El peinado en el arte romano

Aunque dadas sus características y la laboriosidad en su ejecución, también podríamos titularlo «El arte del peinado romano»

Los peinados de las mujeres romanas eran verdaderas obras de arte. Durante horas quedaban en manos de sus peluqueras para conseguir unos complicados recogidos en los que se invertía mucho tiempo y dinero
A lo largo del imperio, los peinados fueron complicándose siguiendo unos modelos: sujetaban todos los cabellos con cintas sobre la nuca, llevaban varios pisos formando un peinado alto, disponían los cabellos en semicírculo con tirabuzones alrededor… Todos estos peinados necesitaban postizos, agujas comatoriae, redecillas y las manos de esclavas expertas. También era habitual el uso de pelucas rubias y de tintes para aclarar el color de los cabellos.

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Diversos peinados de la mujer romana

Vamos a conocer un poco su historia, tendencias y evolución.

FAUSTINA MINOR    Museo del Louvre

Inicialmente los cabellos femeninos se arreglaban con gran sencillez: La simplicidad del peinado republicano, con raya al medio y moño
Imagen relacionada

Estatua de Ovidio en Constanza, realizada por Ettore Ferrari

Según Ovidio: «A la mujer romana la mayor parte de sus esfuerzos se van en el peinado. Porque algunas no pasarían un juicio favorable sobre sus dones naturales y, por medio de pigmentos que pueden colorear de rojo el pelo para igualar al sol de mediodía, ellas tiñen su pelo con un capullo amarillo como colorean la lana; las que están satisfechas con sus rizos oscuros gastan la fortuna de sus maridos en ungir su pelo con casi todos los perfumes de Arabia; utilizan herramientas de hierro calentadas a fuego lento para rizar su cabello a la fuerza en bucles, y rizos elaborados con estilo traídos hacia las cejas dejan la frente sin apenas espacio, mientras las trenzas por detrás caen orgullosamente hasta los hombros.”

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Busto de matrona
Con el tipico peinado que puso de moda Julia Flavia que consistía en un abultado tupé sobre la frente hecho con rizos y que era muy caro.
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AGRIPINA

Los comentarios de Plinio refiriéndose al peinado de las mujeres decía:

Sus trenzas eran suaves como el amanecer. Con cuanta frecuencia he presenciado su tortura, al obligarlas, pacientemente, a resistir el hierro y el fuego, para que formaran pequeños bucles. No, tuyo es el delito, y tuya fue la mano que derramó el veneno en tu cabeza.
Ahora Germania te enviará la cabellera de una esclava; una nación vencida proporcionará tus ornamentos.”

«También detienen la caída del cabello las lagartijas reducidas a ceniza, con la raíz de una caña recién cortada, finamente troceada para que se consuma al mismo tiempo, a lo cual se añade aceite de mirto”. (Plinio, H. N. XXIX)
No hay ninguna descripción de la foto disponible.Julia,  Museos Capitolinos Roma

Complicado peinado con rizos sobre la frente y moño, probablemente postizo, a base de trenzas recogidas con una redecilla.

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San Isidoro en sus etimologías, habla de esta redecilla así: «La redecilla (reticulum) es la que recoge la cabellera, y se llama así porque retiene los cabellos para que no aparezcan despeinados.» (San Isid. Etim. XIX, 31)»

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Cabeza de marmol con diadema

Otro comentario de San Isidoro la define:»La diadema es un ornamento propio de la cabeza de las mujeres; está confeccionada a base de oro y piedras preciosas; se ata por la parte de atrás abriendo sobre sí mismo los extremos.» (San Isid. Etim. XIX, 31)

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Venus del Esquilino, tocada con una vittae crinalis

Las «vittae crinalis» (cintas) podían llevarlas las vírgenes o las mujeres casadas y eran símbolo de buena reputación. Podían adornarse con piedras preciosas y también las utilizaban los sacerdotes y vestales.

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ORNATRIX

Imprescindibles, la profesional de la belleza femenina se llama Ornatrix: era una mezcla de peluquera, estethicien y asesora de imagen cuya finalidad fundamental era embellecer a las matronas romanas. En lo que respecta a las funciones de peluquería lavaban el pelo a las clientas, hacían eliminar las canas más visibles arrancándolas con pinzas y eran expertas en la confección de recogidos, elemento fundamental para diferenciar a simple vista a una dama y a una prostituta (ellas lo llevaban suelto).

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Ritos y supersticiones romanas

 

La antigua Roma es conocida gracias a sus grandes conquistas, sus logros en ingeniería civil y militar, sus leyes o por las fuertes personalidades que habitaron en ella y que cambiaron la faz del mundo antiguo. 
 Pero ademas, desde los tiempos más remotos los hombres se han sentido atraídos por las fuerzas de lo oculto, de lo oscuro. Prácticas como la “oniromancia” (interpretación de los sueños), el vudú, la magia del “amarre” mediante nudos, las maldiciones escritas en tablillas de plomo (defixionum tabellae), la astrología, los amuletos de protección… eran habituales en el mundo romano desde su más remota historia. Pronto los rituales mágicos, las supersticiones y las creencias religiosas ocuparon un lugar importante en sus vidas.
Pero sin duda uno de sus pilares fundamentales fue la religión y sus variantes como las supersticiones. Lo que hoy calificaríamos como superstición o “cosas de viejas”, tienen una raíz muy lejana en el tiempo. 
Muchas de ellas nos han llegado con el legado que Roma nos dejó, incluso en el propio idioma con expresiones como pájaro de mal agüero o agorero,. Los martes eran días nefastos, pues al estar dedicados a Marte, dios de la guerra, se pensaba que cualquier cosa de relevancia, podía acabar en desastre. De ahí la frase: Martes, ni te cases ni te embarques. 
Se podría hacer un extensísimo ensayo sobre este tema, y más teniendo en cuenta la capacidad de absorción que tenía la sociedad romana de otros pueblos con los que interactuaba. Como no es mi intención ni mucho menos abarcar un milenio de creencias y ritos, voy a centrarme en tres aspectos bastante cotidianos y quizás para muchos algo desconocidos: adivinación, sacrificios y maldiciones. Y tras considerar estos factores, vamos a introducirnos en el mundo romano de los auspices, agoreros, oráculos y demás adivinos que tanto influyeron en las costumbres y decisiones de los romanos y que han trasmitido a nuestros días, a veces con gran intensidad. 

Joven llevando una ofrenda a Baco
Era un homenaje habitual en Roma al Dios de turno.

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Lar romano de bronce (M.A.N)

Lares: Las familias romanas sentían una gran veneración por los lares, que representaban en forma de pequeñas estatuas. Éstas se colocaban tanto dentro como fuera de la casa en pequeños altares llamados lararia siempre rebosantes de ofrendas.


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Los Lares

Fresco pompeyano con su representación.

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Los Dioses de Roma
Casi todos adoptados de Grecia, unos eran hijos de Zeus, que en Roma se le conocía por Júpiter y otros eran protectores de las principales actividades de la sociedad romana,
Los Dioses eran consultados por los adivinos, cada vez que algun ciudadano, tenia que realizar una actividad de cualquier índole.

LOS AUSPICIOS

Un auspicio (del latín:»Avís»-ave- y el verbo «spicio»-ver, mirar») auspicium de auspex, literalmente «el que mira a los pájaros», y la figura del adivino que interpretaba a las aves es muy antigua y se practicó en otras naciones incluso desde el S.XIV a.C.

 

Grabado del siglo XVIII donde se muestra al augur tomando los auspicios en la entronización del rey romano Numa Pompilio.
Los sacerdotes augures eran considerados los más antiguos de Roma, si bien los auspicios también podían ser interpretados por los magistrados. El Augur predecía un buen o mal augurio observando el vuelo de las aves, por ejemplo. El Arúspice leía las entrañas de los animales (extispicina) y presagiaba si era un buen momento para realizar un acto o no, o interpretaba fenómenos meteorológicos como el trueno o el rayo. 
Este tipo de personajes era consultado sobre todo por emperadores y militares aunque en el ámbito particular también eran reclamados.

Pronto adquirió rango oficial y los adivinos se organizaron en dos colegios sacerdotales: los augures que descifraban la voluntad de los dioses a través del vuelo de las aves y el apetito de los pollos sagrados, y los arúspices, a través del examen de las vísceras de los animales sacrificados
Los adivinos ceñían su cabeza con coronas de laurel, porque este árbol estaba consagrado a Apolo, y además llevaban un ramo de lo mismo en la mano, a veces masticaban sus hojas

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TIPOS DE AUSPICIOS

Ex acuminibus, era el auspicio que se sacaba por el giro que hacia la punta de los dardos, flechas y picas lanzados por el aire
Juge, se entendía funesto cuando dos animales uncidos chocaban entre sí.
Liquidum, el auspicio que se tomaba cuando el cielo se veía claro y despejado.
Pedestre, el sacado de los cuadrúpedos.
Piaculare, funestísimo , porque la víctima o había huido del altar o había mugido después de estar herida o finalmente, había caído de distinta manera de la que convenía.


En el grabado, augur observando como «comen» los pollos.

LOS AUGURES:

En la antigua Roma, un auspicio fue un signo de los dioses, interpretado por un augur. Un augur llevaría a cabo una ceremonia (conocida como «tomar los auspicios») y leería las pautas de las aves en el cielo. Dependiendo del pájaro, los auspicios de los dioses podían ser favorables o desfavorables (auspiciosos o inauspiciosos )
Era mucho más habitual el recibir señales de tipo visual, conocidos como auspicium o contemplación de las aves, debido a que la ornitomancia era la forma más extendida de adivinar por medio de la vista. El más famoso es el de Rómulo y Remo cuando fundaron la ciudad (Tito Livio. Historia de Roma 1, 6-7).

La observación de los pájaros, cumplia una importante misión en la predicción del futuro

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Detalle de mosaico con fauna acuática, (Carranque, Toledo)

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Tumba de los Augures de Tarquinia 

Su nombre se debe a que la figura del árbitro de la lucha entre los dos personajes masculinos desnudos se interpretó en principio como un adivino.

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Augur con su «litus»Un augur era un sacerdote de la Antigua Roma que practicaba oficialmente la adivinación. Los augures existían desde la fundación de Roma, ejerciendo una práctica tomada de griegos y etruscos. Su corporación constituía uno de los cuatro prestigiosos colegios sacerdotales de la Antigua Roma.

TIPOS DE AUGURIOS:

Augurio Celeste, era el que se sacaba del relámpago y del rayo: un relámpago, observado del lado izquierdo, denotaba, dice Virgilio, presagio favorable: los rayos que partían de N. a S., se reputaban de mal agüero: al contrario los que cruzaban de E. a O.

Augurio Coactum, forzado: se llamaba el que daban las aves estimuladas por el hambre.


Augurio imperativo, el que se pedía a los dioses, según Servio.


Augurio náutico, el que, dice Virgilio, tomaban los marineros y la gente de mar sobre los cisnes.


Augurio oblativo, el que según Servio, se presentaba sin ser solicitado.


Augurio de la Salud, que se practicaba con el propósito e idea de saber si sería lícito dirigir preces a los dioses por la salud del pueblo.


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Auguraculum , arx o Tabernaculum de Complutum (Alcalá de Henares)

Fueron los nombres que se conocían como sitio elevado que escogían los augures para hacer sus observaciones; este paraje estaba situado dentro de la población, y como no era permitido tomar augurios fuera de ella, Varrón los llama «urbana auspicia«,aunque terminaba la ceremonia en el «Pomaerium», espacio que comprendía parte de los muros de dentro y fuera de la población
Podríamos pensar que los augures podían ser sobornados por algún político sin escrúpulos para conseguir así sus objetivos: retrasar o adelantar unas elecciones, conseguir un cargo o un negocio… Y sí, no vais mal encaminados al hacerlo ya que entonces también existía la corrupción y el cohecho

También existía la posibilidad de consultar al augur en el vuelo de las aves e interpretación de fenómenos atmosfericos.
Éste delimitaba en el suelo dos líneas perpendiculares (cardus y decumanus) con su bastón sagrado (lituo), obteniendo así cuatro cuadrantes donde buscar las señales divinas.
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Augusto como Pontifice Máximo

Augusto no hacía ninguna misión oficial sin consultar antes a su Colegio de augures que mediante ritos podían cambiar el curso de la Historia
De madrugada, el sumo sacerdote de los augures subía a la colina del capitolio empuñando el báculo o lituo (heredado después por los obispos católicos) y trazaba en el cielo hacia el Sur un cuadrángulo marcando el cardus y el decumanus, esperando al alba.
 Augusto antes había dado la orden de que no circulara ningún carromato a esa hora para que el silencio fuera absoluto, y en un momento determinado, un esclavo adiestrado para tal fin, cuando reinaba el mayor de los silencios, avisaba al augur que mirara al cielo. 
Es entonces que esperaban que cruzara el ave. Si lo hacía por la parte superior, el augurio era propicio, si lo hacía por la inferior, era adverso, pero si el pájaro entraba de oeste a este, peor no podía ser.

Si las aves venían por la derecha del oficiante era buena señal, más todavía si esas aves eran de vuelo alto, pero había que tener cuidado pues si en ese momento un pájaro más común, como un gorrión por ejemplo, volaba bajo el augurio quedaba anulado.
Y por supuesto si el vuelo procedía del lado izquierdo, el comienzo de la empresa en cuestión debía anularse o retrasarse

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EL LITUO
Moneda representando a un augur con sus utensilios, entre ellos el Lituo


Bastón ceremonial de los augures, representado en esta moneda romana.

Tarquinio consultando al augur Attus Nevius  de Sebastiano Ricci

LOS ARÚSPICES

La ciencia augural con su nueva clasificación, es llamada Aruspicina, de ara, esto es, altar y de spicere, que denota observar
Los arúspices, eran adivinos que examinaban las entrañas de los animales que eran sacrificados para así adivinar el futuro futuro. Estos eran consultados en privado. 

El senado romano no tomaba decisiones sin antes consultar a los arúspices, por eso el emperador Claudio estudió lo etrusco y creó un colegio con 60 arúspices el cual existió hasta el año 408. 

 Se podía consultar a un arúspice para que interpretara las entrañas de algún animal, preferentemente el hígado que, se dividía en cuatro partes que a su vez contenían cuatro sesgos más que representaban las respuestas a la pregunta realizada a las divinidades. Esta división en 16 partes (aunque sólo se cortaran cuatro) era la misma que realizaban los etruscos del firmamento.

Los arúspices eran temidos y considerados entre las personas ilustradas como unos verdaderos insensatos suponiéndose instruidos en el conocimiento del porvenir: sabida es la respuesta que dio Aníbal al mensaje de Prusias, rey de Bitinia, cuando éste rehusó dar la batalla porque se lo habían prohibido las entrañas de las víctimas, y Catón dijo que no le era fácil comprender cómo los augures y los arúspices al encontrarse en la calle podían contener la risa.


El color de las vísceras, la disposición de éstas o la falta de algún órgano también podía revelar detalles de lo consultado. Por Platón sabemos que la hepatoscopia ( observación del hígado) gozó de mayor prestigio que el augurio por las aves

LOS SACRIFICIOSEra tan importante tener a los dioses apaciguados (pax deorum), que los romanos pensaban que de ello dependía la propia existencia de Roma, dando una importancia capital a ciertos ritos y sacrificios, manteniendo así un equilibrio con las divinidades.

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No había que esperar a una gran batalla para realizar estos ritos, un viaje, la apertura de unos comicios o la aprobación de una nueva ley eran motivos suficientes para consultar la aprobación de los dioses pertinentes para tal o cual acción.
En estas ocasiones lo que demandaba el dios o dioses era un sacrificio. Los sacrificios eran normalmente de anímales, aunque en muchas ocasiones también se ofrecían alimentos como cereales, frutas o vino

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 También hubo sacrificios humanos en Roma, sobre todo de niños, siendo el último registrado durante la segunda guerra púnica después del desastre de Cannas. Según los propios los romanos, el acto del sacrificio era el que más satisfacía a los dioses,
Según Plinio el Viejo, los sacrificios humanos fueron abolidos por decreto senatorial del año 97 a. C. y el Imperio romano prohibió esos ritos en todas partes considerándolos bárbaros

Sibila Cumana. Capilla Sixtina Miguel Angel.

LOS ORÁCULOS

Un oráculo (μαντειον) es una respuesta que da una deidad por medio de sacerdotes, o de la Pitia o Pitonisa griega y romana, o la Sibila, o incluso a través de interpretaciones de señales físicas (tintineo de campanillas, por ejemplo), o de interpretaciones de símbolos sobre piedras, como las Runas, o de interpretaciones de símbolos sobre cartas, como el Tarot, o de sacrificios de animales.
Los romanos asimilaron y heredaron los oráculos griegos, creando además los suyos propios como aquel de la Sibila de Cumas. En la Antigüedad se la consideró como la más importante de las diez sibilas conocidas.

