Museo Cerralbo, Madrid

El Museo Cerralbo tiene una dilatada historia. Fue creado por don Enrique de Aguilera y Gamboa, XVII Marqués de Cerralbo (1845-1922), quien compaginará durante toda su vida la dedicación a la Política y la Historia con la sensibilidad hacia las Bellas Artes.
Recorrió Europa en compañía de su familia, visitando museos y adquiriendo obras de arte, reuniendo así una magnífica colección que, junto a los fondos numismáticos, bibliográficos y documentales antiguos, supera las 50.000 piezas.
Por la calidad y diversidad de géneros que abarca llegó a considerarse entonces la colección privada de arte más completa del país; a su formación contribuyeron notablemente su esposa, doña Inocencia Serrano y Cerver, y los hijos de ésta, don Antonio y doña Amelia del Valle y Serrano, marqueses de Villa-Huerta.

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MUSEO CERRALBO

Adema´s de contar con importantes colecciones: Pinturas, esculturas, cerámicas, cristal, tapices, muebles, monedas, medallas, dibujos, estampas, relojes, armas, armaduras y objetos arqueológicos, por mencionar lo más destacado, confieren un encanto especial al palacio que, además de constituir un ejemplo importante de residencia aristocrática, sugiere al visitante una panorámica de la vida cotidiana en Madrid, con las tertulias literarias, los bailes, las confidencias de salón…

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Retrato de José Aguilera y Contreras MARQUÉS DE CERRALBO

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ESCUDO DE ARMAS del Marqués de Cerralbo

Un video a modo de introducción

Portal y escalera de honor

GRAN PORTAL Y ESCALERA DE HONOR

El museo Cerralbo presenta la singularidad de ser uno de los escasos ejemplos en nuestra ciudad que conserva la ambientación original de la que fuera la residencia del marqués de Cerralbo y su familia. Palacio museo, casa histórica y museo de ambientes, es un referente obligado para conocer la forma de vida de la aristocracia madrileña de finales del siglo XIX y comienzos del siglo XX.

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ESCALERA DE HONOR

Nos conduce con una doble rampa y balaustrada de mármol a sendos accesos de la planta entresuelo, mientras que una barandilla de hierro forjado procedente del Palacio de Bárbara de Braganza, actual Palacio de Justicia de Madrid, nos invita a subir a la planta noble alta .

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ACCESO A LA PLANTA PRINCIPAL con columnas de marmol

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PASILLO PLANTA PRINCIPAL

En esta planta transcurrió la vida cotidiana de la familia, compuesta por los marqueses de Cerralbo, don Enrique y doña Inocencia, y los hijos de ésta última, fruto de su primer matrimonio, don Antonio y doña Amelia del Valle Serrano, marqueses de Villa Huerta. Era también la zona donde se recibía a las visitas de confianza.

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SALA DE LAS COLUMNITAS

Zona de reunión de los caballeros, lugar donde conversar sobre los vaivenes de la política, la marcha de los negocios o el estado de la bolsa

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SALA DE LAS COLUMNITAS , detalle

Debe su nombre a las columnas de mármoles, jaspes y ágatas armoniosamente dispuestas en la mesa central y coronadas por pequeñas esculturas de procedencia y culturas diversas presididas por el busto de Luis XV, un biscuit de porcelana de Sèvres.


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SALA DE JUEGOS
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SALA DE JUEGOS MESA DE BILLAR

Francia, hacia 1855. Roble, palorrosa y otras maderas finas/ bronce/ bayeta, lienzo.

Ensamblaje, chapeado, marquetería de elemento por elemento, tintado, grabado a buril, barnizado/ fundición, cincelado, dorado al fuego/ tafetán.

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PURERA Segunda mitad del S.XIX
Madera, marfil, latón. Ensamblaje, chapeado, marquetería de elemento por elemento, barnizado, patinado.

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JUEGO DE FUMADOR DE OPIO

Dinastía Qing, siglo XIX.
Sur de China, probablemente de la provincia de Guangdong.
Madera, barro cocido / acero, hueso / cuero, fibras vegetales e hilo metálico.

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COLECCIÓN DE ARMAS
La armería del museo Cerralbo contiene aproximadamente 700 piezas de diversa procedencia (Europa, América, Asia y Oceanía) adquiridas tanto en España como en el extranjero
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ARMADURA ATRIBUIDA A JUAN PACHECO, II MARQUÉS DE CERRALBO

Italia-Alemania, 1540-1590.
Acero, hierro, cuero Grabado al aguafuerte y a buril, repujado

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ARMADURA JAPONESA

Periodo Edo (1614 – 1868) Hierro, latón, cuero, laca, textiles.

Las piezas más singulares son las armaduras de guerra procedentes del Japón del siglo XVIII. Se trata de armaduras de distinción que pertenecieron a samuráis

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SALÓN DE BAILE
Mención aparte merecen las decoraciones murales de varias estancias, como el techo del fastuoso salón de baile, pintado por Máximo Juderías Caballero
Este salón se concibió buscando un espectacular efecto visual; los espejos y dorados amplifican su suntuosidad y dispone para los músicos de una tribuna en forma de balcón.

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SALÓN DE BAILE
El piso noble o principal destinado al protocolo se decora de forma más suntuosa y artística. Espejo de la posición económica y social de sus propietarios, refleja en su distribución la mentalidad decimonónica donde prima sobre todo la apariencia y se reservan los mejores espacios a los invitados. De hecho, se abría únicamente para recepciones, fiestas y bailes.

SALÓN DE BAILE

Reloj Misterioso
Aquí hay que destacar las lámparas de Murano, los espejos de fabricación veneciana y un llamativo reloj monumental misterioso (de maquinaria oculta) atribuido en su parte escultórica a la fundición de Ferdinand Barbedienne, de París

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Alcoba en el piso superior
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ESPEJO PSIQUÉ CON CERÁMICA DE MEISSEN

Siglo XIX. Porcelana y cristal azogado. Fábrica de porcelana de Meissen (Sajonia)

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Lámpara de cristal veneciano

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ESCIFO (SKYPHOS) ITALOGRIEGO Mediados s. IV a.C.

Arcilla, barniz antiguo Técnica de figuras rojas

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DIANA CAZADORA

Original romano del siglo II d.C. / Montaje actual del siglo XIX
Mármol blanco, mármol brocatel y metal Esculpido, pulido con escofina, ensamblado
Procedencia: Clunia (Peñalba de Castro, Burgos)

Cerámica

Pequeñas esculturas, jarrones, cajitas, piezas de vajilla y otros muchos elementos realizados en cerámica, porcelana y cristal aportan brillo y colorido a los objetos de uso cotidiano y de adorno.
La calidad define las creaciones de cerámica, a través de las piezas elaboradas en talleres y fábricas de reconocido prestigio internacional: Manises, Talavera y Puente del Arzobispo, Sèvres, Wedgwood, Meissen, Buen Retiro, además de elementos procedentes de China y Japón.

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JARRON TIPO IMARI CHINO

Dinastía Qing, hacia 1690 comienzos del XVIII de la era Kangxi (1662-1722).
Porcelana torneada en tres piezas unidas con engobe

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TONDO DE LA ADORACIÓN DE LA VIRGEN

Escuela italiana. Seguidor de Andrea della Robbia o del taller de los Buglioni Primer tercio del siglo XVI

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ENFRIADOR DE COPAS DE FELIPE V

Última década del siglo XVIII. Loza o pasta tierna

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JUEGO DE TÉ WEDGWOOD Último tercio del siglo XVIII.

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JARRA DE MEISSEN
Por las marcas de la base situamos la pieza entre 1814 y 1860. Porcelana caolínica.

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VITRINA CON PORCELANA DE MEISSEN Siglo XIX
Madera ebonizada y porcelana. Fábrica de porcelana de Meissen (Sajonia)

RELOJES

Los relojes que reunió el Marqués de Cerralbo en su colección son de una tipología muy variada, aunque todos ellos de las relojerías inglesa y francesa de los siglos XVIII al XX. Los relojes están distribuidos a lo largo del palacio en sus distintas habitaciones, colocados sobre consolas, chimeneas o mesas. Esto indica que los relojes del palacio no fueron adquiridos con un afán coleccionista sino meramente decorativo o de amueblamiento del palacio madrileño.

