Dei lleva uniforme semejante al de un guardia real español del rey Carlos II, y que a su vez ha sido tomado de la colección de tipos militares franceses.
Viste la casaca larga llamada chamberga, de amplias mangas, y el sombrero de ala ancha adornado de vistosas plumas.
Gabriel significa Fuerza de Dios y Guardián del tesoro celestial, es preceptor del patriarca José y es el Anunciador de la Gracia a María. Tradicionalmente porta un ramo de azucenas

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Angel Zadquiel Maestro de Calamarca Siglo XVII Maestro de Calamarca

Este ángel representa a uno de los mensajeros más terribles de Dios. Se trata del ángel que envía el Señor para quitar la vida a cada uno de los hombres, acorde con la decisión divina. Corrientemente se le apellida “Angel de la Muerte” . Pese a lo ingrato del tema, José López de los Rios (Maestro de Calamarca), lo realiza con una singular elegancia, que se advierte, en primer lugar, a través de la forma tan especial con que el mensajero celeste saca la espada de su vaina, con la cual ejecutará el mandato de Dios

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 Laeiel Dei Siglo XVII Iglesia de Calamarca, La Paz 

Viene a ser uno de los cinco arcabuceros que quedan de la serie cuyo número original es desconocido aún que con certeza pasaban de catorce lienzos por los vestigios encontrados y un inventario de 1728
Nos presenta a otro joven imberbe que, abstraído en su tarea, empuja con una baqueta la pólvora del arcabuz apoyado en el suelo y que hace una diagonal exacta en la composición .
Laeiel es el nombre de uno de los ángeles apócrifos del libro de Enoc Una de ellas señala que es cl ángel príncipe de la noche y por supuesto al ser apócrifo no figura entre los siete principales ángeles conocidos por la iglesia católica



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Letiel Dei Maestro de Calamarca Siglo XVII Iglesia de Calamarca, La Paz
Otro ángel militar proveniente de Calamarca, Letiel Dei, porta el arcabuz en la mano derecha
Variantes de líneas rectas y oblicuas son las que marcan los elementos importantes en cada ángel como su propio arcabuz. Todo ello equilibrado por las curvas de las abollonadas mangas, del sombrero y las plumas. El color del ropaje, de las plumas, de las alas y sombrero son complementados con las calidades de brocados, encajes y brillos pora efecto de fastuosidad

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Angel Baraquiel Anónimo (Maestro de Calamarca ) Siglo XVII 

Baraquiel es parte del conjunto que hace la segunda serie de ángeles denominados Virtudes procedente de Calamarca y atribuidos al anónimo Maestro del lugar. Baraquiel, cuya iconografía proviene de textos apócrifos, figura como uno de los siete Príncipes custodios de los cielos.
Lleva uno de sus atributos característicos como son las rosas que sostiene en las manos. En otras representaciones las flores están en una cornucopia que significa la abundancia.
 



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Angel Dominio (Maestro de Calamarca) S.XVII

El cuerpo del ángel en una pose un tanto forzada, semeja más bien un paso de danza y disimula algún defecto anatómico con el ropaje. El ropaje, a diferencia de otros del conjunto, tiene más movimiento en los pliegues de la túnica y faldellín, casi como continuando la actitud de baile. lo mismo que el manto volante que da ampulosidad a la figura, El cetro y corona que porta el ángel, símbolos de poder y dominio, hacen que se identifique iconográficamente a este lienzo como Ángel Dominio, correspondiente a la segunda jerarquía angélica de los coros celestiales.
 


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Angel con Espigas Anónimo (Maestro de Calamarca ) Siglo XVII


Se ha llamado a este lienzo Angel con espiga por las que lleva en la mano derecha. Considerado como virtud, corresponde al quinto coro angélico y segunda jerarquía, cuya función es inspirar a las almas los sentimientos que les hacen dignos de Dios. La espiga del ángel representa el símbolo del Cuerpo de Cristo que se hace presente en la Eucaristía
 


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Angel de la Guarda Anónimo (Maestro de Calamarca ) Siglo XVII 


Esta advocación ha sido muy común en la época colonial por la significación que tienen los ángeles guardianes en la tradición cristiana. Se creyó que Dios, al crear las jerarquías angélicas. hizo este último grupo en grandes cantidades para que el Padre Eterno asigne uno a cada hombre y cada quien naciera con su ángel Custodio o Guardián para librarlo de peligros y de las asechanzas del demonio. Por eso en la antigüedad los niños repetían una copla cuya letra decia: «Ángel de la Guarda Dulce compañía. no me desampares ni de noche ni de día»
 


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Hadriella Lasio Dei (arcángel arcabucero) Anónimo – 

Seguidor del Maestro de Calamarca iglo XVII (último tercio) Colección particular, La Paz – Bolivia 

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En el cuadro de Baraquiel Timor Dei vemos al ángel vestido a la romana al centro del lienzo de fondo oscuro, fondo que cambia de tono suavemente en la línea divisoria del piso y tiene en toda la extensión del perímetro un marco de flores con rosas y hojas . Sobresalen los intensos colores del ropaje, tanto del manto verde como del faldellín rojo, mientras que el azul de la chaqueta se reconoce en otras obras del maestro.

La actitud de la figura denota fuerza con un toque de grandiosidad por el movimiento del manto y el brazo 

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Aspiel Apetus Dei Anónimo Siglo XVII Colección Particular, La Paz 

Ligado estrechamente al maestro de los Angeles de Calamarca, se halla este mensajero celeste que repite los uniformes militares, la pose de estar caminando, cambiando curiosamente la actitud de llevar el arcabuz al hombro o presentándolo, ya que en este caso el ángel lleva el arma al revés, o sea con el caño hacia abajo. Su apostura militar, su sentido de marcha. que le den una clara sensación de movimiento
 


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Arcángel San Rafael Anónimo Siglo XVII Colección particular, La Paz – Bolivia 

Aún pasará algún tiempo antes que se haga un estudio detallado de las series y las individualidades de los ángeles en la región andina. La figura del San Rafael que comentamos nos lleva a la idea que hubo muchas series angélicas durante el periodo 1660-1700, productos de pintores del altiplano, que de alguna manera se sintetizan en el maravilloso pincel del maestro de Calamarca, José López de Los Ríos. Sus seguidores e imitadores fueron muy solicitados por la cantidad de representaciones de estos seres celestiales. 

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San Miguel Arcángel Anónimo Siglo XVII Colección particular, Bolivia


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Asiel Timor Dei Siglo XVII Museo Nacional de Arte, Bolivia 

Una hermosa pintura de ángel con arcabuz se encuentra en el Museo Nacional de Arte de La Paz, bajo el nombre de Asiel Timor Dei. Es una obra de una calidad extraordinaria, que proviene posiblemente de una serie desaparecida. Los colores y el dorado de la vestimenta lo diferencian de los ángeles de Calamarca e indican que formaba parte de otra serie, salida sin duda de la misma escuela de pintura.

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Angel Virtud Anónimo (Escuela de Collao) Siglo XVIII  Museo Nacional de Arte, La Paz 

Dentro del circulo del Maestro de Calamarca, se puede considerar este hermoso ejemplar de la visión altiplánica que ha consagrado a los ángeles como uno de los mejores logros de la pintura boliviana; obra de gran finura en el dibujo como se puede apreciar en los detalles de los encajes y fimbria del traje. Por el colorido se puede apreciar el fuerte influjo que el barroco claro oscurista español ha dejado en la pintura andina, destacando los tonos rojos y verdes sobre fondo pardo.


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Arcángel San Rafael anónimo Escuela de Collao Siglo XVII  Museo de Arte Sacro, La Paz – Bolivia.

En la jerarquía angélica, San Rafael, junta con Gabriel y Miguel-, es uno de los ángeles más conocidos tanto en el Antiguo como en el Nuevo Testamento y en la devoción cristiana de todos los tiempos. En la Biblia es el compañero del joven Tobias, a quien guía en un viaje para recuperar un préstamo que su padre hizo a un pariente. Durante el trayecto, al cruzar un río Tobias es atacado por un gran pez, al que Rafael mata y le saca la vesícula con la cual más tarde Tobías curará la ceguera de su padre En la iconografía cristiana, este ángel es el protector de los viajeros. Tradicionalmente se lo representa con atuendo de viaje y portando un báculo y lleva en la otra mano un pez.
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Algunas de las series, sobre todo la inicial de Calamarca, siguen el claroscurismo sobre fondo neutro que ostentan tanto los arcabuceros como los ángeles jerarquizados. 

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ÁNGELES EN PERÚ Y OTROS LUGARES

Angel arcabucero Cuzco 


Un tipo especial de estos ángeles, que gozó una especial difusión en el siglo XVII en la zona del Cuzco, (centro de origen y única ciudad donde se produjo en grandes cantidades que se distribuyeron en la zona andina y en Europa)
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Angel arcabucero Cuzco

Encontramos en el Perú las series de Challapampa y del convento Santa Clara en Trujillo, y las de Casavindo en Argentina. En muchas iglesias y museos encontramos ejemplares únicos, correspondientes a series que fueron dispersadas.
 

Un estudio iconográfico muestra que todas las series cuentan con los tres arcángeles: Miguel, Rafael y Gabriel. La mayoría comprende igualmente el Angel de la Guarda. Uriel está también presente a veces.
 

El Concilio del año 745 en Roma, y el del 789, en Aquisgrán, rechazaron el uso de nombres de ángeles, salvo de aquellos citados en la Biblia: Miguel, Gabriel y Rafael. 

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LOS ÁNGELES EN ESPAÑA

Parece ser que las series de ángeles españoles precedieron a las americanas.
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Monasterio de la Encarnación
La más antigua es posiblemente aquella pintada por el maestro Bartolomé Román para el monasterio de la Encarnación de Madrid, encontrándose una réplica del mismo autor en la iglesia de San Pedro de Lima.
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Y otra colección  incompleta en el Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid 

La imagen puede contener: una personaSan Rafael por Bartolomé Román


Siete ángeles fueron representados en esta serie: Miguel, Rafael, Gabriel, un Ángel de la Guarda, un Serafín, una Virtud y un Ángel portador de flores (Baraquiel)


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Angel turiferario Zurbarán Museo de Cadiz

La escuela sevillana de pintura, en especial en lo que se refiere a Zurbarán y sus discípulos, contribuyó también de forma importante a la iconografía de los ángeles
 

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 Angel turiferario Zurbarán detalle Museo de Cadiz


Representaciones de ángeles atribuidas a Zurbarán, Bernabé de Ayala y Polanco (que deben tanto unos como otros su estilo al maestro de la Extremadura) se encuentran diseminadas en diferentes lugares. La serie más importante de ángeles realizados por influencia de Zurbarán se encuentra en el Monasterio de la Concepción en Lima.
 
LOS ÁNGELES DE EZCARAY

  Los ángeles de Calamarca son similares a los de Ezcaray, que se encuentran en España, que, al parecer, fueron enviados del Perú a este lugar a principios del siglo XVIII. Difieren en algunos detalles: los ángeles de Ezcaray llevan casco y petos, no tienen nombre y cada uno es identificado por un símbolo de las letanías, mientras que los ángeles de Calamarca están vestidos de infantes y tienen nombre.

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 Ermita de Nuestra Señora de Allende
Se halla en un altozano al otro lado del río Oja. En su interior alberga la imagen gótica de la Virgen de Allende, patrona de Ezcaray, y una valiosa colección de diez ángeles arcabuceros, óleos procedentes de una escuela pictórica del Virreinato del Perú de los siglos XVII y XVIII, donados por el ezcarayense arzobispo de Lima Pedro Antonio Barroeta y Ángel (1701-1775).
Por la singularidad de esta colección pictórica, única en España, la ermita recibe cada año a miles de los visitantes que acuden a la localidad riojana

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Angeles de la Ermita de la Virgen de Allende en Ezcaray.

Me los comentó Carlos Bouso y no he dudado en añadirlos.Se les considera «guerreros o arcabuceros» pero he observado que tienen cartelas con las letanias de la Virgen, parecidas a los de Tartanedo.( No he encontrado imágenes mejores que estas)



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La rosa: “Quasi plantatio rossae in Jerico”

Por muchas razones podemos pensar que esta increíble colección la envió y regaló el Ilmo., Sr. Arzobispo Don Pedro Antonio Barroeta Ángel, aunque no se encuentren pruebas documentales sobre ello, porque era hijo del pueblo y Obispo en Lima, de donde parece que los trajo.

LOS ANGELES MARIANOS DE TARTANEDO (GUADALAJARA, ESPAÑA)
 

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Iglesia de San Bartolomé de Tartanedo
(Guadalajara)
 

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Iglesia de San Bartolomé de Tartanedo

Interior con la serie de ángeles Marianos
 
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Colección de ángeles de Tartanedo 
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   Colección de ángeles de Tartanedo 

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 Colección de ángeles de Tartanedo 

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Angel con puerta

La serie angélica de la iglesia de San Bartolomé de Tartanedo (Guadalajara), posiblemente sea la única serie completa de doce ángeles virreinales, con símbolos marianos
 

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Arcangel San Rafael 

Un conjunto inesperado y deslumbrante que en sus escudos recogen los símbolos de las letanías de la Virgen que fijaron en el siglo anterior la iconografía de la Inmaculada Concepción, conocida en Hispanoamérica.



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Angel con luna detalle
 
 
Fuentes:


 http://www.liceus.com/cgi-bin/ac/pu/TRABAJO_ANGELES11.pdf 

Joyas históricas

Tras la Antigüedad y la Edad Media, la joyería sufrió una gran transformación, debida a varios factores: el Renacimiento supuso una revolución cultural muy profunda, que ha tenido todas las artes y también las joyas y las técnicas de la joyería.
En el Renacimiento, la tecnología de las joyas se ha convertido en el mejor servicio de las artes y las nuevas tecnologías. 
Ya no sólo se utilizan las piedras preciosas como joyas sino también elementos decorativos arquitectónicos en el que priorizaban el alabastro y la malaquita. Se usa para utilizar, también, en la moda mediante el bordado, por ejemplo, de perlas en las indumentarias de terciopelo y seda 
 Los artistas eran multidisciplinares, lo que se convirtió en una relación entre la pintura, la arquitectura y la escultura que se extiende a la joyería.
 Pintores y escultores geniales, se dedicaron al diseño de joyas, que se difundieron por toda Europa, creando un estilo internacional de diseño de gemas. Los grandes pintores de la época, como Durero o Holbein, utilizaban su arte para diseñar fantásticas piezas de joyería. 
Al principio del siglo XVI, España fue el más importante centro joyero, la cantidad de oro, plata y piedras preciosas como las colonias americanas y el comercio de gemas con el resto de Europa.

 Expongo a continuación varios ejemplos en orden cronológico, empezando por dos importantes piezas, aún de época medieval, dedicando el resto del artículo a la orfebrería renacentista y barroca  e incluso algunas piezas históricas de S.XVIII al XX.

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REGALÍA DEL SACRO IMPERIO ROMANO-GERMÁNICO
Su origen se suele situar en el siglo X. A diferencia de la mayoría de las coronas, no es circular, sino octogonal. Está realizado en oro y adornado con 144 piedras preciosas y otras tantas perlas. En la parte frontal se encuentra una única diadema. Casi todo en esta corona hace referencia a la Jerusalén celeste: por ejemplo las doce piedras del panel frontal representan los doce apóstoles, en los paneles se representan las palabras de las profetas, se representan también los hijos de Jacob, el tribus de Jerusalén, así como Referencias a David y Salomón.
HUNGRIA
LA SANTA CORONA DE HUNGRÍA

El objeto medieval más reconocido de Hungría es la Santa Corona de Hungría, es la única en la actualidad en ser calificada como un «Atributo Sacro». Desde el siglo XII, todos los reyes de Hungría han sido coronados con la misma corona. La corona se compone de dos piezas. La parte inferior es una corona bizantina, que data del 1070, de la esposa del rey húngaro Géza I (1.074-75). La parte superior es la forma de cruz, y en un principio, probablemente, haya tenido otra función. Las dos partes se unieron en la forma actual, probablemente alrededor de 1200,en la época del rey Béla III y su timbraron con una pequeña cruz que, desde el s.XVII, se encuentra torcida y puede tener su origen en el hecho de que se ha aplastado por la tapa del cofre en la que está custodiada.