LOS LIBROS SIBILINOS

Se consultaban los libros sibilinos, libros que fueron ofrecidos al rey Tarquinio por la Sibila de Cumas (ciudad de la Campania) a cambio de una gran cantidad de dinero. Estos libros contenían profecías todas ellas relacionadas con el «fatum» de la ciudad

 

 Libro de hojas de palmera.

Así pudieron ser los LIbros Sibilinos.
En 83 a. C. el fuego destruyó los llamados Libros Sibilinos originales y hubo que formar una nueva colección que no ha llegado hasta nuestros días porque en 405 el general romano Estilicón, ordenó su destrucción. Estos libros ejercieron gran influencia en la religión romana hasta el reinado de Augusto.

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Sibilas y Ángeles, 1514, Rafael, Roma, Santa Maria della Pace

Años mas tarde, Augusto terminó de recopilar copias de los destruidos y los depositó en templo de Apolo Palatino, fundando un colegio, solo para cuidarlos e interpretarlos y los sacerdotes decidian cual era la mejor manera de agradar a los dioses

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Santuario de Delfos

  EL ORÁCULO DE DELFOS

En épocas antiguas en el Santuario de Delfos, estaba el lugar del oráculo , dentro de un templo dedicado al dios Apolo. 
Delfos era reverenciado en todo el mundo griego como el lugar del ónfalos (ombligo) o centro del universo
Ya en época romana, el Santuario de Delfos, a mitad del siglo I fue saqueado per Nerón, que se llevó 500 estatuas de bronce, y abolió el oráculo. Pero Adriano, más tarde, lo restauró y volvió a tener cierto renombre y esplendor por un tiempo.



Antigua moneda de Delfos.

En tiempos de Caracalla dejó de emitirse moneda en Delfos. Constantino el Grande se llevó algunas figuras para su nueva capital. Juliano el Apóstata aún consultó el oráculo, pero finalmente fue suprimido por Teodosio I el Grande en 385 al prohibir el culto pagano.

 

Otra de las diez sibilas, era la Délfica.

Representación en el techo de la Capilla Sixtina realizada por Miguel Angel, donde están las demás, incluida la Cumana.


Egeo, mítico rey de Atenas, consultando a la Pitia, el Oráculo délfico, que está sentada en un trípode.
La inscripción en la copa identifica a al Pitia con la diosa Temis. Tondo de kílix ático de figuras rojas, del Pintor Codros, c. 440-430 a. C., conservada en le Museo de Berlín . 
Ésta es la única imagen contemporánea de la Pitia.


LAS MALDICIONES

Por último nos quedan las maldiciones, que aunque se podían hacer directamente ofreciendo dádivas al dios que se pidiera ayuda, el uso más común era el de las tablillas de maldición (defixionum tabellae).

Se escribía en ellas el nombre del destinatario de la maldición y todas las penurias que le deseaba, mientras le rogaba al dios o ser oscuro al que se lo pedía.
Los antiguos romanos no se quedaban cortos en lo que respecta a las bajas pasiones y tampoco parecían muy preocupados por ocultarlas.
Bien al contrario, tenían la costumbre de gritarlas a los cuatro vientos en forma de mensajes, maldiciones y amenazas que plasmaban en tablillas de cera, paredes o papiros.
Las conocidas como “tablillas de maldición” son un buen ejemplo de ello y en una encontrada en Bath (Reino Unido), su autor invoca a la diosa Sullis Minerva para que cause “impotencia, locura o ceguera” a los rivales.

LOS AMULETOS

Amuletos para la mala suerte usados en Roma habitualmente.

Utilizaban así un sin fin de amuletos protectores de entre los que destacan el fascinum (falo),

SUPERSTICIÓN EN LA ROMA DE LOS CÉSARES

El pueblo romano era muy supersticioso. Creativos, pragmáticos, estrategas y, aunque parezca contradictorio, temerosos de los dioses y de la magia. 
Al igual que los griegos, de los que heredaron esta mentalidad, los antiguos romanos buscaban algún tipo de protección o ayuda para prevenir o causar el mal. Costumbres y ritos más o menos complejos que les aportaban seguridad frente a los innumerables peligros que aguardan en la existencia.  En este sentido protector, los amuletos cumplían su función.

El mas cotidiano era el llamado tintinnabulum, llevaba una campanillas con aspecto fálico y como al falo se le consideraba un talismán, a su sonido, se le atribuían poderes para atraer la buena suerte y alejar los malos espíritus. A los recien nacidos se les colgaba un falo pequeñito para el mal de ojo.

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la fica (higa o puño cerrado con el dedo pulgar entre el índice y el corazón)

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y el ojo (ya fuera pintado de azul o representando al sol). Todos ellos alejaban el “mal de ojo” o las miradas envidiosas de la gente.

Otro amuleto protector de uso habitual era la bulla:

La bulla o bula (del latín, bulla, «burbuja»), en la Antigua Roma, era un colgante o medallón que llevaba dentro un amuleto que se ponía a los niños varones nueve días después de su nacimiento.
Se llevaba alrededor del cuello, como amuleto para proteger a su portador contra los malos espíritus.

Los niños romanos nacidos libres seguirían llevando la bulla,  junto a la toga praetexta, hasta la edad de portar la toga viril, a los 16 años, cuando pasaban a la edad de la adolescencia y llegaban a ser ciudadanos romanos. Se guardaba entonces con sumo cuidado, consagrándola a los dioses Lares o a Hércules.

Mosaico romano, con una imagen para ahuyentar a los envidiosos y el mal de ojo.

domus de Astúrica Augusta (Astorga, León)

MOSAICOS

Los menciono, por la importancia que tuvieron para descifrar la vida y costumbres romanas, como indudable documento gráfico.
Asi en este se intentaba ahuyentar la mala suerte, el mal de ojo y, en suma, a los envidiosos. Ese era uno de los cometidos de los mosaicos en la Antigua Roma

 Lararium. Detalle.

SUPERSTICIONES EN TORNO A LA COMIDA

El ritual sagrado se mantuvo en los banquetes y formó parte de una codificación cultural que recordaba la religiosidad de los primeros tiempos. Sin embargo, el significado religioso primordial fue olvidándose y buena parte del comportamiento codificado o ritualizado se convirtió en pura superstición mezclada con creencias populares.
 

  Triclinium

Una creencia muy extendida era que no se podía recoger el alimento que había caido de la mesa al suelo y volverlo a poner en la mesa. Si caía al suelo, automáticamente formaba parte del mundo subterráneo de los difuntos, por lo que debía dejarse ahí y, posteriormente, cuando fuese recogido por los esclavos en el momento oportuno, sería quemado como ofrenda a los Lares.
Conviene saber que en la Roma primitiva los difuntos familiares se sepultaban bajo el suelo de las cabañas y que la presencia de estos se consideraba permanente en la casa.

 

   Asarôtos oikos. Aquileia.

Posiblemente por ello se considera que todo alimento que toca tierra se pone automáticamente en contacto con el reino de los muertos. 
Todo lo que toca tierra se considera tabú, sacer, incluidas las hojas y hierbas que sirven para hacer infusiones medicinales. 
A menudo se representa este motivo en los mosaicos del pavimento, constituyendo el tema del “comedor sin barrer” o asarôtos oikos. Los restos de comida son representados con gran realismo en los suelos de los comedores 

Lararium en la cocina. Pompeya.

Lámpara de aceite 


Otras supersticiones:

No se deben apagar las lámparas tras la comida

La mesa tampoco puede permanecer enteramente vacía

Besar la mesa servía para evitar las sombras de los muertos y las brujas
 
Existía la prohibición de entrar a la sala del triclinium con el pie izquierdo

Los números tenían también un valor simbólico. El número ideal de comensales es entre tres, como las Gracias, y nueve, como las Musas, repartidos en tres lechos triclinares con capacidad para tres personas cada uno 
 
 Y muchas creencias más, como aquella de los primeros tiempos que prohibía usar cualquier objeto metálico en la mesa y obligaba a usar vajilla de madera o terracota, o la de atribuir mala suerte a servir el mismo plato después de un estornudo. 

Como habreis comprobado, los romanos tenían ritos y supersticiones para cualquier actividad de su vida y eran tan habituales, que parecían no dar un paso sin tenerlas en cuenta. 




FUENTES: 

 http://historiaoleyenda.com/augurios-sacrificios-maldiciones-roma/

 https://es.wikipedia.org/wiki/Auspicio 

 https://franciscojaviertostado.com/2015/09/28/y-un-pajaro-dicto-el-futuro-del-imperio-romano/

http://www.thaleia.es/web/thaleia/actividades/roma-arcana/

https://domus-romana.blogspot.com/2018/11/fascinum-amuletos-contra-el-mal-de-ojo.html

     

Palabras y frases latinas


El latín, fue el idioma del Imperio Romano que acompañó las conquistas, dando lugar al nacimiento de las lenguas romances y que sólo sobrevive hoy como idioma oficial del Vaticano.
Sin embargo, muchos idiomas, entre ellos el español, que lo reconoce en los diccionarios de la Real Academia Española, usan expresiones latinas de manera repetida, empleándose con frecuencia en conversaciones corrientes, pasando a veces inadvertidas y sobre todo en el léxico judicial, médico y científico en general.

Hoy día se considera al latín una lengua muerta, pero…realmente es así?
Cuantas veces habéis empleado alguna de estas frases y palabras?

  1. Alea jacta est: La suerte está echada.
  2. Alma mater: Madre nutricia. persona artífice o impulsora de un proyecto.
  3. Amor omnia vincit: El amor todo lo vence. el amor sea capaz de sobreponerse a cualquier obstáculo.
  4. Beatus ille: Dichoso aquél tiempo. mostrando nostalgia por tiempos pretéritos.
  5. Carpe diem: Aprovecha el momento.
  6. Esse est deus: Ser es dios.
  7. Gaudeamus igitur iuvenes dum sumus :Disfrutemos pues, mientras aún somos jóvenes.
  8. Habemus papam: Tenemos papa.
  9. Hic et nunc: Aquí y ahora. Señala el momento presente
  10. In albis: En blanco.
  11. In extremis: En los últimos momentos.
  12. In situ: En el sitio.
  13. Ipso facto: Por el mismo hecho; automáticamente.
  14. Odi et amo: Odio y amor.
  15. Plus ultra: Más allá.
  16. Quid pro quo: Una cosa por la otra.
  17. Semper fidelis: Siempre fieles.
  18. Tempus fugit: El tiempo se escapa.
  19. Veni, vidi, vinci: Llegué, vi, vencí.
  20. Ad infinitum: Hasta el infinito.
  21. De parvis grandis acervus erit: : De las cosas pequeñas se nutren las cosas grandes.
  22. Nune aut nunquam : Ahora o nunca.
  23. Res non verba : Hechos, no palabras.
  24. Sine die: Indefinidamente. Sin fecha convenida.
  25. Mens sana in corpore sano: Mente sana en cuerpo sano.
  26. Gloria in excelsis Deo : Gloria a Dios en las alturas.
  27. De gustibus et colon bus non est disputandum: Sobre gustos y colores no cabe disputa. “sobre gustos no hay nada escrito”.
  28. Errare humanum est : Errar es humano
  29. Versus: Oponente, contra quien se disputa
  30. Ars longa, vita brevis: El arte es largo, la vida breve.
  31. Delirium tremens: Delirio y temblor.
  32. Ad hoc : Para un fin determinado; expresamente.
  33. Ad hominem: Contra el hombre.
  34. Casus belli – “Caso de guerra” Término para empezar una guerra
  35. Inter arma, silent Leges : “Cuando las armas hablan, callan las leyes”
  36. Cogito ergo sum: “Pienso, luego existo”
  37. Bibere humanum est, ergo bibamus: beber es humano, luego bebamos
  38. Currículum vítae: “documento que contiene nuestros datos, experiencia profesional, idiomas y formación en general”
  39. Grosso modo: “De forma aproximada, aproximadamente”
  40. Vox Pópuli: “La voz del pueblo”
  41. A priori: “Antes”
  42. Habeas corpus: “Tú tienes cuerpo” (derecho de expresarte ante un juez para saber si el arresto es o no legal)
  43. Persona non grata: “una persona no admitida, no grata”
  44. Sui generis: “único en su género, que no se puede clasificar”
  45. Motu Proprio: “se utiliza para decir que una acción se hace por propia voluntad”
  46. Mors certa, sed hora incerta: “la muerta es segura, pero la hora es incierta”
  47. Ab initio: Desde el principio.
  48. Ab intestato: Sin testamento.
  49. Ab origine: Desde el origen o la fuente.
  50. Ab ovo: Desde el huevo, figurativamente para indicar una narración que trata el asunto desde el principio o los orígenes. Lo contrario es in mediae res, relato que comienza en medio de los acontecimientos.
  51. Ad calendas grecas: Para las calendas griegas, un plazo que nunca ha de cumplirse.
  52. Ad efesio: Con alusión a la Epístola de San Pablo a los Efesios, que por extensión define despropósito, disparate, extravagancia, fealdad.
  53. Ad gloriarn: Trabajar por la gloria.
  54. Ad hoc: Para un fin determinado.
  55. Ad horninern: Argumento que se refiere a la persona, no a su posición.
  56. Ad honoren: Por el honor, sin estipendio o pago.
  57. Ad infiniturn: Hasta el fin.
  58. Ad interirn: Temporariamente.
  59. Ad libitum: Sin restricciones, a voluntad, a elección.
  60. Ad maiorem Dei gloriam : Para mayor gloria de Dios
  61. Ad referendum: Que debe informarse, que debe elevarse para la firma.
  62. Ad valorem: De acuerdo con el valor.
  63. Agnus Dei: Cordero de Dios. Jesús.
  64. Viceversa: De manera opuesta, lo contrario
  65. Alma mater: Inspirador, motivador.
  66. Alter ego: El otro yo.
  67. A posteriori: Después de. Por lo que viene después. .
  68. A priori: Antes de. Por lo que precede.
  69. Ars longa, vita brevis: El arte es largo, la vida breve.
  70. Auditoriurn: Sala para reuniones, conciertos o actuaciones.
  71. Bona fide: Buena fe.
  72. Carpe diem: Aprovecha el día.
  73. Casus belli: Acontecimiento que da motivo a una guerra.
  74. Circa: Ocurrido en ese tiempo.
  75. Consurnrnaturn est: Todo ha terminado. Palabras de Jesús en la cruz
  76. Corpus delicti: Cuerpo del delito.
  77. Curriculum vitae: Hoja de vida.
  78. Defacto: De hecho.
  79. De Iure: De derecho.
  80. Delirium tremens: Enfermedad mental provocada por el alcoholismo.
  81. De motu propio: De iniciativa propia
  82. Deo gratias: Gracias a Dios.
  83. Deo Volente: Dios mediante, Dios queriendo.
  84. Errare humanum est: Errar es humano.
  85. Excelsior: Lo más alto, excelso.
  86. Exempli gratia: Por ejemplo.
  87. Ex libris: De la biblioteca de.
  88. Ex nihilo, nihil: De nada, nada
  89. Ex post facto: Derivado de lo que se hizo. Después del hecho.
  90. Ex profeso: A propósito, con determinada intención.
  91. Ex voto: Ofrendas que los fieles dedican a los santos, la Virgen o Dios.
  92. Fíat lux: Hágase la luz.
  93. In flagrante delicto: Sorprendido en el momento de la ejecución del delito.
  94. Grosso modo: Estimación en general, por aproximación.
  95. Habeas corpus: Derecho de todo ciudadano, detenido o preso, a comparecer inmediata y públicamente ante un juez o tribunal.
  96. Idem: Significa lo mismo o es lo mismo.
  97. In extenso: Con todos los detalles y pormenores.
  98. In extremis: En el momento de la muerte.
  99. In promptu: De improviso.
  100. In secula seculorum: Por los siglos de los siglos.
  101. In situ: En el lugar.
  102. Lapsus lingue: Error de expresión.
  103. Memorandum: nota escrita, texto en que se deja asentado algo.
  104. Mens sana in corpore sano: Mente sana en cuerpo sano
  105. Modus operandi: Método habitual de actuar.
  106. Modus vivendí: Forma o estilo de vida.
  107. Mutatis mutandis: Cambiando lo que se debe cambiar.
  108. Mutis: Mudar de lugar. Se usa en el teatro cuando el actor se retira de la esecena.y también, hacer mutis, callarse.
  109. Non plus ultra: No más allá. Los límites que no se puedesuperar.
  110. Nihil obstat: Nada se opone.
  111. Nune aut nunquam: Ahora o nunca.
  112. Per capita: Por cabeza.
  113. Per se: Por sí mismo.
  114. Persona non grata: Persona no grata.
  115. Post mortem Póstumo.
  116. Primus inter pares: Primero entre iguales.
  117. Pro rata: Prorrata. Repartición proporcional o que corresponde a cada uno.
  118. Quid pro quo: Una cosa por otra equivalente. Tú me das, yo te doy.
  119. Quorum: Número necesario para sesionar en cuerpos colegiados.
  120. Rara avis: Pájaro raro, persona extraña
  121. Requiescat in pace: Descansa en paz.
  122. Roma locuta, causa finita: Cuando habla Roma, termina la causa. decisión inapelable del Vaticano.
  123. Sancta sanctorum: Parte interior y más sagrada del templo.persona de especial aprecio.
  124. Semperfidelis: Siempre fieles.
  125. Sic: Así, de esta manera. Suele usarse entre paréntesis tras una palabra o expresión para indicar que así fue como se dijo
  126. Sic transit gloria mundi: Así pasan las glorias mundanas.
  127. Sine die: Indefinidamente. Sin fecha cierta en el futuro.
  128. Sine qua non: Condición indispensable, sin la cual no.
  129. Statu quo: Condiciones estables, las mismas, que no cambian.
  130. Sui generis: Propias de uno, de un género o especie singular.
  131. Summum: Lo sumo, máximo, que no tiene superior.
  132. Superavit: Mayores ingresos que gastos.
  133. Tabula raía: Tabla rasa.
  134. Uítimatum: Resolución terminante y definitiva.
  135. Urbi et Orbi: A la ciudad (Roma) y al mundo, palabras de la bendición del papa cuando se dirige al mundo entero. Por extensión, se usa como sinónimo, de a los cuatro vientos, para todos.
  136. Ut supra: Como se indica más arriba.
  137. Vademecum: Tratado, texto o libro que contiene información completa. Su traducción literal es : ven conmigo.
  138. Vade retro: Se emplea para rechazar a una persona y al mismísimo diablo. Vade retro, Satanás.
  139. Verbi gratia: Verbigracia. Por ejemplo
  140. Ecce homo: “ He aquí el hombre”

Fuentes:

http://www.taringa.net/posts/arte/19363726/ 10-Frases-sobre-la-muerte-en-latin.html

http://santaclaraclasica.blogspot.com/2016/04/que-cuentan-los-relojes.html

http://pinarejolamancha.blogspot.com/2013/12/frases-en-latin.html

https://portalclasico.com/frases-en-latin-traducidas-y-explicadas

https://www.lifeder.com/frases-en-latin/

San Pedro y San Pablo

Iglesia de San Pedro y San Pablo (Cracovia, Polonia)


La Fiesta de San Pedro y San Pablo, cuyo nombre oficial es «Solemnidad  de san Pedro y san Pablo, apóstoles» es la conmemoración del martirio en Roma de los apóstoles Simón Pedro y Pablo de Tarso, celebrada el 29 de junio


San Pedro y San Pablo por el Greco.