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RELOJ FRANCÉS CON CAJA DE MÁRMOL DE SOBREMESA O CONSOLA CON ÓRGANO DE FLAUTAS
Manufactura Brocot. Francia, segunda mitad del siglo XIX.
Mármol blanco, tipo Carrara o Macael, alabastro, bronce dorado.

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RELOJ INGLÉS BRACKET John Taylor. London Siglo XVIII

El reloj inglés se caracteriza por la solidez y perfección de su mecanismo así como por su elegante y sobria decoración. Los relojeros más prestigiosos de Inglaterra colaboraron activamente con grandes ebanistas que se encargaban de la fabricación del mueble y enriquecían la caja con elegantes adornos. Para lacar las mejores piezas contaron con la maestría de los artesanos chinos.

Reloj despertador inglés de pared a pesas J. Wats. London. S.XVIII.

Esfera repuesta de bronce dorado, cuadrada, con copete semicircular, a la que sirven de adorno seis molduras fundidas del mismo metal. Motor a pesas. 30 horas cuerda. Sonería de horas. Péndulo corto de pera, vinculado directamente al escape, que es de paletas, con rueda catalina y una sola aguja.

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RELOJ GINEBRINO DE BOLSILLO CON AUTÓMATAS Robert Brandt & Cie. Siglo XIX

Este reloj fue regalado al Marqués de Cerralbo por D. Carlos VII, según consta en carta autógrafa que conserva el archivo del Museo, en la que se indica que el reloj fue utilizado por el Archiduque Fernando de Austria en las guerras contra Napoleón

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RELOJ ALEMÁN DE VIAJE Elias Kreittmaÿr. Friedberg. 1670.

Despertador. Caja de plata calada y grabada, en la que se aloja la campana, de acero. Esfera con sector horario de plata y el centro dorado, en el que figura la numeración que corresponde a la alarma. Los relojes llamados de carroza (carriage clocks / pendules de voyage) fueron utilizados en estos medios de transporte durante largo tiempo. Cuando no eran de sonería al paso, como en este caso, solían tener la sonería forzada (a la demanda) para poder oír la hora que fuese en cualquier momento de la noche.
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RELOJ FRANCÉS CON GUARNICIÓN EN PORCELANA DE SAJONIA
Primera mitad del Siglo XIX.


Composición barroca con figuras situadas escalonadamente en su estructura. Porcelana policromada. Está compuesto por dos piezas: el reloj propiamente dicho y el zócalo. Tiene un escudo de armas de las casas reales de Polonia y Sajonia, pintados en dos cuarteles. Hay un águila con corona imperial y la alegoría de Marte

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RELOJ FRANCÉS DE CONSOLA O SOBREMESA, DE BRONCE DORADO Y DE FIGURA Primera mitad del siglo XIX. Época Carlos X.

Caja de bronce dorado, formada por un zócalo rectangular en dos cuerpos, el superior con bajorrelieve frontal que representa una escena de caza en la que los corzos son perseguidos por perros y a la zaga va Diana con un arco y flechas. En la parte superior se materializa este mismo asunto con figuras de bulto redondo. La de la diosa, ya en reposo, apoya el brazo derecho en ara en la que se aloja el movimiento, sosteniendo una cuerna en la mano, mientras que con la otra mantiene vertical el arco.

Reloj francés Misterioso, colgante de cristal

Henri Robert. París. Horloge mysterieuse. Brévété.Siglo XIX, segunda mitad (1878)

Reloj pensado para reclamo de escaparates de relojería, muy posiblemente. Su autor presentó el prototipo en la Exposición de Productos Franceses de 1878, en París.era un reloj para excitar la curiosidad, pues por mucho que se fije en él la atención, no se ve más que un cristal transparente, sobre cuya superficie se mueven dos agujas, minutero y horaria. Cada una de las agujas de este reloj lleva en sí misma el mecanismo motor, viniendo a formar solas o entre ambas una especie de balanza equilibrada de brazos desiguales, en la cual el mecanismo de relojería no tiene otro objeto que desplazar el centro de gravedad del sistema a la velocidad conveniente para que una aguja señale la hora y la otra el minuto. Colgado de dos cadenas, su colocación frontal al escaparate de un establecimiento de relojería, atraería la curiosidad del paseante por lo misterioso de su funcionamiento.
DIBUJOS

La colección de dibujos consta de unos 700 ejemplares, de los que mostramos aquí una pequeña selección. El fondo destaca por su calidad y por la variedad de artistas europeos reunidos, especialmente de la Escuela Española, Francesa, Italiana, Holandesa y Flamenca.

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FRANCISCO DE GOYA Dibujo Coche barato y tapado

1824-28 Papel blanco, verjurado, con filigrana.Lápiz litográfico.

El personaje representado empuja una carretilla cuyo contenido está oculto bajo un gran paño. Su espalda torcida y el pie que apoya en el suelo sugieren el andar dificultoso y esforzado de un cojo; tres personajes -¿mujeres?– situados a sus espaldas parecen contemplarlo y divertirse

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PIETRO DA CORTONA Dibujo del martirio de Santa Martina

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MANUEL SALVADOR CARMONA Dibujo de niño

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FRANCISCO RIZZI Proyecto para la decoración de una iglesia

Cabeza de joven anónimo francés Siglo XVII. Papel blanco, verjurado, con filigrana.Sanguina.

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FEDERICO ZUCCARO Monarca recibiendo a un emisario


PINACOTECA
El marqués de Cerralbo tenía gustos eclécticos y dirigió parte de sus esfuerzos a la arqueología, lo que ayuda a explicar el perfil más bien desigual de su pinacoteca. Con todo, cuenta con una relevante sucesión de maestros y varias obras han recobrado autorías de prestigio tras las últimas investigaciones.

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LUIS MELÉNDEZ Bodegón con frutas y utensilios de cocina

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JUAN ESPINOSA Bodegón con uvas

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ANÓNIMO Alegoría de la Eucaristía oleo sobre tabla

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FRANCISCO DE ZURBARÁN Inmaculada Concepción.
Hacia 1640. Procedencia: Colección del Marqués de Leganés.

Esta representación de la Inmaculada añade algunos de los atributos de las letanías del Cantar de los Cantares, junto a referencias a la iconografía de la mujer apocalíptica, dando paso a la mujer “vestida de sol y con la luna a sus pies” del Apocalipsis. La Virgen con rostro de adolescente se halla suspendida como una Asunción, en ondulante figura, sobre un escabel de querubines.
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DOMÉNICO THEOTOCOPULI , EL GRECO. San Francisco en éxtasis. Ca. 1600-1605.
Firmado: «doménicos teotocópulos / epoiei», con caracteres griegos, sobre el letrero blanco.

El Greco aportó una nueva iconografía franciscana a la historia de la pintura. Hasta el momento se representaba a San Francisco alegre y sereno, siguiendo la tradición italiana; pero el artista comenzará a pintarlo con un estilo más español, de forma lúgubre, enjuto y anacorético.

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JACINTO MELENDEZ El principe Luis I, hijo Felipe V

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JACINTO MELENDEZ Felipe V vestido de cazador 1712

La actividad de Miguel Jacinto Meléndez se sitúa entre el final de la pintura madrileña del Siglo de Oro y el nuevo período que nace con la creación de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando. Tío de Luis Meléndez, famoso pintor de bodegones, y hermano de Francisco, pintor real de miniaturas, trabajó en la corte en un momento en el que pocos artistas españoles sobresalían.

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JACINTO MELENDEZ Maria Luisa Gabriela de Saboya (esposa de Felipe V)

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COPIA DE ANTON VAN DYCK S.XVII María de Médicis Reina de Francia 1630
Se convirtió en la segunda esposa de Enrique IV de Francia, y su hijo fue el primer Delfín de Francia en 40 años. Enviudó en 1610 y fue regente durante la minoría de edad de su hijo Luis XIII. Se la considera gran mecenas de las artes en la corte francesa. Durante su regencia cambió el rumbo político de su esposo, buscando la alianza con España mediante un doble matrimonio: casando al futuro rey con Ana de Austria, hija de Felipe III de España, y a su hija Isabel de Borbón con Felipe IV.