SIGLOS XV Y XVI

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Lucrezia Panciatichi de Bronzino
Lucrezia, la esposa del político florentino Bartolomeo Panciatichi, la mujer en su estilizado y elegante cuello blanco un precioso collar de perlas, con un broche y una larga cadena de oro con una pequeñísima placa de oro con esta inscripción grabada: “Sin fin amour Duré ”en alusión al amor y la fidelidad.En los siglos XV y XVI, las joyas de tu gran importancia en la moda, los trajes de terciopelo y seda (en ambos sexos), son bordados junto con perlas y piedras preciosas
En la joyería, se extiende el uso del colgante combinado con perlas irregulares (barrocas), esmaltes y gemas y se pone de moda broches con un retrato en miniatura, cadenas, colgantes y cinturones con gemas incrustadas.

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Mº Artes Decorativas de Madrid   
En este museo se exhiben una buena colección de antiguas joyas, de las que podremos ver algunas:
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Broche renacentista
Al principio del siglo XVI, España fue el más importante centro joyero, la cantidad de oro, plata y piedras preciosas de las colonias americanas y el comercio de gemas con el resto de Europa. Del siglo anterior, se recuerdan algunas ideas que se aplican en la decoración de vestidos y demás elementos para el personal como pinjantes, aderezos, medallones, cinturones, elementos de sujeción para las espadas, etc.
La moda sigue marcando un papel importante en la fabricación de joyas. Por eso se van a diseñar gran cantidad de aderezos y demás adornos.

LOS PINJANTES
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Pinjante con forma de animal marino
Probablemente un delfín, realizado en oro macizo engastado con trece piedras preciosas: amatistas, esmeraldas, rubíes y posiblemente granate. Cabalgando sobre el delfín hay una figura de guerrero móvil vestido a la romana y  con una maza. Esta temática tiene su origen en los diseños de Collaert con Neptuno cabalgando delfines y en los relieves que decoran el claustro de la Universidad de Salamanca, inspirados en las estampas de la obra de Francesco Colonna: «Hypnerotomachia Poliphili» (1499). Podría hacer referencia a Felipe II como Hércules hispano y al poder naval español en la batalla de Lepanto (1571)

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Pinjante de cadenas con forma de rana. 1590 Mº Artes Decorativas de Madrid. 
Realizada con los distintos materiales, las patas, en oro, están de color verde traslúcido y los restos de esmalte negro para dar mayor naturalismo. El reverso de la figura está realizado en oro cincelado en esmalte blanco con piedras. El cuerpo de la rana es una gran perla barroca, lleva un pequeño diamante que simula el ojo de la rana. De las patas posteriores cuelgan una perla y de las patas anteriores dos cadenillas de oro para sujetarlas.


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Colgante en forma de un Tritón con espada y escudo. Victoria and Albert Museum (Londres)
Con una perla barroca montada en oro esmaltado con perlas, diamantes de corte tabla y rubíes indios tallados. 
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Pinjante que representa una oveja con perlas barrocas
Las perlas son esferas hechas de nácar que se forma cuando un cuerpo extraño se introduce en el interior  del molusco, que reacciona cubriendo lentamente la partícula. Las perlas barrocas, en general, provenientes de China se pusieron muy de moda durante el Renacimiento, cuento más raras las formas, fueron más apreciadas, los collares de las perlas barrocas son muy originales ya que cada perla toma una forma y un tamaño diferente.
 
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Pinjantes con perlas barrocas con forma de caballo y liebre
SIGLO XVII
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 ADEREZO DE CHRISTIAN IV DE DINAMARCA (1588-1648)

Aparece un nuevo elemento en la joyería y en la bisutería: el aderezo, conjunto de joyas formado por collar, pendientes, broche y, a veces, también de tiara o anillo, todo a juego , en las mujeres y los botones, alfiler de corbata, hebillas de zapato, empuñadura del sable e insignia de la orden de caballería en los hombres.
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Cuna de filigrana de oro y perla barroca como «bebé» hacia 1695 Florencia, Palazzo Pitti, Museo degli Argenti 
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Rosa de pecho Museo Nacional de Artes Decorativas (Madrid)
Las rosas o joyas de pecho se consideran el antecedente de los actuales broches. Consiste, generalmente, en un motivo redondeado (rosa) con «morrión», «copete» o «lazada» que lo acompañará hasta el siglo XVIII, evolucionando posteriormente en otros modelos.
La rosa en su evolución es desmontable y a veces lleva algún pinjante. La armadura puede ser de oro o plata dorada calada o cincelada o de filigrana. Puedes usar diamantes o piezas falsas, las perlas tipo aljófar se utilizarán mucho en las décadas de los 60 y 70.
'La infanta María Teresa'. Diego Velázquez. Óleo sobre lienzo, 34 x 40 cm. 1653. Nueva York, Lent by The Metropolitan Museum of Art, The Jules Bache Collection, 1949
Encontramos un paralelo de esta pieza  sobre el pecho la infanta María Teresa en el cuadro de Velázquez, hoy en el Museo Metropolitan de NY, realizado en 1653.

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Rosa de pecho: Museo Nacional de Artes Decorativas (Madrid)
Otro modelo de «Rosas» es la «ventana». Dentro de estas ventanas se guardaba una imagen religiosa en la cara exterior y la cara posterior quedaba oculta a modo de devoción particular.
Las joyas religiosas tienen una gran importancia en esta época, las más comunes son las cruces y las placas devocionales, la mayoría en forma de colgante o pectoral. Las cruces suelen ser de oro con piedras engastadas o esmaltadas. Las medallas tienen colores variados, creados por la combinación de esmaltes (rojos, verdes y azules), perlas ensartadas y piedras preciosas; Normalmente son de oro y se realizan con técnicas de calado, filigrana, cincelado, etc.

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Lazo con cruz colgante de filigrana de oro y piedras imitando diamantes.
Estas piezas en general se pueden desarmar en varios cuerpos, que se utiliza a capricho o combinados con otras piezas, como cadenas.

LAS CORONAS EUROPEAS HISTÓRICAS

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Joyas de la Corona Sueca

(Robadas en Agosto de 2018, fueron recuperadas en Febrero de 2019)

Una corona real, suele estar formada por un cerco o círculo de oro  enriquecido de piedras preciosas. Puede estar decorada con ocho florones con forma de hojas de apio o de acanto, intercalados a ocho puntas de oro más bajas, terminadas en perlas e igual número de diademas de oro y cargado de perlas, rematadas con un orbe cruzado situado encima.

Existen excepciones a esta definición, como la corona de los reyes de Inglaterra, que cuenta con cuatro diademas en vez de ocho, o la de San Esteban, que fue usada por los reyes de Hungría y posee una forma semejante a un casco. Igualmente esta última posee un simbolismo y significado particular, único en la historia, pues es llamada Santa Corona Húngara.

Veamos algunas:

CORONA REAL SUECA
 Realizada para el  rey Erico XIV en 1561, con un diseño claramente renacentista. Durante el transcurso de varias generaciones, fue recuperada por la dinastía Bernardotte (cuñado de Napoleón), aunque sufrió varias transformaciones: se incluyó en su parte superior un orbe esmaltado de azul con diamantes timbrado por una cruz de otros 10 diamantes y se remplazaron las numerosas perlas que cubren los floretones por diamantes rosados. Nuevamente, a principios del siglo xx la corona fue restaurada a su estado original. Es utilizada en las grandes ocasiones en el estado.

CORONA DE RODOLFO II DEL SACRO IMPERIO ROMANO-GERMÁNICO

Esta corona de Rodolfo II permaneció intacta gracias a gran valor simbólico y a la gran calidad de sus materiales. Su datación es de 1602. Sigue las pautas de heráldica en su diseño por lo que consta de tres partes:
Círculo: ribeteado con perlas, está adornado con 8 flores de lis, número en clara alusión a la antigua  corona del Sacro Imperio que tiene forma octogonal y que se pudo ver al inicio de este artículo
Mitra: Clara reminiscencia cristiana, simboliza la autoridad espiritual del emperador cristiano. Está dividido en cuatro partes representando los ritos de la proclamación del emperador así como la batalla del cristianismo contra los turcos. En su centro podemos ver:
El diadema: alusión a la corona del sacro imperio, está adornada con 8 diamantes

  CORONA DE CHRISTIAN IV DE DINAMARCA

Data del 1596, llevada a cabo en oro, diamantes, perlas y esmaltes, y en ella, los seis picos altos y otros seis bajos, en el centro de cada uno están representados los atributos que deben tener un buen monarca : piedad (un pelicano), fortaleza (montando un leon), justicia (mujer con una espada y una balanza), y caridad (madre amamantando su hijo), completando el conjunto con los escudos de las diferentes regiones del reino. Se utilizo hasta 1648

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 CORONA DE CHRISTIAN V DE DINAMARCA

la corona del rey Christian V  está más asociada con la época de la monarquía absoluta (aunque no hubo coronación). Se realizó en Copenhague en 1671 y es de oro, adornada con zafiros, dele destaca el frontal, regalo del duque de Milán a su padre, espinelas, granates y una generosa cantidad de diamantes, coronado por un rubí de gran tamaño. Está formada por 8 diámetros que parten de 8 hojas de acanto adornadas con diamantes. Esta es la corona actualmente en la proclamación de los reyes de Suecia, aunque solo presida el acto y no hay propiamente dicho el momento de la coronación. De la misma manera se utiliza en funerales.


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Greta Garbo en el film «La reina Cristina de Suecia, de Rouben Mamoulian, 1933
CORONA DE LOS PRÍNCIPES HEREDEROS DE SUECIA

Creado para la proclamación de la reina Cristina de Suecia y portada por su hermano y heredero, el futuro Carlos Gustavo X. A lo largo de los siglos se ha hecho 7 coronas similares pero de mayor simpleza. A su vez, la corona sueca sirvió de inspiración para la corona Noruega.

CORONA DE LA REINA LUISA DE FRANCIA

Realizada en 1721, está inspirada en la corona que perteneció a la reina de Francia Maria Leczinska y que lució el día de su boda con Luis XV. Está adornada con 44 diamantes de gran tamaño.

CORONA DE LOUIS XV , FRANCIA

En las coronaciones de los reyes de Francia, la costumbre era que cada rey mandase crear una nueva corona para esta ocasión. Esta es una de las dos encargadas por Luis XV en 1722, de plata sobredorada y pedrería. En 1729 la corona fue despiezada. Sus piedras preciosas, que pertenecían al rey, retornaron a él y fueron remplazadas por las copias que hoy en día podemos ver, en la abadía de Saint Denis.

CORONA REAL DE PORTUGAL

Fue ejecutada en 1817 en Río de Janeiro, Brasil, en el taller de Don Antonio Gomes da Silva, por el rey Juan VI y ha servido para las coronaciones de los monarcas lusos hasta Manuel II. Hoy en día, la corona, junto con otras insignias reales se mantiene en el Palacio de Ajuda, Lisboa.

CORONA DE ANNA IVANOVA DE RUSIA
Una de las primeras de estilo imperial con diadema central y casco dividido en dos. Fue creada en 1731 para la coronación de la Zarina Anna. Está hecha de plata y adornada con 2.500 diamantes y una enorme turmalina sobre la que se encuentra la cruz. Sirvió también  para la proclamación de Nicolás I como rey de Polonia.
CORONA DE CATALINA II DE RUSIA
Creada para la coronación de la emperatriz Catalina II, fue creada por J.Posier en 1762. Es otra vez la forma tradicional heráldica de las coronas imperiales. La corona está compuesta de 5000 diamantes, así como un gran número de perlas. La corona está timbrada por una gran espinela roja de 398 quilates, compuesta por la propia Catalina  que es una de las 7 más importantes piedras de la colección  rusa de diamantes.


CORONA IMPERIAL DE ESTADO DEL REINO UNIDO

La mas conocida y probablemente más significativa para el gran público . Hecha en 1838 para la coronación de la reina Victoria I y  modificada para las coronaciones de Jorge en 1937 e Isabel II . Es la utilizada por los soberanos al abandonar la abadía de Westminster tras la coronación, en la apertura del Parlamento y en las grandes ceremonias de estado


LA CORONA IMPERIAL 

Portada por la Reina Victoria
La gran piedra frontal no es un rubí sino una espinela adquirida por Pedro I de Castilla, llamado el «Cruel» al rey musulmán de Granada. 
– En la parte inferior encontramos “La Segunda Estrella de África”, una trozo del diamante Cullinan y que es el segundo diamante mas grande del mundo. Situado ahí en 1908, este lugar era ocupado con un gran zafiro que fue trasladado a la parte posterior de la corona
– En el cruce de los arcos se encuentras cuatro perlas que la tradición atribuyen a Isabel I, e incluso a María de Escocia.
– Rematada por un orbe, y una cruz de malta de diamantes ambos y con un zafiro llamado de San Eduardo
– De un peso excesivo, fue aligerada primero por Victoria I y después por Jorge IV
Las joyas de la Corona inglesa, se guardan en la Torre de Londres, otrora lugar de prisión y ejecuciones…
LA PERLA PEREGRINA
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Reina María Tudor de Inglaterra  la luce en el cuadro de Antonio Moro
Es una perla de tamaño y forma inusual, considerada una de las gemas más valiosas y legendarias de la historia de Europa. Descubierta en aguas del archipiélago de las Perlas en Panamá en el siglo XVI, pasó a manos del rey Felipe II de España, formando parte de las joyas de la Corona de España.
La historia de esta perla a través de los siglos, merece la pena relatar, debido a su trayectoria y algún que otro enigma.

Isabel de Valois, Isabel de Francia o Isabel de la Paz (Fontainebleau, Francia; 13 de abril de 1546 – Madrid, España; 3 de octubre de 1568), oleo de Juan Pantoja de la Cruz

Fue la tercera esposa del rey Felipe II de España. En su tocado, luce la famosa perla Peregrina.

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María Ana de Austria, cuarta esposa de Felipe II con la perla Peregrina, colgando del diamante «el Estanque»

El rey Felipe III, hijo de Felipe II tambien usaba la perla peregrina, como pinjante en su sombrero

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Margarita de Austria (1584-1611)
Se casó con Felipe III en 1599, tras ser elegida por Felipe II entre las mujeres de la casa de Austria-Estiria. El matrimonio se planeó junto con el de la infanta Isabel Clara Eugenia y el archiduque Alberto. Doña Margarita dio a luz ocho hijos de los que sobrevivió el futuro Felipe IV
Pocas joyas llevan tras de sí una historia tan fascinante. Es una joya que ha peregrinado por diversos países desde que fuera descubierta por un esclavo, en Panamá, hace más de 400 años. Sin embargo, su apodo «Peregrina» no se debe a su historial viajero, sino a su peculiar forma. En siglos anteriores, el adjetivo peregrino significaba «raro, caprichoso, especial». Esta perla fue también llamada «La sola», «La margarita».