En esta fecha coincide la celebración de San Pedro, el primer Papa, y San Pablo, también llamado “el Apóstol”, ambos considerados grandes pilares de la Iglesia.

San Pedro por Rubens

SAN PEDRO

Todos los datos y episodios relacionados con este santo, aparecen en los Evangelios oficilaes y apócrifos, Los Hechos de loa Apóstoles y las Epístolas de San Pablo, ademas de otros escritos del S.I.


Estatua de San Pedro en el Vaticano

Según el evangelio de San Mateo, Jesús,»caminando por la ribera del mar de Galilea vio a dos hermanos, Simón, llamado Pedro, y su hermano Andrés, echando la red en el mar, pues eran pescadores, y les dice: Venid conmigo, y os haré pescadores de hombres. Y ellos al instante, dejando las redes, le siguieron»


D. Ghirlandaio, «Llamada de los apóstoles» (1481), detalle  Capilla Sixtina (Vaticano)

Su nombre de nacimiento era Simón bar-Jona​, conocido también como, Cefas o simplemente Pedro y fue, de acuerdo con múltiples pasajes del Nuevo Testamneto, pescador de oficio en el mar de Galilea. Su lugar de nacimiento fue Betsaida,​ un pueblo junto al Lago de Genesaret y allí ejercía el oficio de pescador junto a su hermano Andrés, quien también fue apóstol.

Los hermanos Zebedeos: Santiago y Juan  Museo de las Peregrinaciones, Santiago de Compostela S.XVI

Los evangelios sinópticos lo presentan como uno de los tres discípulos íntimos que, junto con Santiago y Juan

Según dos pasajes del Nuevo Testamento fue el primero en reconocer a Jesús como el Mesías esperado. «Y él (Jesús) les preguntaba: “Y vosotros, ¿quién decís que soy yo?”. Pedro le contestó: “Tú eres el Cristo”

«Entrega de las llaves a San Pedro»   Perugino,  Vaticano

La Iglesia católica lo identifica a través de la sucesión apostólica como el primer papa, basándose, entre otros argumentos, en las palabras que le dirigió Jesús: «Tú eres Pedro, y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia, y el poder de la muerte no prevalecerá contra ella. Yo te daré las llaves del Reino de los Cielos. Todo lo que ates en la tierra, quedará atado en el cielo, y todo lo que desates en la tierra, quedará desatado en el cielo» (Mateo 16, 18-19)


La negación de San Pedro, óleo sobre lienzo de Theodor Rombouts (1597-1637, Belgium)

Los cuatro evangelios recogen también la profecía de Jesús anunciando la traición de Pedro quien lo negaría tres veces consecutivas por miedo a ser reconocido como seguidor de Jesús.

«Las lágrimas de San Pedro», José de Ribera

La negación de Pedro se cumplió…


«Liberación de San Pedro» por Rafael  estancias de Heliodoro, Vaticano

Aproximadamente en el 42-44 d.C. Pedro, quien se hallaba en Jerusalén, fue encarcelado por el rey Herodes Agripa I, pero fue liberado por un ángel.



Altar en la Carcel Mamertina de Roma, donde estuvo Pedro encarcelado

Icono bizantino

De acuerdo con la epístola a los Gálatas, Pedro se trasladó a Antioquía, donde Pablo lo encontró más tarde  y después de haber fundado la iglesia de Antioquía, fue a Roma a predicar el Evangelio


«Dómine, quo vadis?» de Anibal Carracci

En el camino a Roma, por la Via Appia, fué cuando dijo la famosa frase en latín «Quo Vadis?» que significa «¿A dónde vas?» que viene del  texto de los «Hechos de Pedro»



San Pedro por el Greco

La tradición católica de los Padres de la Iglesia narra que Pedro acabó sus días en Roma, donde fue obispo

«Martirio de San Pedro» por Caravaggio

Allí murió martirizado bajo el mandato de Nerón en el Circo de la colina vaticana o en sus proximidades, sepultado a poca distancia del lugar de su martirio y que a principios del siglo IV el emperador Constantino I el Grande mandó construir una gran basílica sobre su sepultura.


«Crucifixión de San Pedro» Políptico de Pisa  por Masaccio

El texto apócrifo «Hechos de Pedro», escrito en el siglo II, relata que Pedró murió crucificado cabeza abajo, ya que no quiso hacerlo igual que Cristo

Su tumba fué encontrada mas tarde bajo el altar de la Basílica de San Pedro en 1965. Está sencillamente marcada con su nombre y hay restos humanos en ella.

En la Iglesia de San Pedro de Olite, el dintel tiene una decoración esculpida a base de tres escenas consecutivas que describen algunos momentos de la vida del titular del templo: San Pedro. Vemos consecutivamente como recibe las llaves de la Iglesia de manos de Cristo, Luego una escena en que aparece en su barca y Cristo frente a ellos Y por último un momento de su juicio y sentencia seguidos de la escena de la crucifixión cabeza abajo


Basílicas de San Pablo extramuros y San Pedro del Vaticano en Roma

SAN PABLO

Saulo Pablo nació entre el año 5 y el año 10 en Tarso (en la actual Turquía), por entonces ciudad capital de la provincia romana de Cilicia

San Pedro y San Pablo por el Maestro de San Ildefonso

San Pedro y San Pablo por Fernandez Navarrete

La información sobre la ciudadanía romana de Pablo solo es presentada por los Hechos de los Apóstoles​ y no encuentra paralelismos en las cartas de Pablo, lo que aún hoy resulta motivo de debate, pero algunos sostienen que Pablo era descendiente de uno o más libertos, de quienes habría heredado la ciudadanía



Martirio del diácono Esteban. 

Se trata de una representación bizantina en miniatura incluida en el menologio de Basilio II, obra de arte señera entre los manuscritos griegos con miniaturas

Según los Hechos de los Apóstoles, el primer contacto fidedigno con los seguidores de Jesús lo tuvo en Jerusalén, con el grupo judeo-helenístico de Esteban y sus compañeros.​ Saulo Pablo aprobó la lapidación de Esteban el protomártir, ejecución datada de la primera mitad de la década del año 30


 Conversión en el camino para Damasco. Por Caravaggio, en la Basílica de Santa María del Popolo, en Roma. 

En las obras de arte y en la creencia popular se tiene la imagen de que Pablo cayó de su caballo, cuando ni en las epístolas paulinas ni en los Hechos de los Apóstoles se menciona la caída de un caballo. Podría tratarse, pues, de un anacronismo.

Según el libro de los Hechos de los Apóstoles,tras el martirio de Esteban, Saulo Pablo se dirigió a Damasco  Sucedió que, yendo de camino, cuando estaba cerca de Damasco, de repente le rodeó una luz venida del cielo, cayó en tierra y oyó una voz que le decía: «Saulo, Saulo, ¿por qué me persigues?» El respondió: «¿Quién eres, Señor?» Y él: «Yo soy Jesús, a quien tú persigues. Pero levántate, entra en la ciudad y se te dirá lo que debes hacer».



Restauración de la vista a San pablo. Pietro da Cortona

Después del suceso vivido por Pablo en el camino de Damasco, del que quedó ciego, fué al encuentro de Ananías que lo curó de su ceguera imponiéndole las manos. Pablo fue bautizado y permaneció en Damasco «durante algunos días».


Las cartas de San Pablo S:XVII   (Blaffer Foundation Collection, Houston, Texas)

. Probablemente escritas todas en la década del año 50, son las siguientes (en un posible orden cronológico):

Primera epístola a los tesalonicenses, Primera epístola a los corintios, Epístola a los gálatas, Epístola a Filemón, Epístola a los filipenses, Segunda epístola a los corintios y Epístola a los romanos.

Los Hechos de los Apóstoles, es el nombre del quinto libro del Nuevo Testamento, en el cual se narra la historia del conocido como período apostólico.

Imagen que representa a San Pablo escribiendo, de una versión manuscrita de las cartas de san Pablo datada de los inicios del siglo IX  Abadía de Sankt Gallen (Suiza)


«San Pablo encarcelado» por Rembrandt

La cautividad de Pablo en Roma, considerada un hecho fidedigno, habría tenido una duración de dos años, tiempo en que el Apóstol no vivió encarcelado sino en custodia


​»Decapitación de San Pablo» por Simonet 1887

Tertuliano describe que Pablo sufrió una muerte similar a la de Juan el Bautista, quien fue decapitado: el texto apócrifo del Pseudo Marcelo, conocido bajo el título de Hechos de Pedro y Pablo 80, señaló que el martirio de Pablo habría sido por decapitación en las Acque Salvie, en la vía Laurentina, hoy abadía delle Tre Fontane, con un triple rebote de su cabeza que aseguraba haber causado la generación de tres vías de agua



«la Pasión de Pablo» del Pseudo Abdías (siglo VI) señaló la sepultura del Apóstol «fuera de la ciudad , en la segunda milla de la vía Ostiense», más precisamente «en la hacienda de Lucina», una matrona cristiana, donde más tarde se levantaría la basílica de San Pablo Extramuros.




http://www.arquivoltas.com/6-Navarra/Olite01.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Sim%C3%B3n_Pedro

https://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_de_Tarso

El humor en la antigua Roma

Los ingleses presumen de haber acuñado la significación de «humor» en el actual sentido de buena disposición, complacencia, aptitud para mostrar o descubrir el aspecto ridículo de cosas o personas; y habría sido Sir William Tempel, Conde de la familia Grenville, quien por vez primera a finales del siglo XVIII usó la palabra «humour» para describir el ánimo alegre.

Máscaras de teatro greco-latinas

Pero son  los griegos quienes inventaron para Europa la Comedia como jocosa y humorística compañera de la severa Tragedia; aunque no fueron los primeros en reir, esa facultad apareció con los primeros hombres y en ello nos distinguimos de los animales (incluida la hiena!)

Ya Sócrates, con su típica ironía, describía de esta manera a nuestro Mediterráneo y por lo tanto a sus habitantes: «Son como hormigas o ranas en torno a una charca» luego, pronto se empezó a utilizar el humor como una buena medida para ser mas felices

Malcolm McDowell en «Calígula» de Tinto Brass 1979

Aunque Sócrates, era enemigo de la carcajada desmesurada  el «cachinnus latino», con que se tronchaba Calígula, tan inclinado al sarcasmo y a la mofa cuel, como nos refiere Suetonio en la «Vida de los Césares«

Era muy frecuente escuchar risas entre el Sócrates platónico y sus contertulios, y  Platón, claramente traza la fraternidad entre la seriedad y el humor, hermano de la sabiduría, hasta el punto de que ambas características del ser humano son, a su parecer, el fundamento de toda educación, ya que el hombre es entendido como proporcionada armonía entre el llanto y la risa,  entre la alegría y la broma…

Definimos pues el humor, como la capacidad de superar, al menos, aquellas situaciones en que muchos hombres no hacen otra cosa que maldecir o llorar

Y el pueblo romano  tuvo tiempo para sacar de pila un género literario y alzarlo con perfección, que vale desde entonces como suma y esencia de lo humorístico: la Sátira.
También el «epigrama» burlesco, gracias al socarrón latino-aragonés Marcial de Bílbilis-(Calatayud) (38 al 100 d.C.), es una creación romana.

 «La bacanal de los Andrios» Tiziano

En cuanto a la Comedia, tuvo su origen en los primitivos cultos de la fertilidad en honor del dios Dionisos o Baco (Bacanales)  y se desarrolló como género derivado del griego «ditirambo», asociado a los dramas satíricos y al mimo

 Se considera al autor griego Aristófanes (444-385  a. C.) como uno de los primeros comediógrafos y siglos después, en el teatro romano,  los grandes herederos de la comedia griega, fueron Terencio y sobre todo Plauto




PLAUTO

Sólo se conoce con cierta seguridad su lugar de origen, la ciudad umbra de Sársina, donde hubo de nacer en torno al año 250 a. C. Ante la escasez de datos fiables acerca de su vida, desde muy pronto se creó toda una leyenda sobre su persona, adornada con elementos extraídos de sus propias obras teatrales.


Plauto lee una de sus obras ante un limitado público. Óleo por Camillo Miola. 1864.

Así, la tradición cuenta que Plauto, a su llegada a Roma, se dedicó al mundo del teatro como actor, donde obtuvo un éxito inmediato y una considerable fortuna.

Mosaico con esclavos

Sin embargo, pronto se vio reducido a la pobreza por su mala suerte en los negocios, por deudas, en manos de un acreedor; de aquí parece haber derivado una comedia hoy perdida, el «Addictus»o «Esclavo por deudas», que narraba su propia experiencia.(A estos esclavos se los llamaba addictus y esta es la raíz de la palabra ADICTO)

Plauto uso un rico y vistoso lenguaje de nivel coloquial que no elude la obscenidad y la grosería entre retruécanos, chistes, anfibologías, parodias idiomáticas y neologismos, usando un vocabulario muy abundante de una gran variedad de registros

Las comedias auténticas de Plauto, de las que solo nos han llegado completas, unas veinte que son:
Anphitruo o Anfitrión, Asinaria, Aulularia o La comedia de la ollita, Bacchides, Captivi o Los cautivos, Casina, Cistellaria, Curculio o El gorgojo, Epídico, Estico, Menecmos, Mercator, Miles gloriosus o El soldado fanfarrón, Mostellaria o El fantasmita, Poenulus, Pseudolus.

«Asinaria»
Basada en «El arriero» de Demófilo, cuenta las peripecias del viejo Demetrio, marido obtuso, que dominado por una esposa altiva, trata de sustraerle las veinte monedas que le ha reportado la venta de unos asnos

 «Aulularia» 
La comedia de la olla, nos hallamos ante otra comedia de personaje, un viejo avaro, que inspiraría la famosa comedia de Molière

«El gorgojo»
Cuenta las aventuras de un parásito, auténtico precedente del pícaro, un hombre sin escrúpulos

«Alcmena»: Protagonista femenino de la comedia Anfitrión de Plauto, en la cual Júpiter, bajo la figura de Anfitrión, esposo de Alcmena, consigue yacer con ella, unión de la que nacerá el héroe Hércules. Alcmena simboliza la virtud engañada. El mito será recreado posteriormente en diversas obras teatrales.