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FEDERICO MADRAZO Matilde de Aguilera y Gamboa, Lady Fontagut
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JACOPO TINTORETTO Retrato de Agostino Doria
El retrato coincide con un boceto que realizara Van Dyck en 1625 en su llamado “Cuaderno italiano”, en donde el artista flamenco recogió diversas imágenes percibidas en su estancia en Italia. Junto al boceto figura la inscripción: “Tiziano en casa de Doria”.
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ESCIPIÓN DERROTANDO A ANIBAL Fines del siglo XVI. Lana y seda.
Manufactura de Bruselas. Lleva las marcas de localidad a la izquierda del orillo izquierdo: un escudete entre dos “B”. Marcas de tapicero (sin identificar) en la parte inferior del orillo lateral derecho.

JARDÍN


Esculturas de Júpiter y bustos de dos emperadores reflejadas en el estanque


Otro rincón del jardín, llamado «de los sentidos»

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Entre su densa vegetación de árboles de hoja caduca: acacias de Constantinopla, castaños de Indias, tilos… y escondidos entre jazmines, setos de boj y glicinias, encontramos seres mitológicos y un jabalí, replica en piedra del que Pietro Tacca realizará en bronce, hoy en los Uffici.de Florencia

Dirección:
Museo Cerralbo c/ Ventura Rodríguez, 17 28008 Madrid, España
Fuentes:
http://museocerralbo.mcu.es/informacion/visita.html
http://www.mecd.gob.es/mcerralbo/coleccion/galeria-imagenes.html;jsessionid=BB965FA7C632E42D64D1D296B87B13CE

https://www.culturaydeporte.gob.es/mcerralbo/coleccion/coleccion0/relojes.html
https://es.wikipedia.org/wiki/Museo_Cerralbo#Pintura

Las pinturas de castas

La pintura de castas fue un fenómeno artístico que existió principalmente en la Nueva España en el siglo XVIII, existiendo también ejemplares en Perú.

Las pinturas eran, en parte, producto de la Ilustración e intentaban representar las muchas castas, el producto de la mezcla de razas, que existían en el Nuevo Mundo.
Asi que durante el siglo XVIII en los virreinatos de Nueva España y Perú se desarrolló un género de pintura ahora llamado los «cuadros de casta».

Por documentos, sabemos que el origen de estas obras se puede rastrear hacia 1710, cuando el virrey Fernando de Alencastre , duque de Linares, quiso darle a conocer al rey Felipe V y a su corte, las diferentes mezclas raciales de la Nueva España.
Distinto del concepto de “raza”, típicamente representado en la sociedad contemporánea, la casta en Hispanoamérica integraba representaciones culturales más que las biológicas.

El Imperio Español clasificó a las personas, según «razas» y «cruzas» étnicas, para organizar un sistema social estratificado en sus posesiones de América.

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El diccionario de la Real Academia Española de 1780 define “casta” como “generación o linaje.”

Definiciones de la RAE (actual):

  1. Ascendencia y descendencia de una persona o de un animal.
  2. Variedad de una especie animal que reúne ciertos caracteres hereditarios.
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    El sistema de castas, no solo se dió en las posesiones española, en otros países también aparecieron, asi en: Sudafrica (apartheid), Estados Unidos, la India (llamados yati o ‘clan), el Imperio británico (separación entre blancos e indígenas), el Imperio alemán, y también separación entre blancos y negros en Ruanda-Burundi y entre negros hutus y tutsis…)

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El diccionario indica el sentido de que también existen las castas en ciertos animales, como los caballos, perros, etc y en esta imagen se muestra la diferencia de tamaños, colores, pelajes, etc entre algunas de las más de 300 razas de perros, que han sido criados selectivamente para conseguir características específicas durante miles de años. Se trata de juntar, a propósito el macho y la hembra de cada especie para que de su procreación salga determinada casta.”
Las castas se desarrollaron de un proceso de intercambio cultural, y las raíces étnicas que forjaron la identidad mestiza en Nueva España: fueron los indígenas, los españoles, los negros y escasas veces los asiáticos.

<img src="https://image.slidesharecdn.com/lascastasdelanuevaespaa-091109164351-phpapp02/95/las-castas-de-la-nueva-espaa-5-1024.jpg?cb=1257785063&quot; alt="Las actividades en la Nueva España estaban estrechamente ligadas a este complicado sistema de clasificación:

  • Gobie…»>
    Las listas que se presentan aquí probablemente son las que el artista conocía o prefería, la que el cliente pidió, o una combinación de ambos. Es importante aclarar que estos cuadros tenían como objetivo ser apreciados por un público europeo, ávido de conocer los detalles exóticos de las nuevas tierras. Por ello, en los cuadros no sólo aparecen personas, sino también sus alimentos, carácter y manera de ganarse la vida etc, siendo una rica fuente de información para el estudio de todo ello.

    Muchos autores, al referirse a la población de la Nueva España consideran primero a los grupos mayoritarios y su importanc...
    Un «mestizo» era producto de la mezcla de un español más un indígena. Por ello, algunos mestizos fueron educados como caballeros y damas españoles porque la Corona consideraba humillante que un hijo de español fuera educado entre los indígenas. Otros eran negados y discriminados y a veces se les tomaba por españoles o indígenas, pero sin ser aceptados totalmente por ninguno de los dos grupos.

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    Castas mexicanas (Fragmentos de los óleos de Cabrera)

    Hoy sabemos que la pigmentación de la piel está determinada por los genes biológicos y no por la “sangre” de las personas, de manera que estas pretendidas nomenclaturas raciales plasmadas en los cuadros, científicamente no son ciertas y sólo son propias de la forma de pensar que se tenía trescientos años atrás.

    LOS VIRREINATOS
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    Los Virreinatos de Nueva España en 1819

    El virreinato de Nueva España fue una entidad territorial integrante del Imperio español, establecida en gran parte de América del norte por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX, etapa conocida como período colonial mexicano. Fue creada tras la caída de México-Tenochtitlán, evento principal de la Conquista la que propiamente no concluyó sino hasta mucho después, pues el territorio de Nueva España siguió creciendo hacia el norte, a costa de los territorios de pueblos indígenas del desierto.
    La mayoría de las imágenes de castas, salen de Nueva España (lo que principalmente es México hoy en día) durante los años 1780. Los cuadros de castas también se pintaron en el Perú y otras partes de los virreinatos.
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    El Virreinato del Perú fue una entidad territorial situada en América del Sur, integrante del Imperio español y que fue creada por la Corona durante su dominio en el Nuevo Mundo, entre los siglos XVI y XIX.
    El inmenso virreinato abarcó gran parte del territorio de Sudamérica, incluida Panamá. Quedó fuera de él, también como bien realengo, Venezuela y Brasil, que sobre el océano Atlántico, pertenecía a Portugal.
    Sin embargo, durante el transcurso del siglo XVIII su superficie sufrió tres importantes mermas al crearse -con parte de su territorio- dos nuevos virreinatos de la corona española: el Virreinato de Nueva Granada y posteriormente el Virreinato del Río de la Plata. Al mismo tiempo el Brasil lusitano extendía sus fronteras hacia la Amazonia.

    LAS CASTAS Y SUS REPRESENTACIONES:

    Con este abundante racismo, se llegaría a intentar definir las tantas «mezclas» como personas había, aplicando para ello decenas de nombres para todo tipo de «resultados» surgidos.

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    Los nombres de las castas varían de región en región y cambiaban a través del tiempo y en cualquier caso, los genetistas e historiadores modernos no aceptan que existan las llamadas razas puras, siendo quizá la totalidad de la población mundial el producto de diversas mezclas, algunas de más compatibilidad fenotípica dando apariencia racial.