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Margarita de Austria con la perla colgada del diamante llamado «El Estanque»

Felipe II hace tallar un diamante que había adquirido en Amberes para regalar a su nueva esposa, Isabel de Valois. Es la piedra preciosa que más leyendas ha generado en España,
Tallado en España, posiblemente en Sevilla, el reconocido orfebre leonés Juan de Arfe llegó a decir de él que se trataba de un diamante perfecto, labrado de tal manera, que toda su área era cuadrada, con cuatro lados perfectos e iguales.
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El llamado “joyel rico de los Austrias” no solo lo conformaba el diamante El Estanque bellamente engarzado, sino que se remataba con una perla pinjante, que, según se decía, resultaba una perla “colmada de color y esplendor como no había otra: la famosa Peregrina



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María Luisa de Orleans,  reina consorte de España de 1679 a 1689 como esposa del rey Carlos II de España

En los siguientes años ya reinando otra dinastía (Borbones), la perla fué pasando de unos a otros y fué lucida por las distintas Reinas españolas
 

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Maria Luisa de Parma
Esposa de Carlos IV, luce tambien la Peregrina ya en el S.XVIII  en el cuadro de Goya » la familia de Carlos IV»
 
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La Reina Victoria Eugenia, luciendo parte de su enorme colección de joyas, entre las que destaca «La Peregrina II»
Alfonso XIII, quien regaló exclusivas joyas a su esposa, quiso ofrecerle la hermosa perla, que entonces colgaba de un broche en forma de lazo de brillantes, pero no pudo hacerlo y adquirió una similar.
Mas tarde, Alfonso de Borbón (nieto de Alfonso XIII y Victoria Eugenia) pujó por la Perla en Nueva York, pero fue Richard Burton quien ofreció una cantidad superior (37.000 dólares) y se la llevó para regalársela a Liz Taylor.
El día siguiente de aquella subasta, el Duque de Alba, jefe de la Casa de la Reina Victoria Eugenia, mostró una Perla Peregrina que había sido el regalo de bodas de Alfonso XIII a la reina negando así la autenticidad de la Perla subastada.


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Elizabeth Taylor:

La famosa actriz lució la perla en su breve aparición en la película de época «Ana de los mil días» (1969)
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Posteriormente incorporó la perla a un collar de rubíes y diamantes, de estilo renacentista, diseñado por la prestigiosa joyería Cartier de París
Tras la muerte de la actriz, la Perla Peregrina fue subastada en 2011 por 9 millones de euros, y es considerada como la auténtica.


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La reina Dª Sofía de España
La otra Perla Peregrina fue heredada por Juan de Borbón, hijo de Alfonso XIII y Victoria Eugenia, que en 1977 pasó a la actual Casa Real Española. De hecho, la Reina Sofía la ha lucido en varias ocasiones sosteniendo que es la auténtica Perla Peregrina.
¿Cuál será la auténtica Perla Peregrina?Por mi parte, ni quito ni pongo «perla» pero… 
EL CULLINAN
 Otra famosa gema fué este diamante, cuyas distintas tallas  se consiguieron del diamante en bruto.
Conocido como Estrella del Sur, es el mayor diamante hallado en toda la historia del que se tenga conocimiento. Procedía de una mina sudafricana y pesaba en bruto más de 3000 quilates (600 gramos) El diamante en bruto fue entregado como obsequio en su cumpleaños al Rey Eduardo VII, quien ordenó tallarlo en 1906.
El Cullinan I, que se encuentra engastado en el Cetro de la Cruz, y el Cullinan II, el otro gran diamante procedente del Cullinan original, es el principal atractivo de la Corona del Estado Imperial Británica, joya conservada en el Museo de la Torre de Londres. 

CORONA DE NAPOLEÓN I

Como marca la tradición, se compone de 8 semiarcos adornados con camafeos y coronada con un globo dorado con una cruz en su cima. Tiene un diseño con reminiscencias medievales y al contrario de la moda imperante en Europa, llama la atención la ausencia de grandes piedras preciosas como los diamantes.


 JOYA DE LUTO S.XIX

Una categoría única de este periodo y bastante en consonancia con la filosofía del romanticismo fue la «joyería de luto». Se originó en Inglaterra, donde la Reina Victoria fue vista llevando joyería de azabache después de la muerte del Príncipe Alberto, permitiendo al portador continuar llevando joyas mientras se encontraba de luto tras la muerte de un ser querido.

HUEVO FABERGÉ DE ALEJANDRO III ECUESTRE

Durante el S.XIX , quizás el punto álgido – y como transición al Art Noveau – fueron las creaciones maestras del artista ruso Peter Carl Fabergé que realizó para la corte de la Rusia Imperial.

Un huevo de Fabergé es una de las sesenta y nueve joyas creadas  para los zares de Rusia, así como para algunos miembros de la nobleza y la burguesía industrial y financiera, entre los años 1885 y 1917. Los huevos se consideran obras maestras del arte de la joyería.

El Museo Fabergé cuenta con 15 joyas en forma de huevos creados para los zares de Rusia. Foto: Museo Fabergé.

Para mas información sobre los huevos Fabergé en San Petersburgo, os remito a este link:  https://www.cerodosbe.com/es/destinos/museos-huevos-faberge-san-petersburgo_641018_102.html

«EL LUJO ORIENTAL»

  CORONA DE LA EMPERATRIZ DE IRÁN

Para confeccionar la corona se eligiron 1646 gemas del tesoro imperial (diamante arriba, diamante abajo). Pero su realización se enfrento a algún que otro problema, y es que segun la ley, las gemas no podian abandonar el país, así que la montura de la corona, en oro y platino hubo de ser realizada en Paris, y el montaje final, ya con las piedras, se hizo en Irán, un proceso que se demoró seis meses. Entre las gemas podemos encontrar 34 rubies, 1469 diamantes, 105 perlas y 36 esmeraldas y 2 espinelas (piedras rojas como los rubies pero de menor tamaño.



CORONA DEL SHA DE PERSIA


La llamada corona de los Palhavi fue creada para la coronación del Sha Reza (padre del último Sha) en 1925, encomendándo su diseño al joyero Serajeddin que se inspiró en los dibujos y grabados existentes del antiguo Imperio Sasánida (226–651 d.C.). Su extructura de oro y plata está cubierta de terciopelo rojo y para ornarla se seleccionaron gemas del tesoro imperial persa: 369 perlas, 5 esmeraldas (de 199 kilates) y 3380 diamantes (1.144 kilates). De entre estas piedras destacan uno diamante amarillo de 60 kilates emplazado en el centro, y sujetando el tocado de plumas encontramos una esmeralda de 100 kilates. 




FUENTES:


https://www.vam.ac.uk/collections/jewellery

http://ceres.mcu.es/pages/Main

http://flordecamalote.blogspot.com.es/2009/04/joyas-con-historia.html

http://casasyfamiliasreales.blogspot.com.es/p/tiaras-reino-unido.html http: // dinastias. forogratis.es/joyas-de-los-pahlevi-t219-216.html

http://nobleyreal.blogspot.com.es/2010/12/sue%C3%B1os-esmeralda.html http: //nobleyreal.blogspot. com.es/2012/06/apendice-tiaras-de-reina-o-las-tiaras.html

http://casasreales.forosactivos.net/t43-joyero-de-la-soberana-de-dinamarca http: // misjoyasreales.blogspot.com.es/2012/04/tiara-de-esmeraldas-casa-real-de-noruega.html 











 

San Pedro y San Pablo

Iglesia de San Pedro y San Pablo (Cracovia, Polonia)


La Fiesta de San Pedro y San Pablo, cuyo nombre oficial es «Solemnidad  de san Pedro y san Pablo, apóstoles» es la conmemoración del martirio en Roma de los apóstoles Simón Pedro y Pablo de Tarso, celebrada el 29 de junio


San Pedro y San Pablo por el Greco.

En esta fecha coincide la celebración de San Pedro, el primer Papa, y San Pablo, también llamado “el Apóstol”, ambos considerados grandes pilares de la Iglesia.

San Pedro por Rubens

SAN PEDRO

Todos los datos y episodios relacionados con este santo, aparecen en los Evangelios oficilaes y apócrifos, Los Hechos de loa Apóstoles y las Epístolas de San Pablo, ademas de otros escritos del S.I.


Estatua de San Pedro en el Vaticano

Según el evangelio de San Mateo, Jesús,»caminando por la ribera del mar de Galilea vio a dos hermanos, Simón, llamado Pedro, y su hermano Andrés, echando la red en el mar, pues eran pescadores, y les dice: Venid conmigo, y os haré pescadores de hombres. Y ellos al instante, dejando las redes, le siguieron»


D. Ghirlandaio, «Llamada de los apóstoles» (1481), detalle  Capilla Sixtina (Vaticano)

Su nombre de nacimiento era Simón bar-Jona​, conocido también como, Cefas o simplemente Pedro y fue, de acuerdo con múltiples pasajes del Nuevo Testamneto, pescador de oficio en el mar de Galilea. Su lugar de nacimiento fue Betsaida,​ un pueblo junto al Lago de Genesaret y allí ejercía el oficio de pescador junto a su hermano Andrés, quien también fue apóstol.

Los hermanos Zebedeos: Santiago y Juan  Museo de las Peregrinaciones, Santiago de Compostela S.XVI

Los evangelios sinópticos lo presentan como uno de los tres discípulos íntimos que, junto con Santiago y Juan

Según dos pasajes del Nuevo Testamento fue el primero en reconocer a Jesús como el Mesías esperado. «Y él (Jesús) les preguntaba: “Y vosotros, ¿quién decís que soy yo?”. Pedro le contestó: “Tú eres el Cristo”

«Entrega de las llaves a San Pedro»   Perugino,  Vaticano

La Iglesia católica lo identifica a través de la sucesión apostólica como el primer papa, basándose, entre otros argumentos, en las palabras que le dirigió Jesús: «Tú eres Pedro, y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia, y el poder de la muerte no prevalecerá contra ella. Yo te daré las llaves del Reino de los Cielos. Todo lo que ates en la tierra, quedará atado en el cielo, y todo lo que desates en la tierra, quedará desatado en el cielo» (Mateo 16, 18-19)


La negación de San Pedro, óleo sobre lienzo de Theodor Rombouts (1597-1637, Belgium)

Los cuatro evangelios recogen también la profecía de Jesús anunciando la traición de Pedro quien lo negaría tres veces consecutivas por miedo a ser reconocido como seguidor de Jesús.

«Las lágrimas de San Pedro», José de Ribera

La negación de Pedro se cumplió…


«Liberación de San Pedro» por Rafael  estancias de Heliodoro, Vaticano

Aproximadamente en el 42-44 d.C. Pedro, quien se hallaba en Jerusalén, fue encarcelado por el rey Herodes Agripa I, pero fue liberado por un ángel.



Altar en la Carcel Mamertina de Roma, donde estuvo Pedro encarcelado

Icono bizantino

De acuerdo con la epístola a los Gálatas, Pedro se trasladó a Antioquía, donde Pablo lo encontró más tarde  y después de haber fundado la iglesia de Antioquía, fue a Roma a predicar el Evangelio


«Dómine, quo vadis?» de Anibal Carracci

En el camino a Roma, por la Via Appia, fué cuando dijo la famosa frase en latín «Quo Vadis?» que significa «¿A dónde vas?» que viene del  texto de los «Hechos de Pedro»



San Pedro por el Greco

La tradición católica de los Padres de la Iglesia narra que Pedro acabó sus días en Roma, donde fue obispo

«Martirio de San Pedro» por Caravaggio

Allí murió martirizado bajo el mandato de Nerón en el Circo de la colina vaticana o en sus proximidades, sepultado a poca distancia del lugar de su martirio y que a principios del siglo IV el emperador Constantino I el Grande mandó construir una gran basílica sobre su sepultura.


«Crucifixión de San Pedro» Políptico de Pisa  por Masaccio

El texto apócrifo «Hechos de Pedro», escrito en el siglo II, relata que Pedró murió crucificado cabeza abajo, ya que no quiso hacerlo igual que Cristo

Su tumba fué encontrada mas tarde bajo el altar de la Basílica de San Pedro en 1965. Está sencillamente marcada con su nombre y hay restos humanos en ella.

En la Iglesia de San Pedro de Olite, el dintel tiene una decoración esculpida a base de tres escenas consecutivas que describen algunos momentos de la vida del titular del templo: San Pedro. Vemos consecutivamente como recibe las llaves de la Iglesia de manos de Cristo, Luego una escena en que aparece en su barca y Cristo frente a ellos Y por último un momento de su juicio y sentencia seguidos de la escena de la crucifixión cabeza abajo


Basílicas de San Pablo extramuros y San Pedro del Vaticano en Roma

SAN PABLO

Saulo Pablo nació entre el año 5 y el año 10 en Tarso (en la actual Turquía), por entonces ciudad capital de la provincia romana de Cilicia

San Pedro y San Pablo por el Maestro de San Ildefonso

San Pedro y San Pablo por Fernandez Navarrete

La información sobre la ciudadanía romana de Pablo solo es presentada por los Hechos de los Apóstoles​ y no encuentra paralelismos en las cartas de Pablo, lo que aún hoy resulta motivo de debate, pero algunos sostienen que Pablo era descendiente de uno o más libertos, de quienes habría heredado la ciudadanía



Martirio del diácono Esteban. 

Se trata de una representación bizantina en miniatura incluida en el menologio de Basilio II, obra de arte señera entre los manuscritos griegos con miniaturas

Según los Hechos de los Apóstoles, el primer contacto fidedigno con los seguidores de Jesús lo tuvo en Jerusalén, con el grupo judeo-helenístico de Esteban y sus compañeros.​ Saulo Pablo aprobó la lapidación de Esteban el protomártir, ejecución datada de la primera mitad de la década del año 30


 Conversión en el camino para Damasco. Por Caravaggio, en la Basílica de Santa María del Popolo, en Roma. 

En las obras de arte y en la creencia popular se tiene la imagen de que Pablo cayó de su caballo, cuando ni en las epístolas paulinas ni en los Hechos de los Apóstoles se menciona la caída de un caballo. Podría tratarse, pues, de un anacronismo.

Según el libro de los Hechos de los Apóstoles,tras el martirio de Esteban, Saulo Pablo se dirigió a Damasco  Sucedió que, yendo de camino, cuando estaba cerca de Damasco, de repente le rodeó una luz venida del cielo, cayó en tierra y oyó una voz que le decía: «Saulo, Saulo, ¿por qué me persigues?» El respondió: «¿Quién eres, Señor?» Y él: «Yo soy Jesús, a quien tú persigues. Pero levántate, entra en la ciudad y se te dirá lo que debes hacer».



Restauración de la vista a San pablo. Pietro da Cortona

Después del suceso vivido por Pablo en el camino de Damasco, del que quedó ciego, fué al encuentro de Ananías que lo curó de su ceguera imponiéndole las manos. Pablo fue bautizado y permaneció en Damasco «durante algunos días».


Las cartas de San Pablo S:XVII   (Blaffer Foundation Collection, Houston, Texas)

. Probablemente escritas todas en la década del año 50, son las siguientes (en un posible orden cronológico):

Primera epístola a los tesalonicenses, Primera epístola a los corintios, Epístola a los gálatas, Epístola a Filemón, Epístola a los filipenses, Segunda epístola a los corintios y Epístola a los romanos.

Los Hechos de los Apóstoles, es el nombre del quinto libro del Nuevo Testamento, en el cual se narra la historia del conocido como período apostólico.