Plauto añade variedad y originalidad a los temas y a los personajes siempre con la intención de hacer reír al público romano ya que son son menos refinadas pero más cómicas que las griegas

GÉNEROS

Codex Vaticanus Latinus 3868 (Ilustración del Heautontimorumenos)

Aunque la práctica totalidad de las formas teatrales griegas tuvieron su presencia en Roma, no por ello el teatro latino dejó de tener sus propias preferencias e innovaciones, que en ocasiones marcan una gran distancia respecto a los precedentes griegos, siendo  menos refinado que el griego en lo que concierne al tono burlesco y satírico no exento de grosería y de una punta de acidez 

 La comedia genera  grupos diferentes, según su asunto:

La «fabula palliata, crepidata» o comedia romana de asunto griego;
y la «fabula togata, tabernaria»: de ambiente ya romano.

En principio la comedia romana comenzó por atacar los vicios populares con un lenguaje directo, por lo que fue denominada comedia tabernaria (tabernariae). Posteriormente los autores comenzaron a criticar en sus obras a los magistrados y triunfadores (praetextatae y trabeatae) 

Otros géneros eran:

Personaje del Mimus

«Mimus»: comedia con diálogo, pero muy gesticulada y de temas populares. frecuentemente eróticos e incluso obscenos, obligando a veces a desnudarse a la «mimas».

 

«Mima»
El mimo cobra consistencia literaria en el siglo I a.C. y convergerán en él las formas más populares del teatro precedente, como la «Atellana».

 

La farsa atellana,
Originariamente en idioma osco, se remonta al siglo IV a. C. y se suele atribuir su origen a los habitantes de la antigua ciudad de Atella, en Campania
En las atellanas, a este sistema de representar, se le llamó «pantomima» y los jóvenes empezaron a improvisar versos cómicos, despues de las representaciones que se llamaron por eso mismo, «exodia» (despues de las piezas) y no dejaban que los actores profesionales, intervinieran

PERSONAJES


En cuanto a los personajes, Plauto no se presenta como un hábil pintor de caracteres en los que se ha exagerado lo que en ellos hay de grotesco y fantástico:

«La Atellana»:Muy  popular y con personajes característicos, fue la que mas éxito y durabilidad tuvo. Consistia en la representación de escenas burlescas con cuatro personajes típicos: Maccus, Pappus Bucco y Dossennus.

«Maccus»
El mismo se da el nombre de Maccus, referente a –bufón, payaso, burlado- según una figura del teatro popular de la «atellana» o por broma o bien porque en este lugar como en el Mercator se refiere conscientemente a su pasado de actor de atelanas.

 

«Pappus»: típico viejo gruñón, tacaño y libidinoso, que Plauto utilizaba en todas sus comedias

«Bucco»: bocazas, charlatán idiota y glotón

 «Dossenus»: era jorobado y astuto
En general su fealdad física era reflejo de sus defectos y vicios

Otros personajes habituales en las comedias de Plauto fueron:

Actor cómico con máscara. Estatuilla de bronce del siglo III, procedente de Piazza Madonna dei Monti (1973), expuesta en el Museo Nacional Romano, Roma (Italia)

Al lado de estos personajes, el esclavo (servus) es el más rico en registros: hábil, inteligente, chistoso, parlanchín, metiroso, no duda en ayudar a su joven amo al tiempo que se ayuda a sí mismo. Este personaje es, en realidad, el gran hallazgo de Plauto, pues supone el medio ideal para la parodia y la chanza

 

«Formión»: Personaje del Formión de Terencio, es un arquetipo escénico; “un parásito enredador»

«Anfitrión»: Protagonista masculino de la comedia «Anfitrión» de Plauto.  Este personaje es símbolo de la fidelidad, y expresa numerosos rasgos de carácter, en ocasiones contrapuestos: sensibilidad, sarcasmo, ironía, lógica, ternura, tenacidad y buen juicio.

 «Miles Gloriosus»

«Pirgopolines»:Representa el tipo del soldado fanfarrón, derrochador y mujeriego, que acaba siendo víctima, indefectiblemente, de su excesiva fatuidad.

Protagonista de la comedia «Miles gloriosus», de Plauto, inspirador del personaje homónimo, del film «Golfus de Roma»

Canción final y créditos de «Golfus de Roma»
 
La anteriormente mencionada  «Golfus de Roma»: es una comedia musical estrenada en Brodway en 1962 con el título original de «A Funny Thing Happened on the Way to the Forum» (Algo divertido pasó de camino al foro) y en 1966 realizada en cine por Richard Lester.
Aunque parezca increíble, la mayoría del argumento y de los «gags» están extraídos directamente de las comedias de Plauto, de una forma hilarante.

Todos llevaban máscaras para ocultar su identidad, que siempre eran las mismas  y sus actuaciones eran burlescas y sórdidas, muy del gusto del público popular:

Así, el parásito es glotón en exceso, el esclavo sumamente taimado y bufón o el soldado extremadamente fanfarrón; son precisamente estos personajes secundarios los que, en muchas ocasiones, llevan el peso de la acción, pues con sus intrigas y engaños son capaces de crear un teatro dentro del teatro.

En cuanto al resto de los personajes, el joven (adulescens) es siempre un enamorado, preocupado tan sólo por conseguir a la joven objeto de sus deseos, por lo que no duda en ponerse en manos de un hábil esclavo que le ayude; el viejo (senex) suele ser un padre severo, irritable y contrario a las pretensiones de su hijo que generalmente siempre termina estafado o burlado.

Otro tipo de viejo es el «viejo verde», enamorado de una joven y que casi siempre acaba siendo blanco de las chanzas y las risas.

LOS TEATROS 

 
Máscaras de teatro, mosaico Museos Capitolinos, Roma.

Naturalmente estos espectáculos, como conoceis de sobra, se celebraban en unos edificios destinados unicamente para ello, de los que se conservan muchos ejemplares
a lo largo de todo el Imperio, de los que pongo un par de bellos ejemplos:

 
Teatro Romano de Mérida  Badajoz, España

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Relieves de máscaras en el Teatro Romano de Myra en Turquía

LOS EPITAFIOS

Pero el sentido del humor de los romanos,no se manifestaba solo en los teatros, se apreciaba en otros campos de su vida cotidiana, como por ejemplo, al final de sus vidas en sus lápidas y estelas funerarias:

Epitafio del latín «epitaphius» esta compuesto de dos voces griegas epi, sobre, y taphos, tumba, es decir inscripción puesta sobre una tumba o inscripción sepulcral.
En Roma era muy frecuente componer su propio epitafio, que confían algún ser querido, tradicionalmente escrito en verso aunque también hay excepciones.

Los epitafios en lapidas son cortos, por varias razones, lo primero es que lo bueno su breve dos veces bueno. Otra es que los romanos acustumbraban a los enterramientos cerca de los caminos, y el epitafio debía ser leído sin detener el paso.

Se considera que un epitafio bueno es uno que es memorable, o por lo menos hace uno pensar. Es aquí donde la creatividad de los hombres no tiene fin.

En cualquier caso, todos los epitafios terminaban con las mismas siglas :

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HSE: bien de deposición, H(ic) S(itus/a) E(st), «aquí se encuentra el cuerpo»,

STTL: y la piadosa dedicatoria, S(it) T(ibi) T(erra) L(evis), «que la tierra te sea leve» o las dos en común.

En cuanto a los nombres del difunto, un nombre romano se compone de Praenomen o lo que vendría a ser nuestro nombre de pila, el Nomen o apellido/nombre de la gens a la que pertenece, y el Cognomen o mote. Los nacidos libres tenían el trianomina (los tres nombres) completo. Los libertos adquieren el praenomen y nomen de su amo (o si era esclavo del estado, adquiría el del emperador que lo manumitía) y como cognomen mantiene su nombre de esclavo. Los esclavos solo tienen un nombre. Hasta para esto había cases!

Algunos de estos epitafios eran bastante irónicos ante un suceso tan serio como el de su propia muerte.

Inscripción y relieve de L. Calidius Eroticus y Fannia Voluptas (CIL IX 2689)

En esta conocida lápida, se siguen los cánones de una inscripción funeraria, pero algunos estudiosos creen que, probablemente, se trata de una broma, un cartel con «guasa» para poner en la pared del edificio como tabla de precios.
La inscripción se presenta como el epitafio de un tal Lucio Calidio Erótico y Fannia Voluptas (es decir, Fannia «Placer»), cuyos nombres ya dan pistas sobre el tipo de establecimiento que regentaban.

 

Hay tambien, un relieve en la placa, que representa al posadero hablando con un viajero que va con su mula

La conversacion entre el posadero y el viajero, dice así:

-Viajero: ¡Posadero!, hagamos la cuenta.
-Posadero: Tienes 1 sextante de vino, 1 as por el pan y 2 ases por el condumio.
-Viajero: De acuerdo, posadero.
-Posadero: Por la chica, 8 ases.
-Viajero: También, hasta ahí de acuerdo.
-Posadero: El heno de tu mulo, 2 ases.
-Viajero: ¡Éste mulo me llevará a la ruína!

Los nombres jocosos y con doble sentido de esta lápida me recuerdan a los empleados en la conocida escena de «La vida de Brian» de los Monty Python, del «Pijus Magníficus»

Otros epitafios:

Expresiones latinas mas frecuentes, empleados en ellos.

-Viminacio, Moesia superior, siglos II-III d. C.: “Cuando aún vivía Apolonio se hizo este sepulcro, conociendo el carácter olvidadizo de los herederos.” (por si acaso…)

-Ceos, siglos IV-V d. C.: “No es lícito que me saques fuera de mi morada.”(temía que su tumba fuera profanada)

-Escitópolis, Palestina, siglos II-III d. C.: “Adiós, vosotros que vais por el camino. Aquí yazco yo, Sosibio. «Adiós, Sosibio», repetid.” (este era tenaz)

-Roma, siglo II d. C.: “Yo, la tumba, me jacto de tener en mi regazo a la prudente Severa.”

-Cícico, Misia, fecha desconocida: “Si alguien que no sea yo, deposita aquí a otro, pagará al fisco dos mil quinientos denarios

-Pireo, ca. 360 a. C.: “Lo que no es frecuente en una mujer, ser excelente a la vez que sensata, eso lo alcanzó Glícera.” (marido amantísimo)

-Cirene, siglos II-III d. C.: “No era y llegué a ser. No soy y no me importa.” (pasotilla)

-Pireo, siglos II-III d. C.: “Extremadamente veloz es la venganza de los muertos.”

-Mitilene, siglos I-II d. C. (?): “Bajo el campo de Lesbos enterró Balbo a su perra, su servidora y compañera de viajes por el inmenso mar, y rogó que la tierra fuera liviana para la perrita que bajo ella yace. La misma gracia que otorgas a los hombres, concédesela también a los animales.” (amante de los animales)

-Astipalea, siglo I a. C.: “No me traigáis de beber a este lugar: ya bebí cuando vivía. Ni de comer. Me basta con lo que tengo ahora. Todo eso es inútil. En memoria mía, y por la vida que pasé a vuestro lado, traedme azafrán.” (un gourmet)

-Tiberio Claudio Segundo vivió 52 años. El vino, el sexo y los baños arruinan nuestros cuerpos, pero el vino, el sexo y los baños hacen que tengamos una buena vida (un bon vivant)

Como vereis hay de todo y con distinta temática, se encontraron en distintos lugares del Imperio, siendo algunos muy divertidos.

LOS CHISTES DE LA ANTIGUA ROMA

Tras la muerte de Plauto, el más popular de los comediógrafos romanos, se decía que la risa, el juego y la broma habían llorado juntos

Los romanos, era una sociedad muy divertida, aunque el humor que nos ha llegado destaca más por su «sal gorda» que por su sutileza. El propio Cicerón teorizó de forma intelectual sobre el humor, pero no cabe duda de que el «pedo-caca-culo» era el ingrediente principal de cualquier gracieta romana.  Es decir, que un romano típico se identificaría más con Pajares y Esteso o con Torrente que con Tip y Coll o José Mota.
¿Conocemos ejemplos reales de chistes? Por supuesto que sí.
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La profesora Beard, con su habitual buen humor, mostrandonos unos retretes romanos

Hace unos años una profesora de Cambridge, Mary Beard, ( Premio Princesa de Asturias en 2016) descubrió un libro de chistes de la época romana.
La obra, titulada «Philogelos» (amante de la risa) se remontan al siglo IV y está escrita en griego. Es la colección de chistes más antigua del mundo entre las que se conservan, y contiene 265  que  contiene referencias a las distintas culturas que cohabitaban en el Mediterráneo durante el final de la República y el inicio del Imperio

Los chistes recogidos en el Philogelos muestran que, en la Antigüedad grecorromana, las chanzas alcanzaban a todas las profesiones y condiciones.

El amante de la risa- es un libro recopilatorio de chistes que tiene la friolera de casi 1.800 años. Data del siglo IV, está escrito en griego y se atribuye su autoría a Hierocles y Filario de quienes se sabe muy poco. Debido a que en el chiste 62 se menciona la celebración de los mil años de Roma, quizá la recopilación date de una fecha posterior a este suceso, 248 dC  
Es posible que los haya escuchado antes: son los chistes más viejos de los que se tenga registro. De hecho, debe tener más o menos 1600 años:

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-Un hombre va a donde otro y le reclama: ¡El esclavo que me vendiste murió!

-¡Por los dioses! –contesta el otro- “¡Durante el tiempo que estuvo a mi servicio, nunca hizo semejante cosa!”.
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Uno que regresaba de un viaje preguntó a un falso adivino por su familia. Éste dijo:
-Todos están bien, incluido tu padre
-Al decirle: Mi padre hace ya diez años que ha muerto
-respondió: No conoces a tu verdadero padre

Un hombre se encuentra con un conocido y dice:
-Es curioso, me dijeron que habías muerto.
-Pues, como puedes ver, estoy vivo.
-Pero el hombre que me dijo que estabas muerto me ofrece más credibilidad que tú.

Un tracio viendo a un eunuco conversar con una mujer le preguntó si era su esposa.
-Cuando el eunuco le dijo que él no podía tener esposa,
-respondió: Entonces es tu hija

-Un hombre estaba siendo felicitado por haber sido padre de un varón, y quiso corresponder a sus palabras con otras que no resultaron las más afortunadas en semejante circunstancia:
—Sí, gracias a todos mis amigos.

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-Un barbero, un profesor distraído y un calvo van juntos de viaje y acampan para pasar la noche.
-Deciden turnarse los tres para vigilar el equipaje, y el barbero se ofrece voluntario para ser el primero mientras los otros dos duermen.
-Pero pronto se aburre, y para matar el tiempo se pone a afeitar el cráneo del profesor.
-Cuando termina su turno despierta a este último, que se toca la cabeza y exclama:
-Ese barbero es un auténtico idiota: ha despertado al calvo en vez de a mí.

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Otros muchos ejemplo de «chistes» romanos se encuentran en los «epigramas» de Marcial.

Allí podemos encontrar de todo: desde textos destinados a alabar los juegos de gladiadores del anfiteatro, hasta tiernos poemas fúnebres, pasando por procaces chistes no aptos para oídos sensibles, como por ejemplo:

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Hans von Marées «Tres jóvenes bajo un naranjo» (entre 1875 et 1880)

«Está claro: Cuando a tu esclavo le duele la minga, a ti, Névolo, te duele el culo. No soy adivino, pero sé lo que haces»
Que en el  el siglo XVIII, A.Oliver lo traducía de la siguiente manera:
«Doliéndote la trasera y al mozo la delantera, no soy, Névolo, adivino, mas lo que haces imagino».

otros epigramas de Marcial:
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«Estaba flojo y tú, Símaco (un médico), has venido a visitarme acompañado de cien discípulos. Me han palpado cien manos heladas por el cierzo: no tenía fiebre, Símaco, pero ahora tengo» (no he encontrado ninguno caliente, este ya esta «frio»)

 
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Un joven le dijo a su esposa: «¿Qué deberíamos hacer, cariño? ¿Comer o tener sexo?» Y ella dijo: «Puedes elegir, pero no tenemos una migaja».

 
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Un hombre joven recibía a viejas juguetonas. Él le dijo a sus esclavos: «Mezcle una bebida para el que lo quiera y tenga relaciones sexuales con quien lo quiera». Y las mujeres dijeron: «No tenemos sed»

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Un tricio siguió la costumbre e incineró a su padre muerto. Corrió a su casa y le dijo a su madre enferma: «Todavía quedan algunos leños de fuego. Si quieres dejar de sufrir, haz que te incineren»

Un intelectual compró un par de pantalones. Pero apenas podía ponérselos porque eran demasiado apretados. Entonces él se deshizo del pelo alrededor de sus piernas.

LOS GRAFFITIS

 Los graffittis, eran escrituras populares con que los romanos tenían por costumbre adornar las paredes.

La dramática destrucción de Pompeya ha permitido que las excavaciones posteriores nos revelaran una instantánea de la vida romana de aquel agosto del 79 y entre una verdadera infinidad de detalles nos ha mostrado un interesante mundo de grabados y pintadas del más diverso pelaje: eróticos, religiosos, propagandísticos, ofensivos, vejatorios, amorosos, ofertas sexuales, cultos,…
Los descubiertos hasta la fecha tan sólo en Pompeya son unos 10.000 

Incluso en las Termas de Hombres, ademas de pinturas e inscripciones, era costumbre que se gastaran todo tipo de bromas entre ellos, muchas relacionadas con los «tamaños» «formas raras» y otras singularidades de sus genitales, o bien con problemas anatómicos sobre todo de los ancianos, como barrigas voluminosas, hernias y otras deformidades.
Los jóvenes no tenían compasión de nadie..