    Muchas de las series de pinturas de castas, se encuentran incompletas y sin autoría, mientras que hay otras de pintores como: Ignacio de Castro, José Joaquín de Magón, Andrés de Islas, y por supuesto, Miguel Cabrera.

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    Indios gentiles de Andrés de Islas, (1774)
    Cartela: «Expresión de las Castas de gentes de que se compone este Reyno de Mexico; los motivos porque resultó la diversidad; y los nombres con que se distinguen todas las calidades: Hecha en Puebla de los Angeles», ca. 1750.

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    Sor Juana Inés de la Cruz por Andrés de la Islas, (una de sus obras mas conocidas).
    Al margen de sus pinturas de castas, este artista pintó a una de las pocas figuras de la cultura mexicana durante el período colonial, que fueron más populares y despertaron más interés que, la que tras entrar en religión, tomó el nombre de Sor Juana Inés de la Cruz. Mujer de gran cultura, literata de renombre y protegida de virreyes, desde muy temprana edad dedicó la mayor parte de su vida a la lectura y el estudio, pasando pronto a realizar sus propias composiciones en diferentes géneros

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    Pintura de castas de Luis de Mena (C. 1750). Museo de América, Madrid.
    Otra serie muy interesante, porque reflejan la vida de la sociedad novohispana del siglo XVIII. anónimo.
    Los cuadros de castas se presentaron con mayor frecuencia en series de dieciséis lienzos individuales agrupados a modo de mural en dieciséis compartimentos. Cada serie suele representar por lo general a un hombre, mujer y niño
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    Pintura de castas anónimo del S.XVIII. Museo Nacional del Virreinato (Tepotzotlán)
    Lista anónima:
    1. Español con India, Mestizo
    2. Mestizo con Española, Castizo
    3. Castiza con Español, Española
    4. Español con Negra, Mulato
    5. Mulato con Española, Morisca
    6. Morisco con Española, Chino
    7. Chino con India, Salta atrás
    8. Salta atrás con Mulata, Lobo
    9. Lobo con China, Gíbaro (Jíbaro)
    10. Gíbaro con Mulata, Albarazado
    11. Albarazado con Negra, Cambujo
    12. Cambujo con India, Sambiaga (Zambiaga)
    13. Sambiago con Loba, Calpamulato
    14. Calpamulto con Cambuja, Tente en el aire
    15. Tente en el aire con Mulata, No te entiendo
    16. No te entiendo con India, Torna atrás
    (Transcripción literal de la lista)

    Obras del pintor novohispano Miguel Cabrera (1695-1768)

    En México resalta el arte novohispano de Miguel Cabrera, quien realizó una serie de obras inspiradas en las castas del México colonial.

    Esta serie de pinturas data del año 1763, en ellas se representan a las familias (padre madre y prole) de diferentes castas y estrato socio económico, en situación cotidiana (mercado, hogar o calle) en las que se puede apreciar claramente la diferencia entre los estratos sociales y la relación que tiene dicho estrato con la casta a la que pertenecía el individuo. Actualmente esta colección se encuentra en el Museo de América, en Madrid
    Resultado de imagen de LA ILUSTRACION EN NUEVA ESPAÑA
    El problema en torno a las razas y al mestizaje como consecuencia de la unión entre los tres grupos raciales de la colonia: españoles, indios y negros, contó en el siglo XVIII con un gran auge entre los estudiosos que en el marco de las reformas Borbónica y la Ilustración, realizaban por todo el nuevo continente un exhaustivo trabajo de observación y clasificación de la naturaleza, su flora, su fauna, los recursos naturales y entre esta naturaleza, los seres humanos.
    P04778
    “Mulatos de Esmeraldas” de Andrés Sánchez Gallque (1599) Museo de América, Madrid.
    Antes del siglo XVIII, la mayoría de los mestizos era considerada «gente vil» y se les negaba el derecho de ocupar cargos reales, eclesiásticos o municipales. Por ello, el papel de los mestizos en la Colonia fué desde un principio un factor de inestabilidad, pues no tenía un lugar definido en la sociedad de su tiempo. Los mestizos fueron rechazados tanto por los indígenas como por los españoles

    Castas de origen Casta resultante
    español indígena mestizo
    indio negro zambo
    negro zambo zambo—prieto
    español negro mulato
    mulata español morisco
    español morisca albino
    albino español saltatrás
    indio mestizo coyote
    español coyote harnizo
    coyote indio chamizo
    chino india cambujo
    cambujo india tente en el aire
    mulato tente en el aire albarazado
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    Indios gentiles (Cabrera)

    Se denomina indios o indígenas a los descendientes de los habitantes nativos de América –a quienes los descubridores españoles, por creer que habían llegado a las Indias, llamaron indios. El adjetivo gentil, se refiere a una persona, que no es cristiana ni pertenece a alguna religión y no esta bautizada

    Aquí se presentan dos listas de castas de diferentes conjuntos de retratos de castas. que solo están de acuerdo en los nombres de las primeras cinco combinaciones, en su mayoría las que son entre blancos e indígenas. No hay acuerdo en los nombres, ni definiciones, de las mezclas con negros.
    A continuación pongo la serie de Miguel Cabrera y las que llevan la cartela que corresponden a Mexico (Álbum del mestizaje)
    Comprobareis que aunque muchos coinciden en los nombres asignados, en otras difieren totalmente, según el autor.
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    De español e india nace mestizo

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    De español e india nace mestizo (Cabrera)
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    De español y mestiza nace castizo
    La imagen puede contener: 3 personas
    De español y mestiza nace castizo (Cabrera)

    Los castizos surgieron entre la mezcla de europeos con mestizos, su aparición comenzó después del mestizaje entre europeos (españoles en su mayoría) y amerindios junto con la continua llegada de otros europeos al continente americano una vez establecido el colonialismo.

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    De español y negra nace mulata (Cabrera)
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    De español y negra nace mulata
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    De español y mulata nace morisca (Cabrera)
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    De español y mulata nace morisca
    De español y morisca, nace albino (Cabrera)
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    De español y morisca nace albino
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    De español y albina nace torna atrás (Cabrera)
    En este punto, hay que precisar que el blanqueamiento no se aceptaba para la «raza» negra. Por ejemplo, un torna atrás era una persona nacida de la unión sexual de dos «blancos», pero que tenía características fenotípicas de «negro». Esto era porque la sociedad hispanoamericana colonial asociaba un atavismo ( es decir, tendencia a reproducir tipos originales) a los negros. El miedo era que no importaba cuántas generaciones de «blancos» una persona podía tener: si finalmente un abuelo o bisabuelo había sido «negro» o «indio», los rasgos raciales negros o indígenas volvían a aflorar en sus descendientes en mayor o menor medida.
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    De español y albina nace torna atrás
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    De lobo e india nace albarazado (Cabrera)
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    De sambaigo e india nace albarazado
    El apelativo «lobo» cambia en esta serie a «Sambaigo»

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    De español y torna atrás nace Tente en el aire (Cabrera)
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    De lobo torna atrás e india nace tente en el aire
    Esta es otra acepción de «torna en el aire»
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    De castizo y mestiza sale Chamizo (Cabrera)
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    De albarrado e india nace cachimboreta

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    De albazarado y mestiza sale barcino
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    De indio y barcina nace zambaiga
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    De lobo e india sale sambaiga

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    De negro e india sale china cambuja

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    De chamizo e india nace cambuja
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    De mestizo e india nace coyote

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    De mestizo e india sale Coyote

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    De chino cambujo e india nace Loba

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    De negro e india nace lobo

    jerarquias castas

    La sociedad americana se organizó como una pirámide jerárquica que ubicaba en la cúspide a los «españoles» (peninsulares y criollos), y bajo ellos, a la mayoría de la población integrada por «indios» o «naturales» (pueblos originarios), «negros» (traídos como esclavos de África) y «castas» (descendientes de relaciones sexuales entre las tres grandes ramas étnicas anteriores)
    El primer estrato de esta sociedad discriminatoria por la piel está ocupado, por el sector blanco de la población. Lo constituye una minoría de españoles peninsulares ricos y muy influyentes (los llamados «gachupines» en Nueva España y «chapetones» en Perú) y de criollos que les siguen por prestigio socioeconómico.