Imagen que representa a San Pablo escribiendo, de una versión manuscrita de las cartas de san Pablo datada de los inicios del siglo IX  Abadía de Sankt Gallen (Suiza)


«San Pablo encarcelado» por Rembrandt

La cautividad de Pablo en Roma, considerada un hecho fidedigno, habría tenido una duración de dos años, tiempo en que el Apóstol no vivió encarcelado sino en custodia


​»Decapitación de San Pablo» por Simonet 1887

Tertuliano describe que Pablo sufrió una muerte similar a la de Juan el Bautista, quien fue decapitado: el texto apócrifo del Pseudo Marcelo, conocido bajo el título de Hechos de Pedro y Pablo 80, señaló que el martirio de Pablo habría sido por decapitación en las Acque Salvie, en la vía Laurentina, hoy abadía delle Tre Fontane, con un triple rebote de su cabeza que aseguraba haber causado la generación de tres vías de agua



«la Pasión de Pablo» del Pseudo Abdías (siglo VI) señaló la sepultura del Apóstol «fuera de la ciudad , en la segunda milla de la vía Ostiense», más precisamente «en la hacienda de Lucina», una matrona cristiana, donde más tarde se levantaría la basílica de San Pablo Extramuros.




http://www.arquivoltas.com/6-Navarra/Olite01.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Sim%C3%B3n_Pedro

https://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_de_Tarso

Los niños en la escultura

Se llama escultura, al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a la obra elaborada por un escultor.
Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado.
Dentro de la escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo repertorio artístico.
Desde la Prehistoria, se ha utilizado la escultura de diversas formas: como amuletos, representación de dioses, con fines funerarios como en Egipto, representando mandatarios, seres mitológicos etc y entre todos ellos, tambien hay figuras de niños: Cupido, amorcillos, angelotes, personajes de episodios históricos o fabulosos y tambien la muy frecuente imagen del Niño Jesús.

Vamos a dar un repaso al niño a través de las esculturas, que de él se han hecho a lo largo de la Historia, con distintos estilos, materiales (donde predomina la piedra) y posturas..
Veremos niños en muy distintas situaciones y sobre todo sentimientos, que pueden pasar de alegria propia de sus juegos a la tristeza secundaria a un determinado episodio e incluso a enfado en alguna ocasión
Tambien vereis que algunos aparecen acompañados: es inevitable, sobre todo si lo hacen con sus madres y otras con animales u otros personajes, justificados por la escena que representan…pero sienpre serán protagonistas y nos mostraran sus encantos e inocencia.
Vamos a ello…

EL NIÑO DE LA ESPINA O ESPINARIO 

Autor desconocido Siglo I a. C. Bronce Museos Capitolinos, Roma Escultura romana, copia de un original helenístico
Esta escultura del Niño de la espina, también conocida en el mundo del arte como el Espinario, es una de las obras clásicas más conocidas,sin embargo, la escultura que conocemos a través de diferentes copias del original helenístico, dista mucho de ser considerada como una obra excepcional, a pesar de suponer que el modelo que inspiró la larga serie sin duda presentaría matices que los copistas romanos no supieron captar y transmitir..
Este tema ha tenido una gran influencia en la historia del arte y ha sido motivo de múltiples reproducciones e inspiración de diversos artistas. Una copia romana en mármol puede admirarse en los Uffici de Florencia, otra en mármol en el museo del Louvre de París, y otra más en el museo Pushkin de Moscú. En el museo del Prado de Madrid existe una copia del s. XVII (Cesare Sebastian, 1650).

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«El joven rey Tutankamón». Talla en madera policromada. 
 
Tutankamón, llamado en vida Neb-jeperu-Ra Tut-anj-Amón, fue un faraón perteneciente a la dinastía XVIII de Egipto, que reinó de 1336/5 a 1327/5 a. C.4 Su nombre original, Tut-anj-Atón, significa «imagen viva de Atón» fue el último faraón de sangre real de la dinastía. Ascendió al trono después del periodo de Amarna y devolvió a los sacerdotes de Amón la influencia y el poder que habían poseído antes de la revolución religiosa y política de Akenatón.el adorador de Atón.

 «Hércules niño con una serpiente»
 
Escultura que presenta a Hércules cuando estrangula una serpiente. La obra fue elaborada en Roma en el siglo 2 d. C La diosa Hera odiaba al niño y envió dos serpientes para que lo matasen, pero el bebé se les adelantó estrangulándolas

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 Escultura de bronce griega Museo Paul Getty

 «Niño con una oca» Boetas 200-150 a.C.Grecia Museo: Museo Nacional del Louvre

Boeto de Calcedonia, debe la inmortalidad sobre todo al conocido grupo del Niño de la oca, llegado a nosotros en varias copias. Debía de ser un tema bastante común, que tenía su lugar en los santuarios de Asclepio, pero la obra de Boeto logró un éxito muy particular: las carnes realistas y blandas del niño, el uso -un tanto irónico- de la estructura piramidal que se empleaba en Pérgamo para plasmar gestas heroicas, todo hubo de contribuir a su fama.

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«Jinete de Artemision» detalle. Museo Arqueológico de Atenas. S. II.I a. C.
 
Representa un perfecto modelo iconográfico de la nueva estética que aporta a la escultura griega el periodo helenístico. Una plástica caracterizada por un naturalismo espontáneo y directo que enlaza directamente con la contemplación de la realidad y se desliga por tanto del idealismo que había caracterizado el periodo clásico.

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Centauro y Eros copia de original romano Museo del Louvre

Las esculturas de arte clásico que en el siglo XVII formaban parte de la colección del cardenal Scipione Borghese, sobrino del papa Pablo V, y que en 1807 Camillo Borghese vendió al emperador Napoleón Bonaparte. Esta extraordinaria colección constituye uno de los pilares del actual Museo del Louvre de París. El hermafrodita dormido, que fue restaurado por un joven Bernini; Silineo con Baco niño; el conjunto de Las tres Gracias o el famoso Centauro con Eros sobre sus lomos. La colección reunida por el cardenal Borghese fue vendida en 1807 por su descendiente Camillo Borghese, que estaba casado con la famosa Paolina Bonaparte, a su cuñado el emperador.

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 «Sileno con Dionisios en brazos»  Museo del Louvre

Copia de un original de Lisipo Arte romano imperial. Siglo I – III a.C.

Según la mitología griega, Zeus entregó a su hijo ilegítimo, Dioniso, al cuidado de Sileno, para protegerlo de la ira de su esposa Hera. Junto a él, Dioniso se crió en el monte Nisa, rodeado de sátiros y ninfas. Las características de esta escultura llevan a pensar que la pieza es una copia romana, de época imperial, basada en una escultura griega más antigua, del siglo IV a.C., realizada en bronce por Lisipo.
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Eros de  Lisipo

Fue un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso, h. 370 a. C. y fallecido hacia el 318 a. C. Lisipo, Escopas y Praxíteles están considerados los tres grandes escultores de la segunda fase del clasicismo (siglo IV a. C.),

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Escultura de bronce romana, Museos Vaticanos

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Escultura romana. Cartagena, Murcia
 
Retrato infantil encontrada en la calle de los Cuatro Santos en 1857. La cabeza, ceñida con una corona, ha sido interpretada habitualmente como un retrato de un miembro de la familia del emperador Augusto. Por la proximidad del lugar de hallazgo con el teatro podría haber pertenecido a su programa decorativo, incluso podría ser un retrato de Cayo o Lucio, miembros de la familia imperial asociados a la construcción del mismo teatro
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Estatua de niño S.III dC Los Angeles .County Art Museum, California
 
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«Niño con liebre» Museo Arqueológico Municipal de Cabra, Córdoba
 
Escultura romana procedente del yacimiento de la villa romana del Mitra, de la que era propietaria la familia del ex ministro franquista José Solís y que ya ha pasado a los fondos del Museo

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«Loba capitolina» Museos Capitolinos Roma
 
La cronología de la figura de la loba ha sido muy discutida; según la tradición la escultura de la loba sería etrusca, aunque se estima que data de la Edad Media,siglo XI y XII mientras las estatuas de los niños Rómulo y Remo fueron creadas y añadidas en 1471 y probablemente son obra del escultor Antonio Pollaiuolo.

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«Virgen Blanca» S XII-XIII Catedral de Tudela
 
Se trata de una estatua de piedra policromada de la Virgen y el Niño, fechable alrededor del año 1200 y que presidía el ábside central.

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“la Virgen y el Niño“ Miguel Angel Buonarroti
 
La iglesia de Nuestra Señora, uno de los templos más importantes de Brujas junto a la catedral del Salvador, tiene como principal atractivo para la visita una escultura de una Virgen que esculpió el genial Miguel Angel en 1504.Miguel Angel la realizó para la catedral Duomo de Siena, pero una familia de Brujas la compró y la llevó a la citada iglesia de Nuestra Señora.No es raro que te pueda sorprender este hecho pues apenas se pueden ver obras de Miguel Angel fuera de Italia.

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   «San Juanito» Miguel Angel 
 
Es una obra de juventud del artista, anterior a la Piedad del Vaticano y a los frescos de la Capilla Sixtina, que fue donada por el duque de Florencia, Cosmé I de’ Medici, a Francisco de los Cobos, secretario del emperador Carlos V. El monarca la envió a España, a la villa de Francisco, en Sabiote, pasando a enriquecer, tras su muerte, la capilla sepulcral que mandó construir en su ciudad natal de Úbeda. Fue destrozada en 1938 y posteriormente reconstruida.

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San Juanito, detalle

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Cabeza de muchacho, atribuida al círculo de della Robbia

«Putti» realizados en terracotta por Andrea Della Robbia (1435-1525)
 
Hoy día estan en la fachada dell’Istituto o Ospedale degli Innocenti, Florencia
Entre las creaciones más famosas del artista cabe citar la serie de retablos para los franciscanos de Asís; sobresale la estatua de San Francisco para Santa Maria degli Angeli y las terracotas vidriadas para la Chiesa Maggiore y la Chiesa della Stimmate, que formaban parte del convento de La Verna. Entre otros notables ejemplos, citaremos el grupo de tondos que decoran la logia del Ospedale degli Innocenti de Florencia, que representan una serie de putti animando a los florentinos más ricos a que ejerzan la caridad

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 «Alegórico figura de Atis niño» Donatello Museo Barghello, Florencia
 
No se conocen documentos sobre su colocación originaria ni de su encargo, pero Vasari lo cita probablemente como Mercurio y de «altura de un brazo y medio, de bulto completo y vestido de extraña manera, en casa de Agnolo Doni», con atribución a Donatello.

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 «Spiritelli» o niños alados de Donatello
 
Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello, fue un artista y escultor italiano de principios del Renacimiento, uno de los padres del periodo junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio.


 «Amorcillo con delfín» Verrochio
 
Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni, conocido simplemente como Verrocchio fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de’ Medici en Florencia

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«La cabra Amaltea con Jupiter niño y Juno» Gian Lorenzo Bernini Mármol. Galleria Borghese. Roma 
 
La Cabra Amaltea es una escultura barroca de Gian Lorenzo Bernini. Bajo el patrocinio del cardenal Borghese, sobrino del papa Pablo V, sus primeras obras eran piezas para decorar los jardines del cardenal. Esta obra destaca por ser la primera de Bernini, realizándola con tan solo 18 años.
El mito de la cabra Amaltea es una leyenda heredada de la mitología griega y, posteriormente adaptada por los romanos, que dicen que Amaltea es la cabra que alimentó con su leche a Júpiter, el dios Zeus en la mitología griega como un niño y que jugando con ella, el pequeño dios había roto uno de sus cuernos.

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«Manneken Pis», Bruselas, Bélgica

La traducción de su nombre es «niño que mea». Es una estatua de bronce de 61 cm. situada en el centro histórico de Bruselas, al sur de la Grand Place y es todo un símbolo de Bruselas. Leyendas acerca del porqué de su construcción y su fama hay muchas, pero la más extendida viene a ser la siguiente: Un rico comerciante que visitaba la ciudad en familia perdió a su hijo pequeño y se organizaron unos grupos de búsqueda. El niño fue encontrado riendo y orinando en un pequeño jardín, por lo que el padre decidió ayudar a la construcción de una fuente. Una fuente que tiene a su hijo orinando en la parte superior.
Es pequeño, es simplemente una fuentecilla, mucha gente se siente decepcionada cuando lo ve e, incluso, se nos puede pasar por alto si no estamos atentos


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«Niños» Ercole Ferrata 1610-1686 Museo Hermitage San Petersburgo
 
Ercole Ferrata fue un escultor italiano, uno de los máximos exponentes del barroco romano

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 «Niño Jesús» Juan de Mesa y Velasco (Córdoba, 1583 – Sevilla, 1627) 

Fue un escultor español del Barroco, con abundante obra de imagenería religiosa sobre todo en Sevilla, destacando el Gran Poder y el Cristo del Amor

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 «Niño Jesús del Sagrario» de la Catedral de Sevilla, imagen de Juan Martínez Montañés
 
Representa a Jesús niño, desnudo y erguido con los pies sobre un cojín y las manos alzadas. Sin embargo, la morfología de las manos que actualmente conocemos de la imagen no es la primitiva concebida por Martínez Montañés. En 1629, por encargo de la cofradía, el pintor Pablo Legot (1598-1671) realizó unas nuevas manos a la escultura, probablemente de plomo.
Otra obra destacada es el Cristo de la Pasión en Sevilla.


 Niño Jesús mostrando el corazón. F. Salzillo s.XVIII. Colección particular. Murcia

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» El niño del pájaro». 

 Labrado en mármol a fines del siglo XVIII, según un modelo en terracota de Charles-Antoine Bridan (1730–1805) de 1784, que a su vez es una copia de una escultura romana antigua de la Villa Borghese (Roma, Italia). Forma pareja con La niña del nido.

 «Fillette à l’oiseau et à la pomme»Niña con un pajaro y una manzana Jean-Baptiste Pigalle (1784) Musée du Louvre 
 
(París, 27 de febrero de 1714 – París 22 de agosto de 1785 ) fue un escultor francés.
nacido de una familia de ebanistas, aprende la escultura con Robert Le Lorrain y Jean-Baptiste Lemoyne. Considerado como un maestro por sus contemporáneos, su obra está a caballo de los periodos barroco y neoclásico.



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«Niño leyendo» Antonio Canova (1757 – 1822)
 
Fue un escultor y pintor italiano del Neoclasicismo. Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la antigüedad, fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini.

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 «Pescador de cangrejos» Escuela francesa S.XIX

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«Pequeña bailarina de 14 años» Edgar Degas (1834-1917)
Estatua en bronce con patina de diversas coloraciones, tutú de tul, lazo de satén rosa en el cabello .París, museo de Orsay

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«La fuente de los ocho niños» Mariano Benlliure Valencia
 
En 1962 se erigió una fuente dedicada a su memoria.
La fuente, tiene en su anverso la reproducción en bronce de la «Fuente de los Niños», obra de Mariano Benlliure y cuyo original en yeso se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Valencia y del que se obtuvo el vaciado de este monumento. El original se encuentra en Cádiz. En la cara posterior encontramos un relieve en bronce, con el rostro de perfil de Benlliure y la leyenda «Valencia a Mariano Benlliure».

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«Adolescencia» – Vala Ola Bronce -2002 Colección privada

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«Niño herido» Enric Clarasó ( Sant Feliu del Racó , 14 de octubre de 1857 – Barcelona , 1941 )
 
Fue un escultor modernista catalán cuyo estilo transita entre el costumbrismo y el simbolismo. Frecuentó los círculos de Rusiñol y Casas . Su estilo se ha relacionado con el del escultor Josep Llimona .
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 “Sinnataggen”, Vigeland Sculpture Park, Oslo 2011

«Gruñón» muestra un enojado niño y se considera la escultura más famosa de Gustav Vigeland que fue modelado probablemente en 1928 . Está fundido en bronce y se estableció como una de las 58 esculturas del Museo Vigeland en 1940.