En las paredes de Pompeya podemos encontrar lo que se conoce como «inscriptiones parietariae». Dentro de ellas hay dos tipos principales:

a) Los «tituli picti» o pintadas, llamados también «dipinti», están escritos con letras rústicas más o menos cuidada con pincel de corte recto y pintura roja o negra y suelen contener temas oficiales como carteles electorales (programmata) o anuncios de juegos de gladiadores (edicta munerum)

b) «Grafitos»El conjunto más numeroso, alrededor de 5000 entre Pompeya y Herculano, lo constituyen los grafitos: inscripciones trazadas mediante punzón (inscriptiones graphio scriptae) de un estilo más informal y personal. El latín que se usa en los grafitos refleja la lengua de las clases populares usado durante el siglo I d. C.

Estos últimos, los hay de temas variados:

Sexuales:
Espero que nadie se escandalice y menos despues de haber escuchado con todo detalle, e incluso en horario infantil, algunos episodios recientes en todos los informativos de varios canales deTV.

-Harpocras folló aquí estupendamente con Drauca por un denario.

-Satir, no te dediques a chupar coños fuera de casa. Hazlo dentro.

-A mí, a mí, chúpame la verga.

-Lancen gritos de dolor, mujeres; quiero dar por culo.

-Dioniso, a la hora que le da la gana puede follar.

-Agátopo, Prima y Epafrodito en un «triángulo»

-Aquí yo follé la boca y el culo de Calínco

– Cuando me da la gana, me siento en él. (Debajo de un falo en bajorrelieve)

Ofertas sexuales:

-Soy tuya por dos ases de bronce.

-Lais chupa por dos ases.

-Félix chupa por un as. (este es mas barato)

-Esperanza, de complacientes maneras, nueve ases.(carísima)

Todos estos, como es lógico, los ponían mas en los lupanares, pero lo cierto es que podían aparecer en cualquier lugar de Pompeya, sobre todo cerca de baños y tabernas.

En un prostíbulo, estas pinturas aparecen numeradas como si se tratara de un menú, para elegir plato.Pero esta teoría no esta muy confirmada.

Sátiro y Ménade. Pintura mural en una de las habitaciones de la Casa de Cecilio Giocondo en Pompeya

Ofensivos:

– Philiros es un eunuco

-Mierda. Contra la pared.

-APOLLINARIS MEDICUS TITI IMPERATORIS HIC CACAVIT BENE  Apolinar, médico del emperador Tito, tenía una buena mierda. (En latín, la palabra, «cacatne» se refería a la defecación y aparecía en un retrete)

EPAPHRA, ES GLABRO – Epaphra, eres calvo ( a los romanos les horrorizaba serlos, luego esta afirmación, era completamente peyorativa)

-Me he meado en la cama. Lo confieso, he cometido un pecado, pero si me preguntas, hospedero, la razón, te diré: no tenía orinal. (clara crítica al dueño de una fonda)

-Oppius: ¡payaso, ladrón, sinvergüenza!

-Cosmo, hijo de Equicia, gran invertido y mamón, es un pierniabierto.(curioso verdad?)

-Isidoro puteolano, esclavo nacido en casa, cunnilinguamente.  ???

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Durante el lavado de cara de las paredes del Coliseo de Roma se descubrieron siglos de garabatos y pintadas superpuestos. Algunos de los más destacados se encuentran en los pasillos que van a las gradas superiores, las de los asientos baratos

Ah! y esto no es ninguna broma romana, es algo muy serio, que ultimamente parece que esta en auge…

En fin, esto es todo…solo falta que os haya gustado, pero lo teneis que decir al estilo romano, como este importante personaje…

FUENTES

https://youtu.be/Ixh0YJNF-1E     plano roma imperial

http://almacendeclasicas.blogspot.com.es/2015/11/graphiti-en-las-paredes-de-pompeya-los.html

https://domus-romana.blogspot.com

http://esunaviejahistoria.blogspot.com.es/2015/03/humor-romano.html

https://culturacolectiva.com/historia/graffiti-en-la-epoca-romana/

https://web.archive.org/web/20140109222747/http://www.artehistoria.jcyl.es/v2/museos/613.htm

BIBLIOGRAFÍA:

CèBE, J. P. La caricature et la parodie dans le monde romain antique des origi- nes à Juvénal, París, 1966.

LÓPEZ LÓPEZ, M., Los personajes de la comedia plautina: nombres y función, Lérida, 1991.

Los niños en la escultura

Se llama escultura, al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a la obra elaborada por un escultor.
Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado.
Dentro de la escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo repertorio artístico.
Desde la Prehistoria, se ha utilizado la escultura de diversas formas: como amuletos, representación de dioses, con fines funerarios como en Egipto, representando mandatarios, seres mitológicos etc y entre todos ellos, tambien hay figuras de niños: Cupido, amorcillos, angelotes, personajes de episodios históricos o fabulosos y tambien la muy frecuente imagen del Niño Jesús.

Vamos a dar un repaso al niño a través de las esculturas, que de él se han hecho a lo largo de la Historia, con distintos estilos, materiales (donde predomina la piedra) y posturas..
Veremos niños en muy distintas situaciones y sobre todo sentimientos, que pueden pasar de alegria propia de sus juegos a la tristeza secundaria a un determinado episodio e incluso a enfado en alguna ocasión
Tambien vereis que algunos aparecen acompañados: es inevitable, sobre todo si lo hacen con sus madres y otras con animales u otros personajes, justificados por la escena que representan…pero sienpre serán protagonistas y nos mostraran sus encantos e inocencia.
Vamos a ello…

EL NIÑO DE LA ESPINA O ESPINARIO 

Autor desconocido Siglo I a. C. Bronce Museos Capitolinos, Roma Escultura romana, copia de un original helenístico
Esta escultura del Niño de la espina, también conocida en el mundo del arte como el Espinario, es una de las obras clásicas más conocidas,sin embargo, la escultura que conocemos a través de diferentes copias del original helenístico, dista mucho de ser considerada como una obra excepcional, a pesar de suponer que el modelo que inspiró la larga serie sin duda presentaría matices que los copistas romanos no supieron captar y transmitir..
Este tema ha tenido una gran influencia en la historia del arte y ha sido motivo de múltiples reproducciones e inspiración de diversos artistas. Una copia romana en mármol puede admirarse en los Uffici de Florencia, otra en mármol en el museo del Louvre de París, y otra más en el museo Pushkin de Moscú. En el museo del Prado de Madrid existe una copia del s. XVII (Cesare Sebastian, 1650).

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«El joven rey Tutankamón». Talla en madera policromada. 
 
Tutankamón, llamado en vida Neb-jeperu-Ra Tut-anj-Amón, fue un faraón perteneciente a la dinastía XVIII de Egipto, que reinó de 1336/5 a 1327/5 a. C.4 Su nombre original, Tut-anj-Atón, significa «imagen viva de Atón» fue el último faraón de sangre real de la dinastía. Ascendió al trono después del periodo de Amarna y devolvió a los sacerdotes de Amón la influencia y el poder que habían poseído antes de la revolución religiosa y política de Akenatón.el adorador de Atón.

 «Hércules niño con una serpiente»
 
Escultura que presenta a Hércules cuando estrangula una serpiente. La obra fue elaborada en Roma en el siglo 2 d. C La diosa Hera odiaba al niño y envió dos serpientes para que lo matasen, pero el bebé se les adelantó estrangulándolas

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 Escultura de bronce griega Museo Paul Getty

 «Niño con una oca» Boetas 200-150 a.C.Grecia Museo: Museo Nacional del Louvre

Boeto de Calcedonia, debe la inmortalidad sobre todo al conocido grupo del Niño de la oca, llegado a nosotros en varias copias. Debía de ser un tema bastante común, que tenía su lugar en los santuarios de Asclepio, pero la obra de Boeto logró un éxito muy particular: las carnes realistas y blandas del niño, el uso -un tanto irónico- de la estructura piramidal que se empleaba en Pérgamo para plasmar gestas heroicas, todo hubo de contribuir a su fama.

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«Jinete de Artemision» detalle. Museo Arqueológico de Atenas. S. II.I a. C.
 
Representa un perfecto modelo iconográfico de la nueva estética que aporta a la escultura griega el periodo helenístico. Una plástica caracterizada por un naturalismo espontáneo y directo que enlaza directamente con la contemplación de la realidad y se desliga por tanto del idealismo que había caracterizado el periodo clásico.

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Centauro y Eros copia de original romano Museo del Louvre

Las esculturas de arte clásico que en el siglo XVII formaban parte de la colección del cardenal Scipione Borghese, sobrino del papa Pablo V, y que en 1807 Camillo Borghese vendió al emperador Napoleón Bonaparte. Esta extraordinaria colección constituye uno de los pilares del actual Museo del Louvre de París. El hermafrodita dormido, que fue restaurado por un joven Bernini; Silineo con Baco niño; el conjunto de Las tres Gracias o el famoso Centauro con Eros sobre sus lomos. La colección reunida por el cardenal Borghese fue vendida en 1807 por su descendiente Camillo Borghese, que estaba casado con la famosa Paolina Bonaparte, a su cuñado el emperador.

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 «Sileno con Dionisios en brazos»  Museo del Louvre

Copia de un original de Lisipo Arte romano imperial. Siglo I – III a.C.

Según la mitología griega, Zeus entregó a su hijo ilegítimo, Dioniso, al cuidado de Sileno, para protegerlo de la ira de su esposa Hera. Junto a él, Dioniso se crió en el monte Nisa, rodeado de sátiros y ninfas. Las características de esta escultura llevan a pensar que la pieza es una copia romana, de época imperial, basada en una escultura griega más antigua, del siglo IV a.C., realizada en bronce por Lisipo.
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Eros de  Lisipo

Fue un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso, h. 370 a. C. y fallecido hacia el 318 a. C. Lisipo, Escopas y Praxíteles están considerados los tres grandes escultores de la segunda fase del clasicismo (siglo IV a. C.),

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Escultura de bronce romana, Museos Vaticanos

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Escultura romana. Cartagena, Murcia
 
Retrato infantil encontrada en la calle de los Cuatro Santos en 1857. La cabeza, ceñida con una corona, ha sido interpretada habitualmente como un retrato de un miembro de la familia del emperador Augusto. Por la proximidad del lugar de hallazgo con el teatro podría haber pertenecido a su programa decorativo, incluso podría ser un retrato de Cayo o Lucio, miembros de la familia imperial asociados a la construcción del mismo teatro
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Estatua de niño S.III dC Los Angeles .County Art Museum, California
 
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«Niño con liebre» Museo Arqueológico Municipal de Cabra, Córdoba
 
Escultura romana procedente del yacimiento de la villa romana del Mitra, de la que era propietaria la familia del ex ministro franquista José Solís y que ya ha pasado a los fondos del Museo

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«Loba capitolina» Museos Capitolinos Roma
 
La cronología de la figura de la loba ha sido muy discutida; según la tradición la escultura de la loba sería etrusca, aunque se estima que data de la Edad Media,siglo XI y XII mientras las estatuas de los niños Rómulo y Remo fueron creadas y añadidas en 1471 y probablemente son obra del escultor Antonio Pollaiuolo.

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«Virgen Blanca» S XII-XIII Catedral de Tudela
 
Se trata de una estatua de piedra policromada de la Virgen y el Niño, fechable alrededor del año 1200 y que presidía el ábside central.

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“la Virgen y el Niño“ Miguel Angel Buonarroti
 
La iglesia de Nuestra Señora, uno de los templos más importantes de Brujas junto a la catedral del Salvador, tiene como principal atractivo para la visita una escultura de una Virgen que esculpió el genial Miguel Angel en 1504.Miguel Angel la realizó para la catedral Duomo de Siena, pero una familia de Brujas la compró y la llevó a la citada iglesia de Nuestra Señora.No es raro que te pueda sorprender este hecho pues apenas se pueden ver obras de Miguel Angel fuera de Italia.

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   «San Juanito» Miguel Angel 
 
Es una obra de juventud del artista, anterior a la Piedad del Vaticano y a los frescos de la Capilla Sixtina, que fue donada por el duque de Florencia, Cosmé I de’ Medici, a Francisco de los Cobos, secretario del emperador Carlos V. El monarca la envió a España, a la villa de Francisco, en Sabiote, pasando a enriquecer, tras su muerte, la capilla sepulcral que mandó construir en su ciudad natal de Úbeda. Fue destrozada en 1938 y posteriormente reconstruida.

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San Juanito, detalle

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Cabeza de muchacho, atribuida al círculo de della Robbia

«Putti» realizados en terracotta por Andrea Della Robbia (1435-1525)
 
Hoy día estan en la fachada dell’Istituto o Ospedale degli Innocenti, Florencia
Entre las creaciones más famosas del artista cabe citar la serie de retablos para los franciscanos de Asís; sobresale la estatua de San Francisco para Santa Maria degli Angeli y las terracotas vidriadas para la Chiesa Maggiore y la Chiesa della Stimmate, que formaban parte del convento de La Verna. Entre otros notables ejemplos, citaremos el grupo de tondos que decoran la logia del Ospedale degli Innocenti de Florencia, que representan una serie de putti animando a los florentinos más ricos a que ejerzan la caridad

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 «Alegórico figura de Atis niño» Donatello Museo Barghello, Florencia
 
No se conocen documentos sobre su colocación originaria ni de su encargo, pero Vasari lo cita probablemente como Mercurio y de «altura de un brazo y medio, de bulto completo y vestido de extraña manera, en casa de Agnolo Doni», con atribución a Donatello.

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 «Spiritelli» o niños alados de Donatello
 
Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello, fue un artista y escultor italiano de principios del Renacimiento, uno de los padres del periodo junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio.


 «Amorcillo con delfín» Verrochio
 
Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni, conocido simplemente como Verrocchio fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de’ Medici en Florencia

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«La cabra Amaltea con Jupiter niño y Juno» Gian Lorenzo Bernini Mármol. Galleria Borghese. Roma 
 
La Cabra Amaltea es una escultura barroca de Gian Lorenzo Bernini. Bajo el patrocinio del cardenal Borghese, sobrino del papa Pablo V, sus primeras obras eran piezas para decorar los jardines del cardenal. Esta obra destaca por ser la primera de Bernini, realizándola con tan solo 18 años.
El mito de la cabra Amaltea es una leyenda heredada de la mitología griega y, posteriormente adaptada por los romanos, que dicen que Amaltea es la cabra que alimentó con su leche a Júpiter, el dios Zeus en la mitología griega como un niño y que jugando con ella, el pequeño dios había roto uno de sus cuernos.

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«Manneken Pis», Bruselas, Bélgica

La traducción de su nombre es «niño que mea». Es una estatua de bronce de 61 cm. situada en el centro histórico de Bruselas, al sur de la Grand Place y es todo un símbolo de Bruselas. Leyendas acerca del porqué de su construcción y su fama hay muchas, pero la más extendida viene a ser la siguiente: Un rico comerciante que visitaba la ciudad en familia perdió a su hijo pequeño y se organizaron unos grupos de búsqueda. El niño fue encontrado riendo y orinando en un pequeño jardín, por lo que el padre decidió ayudar a la construcción de una fuente. Una fuente que tiene a su hijo orinando en la parte superior.
Es pequeño, es simplemente una fuentecilla, mucha gente se siente decepcionada cuando lo ve e, incluso, se nos puede pasar por alto si no estamos atentos


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«Niños» Ercole Ferrata 1610-1686 Museo Hermitage San Petersburgo
 
Ercole Ferrata fue un escultor italiano, uno de los máximos exponentes del barroco romano

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 «Niño Jesús» Juan de Mesa y Velasco (Córdoba, 1583 – Sevilla, 1627) 

Fue un escultor español del Barroco, con abundante obra de imagenería religiosa sobre todo en Sevilla, destacando el Gran Poder y el Cristo del Amor

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 «Niño Jesús del Sagrario» de la Catedral de Sevilla, imagen de Juan Martínez Montañés
 
Representa a Jesús niño, desnudo y erguido con los pies sobre un cojín y las manos alzadas. Sin embargo, la morfología de las manos que actualmente conocemos de la imagen no es la primitiva concebida por Martínez Montañés. En 1629, por encargo de la cofradía, el pintor Pablo Legot (1598-1671) realizó unas nuevas manos a la escultura, probablemente de plomo.
Otra obra destacada es el Cristo de la Pasión en Sevilla.


 Niño Jesús mostrando el corazón. F. Salzillo s.XVIII. Colección particular. Murcia

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» El niño del pájaro». 