    Resultado de imagen de piramide castas

    Los negros y mulatos suelen representarse como cocheros, los indios como vendedores de comida, y los mestizos como sastres o zapateros. Las mulatas y mestizas, como cocineras o costureras.
    A medida que la sociedad colonial se había ido estructurando durante la anterior centuria, se fue dando mayor importancia a la pureza de sangre, derivando en un sentido jerárquico y aristocrático, perfectamente conformado a principios del siglo XVIII.
    Tal fue la importancia atribuida a la limpieza de sangre (que en muchos casos no era limpieza absoluta de sangre blanca) que con frecuencia los individuos de este sector recurrieron en este período a la Audiencia para certificarla
    Fuentes:

    http://ceres.mcu.es/pages/ResultSearch?
    http://www.scielo.org.ar/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S1852-96152012000200009
    https://es.wikipedia.org/wiki/Pintura_de_castas
    https://alcolonial.wordpress.com/2012/12/09/pintura-de-castas-miguel-cabrera-imagenes/
    http://genealogiaegusquiza.blogspot.com.es/2010/12/las-pinturas-de-las-castas-en-america.html
    http://ablaevariteprobatum.blogspot.com.es/2013/04/miguel-cabrera-y-la-pintura-de-castas.html

Los ángeles arcabuceros

 

Los ángeles son uno de los temas más característicos de la pintura virreinal en América. Su originalidad viene de la iconografía y de la excelencia de su realización, que contrastan con las versiones europeas. En la cultura occidental, el origen de la iconografía de los ángeles se remonta a los primeros siglos del cristianismo.
 En la Edad Media, los ángeles no eran representados de forma aislada, a excepción de algunas obras como «San Miguel Arcángel, que encontramos como «Juez de las Almas» en la pintura flamenca, italiana y española. Es en el Renacimiento que los ángeles comienzan a ser pintados individualmente, práctica que se extiende durante el barroco. 
 La teología cristiana tomaba la obra de Dionisio Areopagita, obispo y escritor religioso del siglo VI, como base de la enseñanza oficial de los personajes y de las funciones de los ángeles. Este autor, en su obra sobre la «Jerarquía Celestial», divide a los ángeles en tres grupos. El primero esta compuesto par serafines, querubines y tronos, el segundo por potestades, virtudes y poderes y el tercero par príncipes, arcángeles y ángeles.
 Los serafines están en la cima de la jerarquía y rodean el trono de Dios, son de color rojo y su atributo es el fuego. Los querubines simbolizan la sabiduría divina y son de color azul y oro. Los tronos representan la justicia divina y llevan toga y bastón de mando.
 Las series de ángeles constituyen uno de los temas mas originales de la pintura andina, particularmente en las regiones de Cuzco, el lago Titicaca, La Paz y Potosí Parece ser que la aparición en los Andes de los ángeles arcabuceros se debe a los esfuerzos de religiosos letrados que querían sustituir por símbolos religiosos cristianos las creencias indígenas en los dioses de los elementos naturales como el rayo (Illapa), el sol (Inti), la luna (Quella), la nieve y todos los fenómenos naturales de los altiplanos y montañas.
 Así apareció una nueva iconografía fundada en textos apócrifos como el de Enoc, por ejemplo, que brinda a los ángeles el divino poder de dominar a las estrellas y la naturaleza.

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LOS ANGELES DE CALAMARCA
En el altiplano de La Paz se encuentran interesantes iglesias construidas a fines del siglo XVI e inicios del siglo XVII.Una de las más significativos es la colección de arte de la iglesia de Calamarca que tiene una conocida serie de ángeles y arcángeles de los cuales sólo se conjetura el posible significado (las interpretaciones suponían que se relacionaban a dioses andinos),
Este arte fue llamado ´Escuela del Collao´ para diferenciarlo de la Escuela Cuzqueña que tiene otras influencias y características. Los cuadros de Calamarca son anónimos y su autoría se la conoce como del Maestro de Calamarca.


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El lago Titicaca, considerado como el lago navegable más alto del mundo, se encuentra ubicado en la Meseta del Collao, en la cordillera de los Andes, a 3,800 metrosEl impacto causado por los arcabuceros de Calamarca fue grande en toda la zona del altiplano paceño y del lago Titicaca. Los pueblos existentes en las villas del Lago Titicaca tuvieron fuerte influencia de los Jesuitas, cuyo establecimiento en la región fue muy temprano (c 1670 – 80)
Es sabido el especial interés que esta Orden tuvo sobre todo en España por la difusión a través de libros. folletos, devocionarios. etc, ligando a estos seres celestiales con el imperio. 

No es claro que tal relación entre ángeles e imperio se cumpla en el caso de los arcabuceros. pero en todo caso la intención es clara: los ángeles son defensores de alguien o algo. Serán estos ángeles los adelantados del cielo para la defensa del imperio español que tantos problemas tenía en el periodo en que estas series aparecen ( 1660-1680). Epoca luctuosa y problemática que se complicara con el fallecimiento del Rey Carlos II, el último vástago de la dinastía de los Hasburgos


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 Las series de ángeles aparecen hacia 1660, en un territorio que se extiende del norte del Perú al norte de la Argentina, siendo La Paz y Cuzco los centros de difusión . Las series de Calamarca, Peñas y Jesús de Machaca (La Paz), Yarvicolla y Sora-Sora (Oruro) y de la iglesia San Martín de Potosí, todas en Bolivia, figuran entre las más importantes.

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 Iglesia de Calamarca fachada sur

Ninguna de estas pinturas está firmada y no existe documento que nos permita identificar a su autor, que por consiguiente fue denominado Maestro de Calamarca. Sin embargo, la comparación de estas obras con las de la iglesia de Carabuco permite pensar que el Maestro de Calamarca podría ser José López de los Ríos, quién pintó los cuadros de Carabuco en 1684.



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Iglesia de Calamarca fachada principal

Maestro de Calamarca es la denominación historiográfica de un pintor barroco colonial que trabajó en la actual Bolivia a comienzos del siglo XVIII. Sus obras principales fueron dos series de ángeles pintados en los muros de la iglesia de Calamarca (departamento de La Paz),

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Iglesia de Calamarca

Interior de la nave donde se pueden ver la serie de los doce ángeles y arcángeles que han perdurado en la actualidad.


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La primera serie de ángeles, cada uno de los cuales aparece con su nombre al fondo, son los más famosos ejemplos de «ángel arcabucero» o de «ángel boliviano» en general. La segunda serie representa ángeles andróginos con elaborados ropajes a la moda femenina europea y botas militares romanas. 

Los siete Arcángeles de Palermo de Massimo Stanzione, década de 1620. iglesia de Sant’Angelo al Casseroen Palermo.

La iconografía de esta pintura monumental, expresión de un culto muy difundido en la época postridentina, especialmente en España y en los territorios virreinales, tiene su origen en una tradición medieval muy venerada en España, aunque sólo tres de ellos tienen reconocimiento eclesiástico
La primera comprende a los siguientes ángeles: Gabriel, Rafael, ángel de la Guarda, Dominio, ángel de la columna (Virtud), ángel con las rosas (Virtud), ángel desenvainando la espada, ángel con la espada de fuego, ángel sosteniendo una llave, ángel con un haz de fuego en la mano (Serafín), ángel con la espiga de trigo.


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Un inventario de la iglesia, datado de 1728, indica que “en lo alto de los muros de esta Santa Iglesia se encuentran treinta y seis pinturas de ángeles y arcángeles, todas de la misma dimensión en sus bastidores”. Se puede deducir de este texto que en esa época fueron terminadas dos series: las Jerarquías y los Angeles Militares.