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«El niño no nacido» Martin Hudáčeka. Eslovaquia
 
La obra sorprende por su realismo y poética expresividad. El niño parece esculpido en cristal, mientras que a su lado, de rodillas, una madre arrepentida está representada en piedra. Los materiales son por sí mismos bastante metafóricos. El niño levanta la mano sobre la cabeza inclinada de su madre en un gesto de amor filial.

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Nadia Bounhar, escultora desde 1990, trabaja tradicionalmente esculturas de arcilla, de libre inspiración: la conservación del patrimonio histórico, leyenda e historia, etc …
Sus proyectos personalizados de encargo le permitió trabajar con varias instituciones. Todas sus obras han sido diseñadas por primera vez en su taller, y luego cocidas, en un viejo horno de ladrillo tradicional. La combinación de la creatividad y su dominio, ha hecho que Nadia sea ahora una artista esencial de la región de Toulouse.(Francia)

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Monumento a los niños víctimas de la guerra en Lídice erigida por la artista Marie Uchytilová en la década de 1.990
 
El 27 de mayo de 1.942, un oficial nazi alemán de alto rango, llamado Reinhard Heydrich, era conducido desde su casa de campo a su oficina en Praga cuando fue emboscado por soldados checos entrenados por los británicos. El ataque, que se llevó a cabo con granadas, le dejó gravemente herido y murió ocho días después.

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Lídice, esta situada a unos 20 kilómetros al oeste de Praga, en la República Checa.
Para vengar la muerte de Heydrich, los alemanes lanzaron una represalia aterradora al pueblo
En los posteriores días, 340 personas de Lídice murieron a causa de la represalia alemana: 192 hombres, 60 mujeres y 88 niños. Solo 153 mujeres y 17 niños regresaron después de la guerra.



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Niño gigante Ron Mueck 2000
 
Ron Mueck es un escultor australiano, que tuvo su origen profesional en el mundo de los efectos especiales para el cine. No es un escultor cualquiera, ya que sus “obras de arte” son hiper-realistas, reproducen fielmente cada detalle del cuerpo humano, llega a tal extremo de colocar en sus figuras poros, lunares, puntitos negros, vellos en los brazos y piernas, cabello y todo lo que el cuerpo pueda tener.
 
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 «El Dia»: cabeza de la nieta despierta de Antonio López García
 
(Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español.

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 «María dormida», Antonio López.1964. Madera policromada. Colección privada.

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 Gerard Demetz Italia

selección de sus impactantes esculturas en madera centradas en la imagen de los niños y adolescentes de nuestra época. Las elabora con fragmentos de madera ensamblada o con materiales sintéticos, y su empleo de piezas diferenciadas y no de bloques le sirve para expresar su cuestionamiento de la realidad humana

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 The First Generation (2000) by Chong Fah Cheong, Cavenagh Bridge, Singapore
 
Es un escultor conocido por muchas esculturas públicas en Singapur. A pesar de que trabajó en una variedad de estilos , su nombre se identifica con una serie de esculturas figurativas que representan la vida de las personas que viven y trabajan a lo largo del río Singapur, en este caso un grupo de alborozados niños.

«Niños jugando al corro» Localizado en Benson Garden, Loveland, Colorado, USA
 
El parque, inagurado en 1985, cuenta actualmente con 116 esculturas.

Y nada mas, quiero terminar con esta alegre escena, que es la que los niños de todo el mundo, deberían vivir y disfrutar siempre…

Fuentes:

El retrato en miniatura

Entre las antigüedades, los retratos en miniatura constituyen un apartado especial, que unen al detallismo y el pequeño formato, los valores artísticos, históricos y sentimentales de tan refinados objetos y de los personajes representados. Incluso los marcos pueden resultar interesantes complementos que enriquecen y remarcan el valor de los pequeños retratos.

Cuando comenzó el uso de estos retratos en el siglo XVI no se usaba la palabra miniatura, sino que se les llamaba iluminaciones si estaban realizados con la misma técnica que los códices, o bien «retraticos o naipes» (Retrato pequeño pintado al óleo sobre tabla, cobre), si se pintaban al óleo.
Actualmente cuando hablamos de una miniatura nos referimos a un retrato pequeño, transportable, bien de carácter íntimo o de cierta representación.
Hacia 1520 aparecen estas miniaturas de forma independiente, no inscritas en libros. A pesar de eso, su técnica sigue próxima a la iluminación, siendo la práctica de la acuarela y del gouache sobre vitela (papel liso y sin grano, de gran calidad, cuya superficie permite la reproducción detallada de los dibujos más finos), la más difundida. 

Jovencito de la familia de Rosalba Carrera 1740

Después, el empleo del marfil como soporte se debería a la pintora veneciana Rosalba Carriera (1675-1757), que comenzó su carrera artística pintando unas cajitas con graciosas figuras femeninas que más tarde hicieron su fortuna traspuestas a la miniatura sobre marfil.

Fue, por tanto, la primera que utilizó el marfil en las miniaturas, y esto le dio esa luminosidad característica de sus obras, e igualmente, fue la primera en no seguir las reglas académicas según las cuales una miniatura debía realizarse con trazos y puntos breves y bien amalgamados; en lugar de ello, Carriera utilizó el trazo veloz característico de la pintura veneciana
.

 El marfil inicialmente tenía hasta dos milímetros de espesor, pero llegaría a ser tal la especialización de los talleres, que se convertiría en un material extraordinariamente fino y translúcido,  que se comercializaba en formato cuadrado, oval o circular.
La preparación de este soporte incluía blanqueamiento por calor, y la eliminación de las asperezas naturales y de la grasa por medio de limas y de soluciones ácidas.
Por lo que se refiere a la conservación de las miniaturas, los daños más graves siempre se han debido a intervenciones inadecuadas o mala manipulación. En el envejecimiento natural de una miniatura, como en cualquier otro tipo de pieza, influyen los cambios de humedad relativa y de temperatura.


 Marfil deformado debido a variaciones ambientales, la fractura central se debe a la presión ejercida por el marco, en un intento de recuperar la forma plana

 El marfil es un material higroscópico y los cambios ambientales pueden producir en él alabeos y deformaciones. En muchos casos, las deformaciones y fracturas en las miniaturas se deben a tensiones producidas por los marcos o sistemas de sujeción que impiden el movimiento natural del marfil.

Otro problema que puede observarse es la sulfuración del pan de plata, una corrosión que cambia el color del metal y lo oscurece de forma irregular. Estas manchas se traslucen en las carnaciones y producen sombras que desfiguran los rostros.

  Retrato de caballero con casaca azul anónimo. (Museo del Prado)

 En las carnaciones, entre la protección de papel y el marfil, se colocaba una lámina de pan de plata, únicamente pegada por los bordes. Habitualmente el exterior de la plata se oxida y oscurece mientras el interior se conserva brillante. En este caso el caballero presenta una pequeña mancha en la frente debido a una oxidación de la plata en ese punto. 
  

 

 Anónimo: Dibujo para miniatura. Museo Lázaro Galdiano, Madrid.

El proceso de trabajo comenzaba con el esbozo del dibujo, para lo que se distinguen dos técnicas; La primera consiste en el trazado del diseño directamente sobre el soporte de marfil, utilizando una punta de plata, estaño o plomo
La segunda implica el trazado previo del dibujo en soporte papel, para familiarizarse con los rasgos del modelo y con su expresión.

 Por lo general, estas miniaturas medían desde 15-20 mm, llegando a los 200 mm de altura. La técnica pictórica era muy concreta y exquisita, el llamado punteado. Éste consistía en aplicar los pigmentos mediante la superposición de puntos de color en las zonas de la carne


punteado 
El punteado
Hay miniaturas en las que sólo se usaba una técnica, pero lo más habitual es encontrarlas en una misma pieza. En general, para rostros y carnaciones se solía emplear puntillismo y tramado, y para el pelo pinceladas largas y finas.
observar en este retrato de niña del Museo del Prado, realizado mediante puntillismo, y entre el punteado se puede apreciar también el dibujo previo realizado a lápiz.


punteado 2
 Detalle del punteado

veladuras
Y realizar el resto de la obra a base de transparencias y veladuras. Por lo general este tipo de técnica se aplicaba a pequeñas obras, que con frecuencia pasan desapercibidas ante nuestros ojos

anonimo femenino

Anónimo Retrato femenino. Acuarela, pigmento aglutinado con goma arábiga, 1776- 1780
 
Este magnífico retrato de la antigua colección Viladomiu, fue subastado en Londres por Christie’s el 17 de noviembre de 2009 . Actualmente esta en paradero desconocido.

La miniatura, por su tamaño, mucho más que el retrato cortesano, permitía su contemplación desde una distancia mínima, y daba lugar a una intimidad de la que carecía el gran formato, reforzando las relaciones personales y afectivas.


mujer goya
 
 
Hay pequeños retratos, como este óleo sobre cobre de Francisco de Goya y no siempre la miniatura hace referencia al tamaño de la obra sino a una específica «técnica pictórica» basada en la aplicación de los pigmentos mediante la superposición de puntos de color con el pincel.
 
 

 

LOS SIGLOS XVI Y XVII

sofonisba

 

Sofonisba Anguissola. Autorretrato, sobre 1556. Museum of Fine Arts, Boston

En los retratos dinásticos, destacarían especialmente en el ámbito de los matrimonios de Estado. Al iniciar negociaciones matrimoniales, era usual enviar retratos que servían como primer contacto visual entre los futuros esposos. Con este fin fue enviado secretamente un “retrato pequeño” de Felipe II de la mano de Tiziano a María Tudor, en 1553.

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Ana de Mendoza, princesa de Éboli de Sofonisba Anguissola: c.1560 colección Infantado
 Sofonisba Anguissola, en la confección de algunas miniaturas, no eran firmadas, como el resto de su obra en España, algo que dio lugar a la confusión y olvido

sofonisba dama toca

 


 Dama con toca, de Sofonisba Anguissola, c. 1591 colección Muñoz

La razón de ser de este formato, reside, en su facilidad de transporte y distribución, compuesto de materiales y colores diferentes y siempre, por su reducido tamaño, de una ejecución muy concentrada, muy detallista, para poder lograr el mismo efecto de parecido y de calidad artística que un retrato grande.



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 Sofonisba Anguissola, Grupo de cuatro miniaturas (Museo del Louvre, París)

Eran muy frecuentes, los retratos agrupados, formando conjuntos de dos, tres, cinco, ocho y hasta doce pequeñas miniaturas, que no excedían los 3 cm de altura, insertadas en placas de madera de caoba y complementos de bronce o en plaquetas de ébano incrustadas de marcasitas formando arabescos suspendidas de las paredes mediante una anilla de bronce dorado


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Sofonisba Anguissola, Isabel Clara Eugenia c 1599. Hija preferida de Felipe II.

Entre las diferentes cortes europeas, cuyos lazos familiares eran muy estrechos, era común tanto el envío de retratos de gran formato como retratos en miniatura. Catalina de Médici enviaba constantemente miniaturas a su familia en Florencia, como demuestra la colección de miniaturas francesas existente en la ciudad, entre las que se encuentran las de sus nietas las infantas Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela.
pantoja cruz ByN

 A la izquierda retrato de dama con lechuguilla, pintado al óleo sobre naipe, pintado hacia 1585 y a la derecha el de dama con topete alto, hacia 1590). Ambos retratos atribuidos a Juan Pantoja de la Cruz pertenecieron a la colección duque del Infantado.

juan austria 
 
Retrato de don Juan de Austria de Sánchez Coello, Museo Lázaro Galdiano, Madrid
 
 
agreda 
 
Sor María de Jesús de Ágreda S.XVII
 
 
infanta muerta
 
Oleo de la Infanta María hija de Felipe IV en su lecho mortuorio, que se guarda en el Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid

En las cortes europeas, cuando algún miembro de la familia fallecía, se les hacía retratar muertos, con hábito religioso y una cruz, tal y como serían enterrados, para dar noticia del hecho y guardar su memoria. No se ha conservado ninguna miniatura con este tema pero tanto las descripciones de los inventarios como los retratos de grandes dimensiones con este mismo contenido dan idea de cómo fue este tipo de miniaturas
 
 
EL SIGLO XVIII
 
 
 
gabriela
 
 Retrato de Gabriela de SaboyaAtribuido a Miguel Jacinto Meléndez. Hacia 1720. Museo de Cadiz.
 
(Turín, 13 de septiembre de 1688-Madrid, 14 de febrero de 1714), primera esposa de Felipe V, fue, como tal, reina consorte de España de 1701 a 1714 y, en ocasiones, regente.
Muchas veces se hacía el marco, ya fuese en broche o medallón, diseñado y ejecutado para tal fin por hábiles joyeros, añadiendo en algunos casos el guardapelo en el reverso
 
 
mengs carlos
 
Grupo Mengs:  Retrato de Carlos III. Hacia 1785
Con fondo arquitectónico Acuarela y guache sobre vitela.  Colección privada

Si el género más conocido fue el retrato, igualmente se pintaron temas mitológicos, alegóricos, paisajes o temas históricos. En España es con la llegada de Felipe V (1700), cuando estas miniaturas alcanzaron su apogeo, considerándose un elemento de lujo y ostentación en el ámbito privado, pero a su vez utilizándose como regalo de intercambio con el resto de las cortes europeas.aunque se perfecciona con la subida al trono de Carlos III y la consiguiente llegada de miniaturistas italianos
 
 
 
carlos IV y M.Luisa

Carlos IV y Maria Luisa de Parma Placa de porcelana del Buen Retiro. Fechada en 1799 Palacio de Velada (Toledo)

El pequeño formato resultaba sumamente útil en el caso de que hubiera que enviarlas a otros países, y además, abarataba mucho su coste. Pero también las miniaturas, sobre todo en los siglos XVI y XVII, cumplían una función de carácter público con un importante papel político, como imagen sustitutiva del rey.

M.Luisa María Luisa de Parma esposa de Carlos IV. Acuarela y guache sobre marfil Colección privada

También jugaron un importante papel como regalos entre estados. Un intercambio de regalos se consideraba la pública confirmación de un acuerdo de amistad entre diferentes países.

mengs godoy
 

Grupo Mengs:  Retratos de Don Manuel de Godoy  Hacia 1785  Acuarela y guache sobre marfil.

Colección privada del valido de Carlos IV.
Otro uso público destacado de estos retraticos fue el de regalo de Estado a embajadores, cortesanos y visitantes de alto rango.


mengs a.pascual

Grupo Mengs:  Retrato del infante Antonio Pascual de Borbón.  Hacia 1785 Acuarela y guache sobre marfil. Colección privada


 
EL SIGLO XIX
 
carlon M.isidro

Infante D. Carlos María Isidro, hermano de Fernando VII por Luis de la Cruz y Ríos



 
isabel braganza 
 
Isabel de Braganza esposa de Fernando VII


 
francisca asis  

  Francisca de Asís de Borbón por Luis  Maria de la Cruz Antigua colección de D. Mariano de Maturana. Hoy en día es propiedad The Metropolitan Museum of Art de Nueva York

amalia borbon

 Retrato de María Amalia de Borbón-Dos Sicilias. Floriano Pietrocola Anelli (1809-1864).Museo Arqueológico Nacional. Madrid. Procedencia colección Villares Amor

luisa parma espejo
  La reina Maria Luisa de Parma 

A la izquierda miniatura de la reina María Luisa con su hijo el infante Francisco de Paula por José Bouton (1768-1823) de 1805
A la derecha el marco de bronce que sobrevivió convertido en espejo. Actualmente se conserva en la Fundación Lázaro Galdiano de Madrid Esta obra, una de las mejores miniaturas realizadas en España durante el primer cuarto del siglo XIX, desapareció misteriosamente después de ser expuesta al público en 1916.


isabel niña


 La reina niña Isabel II. 1836. de Luís de la Cruz y Rios.