 Labrado en mármol a fines del siglo XVIII, según un modelo en terracota de Charles-Antoine Bridan (1730–1805) de 1784, que a su vez es una copia de una escultura romana antigua de la Villa Borghese (Roma, Italia). Forma pareja con La niña del nido.

 «Fillette à l’oiseau et à la pomme»Niña con un pajaro y una manzana Jean-Baptiste Pigalle (1784) Musée du Louvre 
 
(París, 27 de febrero de 1714 – París 22 de agosto de 1785 ) fue un escultor francés.
nacido de una familia de ebanistas, aprende la escultura con Robert Le Lorrain y Jean-Baptiste Lemoyne. Considerado como un maestro por sus contemporáneos, su obra está a caballo de los periodos barroco y neoclásico.



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«Niño leyendo» Antonio Canova (1757 – 1822)
 
Fue un escultor y pintor italiano del Neoclasicismo. Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la antigüedad, fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini.

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 «Pescador de cangrejos» Escuela francesa S.XIX

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«Pequeña bailarina de 14 años» Edgar Degas (1834-1917)
Estatua en bronce con patina de diversas coloraciones, tutú de tul, lazo de satén rosa en el cabello .París, museo de Orsay

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«La fuente de los ocho niños» Mariano Benlliure Valencia
 
En 1962 se erigió una fuente dedicada a su memoria.
La fuente, tiene en su anverso la reproducción en bronce de la «Fuente de los Niños», obra de Mariano Benlliure y cuyo original en yeso se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Valencia y del que se obtuvo el vaciado de este monumento. El original se encuentra en Cádiz. En la cara posterior encontramos un relieve en bronce, con el rostro de perfil de Benlliure y la leyenda «Valencia a Mariano Benlliure».

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«Adolescencia» – Vala Ola Bronce -2002 Colección privada

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«Niño herido» Enric Clarasó ( Sant Feliu del Racó , 14 de octubre de 1857 – Barcelona , 1941 )
 
Fue un escultor modernista catalán cuyo estilo transita entre el costumbrismo y el simbolismo. Frecuentó los círculos de Rusiñol y Casas . Su estilo se ha relacionado con el del escultor Josep Llimona .
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 “Sinnataggen”, Vigeland Sculpture Park, Oslo 2011

«Gruñón» muestra un enojado niño y se considera la escultura más famosa de Gustav Vigeland que fue modelado probablemente en 1928 . Está fundido en bronce y se estableció como una de las 58 esculturas del Museo Vigeland en 1940.

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«El niño no nacido» Martin Hudáčeka. Eslovaquia
 
La obra sorprende por su realismo y poética expresividad. El niño parece esculpido en cristal, mientras que a su lado, de rodillas, una madre arrepentida está representada en piedra. Los materiales son por sí mismos bastante metafóricos. El niño levanta la mano sobre la cabeza inclinada de su madre en un gesto de amor filial.

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Nadia Bounhar, escultora desde 1990, trabaja tradicionalmente esculturas de arcilla, de libre inspiración: la conservación del patrimonio histórico, leyenda e historia, etc …
Sus proyectos personalizados de encargo le permitió trabajar con varias instituciones. Todas sus obras han sido diseñadas por primera vez en su taller, y luego cocidas, en un viejo horno de ladrillo tradicional. La combinación de la creatividad y su dominio, ha hecho que Nadia sea ahora una artista esencial de la región de Toulouse.(Francia)

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Monumento a los niños víctimas de la guerra en Lídice erigida por la artista Marie Uchytilová en la década de 1.990
 
El 27 de mayo de 1.942, un oficial nazi alemán de alto rango, llamado Reinhard Heydrich, era conducido desde su casa de campo a su oficina en Praga cuando fue emboscado por soldados checos entrenados por los británicos. El ataque, que se llevó a cabo con granadas, le dejó gravemente herido y murió ocho días después.

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Lídice, esta situada a unos 20 kilómetros al oeste de Praga, en la República Checa.
Para vengar la muerte de Heydrich, los alemanes lanzaron una represalia aterradora al pueblo
En los posteriores días, 340 personas de Lídice murieron a causa de la represalia alemana: 192 hombres, 60 mujeres y 88 niños. Solo 153 mujeres y 17 niños regresaron después de la guerra.



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Niño gigante Ron Mueck 2000
 
Ron Mueck es un escultor australiano, que tuvo su origen profesional en el mundo de los efectos especiales para el cine. No es un escultor cualquiera, ya que sus “obras de arte” son hiper-realistas, reproducen fielmente cada detalle del cuerpo humano, llega a tal extremo de colocar en sus figuras poros, lunares, puntitos negros, vellos en los brazos y piernas, cabello y todo lo que el cuerpo pueda tener.
 
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 «El Dia»: cabeza de la nieta despierta de Antonio López García
 
(Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español.

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 «María dormida», Antonio López.1964. Madera policromada. Colección privada.

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 Gerard Demetz Italia

selección de sus impactantes esculturas en madera centradas en la imagen de los niños y adolescentes de nuestra época. Las elabora con fragmentos de madera ensamblada o con materiales sintéticos, y su empleo de piezas diferenciadas y no de bloques le sirve para expresar su cuestionamiento de la realidad humana

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 The First Generation (2000) by Chong Fah Cheong, Cavenagh Bridge, Singapore
 
Es un escultor conocido por muchas esculturas públicas en Singapur. A pesar de que trabajó en una variedad de estilos , su nombre se identifica con una serie de esculturas figurativas que representan la vida de las personas que viven y trabajan a lo largo del río Singapur, en este caso un grupo de alborozados niños.

«Niños jugando al corro» Localizado en Benson Garden, Loveland, Colorado, USA
 
El parque, inagurado en 1985, cuenta actualmente con 116 esculturas.

Y nada mas, quiero terminar con esta alegre escena, que es la que los niños de todo el mundo, deberían vivir y disfrutar siempre…

Fuentes:

Las antiguas Termas de Cluny (París)

Son conocidas por varios nombres: “Musée National du Moyen Âge”, “Museo Nacional de la Edad Media – Termas de Cluny”, y ofrece una atractiva combinación de ruinas galo-romanas integradas en una mansión medieval de las que  se pueden, hoy todavía, ver algunos restos a un lado del edificio.

 

El pasado romano de la ciudad-luz es un aspecto poco conocido para muchos visitantes. Aquí nos centraremos en una de las grandes termas públicas que existieron en la ciudad en época romana, que milagrosamente ha conservado parte de su estructura visible hasta hoy en día.

La primitiva ciudad, Lutecia, se remonta a época protohistórica. Fundada por uno de los pueblos galos, pervivirá en época romana y seguirá creciendo hasta la urbe actual.

En su origen, Lutecia era la capital del pueblo galo de los Parisii, mencionados por Cesar en el 53 a. c. En una isla del río instalarán los parisii su oppidum, o ciudad fortificada. Situada estratégicamente junto al Sena, en una de las grandes vías de comunicación europeas, estaba en conexión con múltiples cursos de agua navegables. Recurso que, por supuesto, siguieron explotando sus habitantes en época romana.

Partiendo de este asentamiento, se diseñará la ciudad romana, que adaptará su plano ortogonal al eje del río desde la zona de las islas del Sena (núcleo primitivo, lugar ideal para garantizar el paso del río y zonas pantanosas, aprovechando las islas para los puentes) hacia Sainte-Geneviève, en ese suave piedemonte de la margen derecha del río.

Las termas contaban con todo lo habitual en este tipo de edificios, salas y piscinas calientes o frías, gimnasio, palestras, vestuarios, hornos para calentar el aire y el agua, hipocaustos bajo los que circulaba el aire caliente, canalizaciones del agua, pavimentos de mosaico, paredes con estucos pintados o con placados de mármol, etc. 

 

  Los frailes borgoñones de la gigantesca Abadía de Cluny se establecieron este monasterio a manera de vivienda de paso parisiense, sobre las ruinas de baños galorromanos. 

 

Reconstruido con su apariencia actual en 1510, este monasterio abandonó su actividad y su arquitectura medieval y fué desde 1842 un lugar perfecto para el Museo Nacional de la Edad media. Dentro del Museo están varios tesoros inestimables, joyas, pinturas, esculturas, vidrieras, tapices, objetos antiguos… ademas de todos los restos romanos.

LAS TERMAS GALO-ROMANAS

 

 Pintura de 1845 que representa el frigidarium de las Termas.

Fueron abandonadas a finales de la edad antigua y sus materiales se reutilizaron, pero ya en la Edad Media volvieron a ocuparse de forma permanente, siendo los monjes del Convento de Mathurins sus ocupantes hasta el siglo XIV, cuando los abades de Cluny establecieron en el edificio su residencia parisina.

 

Vista de las Termas donde se exponen restos arqueológicos romanos y galos

La Lutecia gala se había extendido por las estribaciones de la montaña Sainte Geneviève. Las protecciones construidas en el s.III a.e. no pudieron evitar los ataques de los germanos desde el noreste y, posteriormente, en el 52 a.e. tuvo lugar laBatalla de Lutecia,  que marcó el inicio de la dominación romana.

 

Las termas galo-romanas son uno de los testimonios más espectaculares de la arquitectura antigua que se conserva sobre el suelo de Galia. En esa época, Lutecia se dividía en dos conjuntos urbanos, el primero, agazapado dentro de la Ciudad; el segundo, sobre el margen izquierdo del Sena (Montaña de Santa Genoveva).Fue allí adonde se desarrollaron las villas y los monumentos grandiosos, incluidas las termas del norte, llamadas de Cluny, unas de las mejor conservadas.

Termas, detalle de las bóvedas

Se conserva bastante bien el frigidarium (sala de agua fría), que tenía una bóveda de más de catorce metros de altura. Las paredes estaban revestidas de placas de mármol y estuco con pinturas de las que hay aún restos en la bóveda. Se ven hoy desnudas, y han desaparecido todas las decoraciones 

Termas, detalle de las arquerías y paramentos

El hecho de que las paredes estén desnudas permite observar las técnicas de construcción romana. Se aprecian en los muros unas franjas de pequeños sillares de piedra calcárea que alternan con hileras horizontales de ladrillo, dando lugar a lo que se conoce como opus vittalum mixtum; en algunas zonas utilizaron solo el ladrillo.

 

 Parte norte de la cloaca principal.

 

En una de las salas de las Termas, se puede ver esta escultura de Juliano el Apóstata

Bañera de época romana en el frigidariumHabía bañeras de formas cuidadas, hechas con materiales de lujo (mármol blanco, porfidio…). La que se expone fue adquirida por Napoleón a su cuñado, el príncipe Camillo Borghese, y posiblemente tenía patas con forma de garras de león.

Caldarium

Las salas de caldarium están en ruinas, en parte desde el siglo XVIII. Las paredes de grado todavía tienen su estructura original, que se distingue por el uso de pequeñas piedras cuadradas separadas a intervalos regulares de filas de ladrillos.

 

Paramento y bóveda de otra de las salas utilizada como museo, con capiteles romanos
En el suelo se utilizó el opus caementicium, una mezcla de piedra y mortero a base de cal, probablemente recubierta con losas de piedra o mosaico.
 
EL PILAR DE LOS NAUTAS.
 
Los fragmentos de cuatro  altares galos encoentrados en el suelo de Notre Dame en 1711, mientras se estába excavando debajo del coro . Dibujo de Adolphe Potémont, 1862-1863. 
 
 
 
 
Maqueta con la reproducción del  Pilar de los Nautas.(navegantes)
 
 
 

 La visita permite ver el  llamado “Pilar de los Nautas”, que fue localizado en 1711 bajo el coro de Notre-Damme. Este monumento religioso celebra a cuatro divinidades: Castor, Pólux, Cernunos y Smertrios, y quizá era la base de una escultura de Júpiter. 

Pilar de Nautas, detalle

Pilar de Nautes, detalle

Dios galo Cernunnos, calvo, con barba, con orejas de animales y  cornamenta 

 
Pilar de Nautes, detalle 
ARTE BIZANTINO  
 
 
Tablilla consular de Aerobindus, marfil arte bizantinoEl uso de los dípticos estuvo muy en boga entre los romanos como libritos de notas y como artículos de lujo para aguinaldos. De ellos, los más notables que se conservan son los llamados consulares, que solían dar los cónsules del imperio como aguinaldo a otros personajes y a los amigos a principios de año. Tienen adornada con relieves la parte exterior de las tablitas figurando de ordinario el retrato del mismo cónsul en actitud de presidir e inaugurar los juegos públicos, arrojando al circo la mappa o pañuelo que lleva en su mano (en la foto no se ve)
 
Díptico  consular de Aerobindus donde se ve la escena de circoProbablemente esta tablilla, sirvió de inspiración  a la realización del dintel, con la misma temática, que se encuentra en la iglesia ramirense de San Miguel de Lillo en Asturias.

 

 
 El cortejo de Ariadna marfil S.VI
 
El cortejo de Ariadna marfil S.VIPosiblemente de la decoración de un sitial, Ariadna, personaje mitológico, es representada con la cabeza velada como una novia y coronada por dos putti como símbolo de su matrimonio con Dionisos. Lleva el pecho descubierto para mostrar su belleza. Porta en sus manos el bastón o tirso del dios y un cuenco en su mano izquierda. Le acompañan dos figuras pequeñas, la de Pan y una ménade.  La imagen podría proceder de un taller de Alejandría.
 
 
Píxide de marfil bizantino con escenas de la vida de Cristo 
He extraido este artículo, de mi anterior publicación;» Museo du Moyen Áge o Termas de Cluny· y por si a alguien le interesa, su link es: http://bauldechitiya.blogspot.com.es/2017/02/museo-de-la-edad-media-o-de-las-termas.html 
Aqui solo muestro la parte dedicada a la arqueología romana de su colección
 
 
 

Los capiteles

El término capitel proviene del idioma occitano y este del  latín: capitellum, diminutivo de caput, capitis, cabeza  es un elemento arquitectónico que se dispone en el extremo superior de la columna, pilar o pilastra para transmitir a estas piezas estructurales verticales las cargas que recibe del entablamento horizontal o del arco que se apoya en él. Además de esta misión estructural cumple otra de índole compositiva, pues actúa como pieza de transición entre dos partes constructivas tan diferentes como aquellas entre las que se interpone. Hay una enorme variedad de capiteles dependiendo de la época y estilos dominantes.
A nivel general puede decirse que un capitel se compone de un astrágalo (la moldura que se encuentra en la base y que se desarrolla en torno al fuste de la columna), un tambor (el cuerpo del capitel) y un ábaco (el tablero que sirve como remate y que sostiene el comienzo del dintel o del arco).

 Los principales tipos de capiteles a lo largo de la Historia.

 CAPITELES PERSAS

Las columnas de la Apadana de Susa, de fustes estriados y basas cuadradas, eran especialmente bellas. A 20 metros de altura sostenían con sus espectaculares capiteles las vigas de cedro de la techumbre.

Capitel y columna persa, elementos
Estos capiteles, con prótomos de toros muy adornados, tallados en una sola pieza cada pareja, se completaban con volutas dobles de indudable inspiración  jónica. Aunque los toros respiraban aún el estilo asirio-babilonio, en su conjunto el resultado es única y exclusivamente persa

 V a.C. Museo Nacional del Louvre
En la arquitectura medo-persa es característico el capitel de tipo bicéfalo o de doble toro, que consta de una parte adornada con volutas y de dos partes con torsos de toro, caballos o grifos opuestos, entre los cuales queda un espacio donde se insertan y descansan las vigas del entablamento

Ruinas del palacio persa de Persépolis al SO de Irán, sede de los reyes aqueménidas. Su construcción comenzó en el s. VI aC. y fue destruido por Alejandro

Donada por el Sah de la República de Irán en 1971, a la ciudad de Buenos Aires.
Réplica de una de las columnas del Palacio del rey Ciro II, el Grande, en Persépolis, quien reinó en Persia en el siglo VI (a.C.); también llamado Ciro de Anshar, a quien se le considera creador y unificador del imperio Persa. Esta columna pertenece a la “Apadana” (sala de audiencia). El palacio fue levantado entre los siglos VI y V (a.C.) por Dario II, rey de la misma dinastía, y su hijo y sucesor Jerjes I. En 330 (a.C.), Alejandro Magno, en su campaña de Oriente, ocupó y saqueó Persépolis, incendiando el Palacio de Jerjes, para simbolizar, quizá, el fin de la guerra panhelénica de revancha contra los persas.

CAPITELES EGIPCIOS
 


Los capiteles se inspiran y son la “estilización” de motivos florales del país: papiros, lotos y palmeras.
Según el motivo escogido se distinguen los siguientes tipos:
Papiriformes (emblema del Bajo Egipto).
Lotiformes (símbolo del Alto Egipto).

 Ambas clases pueden presentar las flores del motivo escogido cerradas, en capullo, o bien abiertas. Cuando las flores se presentan abiertas se denominan Campaniformes, por la forma que presenta el capitel de una campana invertida.

Tipos de capiteles egipcios
El capitel egipcio tenía como preferencia formas papiriformes, palmiformes o lotiformes, pero también relativo a cualquier otro tema vegetal.