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El Libro de EnocLa amplia difusión de las series de ángeles en el Altiplano deben ser buscadas en los escritos apócrifos, como el libro de Enoc y en las iglesias minoritarias del cristianismo, como la iglesia Copta, que venera a Uriel En este texto, los nombres y las funciones de los ángeles son los siguientes:
Baradiel, príncipe del granizo; Galgaliel, príncipe del sol; Kokbiel, príncipe de las estrellas; Laylahel, príncipe de la noche; Matariel, príncipe de la lluvia ; Ofaniel, príncipe de la luna; Raamiel, príncipe del trueno; Raaziel, príncipe de los terremotos; Rhatiel, príncipe de los planetas; Ruthiel, príncipe del viento; Salgiel, príncipe de la nieve; Samziel, príncipe de la luz del día; Zaamael, príncipe de la tempestad; Zaafiel, príncipe del huracán; Zawae, príncipe del torbellino; Ziquiel. príncipe de los cometas.

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Los ángeles arcabuceros están vestidos a la moda del siglo XVII, mangas abiertas cuellos a lo Van Dyck, pantalón hasta las rodillas, sombrero ancho con plumas. El ángel del Museo Nacional de Arte es una de las mejores obras del Maestro de Calamarca, que podría ser José López de los Ríos. 


Aunque hay variaciones en los colores y ciertos detalles en el diseño de la tela, en lo esencial eran similares entre si con muchas prendas.
Los ángeles llevaban un sombrero chambergo adornado con tres plumas, una valona o corbata al cuello rodeada por encajes o puntillas, al igual que los puños, las mangas son muy abultadas acuchilladas como las llevaban los soldados de los tercios; y una casaca también de tipo chambera muy amplia que permite ver la túnica ceñida al cinto.
Por encima de las rodillas los greguescos o calzones de la misma tela con brocados que empleaba la casaca, junto con medias manchegas ajustadas y zapatos con grandes lazos, completado con un gran manto recogido al lado y con largas cintas que descienden por sus espaldas. (un uniforme muy «cómodo y ponible»…)

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Angel (Maestro de Calamarca)   S.XVII

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Uriel Dei Maestro de Calamarca Siglo XVII Iglesia de Calamarca, La Paz

Concentrado en cargar su arcabuz, al que sostiene con una mano y del que cuelga la cuerda como parte de la «fornitura’ (conjunto de accesorios que acompañaban el uso de esta arma), tiene el ángel la mirada baja y el rostro de finos rasgos. Uriel Dei es otro ejemplo sobresaliente de Los ángeles de Calamarca; vestido de rojo y verde, con la cabeza ligeramente inclinada, imprimiendo mayor suavidad a su actitud, el ángel que por su iconografía personal debía portar una espada flamígera aparece como otro arcabucero del conjunto. Uriel es el cuarto de los siete principales arcángeles difundidos en occidente, a quien se le rinde culto en las iglesias cristianas de oriente, e identificado con la Virtud de la Prudencia y el Don de la Ciencia

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Gabriel Dei Maestro de Calamarca Siglo XVII Iglesia de Calamarca. La Paz

La primera serie, a manera de una compañía de infantería a la usanza de los regimientos españoles del S. XVII, esta encabezada por Gabriel Dei, el arcángel de la Anunciación, y la completan otros once ángeles vestidos de militares. Gabriel Dei lleva uniforme semejante al de un guardia real español del rey Carlos II, y que a su vez ha sido tomado de la colección de tipos militares franceses.
Viste la casaca larga llamada chamberga, de amplias mangas, y el sombrero de ala ancha adornado de vistosas plumas.
Gabriel significa Fuerza de Dios y Guardián del tesoro celestial, es preceptor del patriarca José y es el Anunciador de la Gracia a María. Tradicionalmente porta un ramo de azucenas

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Angel Zadquiel Maestro de Calamarca Siglo XVII Maestro de Calamarca

Este ángel representa a uno de los mensajeros más terribles de Dios. Se trata del ángel que envía el Señor para quitar la vida a cada uno de los hombres, acorde con la decisión divina. Corrientemente se le apellida “Angel de la Muerte” . Pese a lo ingrato del tema, José López de los Rios (Maestro de Calamarca), lo realiza con una singular elegancia, que se advierte, en primer lugar, a través de la forma tan especial con que el mensajero celeste saca la espada de su vaina, con la cual ejecutará el mandato de Dios

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 Laeiel Dei Siglo XVII Iglesia de Calamarca, La Paz 

Viene a ser uno de los cinco arcabuceros que quedan de la serie cuyo número original es desconocido aún que con certeza pasaban de catorce lienzos por los vestigios encontrados y un inventario de 1728
Nos presenta a otro joven imberbe que, abstraído en su tarea, empuja con una baqueta la pólvora del arcabuz apoyado en el suelo y que hace una diagonal exacta en la composición .
Laeiel es el nombre de uno de los ángeles apócrifos del libro de Enoc Una de ellas señala que es cl ángel príncipe de la noche y por supuesto al ser apócrifo no figura entre los siete principales ángeles conocidos por la iglesia católica



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Letiel Dei Maestro de Calamarca Siglo XVII Iglesia de Calamarca, La Paz
Otro ángel militar proveniente de Calamarca, Letiel Dei, porta el arcabuz en la mano derecha
Variantes de líneas rectas y oblicuas son las que marcan los elementos importantes en cada ángel como su propio arcabuz. Todo ello equilibrado por las curvas de las abollonadas mangas, del sombrero y las plumas. El color del ropaje, de las plumas, de las alas y sombrero son complementados con las calidades de brocados, encajes y brillos pora efecto de fastuosidad

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Angel Baraquiel Anónimo (Maestro de Calamarca ) Siglo XVII 

Baraquiel es parte del conjunto que hace la segunda serie de ángeles denominados Virtudes procedente de Calamarca y atribuidos al anónimo Maestro del lugar. Baraquiel, cuya iconografía proviene de textos apócrifos, figura como uno de los siete Príncipes custodios de los cielos.
Lleva uno de sus atributos característicos como son las rosas que sostiene en las manos. En otras representaciones las flores están en una cornucopia que significa la abundancia.
 



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Angel Dominio (Maestro de Calamarca) S.XVII

El cuerpo del ángel en una pose un tanto forzada, semeja más bien un paso de danza y disimula algún defecto anatómico con el ropaje. El ropaje, a diferencia de otros del conjunto, tiene más movimiento en los pliegues de la túnica y faldellín, casi como continuando la actitud de baile. lo mismo que el manto volante que da ampulosidad a la figura, El cetro y corona que porta el ángel, símbolos de poder y dominio, hacen que se identifique iconográficamente a este lienzo como Ángel Dominio, correspondiente a la segunda jerarquía angélica de los coros celestiales.
 


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Angel con Espigas Anónimo (Maestro de Calamarca ) Siglo XVII


Se ha llamado a este lienzo Angel con espiga por las que lleva en la mano derecha. Considerado como virtud, corresponde al quinto coro angélico y segunda jerarquía, cuya función es inspirar a las almas los sentimientos que les hacen dignos de Dios. La espiga del ángel representa el símbolo del Cuerpo de Cristo que se hace presente en la Eucaristía
 


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Angel de la Guarda Anónimo (Maestro de Calamarca ) Siglo XVII 


Esta advocación ha sido muy común en la época colonial por la significación que tienen los ángeles guardianes en la tradición cristiana. Se creyó que Dios, al crear las jerarquías angélicas. hizo este último grupo en grandes cantidades para que el Padre Eterno asigne uno a cada hombre y cada quien naciera con su ángel Custodio o Guardián para librarlo de peligros y de las asechanzas del demonio. Por eso en la antigüedad los niños repetían una copla cuya letra decia: «Ángel de la Guarda Dulce compañía. no me desampares ni de noche ni de día»
 


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Hadriella Lasio Dei (arcángel arcabucero) Anónimo – 

Seguidor del Maestro de Calamarca iglo XVII (último tercio) Colección particular, La Paz – Bolivia 

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En el cuadro de Baraquiel Timor Dei vemos al ángel vestido a la romana al centro del lienzo de fondo oscuro, fondo que cambia de tono suavemente en la línea divisoria del piso y tiene en toda la extensión del perímetro un marco de flores con rosas y hojas . Sobresalen los intensos colores del ropaje, tanto del manto verde como del faldellín rojo, mientras que el azul de la chaqueta se reconoce en otras obras del maestro.