Colección Julio Muñoz. Subastada por Christie’s en 2012, hoy en paradero desconocido.


isabel moza
 

Isabel II, reina de España

(Madrid, 10 de octubre de 1830-París, 9 de abril de 1904), fue reina de España entre 1833 y 1868, gracias a la derogación del Reglamento de sucesión de 1713 (comúnmente denominado «Ley Sálica» aunque, técnicamente, no lo fuera por medio de la Pragmática Sanción de 1830.



EUROPA

luis XVI
Luis XVI 

(Versalles, 23 de agosto de 1754-París, 21 de enero de 1793) fue rey de Francia y de Navarra entre 1774 y 1789

m. antonieta y carolina

 
 
Las archiduquesas Carolina y Maria Antonieta. de Antonio Pencini. Hacia 1764 Viena. Zeichnungen abteilung
 

antoniette
 María Antonieta de Habsburgo, reina de Francia y esposa de Louis XVI
 
Ambos decapitados, durante la Revolución Francesa.


cabarrús
 
Teresa Cabarrús «Madame Tallien»

(Carabanchel Alto, Madrid, 31 de julio de 1773 – Chimay, Región Valona, 15 de enero de 1835)
Fue una dama española que fue amante y después esposa de Jean-Lambert Tallien y fue conocida como Nuestra Señora de Termidor, en francés, Notre-Dame de Thermidor por precipitar la caida de Robespierre.
Formó parte del grupo llamado de las maravillosas (merveilleuses) junto con otras mujeres importantes de la época como Josefina o Juliette Récamier.


voltaire
 
 
François Marie Arouet, »Voltaire» Anónimo grisalla

(París, 21 de noviembre de 1694 – ibídem, 30 de mayo de 1778), más conocido como Voltaire, fue un escritor, historiador, filósofo y abogado francés que figura como uno de los principales representantes de la Ilustración


 
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Napoleón I, emperador de los franceses

La técnica con la que fueron realizadas es propia de los primeros años del siglo XX. Ante la demanda que alcanzó la miniatura tras las exposiciones de Londres, Viena, París, Múnich, Ámsterdam, Bruselas y Estocolmo, se realizaron numerosos retratos que reproducían efigies de personajes ilustres del pasado.
 

murat
 
 Joachim Napoléon Murat (Labastide-Fortunière, 25 de marzo de 1767 – Pizzo, 13 de octubre de 1815)
 
Fue un noble y militar francés al servicio de su cuñado Napoleón, gran duque de Berg, mariscal de Francia y rey de Nápoles entre 1808 y 1815. 

 

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Francisco José I, Emperador de Austria 
 
 
 

 LA NOBLEZA

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Agustín Esteve María Josefa Joaquina de Contreras y Vargas Museo Cerralbo Madrid


Esta miniatura tiene en su trasera de papel adherida una lámina de cobre plateada, y se ha intensificado el fondo oscuro pintando por detrás el marfil de negro. Otras veces se utilizaba lo que se llamaba “tiza roja”, un cartón rojo que proporcionaba calidez tonal, dando un tono vivo y saludable a las carnaciones.


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Duquesa de Abrantes

A parte de las colecciones de las casas reales e imperiales europeas, y otras pertenecientes a las antiguas familias de la nobleza que han permanecido intactas en sus residencias y palacios de origen, la mayoría de las colecciones importantes tienen este origen.

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Sala de Goya. Palacio de Liria. Madrid

En esta sala presisidida por el retrato de la duquesa Cayetana de Alba pintado por Goya, se disponen virtrinas debajo de grandes cuadros del siglo XVIII, alojando parte de la colección de retratos en miniatura de la Casa Ducal de Alba Pocas casas de la aristocracia española conservan la riqueza artística e iconográfica que tiene la colección de retratos en miniatura de la casa de Alba


duquesa alba María del Pilar Teresa Cayetana de Silva y Álvarez de Toledo, XIII duquesa de Alba

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María Tomasa de Palafox y Portocarrero, marquesa de Villafranca, duquesa de Medina Sidonia



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Retrato de un caballero con uniforme de la Real Maestranza de Caballería de Ronda

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La aparición de la fotografía supondría la condena progresiva de aquel arte. Aunque quedaron algunos artistas especializados hasta el periodo Art Nouveau, los daguerrotipos y la fotografía en general fueron los sustitutos más económicos 

 
COLECCIONES EN ESPAÑA

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Museo del Prado.


En España el mayor conjunto de estas miniaturas está representado en obras que se exponen en el Museo Nacional del Prado y en el Museo Lázaro Galdiano. Mientras que del siglo XVIII sólo se conserva alguna pieza de Genaro Boltri o de Guillermo Ducker, en el caso del siglo XIX hay amplia representación, con piezas de Antonio Tomasich y Haro, Juan Pérez de Villamayor, Florentino Decreaene y Cecilio Corro entre otros



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Museo del Prado

La amplia difusión del retrato en miniatura en la Europa y la América de las clases medias burguesas durante el siglo XIX, se desarrolla una industria manufacturera para la producción de todo tipo de estuches, medallones, broches y marcos en metal o madera estandarizados, donde el miniaturista de común acuerdo con sus clientes acordaban el tipo de marco protector que llevaría la pintura, según el uso a que se destinaba.

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 Heinrich Friedrich Füger (1751-1818). Retrato de Francisco I, emperador de Austria. Hacia 1790. 28×19 mm. Procedencia Col. Arturo Perera, adqurida por el Museo del Prado en 1980.


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Colección del Museo de Artes Decorativas de Madrid 

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Lazaro Galdiano  Galería de miniaturas.  foto: el estudio del pintor

Siendo en los países del norte de Europa, especialmente Inglaterra, donde se consolidan las primeras colecciones de retratos, debido a la costumbre de liquidar las herencias por subastas, favoreciendo la dispersión de las miniaturas y otros objetos de arte entre personas extrañas a la familia. Los aficionados al pequeño retrato, así como comerciantes de arte, tenían la oportunidad de concurrir a estas subastas y adquirir estos preciosos objetos. 

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Lazaro Galdiano . Tiene su casa-museo en Madrid.

Gran coleccionista no solo de miniaturas, a veces, incluso, tenían que competir con los propios familiares del causante que no querían desprenderse de aquel patrimonio que ellos estimaban y habían conocido de manera tan estrecha. 

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 Retrato de Paula Florido y Toledo (1856-1932), esposa de D. José Lázaro Galdiano, miniatura de Hortense Richard.

 Acuarela y guache sobre marfil.  Fundación Lázaro Galdiano. Madrid. A ella se debe en gran parte la esplendida colección de miniaturas  reunidas por Lázaro y su esposa,  una de las más importantes de España y de las más destacadas de Europa. De entre las numerosas miniaturas, destaca las del artista Giulio Clovio.

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Federico Marés (1894-1991). 

Escultor y coleccionista. Participó como expositor en el Palacio de la Virreina de Barcelona, en la exposición celebrada durante los meses de mayo-Junio de 1956. Fué fundador del museo que lleva su nombre en el barrio gótico de Barcelona, donde se exponen numerosas miniaturas.
 
OTRAS COLECCIONES:
 
Una vitrina con retratos en miniatura en el Museo Nacional de Varsovia.
 
Una vitrina con retratos en miniatura en el Museo Nacional de Varsovia.
 
Colección de miniaturas de María de Portugal, 1565. Galleria Nazionale di Parma.
 
Colección de miniaturas de María de Portugal, 1565. Galleria Nazionale di Parma.
 
 

LAS RÉPLICAS
 
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Diversas miniaturas sobre marfil y esmalte de Beatrice Cenci que surgen del modelo creado por Guido Reni. La imagen de la heroína romántica fue trasladada a la miniatura en numerosas ocasiones.

Beatrice fué una joven italiana, acusada de matar a un padre abusador y brutal : junto con sus hermanos y su madre adoptiva le golpearon  con un martillo hasta matarlo, y arrojaron el cuerpo desde un balcón para que todo pareciera un accidente. Nadie los creyó y fueron sentenciados a muerte en tiempos de Clemente VIII en 1599, por lo que los romanos, la consideraron una heroína de la resistencia a la aristocracia

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Antón Van Dyck:  María Isabel de Braganza(1599-1641) Museo del Prado

 

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Réplica del anterior oleo: María Isabel de Braganza Hacia 1816. Acuarela y guache sobre marfil.

Infanta de Portugal, y después reina de España, segunda mujer de Fernando VII (1797-1818). 

MICA

Anónimo: Juego de mica de Carlos I de Inglaterra, (1650-1700). Castillo de Carisbrooke, Inglaterra.

Un último uso de la miniatura es el que se puso de moda a partir de 1650, consistente en superponer a las miniaturas diferentes piezas pintadas en colores opacos sobre mica, que conformaban una galería de disfraces para la miniatura original. Cada una de estas piezas estaba concebida para ser colocada sobre la miniatura con la intención de que la superficie sin pintar de la mica, transparente, permitiera visualizar la cara del retratado o retratada, mientras la superficie pintada se superponía tapando parte de la miniatura y dando lugar a un nuevo atuendo.

FUENTES:
 

Jan Vermeer: sus obras e incógnitas

Johannes Vermeer van Delft (bautizado en Delft, el 31 de octubre de 1632 – id. 15 de diciembre de 1675), es uno de los pintores neerlandeses más reconocidos del arte Barroco. Vivió durante la llamada Edad de Oro neerlandesa, en la cual las Provincias Unidas de los Países Bajos experimentaron un extraordinario florecimiento político, económico y cultural.
Aunque Vermeer era un marchante de arte, al igual que su padre, siempre se consideró algo más que un pintor. Solo trabajaba por encargo y no pintaba más de dos o tres obras al año. Ganaba justo lo suficiente para mantener a su esposa y sus once hijos.
La obra completa de Vermeer es muy reducida, solamente se conocen 33 a 35 cuadros. Esto pudo deberse a que pintaba para mecenas, por encargo, más que para el mercado de arte.
Pintó otras obras, hoy perdidas, de las que se tiene conocimiento por antiguas actas de subastas. Sus primeras obras fueron de tipo histórico, pero alcanzó la fama gracias a su pintura costumbrista, muchas veces considerada de género, que forma la mayoría de su producción
Actualmente está considerado uno de los más grandes pintores de los Países Bajos. Es particularmente reconocido por su maestría en el uso y tratamiento de la luz. Falleció en Delft el 15 de diciembre de 1675 (43 años)

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«El astrónomo» 1668 París, Louvre

Sin embargo, tal como la mayoría de los estudiosos suponen -dada la evidencia que representan ciertos efectos perspectivos, ópticos y lumínicos que acompañan a la impresionante perfección y realidad de sus obras, y pese a la no existencia de pruebas fehacientes de ello-, se piensa que el artista debió hacer uso de un modelo de cámara oscura
el Astrónomo, una de sus obras emblemáticas, como su compañero El Geógrafo, nos presentan a un científico joven, vestido con una toga que le llega hasta los pies, con una larga cabellera recogida tras las orejas. Se halla en una habitación cerrada, sentado ante una mesa y recibiendo la luz que penetra por una ventana, en la que destaca el emplomado de la vidriera y un motivo decorativo central de tonalidades rojizas, como si recibiera de esta manera la inspiración. El científico se afana en comparar la descripción del libro que tiene abierto sobre la mesa con las constelaciones del globo celeste, reconociéndose en la derecha la Lira, el Dragón y Hércules en el centro y la Osa Mayor en la izquierda

«El geógrafo» 1668/1669 Fráncfort, Städel

En el cuadro El geógrafo, pintado en los años 1668 y 1669, así como en el cuadro paralelo El astrónomo, de 1668, Vermeer trata las ciencias. También hace referencia a la Cartografía en otros cuadros, en los que el fondo está ocupado por mapas. La Cartografía era una ciencia joven y todavía se encontraba en desarrollo. En el siglo XVII, los mapas eran un objeto de lujo, pero, además de ser una señal de riqueza, en los cuadros de Vermeer también representan el conocimiento.

«Alegoría de la Pintura»«El pintor en su estudio» 1662/1665 Viena, Kunsthistorisches Museum

Desde el pesado cortinón y la silla en primerísimo plano, como nosotros mismos, como un «fotógrafo furtivo», el holandés tomó esta vivencia que parece «robada» en un instante. Ahora más que nunca, la caja cerrada, «caja de mira» vermeeriana, el espacio cúbico bañado de luz, obedece a la perspectiva más natural

«La callejuela» 1658/1661 Ámsterdam, Rijksmuseum
Las dos obras de Vermeer que mas parecen atraer la atención de los críticos e historiadores, en relación con el uso de la cámara óptica para su ejecución, son sin duda las catalogadas bajo los títulos La callejuela o Calle de Delft del Rijksmuseum de Amsterdam, y la sorprendente Vista de Delft del Maritshuis de La Haya, ambas aproximadamente de entre 1658 y 1660.
«Vista de Delft» 1660/1661 La Haya, Mauritshuis

El género de las vistas o paisajes urbanos fue muy cultivado durante la época barroca; las holandesas destacaron especialmente, mediante vedute que buscaban la imagen más típica de una ciudad, un punto de vista «pintoresco». Por lo tanto, cuando Vermeer pintó este famoso lienzo, ya era tradicional pintar vistas topográficas de ciudades

Es uno de sus cuadros más admirados, Fue su segundo y último paisaje urbano y corresponde a una vista muy fiel. Seguramente se ayudó de una cámara oscura. La impresión de la luz está expresada con una inigualable maestría.
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«La mujer con collar de perlas» 1662/1665 Berlín, Gemäldegalerie
La pintura muestra a una mujer, tal vez embarazada, ante el espejo, poniéndose un collar de perlas. Ante ella hay una mesa cubierta con varios objetos de belleza, como una brocha para aplicarse polvos y una nota, tal vez como indicación de que se arregla para recibir a su amante.