Templo de Philae en Assuan, con capiteles hathóricos
El templo de Philae es uno de los cuatro templo y lugares donde suceden los acontecimientos de la Leyenda de Isis, Osiris y Horus. hijos del dios Ra

 Capitel athórico» Templo de Hathor (Templo de Dendera)
Hathor fue una divinidad cósmica, diosa nutricia, diosa del amor, de la alegría, la danza y las artes musicales en la mitología egipcia. Su nombre significa «El templo de Horus» o «La morada de Horus», para identificarla como madre del mismo y, a veces, su esposa.

Columnas Hathóricas.
Esta columna representa la imagen estilizada del instrumento musical conocido como sistro, consagrado a la diosa HET-HER (HATHOR). Se distinguen dos clases de capiteles hathorianos: el simple y el mixto. Ambos están decorados en sus cuatro caras con la imagen de la diosa Hathor. 

El ábaco de esos capiteles representa en sus cuatro caras la imagen del frente de una capilla. En el capitel hathoriano mixto, el rostro de Hathor emerge de una gran copa decorada con flores de loto.

Capitel papiriforme abierto
Tambien se les llama campaniformes por ser como una campana invertida

.


Templo en Luxor con columnas de capiteles papiriformes cerrados


Capitel del templo de Philae con forma de flor de loto abierto

Capiteles egípcios con diversos motivos

Isla de Filé (Egipto). Templo de Isis.  Capiteles de orden compuesto en el dromos
Situado originalmente en la isla de File el recinto en el que se encuentra el Templo de Isis se abre con un embarcadero y el pabellón de Nectanebo I a la izquierda, con un pórtico rectangular formado por 14 columnas campaniformes con ábaco hatórico dispuestas en 2 filas simétricas respecto a la edificación.

CAPITELES GRIEGOS
 
Orden dórico

El orden dórico es el más arcaico y simple de los órdenes arquitectónicos clásicos. Proviene del pueblo dorio. Es el orden griego por excelencia. Cuanto más antiguo, más sencillo, dando sensación de robustez (protodórico), cuanto más tardío, más esbelto y proporcionado
Se empleó en la Grecia continental desde el siglo VII a. C. y en el sur de Italia.

Capiteles dóricos Partenón Atenas
El Partenón, templo dedicado a Atenea Parthenos en la Acrópolis de Atenas, es sin duda el máximo exponente de este estilo arquitectónico
Tras la destrucción de la acrópolis por los persas en 480 a.c., Pericles proyectó la construcción en la colina sagrada de un majestuoso templo a mayor gloria de Atenea

 Para conmemorar la victoria sobre los persas en Maratón en el año 490 a.C., los atenienses decidieron construir un templo a Atenea sobre la colina sagrada de la Acrópolis, que dominaba la ciudad.

 Orden jónico


El Orden Jónico es el segundo, en sentido cronológico, de los órdenes arquitectónicos clásicos que tuvo su origen hacia el siglo VI a. C. en la costa oeste de Asia Menor y en las islas Cícladas, archipiélago situado al sureste de Grecia en el mar Egeo.

Más esbelto y airoso que el orden dórico, ha dejado abundantes muestras de su estilo, de las que, como ejemplo más canónico, cabe destacar el Templo de Atenea Niké en la Acrópolis de Atenas. Sin embargo, habiendo sido imitado a lo largo de la historia, la versión más admirada y copiada, desde el siglo XVII en adelante, fue la del romano Templo de Portunus.

 Orden corintio

 
Capitel coríntio
Esencialmente es similar al orden jónico, del que difiere básicamente en la forma y tamaño del capitel. Una de las construcciones más destacables ejecutadas según las pautas estilísticas del orden corintio es el monumento de Lisícrates en Atenas


El orden corintio es el más elegante y ornamentado de los órdenes arquitectónicos clásicos. Se atribuye su creación al escultor griego Calímaco en el siglo IV a. C Su ornamentación se hace con la hojas del acanto.

Capitel compuesto
Muy utilizado en la arquitectura romana , mezcla el orden jónico con el coríntio.

Es una combinación de jónico y corintio, adoptando las volutas de uno y las hojas de acanto del otro.

 

Capitel toscano: es similar al dórico, incluyendo un collarino; 


CAPITELES BIZANTINOS

El capitel bizantino toma por modelo el corintio, logrando una mayor estilización; de forma troncopiramidal invertida, en ocasiones duplica el tambor montando uno sobre otro

 

Capitel bizantino tipos
 
 

Capitel de Santa Sofía de Constantinopla.(Estambul, Turquía)

Capitel bizantino en San Vitale.(Rávena, Italia)

CAPITELES VISIGODOS

Capiteles visigodos: tipos utilizados

San Pedro de la Nave
Capitel visigodo El adjunto capitel perteneciente a San Pedro de la Nave constituye un típico ejemplo de los de forma de tronco de pirámide invertido cuyo cimacio, de característica decoración visigoda, es de extraordinarias dimensiones además de anclarse al muro prolongándose a modo de breve imposta.

San Pedro de la Nave (Zamora) el sacrificio de Isaac.
Los capiteles del crucero, son del siglo IX o X, fecha también del abovedamiento. En un capitel, está representado el sacrificio de Isaac, en otro, Daniel entre los leones. Estas dos escenas se encuentran coronadas por róleos en los que aparecen aves que simbolizan las almas bienaventuradas que se alimentan de la Eucaristía


Iglesia visigoda de San Pedro de la Nave (Zamora)
En este otro, perteneciente al arco triunfal, aparece una arqueria, que podía simbolizar la Jerusalen celestial

CAPITELES MOZÁRABES

Capiteles mozárabes de San Cebrián de Mazote (Valladolid)
Estas iglesias, austeras exteriormente, suelen tener un espacio interior muy hermoso y de gusto oriental, con arquerías de herradura, y columnas con capiteles corintios de tradición cordobesa.

Capiteles de San Miguel de Escalada (león)
Los capiteles, corintios, no son todos iguales, y vemos en ellos cierta evolución a la hora de ser esculpidos. Tenemos en el interior del templo unos ejemplos del arte astur con hojas carnosas aunque lisas, y otros con collarín, denominados propiamente mozárabes.

San Miguel de Escalada. Capiteles detalle
Un tercer grupo, ya en el exterior, en el pórtico, presentan collarín asturiano y están trepanados.


 CAPITELES PRERROMÁNICOS ASTURIANOS


Iglesia Santa María del Naranco capitel (Oviedo – Asturias)
El auge obtenido por Oviedo con el programa constructivo de Alfonso II, durante la primera mitad del siglo IX, tuvo su colofón en los edificios levantados en la última década de ese período por Ramiro I en el monte Naranco. Este rey tuvo un gobierno más breve, de sólo ocho años, pero pudo en ese tiempo formar una residencia palaciega de reposo,

Capitel de Santa María del Naranco (Oviedo) arte Ramirense
Habría allí muchas construcciones, «palatia et balnea» citan las crónicas, pero de todo ello sólo se ha conservado el palacete rústico o belvedere, convertido en iglesia de Santa María, y la parte de los pies de la iglesia palatina de San Miguel de Lillo

Capitel de San Miguel de Lillo (Oviedo, Asturias) arte Ramirense
Respecto a los soportes sus características son las basas decoradas, los fustes sogueados y los capiteles enriquecidos, todo ello para realzar las columnas.
En la imagen, capitel troncocónico invertido con sogueado formando triangulos y figurillas

Los soportes cumplen la misma función que en otros estilos, pero al tener las techumbres de madera, suelen ser mas estilizados

 CAPITELES ISLÁMICOS

Distintos tipos de capiteles de la Mezquita de Córdoba
El arte islámico no conoció nunca la preceptiva que podría imponer un determinado orden, al estilo de los edificios de época clásica. Es cierto que hay diversas constantes estilísticas y algunos elementos predominantes (pensemos en el arco de herradura o en el uso de la yesería), pero cada edificio ofrece siempre peculiaridades que lo singularizan de los demás.
Hasta comienzos del siglo X lo que predominó en la arquitectura andalusí fue el empleo de capiteles de acarreo, habitualmente de época romana y, en menor medida, visigótica.

En conclusión: no hubo exactamente un canon estricto para tallar los capiteles en la arquitectura andalusí, y acabó creándose un amplio abanico de formas.
 De esas características participa el capitel encintado, que muestra una alta esquematización tanto de las volutas como de las hojas de acanto y que recibe esa denominación precisamente porque en cada una de sus caras, entre ambas volutas, se dispone un par de bandas horizontales, a modo de cintas.

Capitel califal procedente de Córdoba
Se trata de un capitel de mármol fechado en la época de Almanzor, con motivos decorativos de gran variedad. Ésta se basa en hojas de acanto y elementos zoomórficos a base de aves acuáticas, gusanos y lombrices. También sus proporciones son bastante libres y diferentes, conservando, sin embargo, la planta de cruz de brazos curvos con la proyección central del taco en cada uno de sus lados.

Capitel omeya
El capitel islámico también deriva del corintio con ligeras modificaciones. y realizados con la técnica del trépano, que le confería calidades de claroscuro muy bellas.
Son dos capiteles del siglo X, que según testimonio de un vecino del casco antiguo de Córdoba, habrían sido utilizados como maceteros en un patio, al menos hasta el año 2002.

Capitel de avispero. mediados del siglo X. Madinat al Zahra. Córdoba.
es una ciudad palatina o áulica que mandó edificar Abderramán III (Abd al-Rahman III, al-Nasir) a unos 8 km en las afueras de Córdoba en dirección oeste, más concretamente, en Sierra Morena.
Se dice que su fundación está relacionada con una favorita del califa que tendría por nombre al-Zahrá (Azahara) pero los principales motivos de su construcción son más bien de índole político-ideológicos

 Capitel de alabastro procedente del Palacio de la Aljafería (Zaragoza)
La Aljafería es un palacio fortificado construido en Zaragoza en la segunda mitad del siglo XI por iniciativa de Al-Muqtadir como residencia de los reyes hudíes de Saraqusta.(Reino de Taifas de Zaragoza)

 

Capitel nazarí con mocárabes

Un capitel de mocárabes está formado a partir de una complicada trama de racimos de estalactitas. Suele rematar siempre fustes muy esbeltos, que dan a los edificios nazaríes si característico y original estilo.

CAPITELES ROMÁNICOS

 El llamado Capitel de la Orestíada de San Matín de Frómista

Es una pieza de excepcional importancia desde diversos puntos de vista por la finura de su ejecución, contrastando con la plástica general de las obras contemporáneas del Siglo XI.
El clasicismo de la obra, inspirada en un sarcófago romano, parece rematado con dos desnudos frontales de corte naturalista y que se muestran sin pudor, algo que no solemos asociar a la Edad Media. Matizar que lo que encontramos actualmente es una réplica. El original fue mutilado, al igual que todas las imágenes que mostraban los genitales en el templo.

Santo Domingo de Silos
Capitel que posee las cestas cubiertas de retícula formada por cordón doble entrelazado. Motivos posibles gracias a la labor de trépano que posibilita el vaciado de pequeñas superficies creando contrastes de luces y sombras

Capitel románico con aves con cabezas de fiera, segundo taller del Monasterio de Silos .(Burgos)
Lo más destacable del Monasterio es la calidad en arte y simbolismo de los 64 capiteles del claustro bajo, con una colección delirante de encestados, zarcillos, acantos, sirenas, arpías, grifos, leones, centauros, dragones y aves fabulosas.Datan de los S.XI y XII.

Capitel de Santa María de Piasca (Cantabria)
De entre sus capiteles , vegetales en su mayoría, destaca el central del lado del evangelio, donde aparece tallada una Epifanía completa en la que los Magos entregan sus presentes al Niño Jesús, representado de perfil sobre las rodillas de María como si de un trono se tratase.
Aún se puede apreciar ligeros restos de policromía.

Capitel del Descendimiento – Museo de Navarra, Pamplona
El capitel románico es muy variado en formas y temas decorativos. Además de las funciones propias de todo capitel, el románico fue asimismo un instrumento didáctico de primer orden, pues se le confió la tarea de transmitir a los fieles las enseñanzas evangélicas, las del Antiguo Testamento o las de las vidas de los santos, por medio de representaciones figurativas de escenas apropiadas, denominándose capitel historiado

Este capitel pertenece al claustro del monasterio cisterciense de San Andrés de Arroyo en la provincia de Palencia

Podría parecer que la ideología básica de la orden del Cister limitaría la actividad artística del escultor medieval. Nada más lejos de la realidad.No hay sino contemplar la filigrana del capitel del ángulo noroeste de este claustro. Es un verdadero ejercicio de vanidad del escultor. Sólo elementos vegetales: volutas, hojas, tallos, botones florales.. Quizá fueron las instrucciones que recibiese el escultor y que respetó.. a su manera.  

Capitel de la Colegiata de Santa María la Mayor de Toro (Zamora)  

Capiteles de Santa María de Villanueva de Teverga (Asturias)
La iglesia posee un conjunto de capiteles de gran calidad que relatan diferentes pasajes de la Biblia.
  

CAPITELES GÓTICOS

Posteriormente, el capitel se va haciendo más pequeño y delicado y por fin,
llega hasta suprimirse cuando en el siglo XV el haz de junquillos se ramifica
directamente en los nervios de la bóveda sin que medie solución de continuidad
 

 Capiteles utilizados en el arte gótico
Después del periodo de transición en el que se sigue el capitel románico se
presenta como un tambor algo cónico abrazado con follaje cuyos motivos se
toman de la flora del país (aunque, a veces, sobre todo durante el siglo XIV admite
figurillas e historias entre el follaje siempre con más pulcritud que en el estilo
románico) y se corona por un ábaco circular o poligonal de varias molduras.

 

 Capiteles góticos de Sant-Denis (Francia)
en muchos casos  se queda en forma de simple anillo.

 
CAPITELES RENACENTISTAS

 
Capitel renacentista del Palacio del Dux de Venecia
El capitel gótico va perdiendo su importancia según adelanta la época del estilo.

Capiteles renacentistas
Con el Renacimiento y el Neoclasicismo se volvió a la utilización de los capiteles clásicos según los cánones de los órdenes arquitectónicos griegos y romanos.


 CAPITELES MODERNISTAS

Capiteles modernistas con los típicos motivos florales y vegetales
El Modernismo desarrolla nuevos conceptos arquitectónicos basados en la naturaleza, que consisten en los materiales de construcción que se emplean, en las formas de los edificios y en las figuras de sus fachadas. Los arquitectos y sus escultores colocan en el exterior de los edificios pájaros, mariposas, hojas y flores a modo de elementos decorativos, ya sea como figuras adosadas o como adorno de la piedra o cerámica.

El Palau Macaya es un edificio modernista construido en 1901 que se encuentra en el Passeig de Sant Joan de Barcelona y es obra del arquitecto Josep Puig i Cadafalch. El capitel que vemos a continuación se haya en la entrada de carruajes y representa al arquitecto en bicicleta. Es obra del escultor Eusebi Arnau. La bicicleta era el medio de transporte empleado por el arquitecto para desplazarse entre el Palau Macaya y la Casa Amatller. otro edificio modernista del cual también era el arquitecto y que se estaba construyendo simultáneamente.

Capitel de la Sagrada Familia de Gaudí:
En 1878 se gradúa como arquitecto y comienza a desarrollar una arquitectura nueva y original en consonancia con la naturaleza.En la Sagrada Familia el capitel o nudo de la columna de la Nave Central es el elemento de traspaso entre el tronco y las ramas.En ellos simula, para curar la herida producida al cortar una rama de un árbol, nace un reborde que Gaudí incorporó al diseño de los capiteles de las columnas de la Nave Principal del Templo como elemento naturalista del mencionado gran bosque.


Fotografía Gelis Lopez.

FUENTES:

 https://es.wiki2.org/wiki/Capitel

http://www.arquivoltas.com/Presentacion/Presentacion40.htm

http://www.arteguias.com/escultura.htm

Y distintas páginas de los lugares mencionados.