La actitud de la figura denota fuerza con un toque de grandiosidad por el movimiento del manto y el brazo 

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Aspiel Apetus Dei Anónimo Siglo XVII Colección Particular, La Paz 

Ligado estrechamente al maestro de los Angeles de Calamarca, se halla este mensajero celeste que repite los uniformes militares, la pose de estar caminando, cambiando curiosamente la actitud de llevar el arcabuz al hombro o presentándolo, ya que en este caso el ángel lleva el arma al revés, o sea con el caño hacia abajo. Su apostura militar, su sentido de marcha. que le den una clara sensación de movimiento
 


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Arcángel San Rafael Anónimo Siglo XVII Colección particular, La Paz – Bolivia 

Aún pasará algún tiempo antes que se haga un estudio detallado de las series y las individualidades de los ángeles en la región andina. La figura del San Rafael que comentamos nos lleva a la idea que hubo muchas series angélicas durante el periodo 1660-1700, productos de pintores del altiplano, que de alguna manera se sintetizan en el maravilloso pincel del maestro de Calamarca, José López de Los Ríos. Sus seguidores e imitadores fueron muy solicitados por la cantidad de representaciones de estos seres celestiales. 

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San Miguel Arcángel Anónimo Siglo XVII Colección particular, Bolivia


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Asiel Timor Dei Siglo XVII Museo Nacional de Arte, Bolivia 

Una hermosa pintura de ángel con arcabuz se encuentra en el Museo Nacional de Arte de La Paz, bajo el nombre de Asiel Timor Dei. Es una obra de una calidad extraordinaria, que proviene posiblemente de una serie desaparecida. Los colores y el dorado de la vestimenta lo diferencian de los ángeles de Calamarca e indican que formaba parte de otra serie, salida sin duda de la misma escuela de pintura.

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Angel Virtud Anónimo (Escuela de Collao) Siglo XVIII  Museo Nacional de Arte, La Paz 

Dentro del circulo del Maestro de Calamarca, se puede considerar este hermoso ejemplar de la visión altiplánica que ha consagrado a los ángeles como uno de los mejores logros de la pintura boliviana; obra de gran finura en el dibujo como se puede apreciar en los detalles de los encajes y fimbria del traje. Por el colorido se puede apreciar el fuerte influjo que el barroco claro oscurista español ha dejado en la pintura andina, destacando los tonos rojos y verdes sobre fondo pardo.


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Arcángel San Rafael anónimo Escuela de Collao Siglo XVII  Museo de Arte Sacro, La Paz – Bolivia.

En la jerarquía angélica, San Rafael, junta con Gabriel y Miguel-, es uno de los ángeles más conocidos tanto en el Antiguo como en el Nuevo Testamento y en la devoción cristiana de todos los tiempos. En la Biblia es el compañero del joven Tobias, a quien guía en un viaje para recuperar un préstamo que su padre hizo a un pariente. Durante el trayecto, al cruzar un río Tobias es atacado por un gran pez, al que Rafael mata y le saca la vesícula con la cual más tarde Tobías curará la ceguera de su padre En la iconografía cristiana, este ángel es el protector de los viajeros. Tradicionalmente se lo representa con atuendo de viaje y portando un báculo y lleva en la otra mano un pez.
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Algunas de las series, sobre todo la inicial de Calamarca, siguen el claroscurismo sobre fondo neutro que ostentan tanto los arcabuceros como los ángeles jerarquizados. 

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ÁNGELES EN PERÚ Y OTROS LUGARES

Angel arcabucero Cuzco 


Un tipo especial de estos ángeles, que gozó una especial difusión en el siglo XVII en la zona del Cuzco, (centro de origen y única ciudad donde se produjo en grandes cantidades que se distribuyeron en la zona andina y en Europa)
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Angel arcabucero Cuzco

Encontramos en el Perú las series de Challapampa y del convento Santa Clara en Trujillo, y las de Casavindo en Argentina. En muchas iglesias y museos encontramos ejemplares únicos, correspondientes a series que fueron dispersadas.
 

Un estudio iconográfico muestra que todas las series cuentan con los tres arcángeles: Miguel, Rafael y Gabriel. La mayoría comprende igualmente el Angel de la Guarda. Uriel está también presente a veces.
 

El Concilio del año 745 en Roma, y el del 789, en Aquisgrán, rechazaron el uso de nombres de ángeles, salvo de aquellos citados en la Biblia: Miguel, Gabriel y Rafael. 

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LOS ÁNGELES EN ESPAÑA

Parece ser que las series de ángeles españoles precedieron a las americanas.
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Monasterio de la Encarnación
La más antigua es posiblemente aquella pintada por el maestro Bartolomé Román para el monasterio de la Encarnación de Madrid, encontrándose una réplica del mismo autor en la iglesia de San Pedro de Lima.
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Y otra colección  incompleta en el Monasterio de las Descalzas Reales de Madrid 

La imagen puede contener: una personaSan Rafael por Bartolomé Román


Siete ángeles fueron representados en esta serie: Miguel, Rafael, Gabriel, un Ángel de la Guarda, un Serafín, una Virtud y un Ángel portador de flores (Baraquiel)


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Angel turiferario Zurbarán Museo de Cadiz

La escuela sevillana de pintura, en especial en lo que se refiere a Zurbarán y sus discípulos, contribuyó también de forma importante a la iconografía de los ángeles
 

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 Angel turiferario Zurbarán detalle Museo de Cadiz


Representaciones de ángeles atribuidas a Zurbarán, Bernabé de Ayala y Polanco (que deben tanto unos como otros su estilo al maestro de la Extremadura) se encuentran diseminadas en diferentes lugares. La serie más importante de ángeles realizados por influencia de Zurbarán se encuentra en el Monasterio de la Concepción en Lima.
 
LOS ÁNGELES DE EZCARAY

  Los ángeles de Calamarca son similares a los de Ezcaray, que se encuentran en España, que, al parecer, fueron enviados del Perú a este lugar a principios del siglo XVIII. Difieren en algunos detalles: los ángeles de Ezcaray llevan casco y petos, no tienen nombre y cada uno es identificado por un símbolo de las letanías, mientras que los ángeles de Calamarca están vestidos de infantes y tienen nombre.

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 Ermita de Nuestra Señora de Allende
Se halla en un altozano al otro lado del río Oja. En su interior alberga la imagen gótica de la Virgen de Allende, patrona de Ezcaray, y una valiosa colección de diez ángeles arcabuceros, óleos procedentes de una escuela pictórica del Virreinato del Perú de los siglos XVII y XVIII, donados por el ezcarayense arzobispo de Lima Pedro Antonio Barroeta y Ángel (1701-1775).
Por la singularidad de esta colección pictórica, única en España, la ermita recibe cada año a miles de los visitantes que acuden a la localidad riojana

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Angeles de la Ermita de la Virgen de Allende en Ezcaray.

Me los comentó Carlos Bouso y no he dudado en añadirlos.Se les considera «guerreros o arcabuceros» pero he observado que tienen cartelas con las letanias de la Virgen, parecidas a los de Tartanedo.( No he encontrado imágenes mejores que estas)



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La rosa: “Quasi plantatio rossae in Jerico”

Por muchas razones podemos pensar que esta increíble colección la envió y regaló el Ilmo., Sr. Arzobispo Don Pedro Antonio Barroeta Ángel, aunque no se encuentren pruebas documentales sobre ello, porque era hijo del pueblo y Obispo en Lima, de donde parece que los trajo.

LOS ANGELES MARIANOS DE TARTANEDO (GUADALAJARA, ESPAÑA)
 

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Iglesia de San Bartolomé de Tartanedo
(Guadalajara)
 

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Iglesia de San Bartolomé de Tartanedo

Interior con la serie de ángeles Marianos
 
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Colección de ángeles de Tartanedo 
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   Colección de ángeles de Tartanedo 

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 Colección de ángeles de Tartanedo 

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Angel con puerta

La serie angélica de la iglesia de San Bartolomé de Tartanedo (Guadalajara), posiblemente sea la única serie completa de doce ángeles virreinales, con símbolos marianos
 

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Arcangel San Rafael 

Un conjunto inesperado y deslumbrante que en sus escudos recogen los símbolos de las letanías de la Virgen que fijaron en el siglo anterior la iconografía de la Inmaculada Concepción, conocida en Hispanoamérica.