La luz del día entra por la ventana y hace revivir los colores amarillos y brillantes de las perlas. En este cuadro, Vermeer vuelve a tratar el dilema entre la virtud y el vicio, en este caso el de la vanidad. Las perlas son símbolo de la vanidad
«Dama en amarillo escribiendo» (Joven de amarillo escribiendo una carta) 1666 Washington D.C., National Gallery of Art
Una joven dama vestida con una chaqueta amarilla con ribetes de armiño -prenda propiedad de la esposa de Vermeer que aparece en varias obras del pintor- adornada con dos gruesas perlas, como pendientes y lazos en el cabello, es la protagonista de la composición. En su mano derecha sostiene la pluma de ganso con la que escribe. La mesa está cubierta con una tela azulada y sobre ella contemplamos una cadena de perlas con una cinta amarilla, un joyero y el tintero. En la pared cuelga un cuadro de difícil interpretación.
Mujer joven con una sirvienta que entrega una carta 1667 Frick Collection (Nueva York)
Vermeer es un pintor bastante reiterativo tanto en sus temas como en los objetos que representa. Así, la chaqueta amarilla ribeteada con armiño que viste la mujer protagonista de esta composición se repite en la Mujer de amarillo escribiendo una carta, al igual que los grandes pendientes de perla, la escribanía, el joyero o el manto azul que cubre la mesa. La principal novedad de esta escena la encontramos en la presencia de la criada
La carta de amor 1667/1670 Ámsterdam, Rijksmuseum
Según la interpretación común del contenido amatorio de la carta, la cítara en manos de la mujer y la partitura musical sobre la silla situada en primer término aludirían a la armonía que ha de reinar entre los amantes, en tanto los cuadros del fondo, una marina y un paisaje a la manera de Jacob van Ruisdael, representarían la ausencia del ser querido y su marcha a tierras lejanas
«Dama escribiendo una carta con su sirvienta» 1671 Dublín, National Gallery of Ireland
Firmado en la mesa, bajo el brazo izquierdo de la joven. El cuadro del fondo es una nueva versión del Moisés salvado de la aguas de Peter Lely que, de menor tamaño, aparecía en El astrónomo.
«Muchacha con flauta» Washington D.C., National Gallery of Art
La representación de la Muchacha con flauta, ofrece una visión un tanto aplanada por efecto del excesivo pronunciamiento de su tocado «a la manera china». Su concreción distrae tanto del resto de la pintura, que se establece como un elemento perturbador dentro de la unidad compositiva; y puesto que si lo tapamos, la figura y el resto, adquieren su justa ubicación espacial
Este cuadro es de los considerados dudosos, debido a que el sombrero corresponde a un modelo del S.XVIII.
» La muchacha con sombrero rojo» Washington D.C., National Gallery of Art
La pintura pueda tener con el empleo y visión consecuente de una cámara óptica si atendemos, como decimos, tanto a sus efectos de «punteado luminoso» como a los de «desenfoque». Ni en una ni en otra, existe punto o plano absolutamente enfocado; parece como si a esta distancia del «motivo», la lente usada en el instrumento auxiliar del que se tomaría la imagen, no fue la más idónea para alcanzar el grado preciso de nitidez. Todo se encuentra como sumergido en la atmósfera tenue, azul verdosa de la pantalla-visor de una fantástica cámara obscura. No obstante es otra obra cuestionada de Vermeer donde se advierte falta de claridad en la creación de espacio frente a la precisión del pintor.
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«La muchacha de la perla» 1665 La Haya, Mauritshuis
La muchacha está representada desde un punto cercano y sin atributos narrativos, lo que diferencia notablemente este cuadro de las demás pintados por Vermeer. La identidad de la retratada es desconocida. Se podría tratar de una modelo, pero también podría tratarse de una obra de encargo.
Precisamente por esa aplicación selectiva, resulta infrecuente en la obra de Vermeer, encontrar una gran definición en los rostros de sus personajes, ya que el pintor parece evitar el enfoque máximo sobre la figura representada como ocurre en la denominada «Gioconda del norte», la célebre y bellísima Muchacha con turbante o «de la perla»cuya apariencia semeja imágenes vistas a través de lentes difusoras
Resultado de imagen de la encajera vermeer» La Encajera», 1669/1671 París, Louvre

Quizás porque el tema se encuentra más alejado del pintor, todo parece más nítido; sin embargo, también aquí pueden distinguirse dos planos, primero y último, más imprecisos comparados con otro intermedio que comprendería las manos (los hilos), mueble e incluso parte de la caja de costura, en forma de cojín. La cabeza de la figura y el tapete de la mesa en primer término, mantienen la tenue borrosidad del leve desenfoque.
Johannes Vermeer Mujer leyendo una carta, 1663-1664
«Muchacha en azúl»o «Mujer leyendo una carta junto a una ventana» 1662/1665 Ámsterdam, Rijksmuseum  Está realizada al óleo sobre lienzo.
Como ocurre con La joven de la perla, la figura solitaria de una mujer permanece en pie, inmersa en sus pensamientos, esta vez en el centro de la composición. Lee una carta y parece completamente absorta en ello
A lo largo de su vida, Vermeer trabajó lentamente y con sumo cuidado usando colores brillantes, así como algunos caros pigmentos, como el azul que aparece en este cuadro.
«Muchacha leyendo una carta», hacia 1657 (Gemäldegalerie Alte Meister, Dresde).
Que la carta sea posiblemente de amor se puede leer en detalles, como la fuente llena de manzanas y melocotones, en relación a la historia de Adán y Eva

En 1653, se había establecido en Delf, el pintor Pieter de Hooch, tres años mayor que Vermeer. Entre 1658 y 1660 realizó una serie de interiores que debieron asombrar por su calidad. Su influencia sobre Vermeer está confirmada en cuatro cuadros que recuerdan de forma clara la manera de Hooch. Se trata de Muchacha leyendo una carta, Militar y muchacha riendo, Dama bebiendo con un caballero y La lechera.
«Militar y muchacha riendo» (El soldado y la joven sonriendo) 1658 Nueva York, Frick Collection

Al fondo cuelga el mapa mural de Holanda y Frisia oriental de Balthazar Floristz. van Berkenrode, 1620, empleado por Vermeer también en la Lectora en azul y La carta de amor.

«Dama bebiendo con un caballero» 1660/1662 Berlín, Gemäldegalerie
El tema de la seducción mediante el vino será frecuente en los cuadros pintados por Vermeer en la década de 1650. Las mujeres ebrias encarnaban el vicio, según los moralistas de la época, incluso algunos pedagogos, como Jacob Cats, animaban a prohibir a las damas que bebieran alcohol ya que consideraba que este vicio precedía irremediablemente a la prostitución. De esta manera, los cuadros de género aparentemente exentos de implicaciones morales se convierten en vehículos educativos para la sociedad holandesa barroca.
«La lechera» 1660/1661 Ámsterdam, Rijksmuseum
Los reflejos iridiscentes,se aprecian en «La lechera», en las diminutas pinceladas, como toques de oro, sobre el bodegón, en los trozos de pan, cacharros y ropajes.Uno de los efectos que más poderosamente llaman la atención como «signo» altamente sugeridor de la ulterior «realidad fotográfica» en la pintura de Vermeer es aquél que se asemeja al conocido «efecto de difracción de la luz» en los sistemas ópticos -generador del llamado «círculo de confusión» o «disco de Airy» de los puntos luminosos «fuera de foco»-, y que el pintor reproduce plásticamente por medio de un equiparable tratamiento «puntillista».

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«Mujer con aguamanil» (La joven del aguamanil) 1662 Nueva York, Metropolitan Museum of Art
Obra típica de la madurez de Vermeer. Predominan los colores habituales en el artista: amarillo limón, azul, y el magenta. El cuadro presenta una serie de objetos característicos en la pintura del holandés: la silla, el mapa colgado de la pared, la mesa del primer plano. Las tonalidades obtenidas en ciertas partes del cuadro, como por ejemplo en el tocado, trabajado casi como si de una acuarela se tratara, hacen de esta obra un magnífico ejemplo de la sabiduría del genio holandés. Admirable es también el efecto de reflejo obtenido en la jarra que la sirvienta sostiene.

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«Mujer tocando la guitarra» 1671/1672 Londres, Kenwood House
El estilo tardío se extrema, algunos detalles son tratados esquemáticamente. Abandona su ideal de figuras inmóviles haciendo reír y moverse a esta mujer.
La mayoría de las representaciones de mujeres en los cuadros de Vermeer están relacionadas con una narrativa en la que instrumentos musicales u objetos del hogar influyen en la percepción de la acción. Solo tres cuadros se desvían de forma importante de esta tónica y se pueden denominar retratos.
«Cristo en casa de Marta y María » 1654/1656 Edimburgo, National Gallery of Scotland
Hay otros dos cuadros que deben ser anteriores a esa fecha, se trata de Cristo en casa de María y El descanso de María, en ambos casos se consideran obras juveniles y de temática histórica que despues casi no volvió a tratar.
«La alcahueta» 1656 Dresde, Gemäldegalerie Alte Meister
El primero que tiene fecha es la alcahueta de 1656. Su estilo está muy alejado de los interiores y de los paisajes que lo han encumbrado.
La mayor parte de los trabajos de Vermeer entran en la clasificación de pinturas de género con las que pretende narrar una historia. En la Holanda del Barroco serán habituales las escenas de burdel -Bordeeltje– muy demandadas por la clientela, lo que es interpretado por los especialistas como una reacción del público frente a las cada día más rígidas normas morales. También podemos considerar que este tipo de representaciones esconderían algún significado moralizante, aludiendo a la facilidad con que el «usuario» era engañado por las cortesanas, al tiempo que se advertía contra el abuso del alcohol.
«Muchacha dormida» (Joven adormecida) 1657 Nueva York, Metropolitan Museum of Art
El gesto de la mujer ha sido interpretado como una alusión a la «acedía»(pereza, flojedad según el RAE) , considerado desde la Edad Media como uno de los peores vicios, incluso un pecado mortal. A la acedía se llegaba a menudo como consecuencia de la embriaguez, razón por la que aparece el jarro y la copa de vino. Pero algunos elementos de la composición hacen pensar a los expertos que nos hallamos ante un asunto amoroso fuera del matrimonio, basándose en el cuadro que aparece sobre la cabeza de la dama: a pesar de la dificultad en reconocerlo, se piensa que se trataría de un angelito o un Cupido con una máscara

«La lección de música» (Dama al virginal y caballero) 1662/1665 Londres, Buckingham Palace

La estrecha relación entre amor y música se convierte en el tema protagonista de este lienzo que Vermeer pintó en los años iniciales de la década de 1660, poco tiempo después de ser nombrado síndico del gremio de pintores de Delft en 1662. En esta obra parece alejarse temporalmente de los interiores burgueses para acercarnos una imagen de una clase social más elevada, tal y como indica la presencia del espejo al fondo o el pesado tapiz oriental que cubre la mesa de primer plano. Al igual que el «Concierto», la escena se desarrolla en el fondo del espacio: una mujer de espaldas toca el virginal, contemplándose su rostro reflejado en el espejo donde observamos que mira hacia el lado derecho, donde esta el hombre de perfil.

«El concierto» (Concierto con tres solistas) 1664/1665 Boston, Isabella Stewart Gardner Museum (robado en 1990)

Lo que en un primer momento podría parecer una escena costumbrista y de género los especialistas la interpretan como una clara alusión a la música como vehículo de seducción. Se basan en la presencia en la pared de dos lienzos: En la pared del fondo, a la derecha, cuelga «La alcahueta», cuadro de Dirck van Baburen que fue propiedad de la suegra de Vermeer, y a la izquierda un paisaje que no ha podido ser identificado en el estilo de Jacob van Ruisdael.
Para algunos expertos nos encontramos ante una referencia al poder de la música para alabar a Dios, elevar el espíritu terrenal, hacer más agradable la convivencia, ahuyentar la tristeza y atraer el amor
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JAN VERMEER DE DELFT (1632-1675). Autorretrato

El pintor y la cámara oscura:

Cuando en 1686, Johann Zahn en su obra «Oculus artificialis teledióptricus», describía las cámaras oscuras tipo «réflex» con visor de cristal traslúcido y lentes perfeccionadas, el siglo XVII holandés ya había sufrido la pérdida de uno de sus más excelsos pintores
El tamaño de la mayoría de sus pinturas (aproximadamente de 21 por 17 centímetros) coincide con las dimensiones del visor de la cámara oscura de la época. Para algunos historiadores esta evidencia indicaría que el dibujo lo trasladó a la tela en sus dimensiones originales. Sin embargo, muchos otros historiadores creen que Vermeer usó la cámara oscura sólo para componer una parte de sus cuadros y no la totalidad de ellos.

Cámara oscura

¿Por qué la gente piensa que Vermeer utilizaba la cámara oscura? No hay absolutamente ninguna prueba documental para apoyar este supuesto. La única fuente de información es la propia información visual que nos proporcionan sus pinturas.

Sabemos hoy que Vermeer empleó una cámara oscura en la mayoría de sus cuadros y, de hecho, de forma que no oculta las condiciones de ese medio, sino que las hace visibles, como se puede reconocer en la falta nitidez de los bordes y los puntos de luz, el famoso «pointillé». Sus cuadros alcanzan de esta forma una calidad «abstracta», ya que no reproducen la realidad tal como es, sino tal como se ve.

En las pinturas de Vermeer muestran pequeños círculos de pigmento blanco y amarillo. Se cree que estos “círculos de confusión” se aprecian cuando se miran luces brillantes a través de una lente fuera de foco. En esa época los sistemas ópticos no eran tan precisos; por eso, y ante la necesidad de abrir el diafragma, se pierde la nitidez de los primeros planos y de los fondos.

En este grabado se aprecia la utilización de la cámara oscura
La imagen producida por una cámara oscura es siempre invertida en sentido vertical [arriba-abajo] y en sentido horizontal [derecha-izquierda].
Imagen óptica versus imagen perspectiva. Se cree que la cámara oscura sirvió a algunos artistas holandeses para superar las limitaciones de la perspectiva lineal del arte italiano, donde el espacio y las figuras deben sus dimensiones al cálculo geométrico. Se dice que Vermeer miraba con «ojo fotográfico» porque en sus pinturas se advierten elementos visuales propios de la óptica fotográfica, como el de la profundidad de campo.
En definitiva, un gran número de estudios han tratado el tema y, aunque la mayoría de los especialistas están de acuerdo en que Vermeer, de hecho, utilizó una cámara oscura, persiste un gran debate sobre en qué medida lo hizo exactamente.


Algún dia lo sabremos?…no lo se, creo que lo mejor es admirar sus bellos cuadros y llegar a la conclusión de su absoluta maestría.

FUENTES

https://es.wikipedia.org/wiki/Anexo:Cuadros_de_Johannes_Vermeer

La Virgen de Loreto

La Virgen de Loreto o Nuestra Señora de Loreto es una advocación mariana cuya festividad se celebra el 10 de diciembre. Aprovecho pues esta publicación para dedicarsela y  felicitar a todas las que lleven su nombre, a las Fuerzas Aereas y si me lo permitis, al recuerdo de mi Colegio : Nuestra Señora de Loreto de Madrid.

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La tradición se inició en el siglo IV, cuando el emperador Constantino y su madre Santa Elena conservaron dentro de los muros de una amplia basílica a la casa de Nazaret en la que vivió la Sagrada Familia. La Santa Casa en Nazaret tenía dos partes, una pequeña gruta y una estructura de ladrillos que se extendía desde la entrada de la gruta.Al caer Palestina en poder de los musulmanes esta casa fue trasladada a países cristianos.

Según la leyenda, el trasporte se hizo por el aire a manos de unos ángeles que la condujeron a Dalmacia, el 12 de mayo de 1291  lo hicieron  a un poblado llamado Tersatto, en Croacia primero en 1291, y en 1294 a la ribera opuesta del Adriático, en Italia, entre un bosque de laureles de donde recibe el nombre de Loreto.( del latín Lauretum, que significa poblado de laureles)

Fiesta de la Traslación de la Casa de la Virgen de Loreto

Representación de la leyenda del traslado por el aire, de la Casa de Loreto.

Debido a este hecho, en 1920 Benedicto XV proclamó a la Virgen de Loreto «Patrona de la Aviación».

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En el interior de la casa, encontraron un altar de piedra y encima una estatua de cedro de la Virgen María con el niño Jesús en brazos.

En el siglo XIV se levantó allí la basílica que encierra la Santa Casa. Desde entonces Loreto se convirtió en uno de los grandes centros de peregrinaciones del mundo cristiano.

El Santuario de la Virgen de Loreto (Italia)
SEn su interior se encuentra la Santa Casa. Desde entonces Loreto (Italia) se ha convertido en un extraordinario centro de peregrinación.

La Santa Casa, en el interior del Santuario
Los muros de la Basílica con los años se fueron llenando de títulos y advocaciones a la Virgen, ellos dieron lugar a las «Letanías Lauretanas», que comenzaron a rezarse por primera vez allí y que fueron aprobadas por el Clemente VIII  en 1601.