Los sentimientos de las estatuas

El sentimiento se refiere tanto a un estado de ánimo como también a la emoción  que determina ese estado de ánimo. Es por tanto, » el estado del sujeto caracterizado por la impresión afectiva que le causa determinada persona, animal, cosa, recuerdo o situación en general».
El sentimiento es el resultado de las emociones. Esta respuesta está mediada por neurotransmisores como la dopamina, la noradrenalina y la serotonina. Forma parte de la dinámica cerebral del ser humano y de los demás animales, capacitándoles para reaccionar a los eventos de la vida diaria.
La escultura es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado.
Los egipcios, creían que para que el faraón viviera después de su muerte, necesitaba una imagen con su representación para favorecer la pervivéncia del alma. De la misma manera, se utilizaban símbolos con un fuerte sentido en la estructura y la claridad del mensaje que se quería transmitir. Pero en civilizaciones y siglos posteriores, la función que cumplía la escultura exenta o formando parte de la arquitectura, fué variando y muchas de ellas no se limitaban a representar una imagen humana, animal o fantástica sin mas, sino que se las fué dotando «de vida» merced a que reflejaban los sentimientos en un momento determinado, dependiendo de la circunstancia representada. Pasando por diversas fases, la escultura alcanzó en el barroco su máxima expresividad. 
A continuación expongo algunas de ellas, la mayoría conocidas, con mi interpretación personal y probablemente equivocada, de la emoción que podía representar cada una. (Cada uno de vosotros vais a percibir, probablemente, otros sentimientos ante ellas, es normal, la percepción es muy subjetiva) 

LA PIEDAD: ACEPTACIÓN
Basílica de San Pedro del Vaticano
La Piedad del Vaticano, grupo escultórico realizado por Miguel Ängel Buonarroti entre 1498 y 1499 que se encuentra en la basílica de San Pedro del Vaticano. Se trata, por tanto, de una escultura del Renacimiento italiano, concretamente realizada a caballo entre el final del Quatrocentto y comienzos del Cincuententto.
El escultor opta por representar el tema de la Virgen con Cristo muerto sin recurrir al dramatismo extremo con el que se había tratado el tema en el gótico final; sino que, por el contrario, todo en la obra respira aceptación ante el destino redentor de Cristo. El rostro de María de belleza inigualable no se deforma con expresiones de llanto o dolor sino que muestra un dolor comedido mostrando a la Humanidad el cuerpo muerto de su Hijo. María muestra un rostro ovalado, bello y joven; demasiado joven le criticaron a a Miguel Ángel, pero con el que el autor dijo que quería representar la virginidad eterna de María. odo en ella transmite sosiego, reposo y aceptación por parte de la Madre del destino redentor del Hijo entregado a la Humanidad en ese gesto del brazo izquierdo
LA DAMA DE ELCHE SERENIDAD
MAN (MADRID)
Es una escultura íbera en piedra caliza, que se data entre los siglos V y IV a. C. La pieza se encontró cerca de Elche, donde existe un montículo que los árabes llamaron Alcudia (‘montículo’) y que en la antigüedad estaba casi rodeado por un río. Se sabe que fue un asentamiento íbero denominado Helike (en griego) y que los romanos llamaron Colonia Iulia Illici Augusta. La influencia fenicia y de Tartessos aparece claramente en el tema o las joyas mientras que lo griego es visible en la técnica escultórica utilizada y las características de la figura, similares a la escultura griega de finales de S. VI a. C. en la que todavía se observan rasgos arcaicos pero con cierta búsqueda de la serenidad y la belleza idealizada. Sin embargo, el escultor no se limitó a copiar, sino que interpretó los modelos orientales con gran originalidad.
EL ESCRIBA SENTADO : ATENCIÓN
Museo del Louvre (París)
la escultura que representa a un escriba sentado y se encuentra expuesto en el museo del Louvre (París) de donde recibe el nombre. De autor desconocido, esta obra, encontrada en el siglo XIX en la necrópolis de Saqqara, se fecha durante la V Dinastía (aprox. 2.500 a.C) siendo por lo tanto una obra reprsentativa del arte egipcio del Imperio Antiguo. Dicha obra muestra la dignidad del personaje en el desempeño de sus funciones visible no sólo en la representación de sus instrumentos de escriba, cálamo y papiro, sino en la mirada atenta y concentrada hacia un invisible personaje que dicta las instrucciones y ocuparía el lugar del espectador. Toda la atención se centra por un lado en la mirada del personaje, intensificada por el recurso del uso de cristal para los ojos, y por otro en la acción de escribir propia del oficio del personaje representado.
 
NEFERTITI: SEGURIDAD
Neues Museum (Museo Nuevo) Berlín
Es una de las obras maestras del arte egipcio, elaborado por el Escultor Real Tutmose o Dyehutymose (1330 a. C.), artesano y maestro escultor durante el reinado de Akenatón, y que tenía un taller de escultura en la ciudad de Aketatón en la época del Imperio Nuevo de Egipto, concretamente durante la Dinastía XVIII de Egipto.
Su belleza fue legendaria, pero tras su imagen sublime parece que su papel político y religioso en el desarrollo deL «Cisma de Amarna», durante el reinado de que revolucionó por completo la sociedad y la cultura egipcias.fue fundamental.Akenatón es célebre por haber impulsado transformaciones radicales en la sociedad egipcia, al convertir al dios Atón en la única deidad del culto oficial del Estado, en perjuicio del, hasta el momento, predominante: el culto a Amón. Es el primer reformador religioso del que se tiene registro histórico. Su reinado no sólo implicó cambios en el ámbito religioso, sino también reformas políticas y artísticas.
GALO MORIBUNDO: AGONÍA
Museos Capitolinos (Roma)
Escultura exenta realizada en mármol en época romana que es una copia de una anterior realizada probablemente en bronce. La obra original formaría parte de un conjunto más numeroso de esculturas pertenecientes al monumento conmemorativo de la victoria del rey Atalo I de Pérgamo sobre los galos en el año 225 tiene la cabeza agachada y de una herida en su costado derecho mana sangre origen del debilitamiento que muestra. Todo en la obra transmite a la vez la sensación de derrota, inmediatez de la muerte y resignación del protagonista ante el fatal e inminente desenlace

ESPINARIO: CONCENTRACIÓN 
Museos Capitolinos Roma  
El Niño de la espina, Spinario o Fedele es una estatua de bronce helenística, datada alrededor del siglo I a. C., que se exhibe en los Museos Capitolinos de Roma. Representa a un muchacho sentado mientras se quita una espina de la planta del pie izquierdo. 
Existen varias versiones posteriores del mismo tema: una estatua de mármol romana que forma parte de la colección Uffizi de Florencia, que fue copiada por Brunelleschi. El muchacho muy atento en su tarea, parece ausente del mundo que le rodea.



HERMAFRODITA DORMIDO: SENSUALIDAD
Museo del Louvre (París)
Copia romana de la época imperial (II siglo a. de C) de un bronce original de Policleto. Intervenida por Gian Lorenzo Bernini y restaurada por David Larique en 1619. Museo del Louvre, París. En el cuerpo hay una ligera torsión. Un torcimiento que se inicia en la cabeza ladeada. Sigue en la línea de la columna, que se hunde en el nacimiento de los glúteos suaves. Y se quiebra en la pierna blandamente flexionada.
Pero entonces el cuerpo no está dormido. Finge. Simula el sueño voluptuoso. Este cuerpo que yace en el mármol desde hace más de mil años es la copia romana de un bronce original del griego Policleto. Unos desprevenidos frailes carmelitas la encontraron, a principios del siglo XVII, entre las ruinas de las termas de Dioclesiano, en Roma. Bernini le agregó el lecho en el que reposa y, dicen, también la pierna izquierda seductoramente alzada




LAOCOONTE Y SUS HIJOS: DOLOR PATERNAL

Museos Vaticanos
A pesar de las diferentes hipótesis que se han barajado, lo más probable es que fuera realizado en el siglo I d. C. para un mecenas romano, por los artistas Agesandro, Polidoro y Atanadoro, de la Escuela de Rodas. Pertenece, por tanto, a la última etapa de la escultura clásica griega, el llamado período helenístico.El grupo representa a Laocoonte, sacerdote troyano de Apolo, en el momento de ser devorado por dos grandes serpientes marinas.
Sus propios sufrimientos parecen afectarle menos que los de sus hijos, que elevan los ojos hacia él implorando su ayuda. La ternura paternal de Laocoonte se manifiesta en sus miradas lánguidas: la compasión parece flotar sobre sus pupilas como un sombrío vapor. Su fisonomía expresa las quejas y no los gritos, sus ojos dirigidos hacia el cielo imploran la ayuda suprema. Su boca respira la postración su abertura no le permite gritar; se trata más bien de un gemido angustioso y acongojado.

 

    
EL PÚGIL EN REPOSO: CANSANCIO
Museo de las Termas o Nacional Romano, (Roma)
El Púgil en reposo o Púgil de las Termas es una escultura de bronce de 1,20 metros de altura. Encontrado en las termas de Constantino, en Roma, actualmente se conserva en el palacio Massimo alle Término, una sección del Museo Nacional Romano. La escultura representa a un púgil sentado sobre una roca (imitación moderna de la original, desaparecida) justo después de un combate, y que gira violentamente la cabeza. Lleva unos guantes formados por unas gruesas tiras de cuero (ἱμάντες/ hymantes ) que rodean los nudillos y dejan libres los dedos; la parte del puño está reforzada. la cara está llena de marcas de los golpes: tiene un corte en la oreja, la nariz rota y toda la cara llena de cicatrices.
EL PROFETA DANIEL: SONRISA
Pórtico de la Gloria. Catedral de Santiago de Compostela S.XII
Es la sonrisa de Daniel, en el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago, lugar de Poder donde los haya, una de las más famosas de la Historia del Arte. Una sonrisa que ha cautivado a los visitantes durante siglos y que ha despertado numerosas leyendas populares. Está inspirada directamente en el pasaje de la Biblia en el que Daniel rompe a reír cuando consigue demostrar al Rey Ciro que la estatua de bronce del Dios Baal no es más que un ídolo inerte y que no puede comer las ofrendas que le presentan los babilonios ante el altar

LLANTO SOBRE CRISTO MUERTO: HORROR

Es un trabajo con siete figuras de tamaño natural en terracota con restos de policromía, de la cual no se conoce ni la fecha ( entre 1463 y 1490 ) ni la exacta disposición de cada figura. El dramatismo de algunas de estas piezas es extraordinario, sin par en la cultura italiana del momento, al menos en las obras conocidas, lo cual ha dirigido la atención hacia las fuentes de las que Niccolò habría bebido: seguramente, la escultura de Borgoña, también el Humanismo gótico del otro lado de los Alpes y la novedad dramática del último Donatello.
 

LLANTO SOBRE CRISTO MUERTO:PENA
En Bolonia, en la Iglesia de Santa Maria della Vita, se encuentra un grupo escultórico que llama la atención y destaca por la violenta expresividad y la audacia formal con que se representa el dolor por la muerte de Cristo. Se trata del “Compianto sul Cristo morto” ( Llanto sobre Cristo muerto ), de Niccoló dell’Arca.
(Aportación de Montecarmelo Alvarez)

PERSEO CON LA CABEZA DE MEDUSA: TRIUNFO
Benvenuto Cellini 1554 Piazza della Signoria, Florencia
Está situada en la Loggia dei Lanzi, o Loggia della Signoria (Pórtico de los Lansquenetes, o Pórtico de la Señoría); junto a la plaza florentina. Se trata de una escultura metálica, sobre un pedestal de mármol; que alcanza en total: 5, 19 m. Benvenuto Cellini. superó con ella, los modelos del mundo clásico. Siendo capaz de concentrar en este monumento: una fuerza contenida, una elegancia de la forma y un efectismo; que la hace única en su género conmemorativo. Es mucho más que un homenaje heroico; es sin duda: una glorificación del Arte, como concepto estético de belleza; dentro de la mentalidad renacentista.

MOISÉS: FÚRIA
Miguel Angel Buonarroti, Iglesia de San Pedro ad Víncula, Roma
Moisés sentado con las tablas de los mandamientos abajo del brazo y con su mano tocándose la barba, aparentemente luego de su llegada del monte Sinaí cuando encuentra al pueblo judío adorando al Becerro de Oro y eso lo enoja muchísimo, y así lo vemos, con una expresión de furia en su rostro, a punto de levantarse de su asiento, con los músculos en tensión y las venas hinchadas.
la idea era originalmente que El Moisés estuviera en la tumba del Papa Julio II en San Pedro, pero finalmente se decidió que tumba y Moisés fueran a San Pietro in Víncoli, iglesia favorecida con el mecenazgo de la familia del propio Julio II y donde éste había sido Cardenal antes de ser Papa.El mausoleo proyectado, de grandes dimensiones, quedó inacabado.

DAVID: DETERMINACIÓN

Galería Borghese (Roma)
el «David», escultura en mármol realizada por el artista barroco de origen napolitano y asentado en Roma Gian Lorenzo Bernini entre 1623 y 1624. La Obra fue encargada por el cardenal Scipione Borghese, uno de los primeros mecenas del escultor y cuyo palacio es hoy la galeria Borghese, una de las principales galerías de arte de Roma, en donde se encuentra la escultura. Aquí David no es un joven apolíneo de curvas praxitelianas,(como el de Miguel Angel) ni el joven de proporciones perfectas (como el de Donatello), sino un vulgar pastor que asume el destino que le reserva Dios como líder de su pueblo y que con fe hace uso de toda su fuerza y energía para acabar con el soldado más grande y fiero del ejército filisteo. Toda la obra rebosa dinamismo hasta el punto que parece salirse de su soporte físico, la peana, en un recurso típicamente barroco.
EL RAPTO DE PROSERPINA: RECHAZO
Galería Borghese (Roma)
El Rapto de Proserpina, de Gian Lorenzo Bernini.Representa a Proserpina (Perséfone en la mitología griega) siendo raptada por Plutón (Hades en la mitología griega), soberano de los infiernos.
La escultura fue decomisada por Escipión Borghese (junto con otras esculturas como el David y Apolo y Dafne) para decorar las estancias de la Vila Borghese. La composición crea unidad de una forma excelente entre los movimientos de atracción y repulsión de las figuras.Este último sentimiento por parte de la joven es absolutamente explícito
 

 

ÉXTASIS DE SANTA TERESA: ABANDONO
Iglesia de Iglesia de Santa María de la Victoria (Roma)
el «Éxtasis de Santa Teresa», grupo escultórico realizado en 1656 por el escultor barroco Bernini para la capilla Cornaro en la iglesia de Sta. María de la Victoria de Roma. Bernini, considerado el maestro de la escultura barroca ofrece una imagen momentánea buscando producir en el espectador la intensidad de la emoción religiosa. La sensación de levitación de la santa, los juegos de luces y sombras, la representación de las expresiones y el sentido pictórico del conjunto crean un efecto irreal y hacen de esta obra uno de los mejores ejemplos de escultura barroca.
MAGDALENA PENITENTE: ARREPENTIMIENTO
Museo Nacional Colegio de San Gregorio, Valladolid 1664
Pedro de Mena es especialmente reconocido por sus esculturas de María Magdalena en situación suplicante, que ha sido denominada como Magdalena Penitente.
La Magdalena de Mena es una mujer joven aunque demacrada por la penitencia, con la cara ovalada y que muestra un gran sentimiento con una espiritualidad que refuerza la nariz afilada, la boca pequeña entreabierta y la mirada triste Es una pieza de gran realismo que trasmite profundo valor místico-espiritual que muestra la influencia de la escultura castellana de Gregorio Fernández
RONDA DE AMOR: ALEGRÍA
Mariano Benlliure 1899 (Valencia)
Esta delicada alegoría del año 1899, labrada en mármol, es un ejemplo del virtuosismo técnico de Mariano Benlliure, reflejo de su especial gusto por el tema infantil de niños jugueteando.La ronda de Amor, cuyas medidas son 126 x 60 x 73 cm, con la serena belleza idealizada de la joven y su recatado desnudo, donde la doncella se lleva las manos al rostro en una actitud traviesa, sonriendo ante la danza de los niños de su alrededor, representando, en definitiva, una escena de amor juvenil. Hay otra versión, practicamente idéntica titulada «Canto de amor»que esta en el Museo del Prado.
EL PENSADOR: REFLEXIÓN
1880-1900 Museo Rodín
El pensador es una de las esculturas más famosas de Auguste Rodin. Esta pieza, denominada originalmente El poeta, se concibió a partir de una comisión que el Ministerio de Bellas Artes encargó a Rodin para el futuro Museo de las Artes Decorativas de París. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante en la puerta del infierno
El pensador involucra todo su cuerpo en la acción, sus músculos están tensos procedente de un esfuerzo interior y por la propia estructura compositiva con formas arqueadas y angulosas y diagonales. Así frente a una escultura sedente y una actitud de pensamiento que cabría esperar de calma , nos encontramos con ritmo dinámico y vital que procede del interior cercano al movimiento en potencia de Miguel Ángel. La expresión es reconcentrada, seria ,, no de tranquilidad sino de preocupación. ¿ Cuál será su reflexión?
 

LOS AMANTES DE TERUEL: AMOR TRÁGICO
Juan de Ávalos y Taborda 1911-2006
Esta historia de los amantes de Teruel ha estado siempre presente en la literatura española. Cumple con muchos rasgos del amor trágico. El rol principal no recae en el hombre, sino en la mujer, y el final de la historia supone la muerte de ambos. Esta idea de dos amantes unidos por una pasión tan grande que les lleva a su propia destrucción será un clásico en toda la historia de la literatura, ejemplo de ello es la obra de Shakespeare Romeo y Julieta.
FUENTES:
 http://blogarteehistoria.blogspot.com.es/ (Comentarios y fotos)
 y muchas mas páginas de la web, de las obras presentadas