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Interior de la Casa de Loreto

El Loreto de Praga
Situado frente a la plaza del mismo nombre, el Loreto de Praga es un edificio muy destacado de la ciudad, compuesto por un claustro, una iglesia, la Santa Casa, un puñado de capillas y su campanario mundialmente famoso. El Loreto ha sido lugar de peregrinaje desde que fuera construido hace ya más de 300 años y guarda un valioso tesoro en objetos litúrgicos sólo comparable al que conserva la Catedral de San Vito (Praga)

Casa de la Virgen María
Esta casa es una réplica de la supuesta casa donde tuvo lugar la Anunciación a la Virgen María. La casa original se encuentra en Loreto (Italia). En la arquitectura destacan las esculturas y relieves de las paredes exteriores.
La Casa de la Virgen María es el punto más importante del Loreto y es el motivo de la construcción del claustro y sus capillas. La construcción de la Santa Casa comenzó el 3 de junio de 1626.

Casa de la Virgen María interior
Como en el modelo italiano, la Santa Casa de Praga ofrece un contraste entre un interior muy modesto en ladrillos y una decoración exterior muy lujosa con bajorrelieves en estuco representando escenas de la vida de la virgen.

Nuestra Señora de Loreto
Patrona de la Aviación: En concreto, la Señora de Loreto fue constituida por el Papa Benedicto XV como patrona de todos los aeronautas el 24 de marzo de 1920. Y ese mismo año el rey Alfonso XIII, puso el servicio Aeronáutico Militar, precursor de la fuerza aérea, bajo el patronato de esta virgen.

Virgen de Loreto, de la Hermandad de las Tres Caídas de la Iglesia de San Isidoro es una hermandad  instaurada en la ciudad de Sevilla
La imagen de la Virgen de Loreto, fué tallada en el siglo XVIII. que procesiona el Viernes Santo con Jesús de las Tres Caidas, talla realizada por Alonso Martínez (siglo XVII), ayudado por el Cirineo.
La Virgen lleva colgando de su mano izquierda, una reproducción del hidroavión Plus Ultra, regalo de Ramón Franco, que junto a otros tres tripulantes, realizó por primera vez un vuelo entre  España y América despegando el 22 de Enero de 1926 frente a La Rábida en Palos de la Frontera (Huelva)  con destino a Buenos Aires, a donde llegó el 10 de febrero de ese mismo año.

Foto de Antonio Orantes

Nuestra Señora de Loreto  Patrona del Aljarafe (Sevilla)
El convento o santuario de Nuestra Señora de Loreto se encuentra en las cercanías de la localidad de Espartina.

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Virgen de Loreto de Espartina

El convento, junto con la hacienda del mismo nombre y la torre defensiva medieval de origen cristiano denominada Torre de Loreto, conforman un enclave de alto valor patrimonial muy destacado en la comarca del Aljarafe sevillano.

Virgen de Loreto de Socuéllamos (Ciudad Real)
En Socuéllamos, la Virgen de Loreto cuenta con una gran devoción desde hace siglos. Sabemos que la primera ermita de Loreto data de 1733 pero en los documentos originales de entonces ya se hablaba de una imagen de la Virgen que era adorada en este pueblo antes incluso del inicio de esta construcción. Se sabe también que ya existía una Hermandad o una Cofradía de la Virgen de Loreto anteriormente.

Virgen de Loreto de Mutxamel (Alicante)
La villa de Mutxamel era antiguamente un aledaño de la ciudad de Alicante, con algunas torres que servían a sus vecinos para defenderse de las invasiones de los moros.

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Llamada la Virgen del Orito (de Lorito o de Loreto) lloró una lágrima. Sólo una en 1545: Esta leyenda, según palabras de Albert Berenguer, es bien sencilla y humilde: “porque ni se apareció al niño, ni al pastor… ni se manifestó en el ciprés, encina cueva o roca… ni tampoco exhumó la reja del arado, ni los ángeles bajaron del cielo… ni está tallada en mármol o en madera de buena calidad….. Sólo es una humilde pintura que un mediocre pintor plasmó sobre una tabla de pequeñas dimensiones”. 
Sin embargo, esa sencillez la encumbró en la imagen mariana más popular y venerada del Levante español.

El pueblo de Santa Pola se volcó ayer para mostrar todo su afecto a la Virgen de Loreto con una ofrenda floral que estuvo condicionada por la amenaza de lluvia.

Homenaje floral a la Virgen de Loreto, en Santa Pola (Alicante)

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Milagros de la Virgen de Loreto, anónimo

Santuario Nuestra señora de Loreto, Tlaxcala (México)

Colegio de Nuestra Señora de Loreto, en la calle del Príncipe de Vergara en Madrid, donde estudié durante toda mi niñez.



Todas las fotos y textos se han conseguido en varias páginas de Internet

La Inmaculada Concepción en el Arte

Imagen de cabecera: Tres Inmaculadas de Juan Martínez Montañés en Sevilla:

Izda: Inmaculada, 1618, convento de Santa Clara. Centro: Inmaculada, 1623, iglesia de la Anunciación. Dcha: Inmaculada, 1629, de la catedral de Sevilla.

El dogma de la Inmaculada Concepción, también conocido como Purísima Concepción, es una creencia del catolicismo que sostiene que María, madre de Jesús, a diferencia de todos los demás seres humanos, no fue alcanzada por el pecado original sino que, desde el primer instante de su concepción, estuvo libre de todo pecado.
No debe confundirse esta doctrina con la doctrina de la maternidad virginal de María, que sostiene que Jesús fue concebido sin intervención de varón y que María permaneció virgen antes, durante y después del embarazo.
La definición del dogma, contenida en la bula Ineffabilis Deus, de 8 de diciembre de 1854,

  Museo de Cádiz. Se encuentra en la sala dedicada al barroco español y es la Inmaculada Concepción, pintada por Francisco Rizzi en su última época, hacia 1680.
Respecto a este tema hay tres tipos iconográficos que remiten a la Inmaculada Concepción:
1-     Abrazo ante la puerta Dorada
2-     Tota pulchra
3-     Descendimiento de la Inmaculada
El abrazo ante la puerta Dorada es la primera forma de representar esta doctrina. Es una representación simbólica de la Inmaculada Concepción mediante el abrazo que se dan los padres de la Virgen, San Joaquín y Santa Ana ante la puerta Dorada. Este tipo iconográfico surge en oriente y pasa a occidente, no se sabe exactamente desde cuándo. María concebida no “ex coitu” sino “ex osculo”. Muy frecuente hasta el siglo XVI.
Inmaculada Concpción de Velazquez. 1618 National Gallery
Tota pulchra. Virgen con los cabellos sueltos. Túnica azul. Manos juntas, en posición de rezar. Hace alusión a su pureza, mirando hacia abajo.  “Tota pulchra es amica mea, et macula non est in te” del Cantar de los Cantares.

Inmaculada Concepción de Ribera  Palacio de Monterrey, Salamanca

El descendimiento de la virgen Inmaculadase impone en el siglo XVI y a partir del siglo XVII va a ser la fórmula por excelencia. Se crea por la unión de varios tipos iconográficos marianos: Amic ta sole, luna sub pedibus, tota pulchra, rodeada de símbolos.
 Inmaculada Concepción de Juan de Juanes
Iconografía:
Ojos mirando hacia abajo (no siempre se cumple) vestida de blanco y manto azul.

– Con la media luna a los pies y rodeada por el sol. Pisa la serpiente a veces, que
simboliza el pecado.
– Rodeada de las letanías (arma virginis).
 Alegoría de la virgen Inmaculada- de Juan de Roelas  Museo Nacional de Escultura (Valladolid)
 Donde tambien aparece toda la simbología del Dogma.
 Inmaculada Concepción niña de Zurbarán 1656 Colección Plácido Arango

El dogma de la virginidad de María era importantísimo durante la época del Barroco, pues sirvió de bandera en la lucha contra los protestantes. La mejor manera de hacer visible esta pureza la encontró Zurbarán representando a la Virgen bajo el aspecto de una niña. Parece evidente que la niña es una modelo natural y probablemente se trate de su hija Manuela, que en la fecha que se pinta el lienzo tendría unos siete años.

Inmaculada del Coro “La Niña” – Murillo, 1668 – Procedente del Convento Capuchinos y en la actualidad en el Museo de Bellas Artes de Sevilla
Murillo tambien representó a la Virgen Niña.

Inmaculada de Francisco Pacheco  1621 col. particular

Este tema fue tratado por el pintor en diversas ocasiones. Zurbarán utilizaba el color rosado para la túnica de la Virgen hasta que Francisco Pacheco en el 1649 escribió el canon de estética para la tipología de la Inmaculada Concepción en el tratado Arte de la pintura. Pacheco seguía las indicaciones de la monja Beatriz de Silva que había tenido una visión de la Virgen vestida de blanco y azul cielo en el año 1615

Inmaculada Concepción de Diego Velázquez, c. 1618

En contrapoición con su maestro y suegro Francisco Pacheco, el cromatismo parece haber sufrido un oscurecimiento general, a causa de la cera aplicada en una antigua forración. Pero de todos modos no es probable que en su estado primitivo alcanzase la claridad de las Inmaculadas de su maestro, Francisco Pacheco,
La integración de los símbolos de las Letanías Lauretanas en el paisaje (nave, torre, fuente, cedro), aun a costa de faltar a la verosimilitud en un grado mayor del que acostumbraba su maestro y suegro, a quien gustaba integrar la Torre del Oro o la Giralda  en los suyos.

Inmaculada Concepción  de los Venerables o de Soult  Murillo (Museo del Prado 1678)

La conocida como Inmaculada «de Soult» es un cuadro del pintor español Bartolomé Esteban Murillo, pintado hacia el año 1678. Se conserva en el Museo del Prado de Madrid, donde destaca como una de las obras más importantes de la última etapa del maestro.

Inmaculada Concepción de Tiépolo 1769

Aparecen en esta escena toda una serie de símbolos relacionados tradicionalmente con la Virgen: en primer lugar, la corona de doce estrellas y sobre ella, una paloma que representa el Espíritu Santo. Se alza, envuelto en el típico manto azul celeste, sobre la esfera terrestre y una media Luna, pisando a la serpiente o dragón que es el Diablo que lleva en la boca la manzana que hizo caer en la tentación a Adán y Eva, de manera que la Virgen aparece como redentora del Pecado Original. Uno de los ángeles porta la vara de azucenas, sobre el suelo se ve una palmera, una rosa y, entre las nubes, un espejo.

Inmaculada Concepción con San Juan  de el Greco
la devocion  de la Inmaculada Concepción de María, madre de Jesús, al que alude el cuadro que estamos viendo, y que en ese momento estaba  en pleno proceso de exaltación, aún cuando sus orígenes se remontaban bastantes siglos atrás. Al parecer ya estaba en la tradición de muchos lugares del este europeo en el siglo VI, que lo celebraban como día festivo bajo la invocación de Concepción de María, y fué paulatinamente pasando al resto del continente hasta llegar a la figura del monje franciscano Duns Scotus, quién  defendió con firmeza que la Virgen había sido concebida sin pecado original

Inmaculada Concepción de Zurbarán
En esta versión, de las varias que hizo Zurbarán de este tema, María aparece de pie sobre cinco querubines que ocupan media luna. Luce un collar con el anagrama A[ve] M[aría], mientras una multitud de estrellas y de angelitos se confunden en medio de las nubes en la aureola que le rodea la cabeza. En la parte alta, a los lados hay dos ángeles con lirios, rosas (atributos de pureza) y tablas con inscripciones del «Cantar de los cantares». En la baja aparecen dos colegiales y símbolos que se atribuyen a María: Espejo sin mancha, Escala de Jacob, Puerta del cielo y Estrella de la mañana.

Inmaculada Concepción de Zurbarán 1650 Museo Diocesano de la Catedral de Sogüenza (Guadalajara)

Inmaculada Concepción de Murillo «La Colosal» procedente del Convento de San Francisco de Sevilla se expone en el Museo de bellas Artes de Sevilla.
Recibe el nombre de la Colosal por sus grandes proporciones ya que se realizó para ser colocada sobre el arco de la capilla mayor, a gran altura y distancia del espectador. Con las manos unidas la Virgen dirige la mirada hacia abajo acentuando la sensación de profundidad de quien la contempla.
El buscado  efecto de movilidad espacial de carácter barroco se consigue a través de dos diagonales: la que forman la luna con la nube y los ángeles y la que forma el vuelo del manto.

Inmaculada Concepción de José de Ribera 1630
Durante el siglo XVII (años 1600s) varios artistas realizaron pinturas que representan a la Inmaculada Concepción vistiendo una túnica blanca y un manto azul, habiendo sido elegidos esos colores como representación en sentido figurado de la Virgen María que de acuerdo con el catolicismo se considera la reina de los cielos; de ahí que los colores utilizados en esas obras pictóricas sean el azul del cielo y el blanco de las nubes que lo atraviesan.
Bajo la imagen aparece la media luna, el demonio en forma de dragón, aplastado por la Virgen, el ramo  de azucenas y otros simbolos de las letanias: como la torre eburnea.

Inmaculada Concepción de Francisco de Goya  Museo del Prado 1784

Este pequeño boceto fue adquirido por el Estado con destino al Museo del Prado en 1891 por la cantidad de 3.000 pesetas. Su propietaria era doña Eulalia García de Rivero. Se considera como un boceto preparatorio realizado por Goya para uno de los cuadros destinados al Colegio de Calatrava en Salamanca pintados en 1784 por encargo de Gaspar Melchor de Jovellanos, conjunto destruido por las tropas francesas durante la Guerra de la Independencia.
La Inmaculada Concepción pintada por Velazquez  hacia 1618 y conservada en la National Gallery de Londres podría ser, con su pareja, el San Juan Evangelista de Patmos, del mismo museo, la primera de las obras conservadas del sevillano, pintada con poco más de 18 años.

La Inmaculada Concepción  Mariano Salvador Maella. 1781
Boceto preparatorio para el cuadro del altar mayor de la Capilla de San Antonio en la Iglesia madrileña de San Francisco el Grande. Formaba parte de la decoración de la iglesia, concluida en 1781, y promovida por Carlos III. Siete pintores de la corte, todos ellos académicos, fueron los encargados de realizar, entre 1781 y 1784 uno de los proyectos decorativos más importantes de ese periodo, los lienzos del altar mayor y de los seis altares de las capillas laterales de la iglesia. Maella trabajó allí mismo junto con Andrés de la Calleja, Francisco Bayeu, Mariano Salvador Maella, Antonio González Velázquez, Gregorio Ferro, José del Castillo y Francisco de Goya.

Inmaculada Concepción de Peter Paul Rubens   Museo del Prado

Rubens -con su genio, imaginación y recogiendo algunas ideas de Pacheco, consigue representar una de sus estampas más bellas y delicadas. Las discusiones sobre el dogma de la virginidad de María provocaron un desorbitado aumento de las imágenes marianas en el Barroco Español.
La Virgen, al contrario de otras, viste túnica roja -símbolo del martirio psicológico al padecer el sufrimiento de su hijo- y manto azul como símbolo de eternidad. Pisa una serpiente con una manzana en la boca, que simboliza el pecado, y se coloca sobre la luna. A su lado, dos angelitos desnudos portan una corona de laurel, representando el triunfo, y una palma de martirio. Resulta destacable la belleza del rostro de la Virgen, coronada de estrellas y con un halo de luminosidad a su alrededor.

http://alba-todosobrearte.blogspot.com.es/2012/12/inmaculada-concepcion.html

Artehistoria

Páginas del Museo del Prado y del Bellas Artes de Sevilla