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Angel con luna detalle
 
 
Fuentes:


 http://www.liceus.com/cgi-bin/ac/pu/TRABAJO_ANGELES11.pdf 

Los manicomios del pasado


«La casa de locos» de Francisco de Goya,  Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid

LOS MANICOMIOS

La palabra “loco” en el transcurso de la Historia se ha utilizado demasiadas veces contra personas que padecían enfermedades que en su momento la Medicina no alcanzaba a comprender, designándose como locura hasta final del siglo XIX, a un determinado comportamiento que rechazaba las normas sociales establecidas y la desviación de la norma (de donde procede su denominación: del latín vulgar «delirare, de lira ire», que significaba originalmente en la agricultura «desviado del surco recto»

El tema de los establecimientos psiquiátricos estaba en las tertulias de los ilustrados españoles, y  este oleo de Goya, podría suponer una denuncia de la situación lamentable, de estas instituciones de beneficencia.

En sus orígenes fueron los templos griegos, donde se acogía a los dementes:

Pero ya, en la última parte de la Edad Media, los manicomios fueron creados para “quitar” de las calles a personas con enfermedades mentales.
En realidad, estos “manicomios” eran cárceles. Rodeados de suciedad y oscuridad, y cuando los pacientes presentaban conductas trastornadas eran encadenadas como animales, y así eran tratados…

 

Mas tarde, en 1792, en un asilo de París, se llevó a cabo un experimento, fue Philippe Pinel quien en la «primera revolución psiquiátrica» hizo retirar las cadenas a estas personas y comenzó a tratarlas humanamente. Digamos que fué un paso importante, pero solo eso…


 LONDON´S BETHLEM ROYAL HOSPITAL 


Me voy a centrar en describir, como ejemplo europeo de psiquiátrico, en uno de los mas conocidos y el que más ha contribuido a crear el mito del manicomio de pesadilla: el Hospital Real de Bethlem (Beckenham, Bromley) de Londres. ​



El «Bedlam» en la actualidad

 Fundado en 1247, y aunque ya no se encuentra en su ubicación original, se reconoce como la primera y más antigua institución especializada en enfermos mentales. El hospital está hoy en día a la vanguardia del tratamiento psiquiátrico, pero parte de su historia es conocida por su crueldad y trato inhumano


Situación del Hospital

 Ha sido denominado de diversas maneras: Santa María de Bethlem, Hospital de Bethlem, Hospital de Bethlehem y también como  “Bedlam”, que en inglés significa «casa de locos» y también «confusión o follón» (El nombre se lo pusieron los londinenses que escuchaban los gritos que salían del edificio, gritos de locos enjaulados o encadenados a las paredes.)

Bethlem ha formado parte de Londres desde 1247, cuando un antiguo alguacil de Londres, donó un terreno,  para levantar un asilo que se erigíó como un priorato para las hermanas y hermanos de la Orden de la Estrella de Bethlehem, de la que el edificio tomó su nombre.

Murallas romanas de Londinium

Su primera ubicación estaba en Bishopgate, una de las puertas de la fortaleza romana existente construida en 120  d. C.,  que protegía la calzada hacia Eburacum en el norte.  (Hoy dia junto a la actual estación de la calle Liverpool)


«El padre Jofré, defendiendo a un loco» Joaquín Sorolla 1887

Sus orígenes en el siglo XIII convierten a Bedlam en uno de los psiquiátricos más antiguos del mundo. Algunos autores consideran que es el pionero, aunque esa afirmación está lejos de suscitar unanimidad. El catedrático de Psiquiatría J.J. López-Ibor sostiene, por ejemplo, que ese honor lo ostenta un hospital fundado por el padre Jofré en Valencia en 1410

El plano del hospital de Bethlem se reproduce en el libro de Daniel Hack Tuke, «Capítulos de la Historia de los locos en las Islas Británicas» (Londres, 1882)

Los mapas de los primeros años del siglo XVI muestran Bedlam, cercano a Bishopgate, como un patio con unas pocas construcciones en piedra, una iglesia y un jardín. Las condiciones eran entonces espantosas, y el cuidado era poco más que moderado.

 

Había 31 pacientes, estando los más violentos y peligrosos maniatados y encadenados al suelo o las paredes. A algunos se les permitía marcharse, e incluso mendigar.

Jacobo I de Inglaterra

En 1598, cuando el ayuntamiento de la City encargó un estudio sobre su funcionamiento. Las conclusiones que se obtuvieron, fueron que este, no era un lugar apto para ser habitado por seres humanos, sucio y repugnantemente mantenido. Aunque eso no significó ningún cambio. El rey Jacobo I nombró a un nuevo gestor, Helkiah Crooke, que únicamente se preocupó por robar todas las donaciones que el hospital había recibido y a obligar a los enfermos a pagar por la comida con un lógico resultado: el que no podía pagar, moría de hambre.


«El rey Carlos I a caballo»de Sir Anthony van Dick (1599-1641)

Una nueva inspección llegaría cn el rey Carlos I en 1631. Un aparente soplo de humanidad, puesto que de ella se derivó la contratación de un cirujano, un médico y un boticario, los primeros facultativos que pisaban el centro desde su inauguración.

Se decidió incluso trasladar las instalaciones a otro lugar, un nuevo palacio aparentemente más salubre y adecuado y así, en 1676 el antiguo edifico medieval se mudó a uno nuevo y opulento situado en Moorfields. Su creador, Robert Hooke, quiso que fuera el Versalles de Londres y tiró la casa por la ventana: proyectó una fachada de 165 metros de largo, columnas corintias, torre con cúpula y jardines
Grandioso, pero una ruina total. La pesada fachada no tardó en resquebrajarse y el hospital sufrió graves filtraciones. Escritores como Thomas Browne dudaban de si los «locos» eran los internos o los responsables de aquel despropósito.


Estas estatuas, que se cree que representan la locura delirante y melancólica coronaron las puertas de entrada, se han conservado y se pueden ver en el Museo de la Mente en el actual Hospital Real de Bethlem. Grabado por C. Warren, 1808, después de C. Cibber, 1680. Wellcome Library, Londres

 Hasta 1700 los lunáticos no fueron llamados «pacientes» gracias al psiquiatra holandés Paul Vicent. De 1725 a 1734 se abrieron las salas de «cuarables» e «incurables».

Grabado de la octava impresión de William Hogarth es «A Rake’s Progress» que representa reclusos en el Hospital Real de Bethlem.

El Bethlem del siglo XVIII fue retratado en una escena de William Hogart «A Rake’s Progress» (traducido como «La vida de un libertino»), de 1735, donde se muestra en ocho imágenes la vida de Tom Rakewell, hijo de un rico comerciante, que malgasta su dinero en una vida de lujo, prostitutas, el juego y al final acaba su vida consumido y desesperado en una lúgubre sala de Bedlam.

En 1815 Bedlam se movió a los Campos de St George, Southwark, a un edificio diseñado por James Lewis (añadiéndose una cúpula más tarde, diseñada por Sydney Smirke)

En 1930, el hospital se trasladó a otro suburbio de Londres, situándose en Monks Orchard House, entre el parque Eden, Beckenhan y Shirley. El viejo hospital y sus dependencias fueron adquiridas por lord Rothermere, que solicitó a la diputación provincial londinense que se transformase en parque.

Años mas tarde, la parte central del edificio se convirtió en la sede del Museo Imperial de la Guerra en 1936.


EL ZOO HUMANO

Durante años más que un hospital fue casi un «zoo humano», una galería a donde los ricos de Londres acudían en tropel para disfrutar del espectáculo de los «locos» y se referían sin sonrojo a los pacientes como «lunatickes», una mezcla de «lunático» y «tickets». A la humillación pública se sumaban un trato cruel y condiciones deplorables.

Bethlem Hospital, Londres: los incurables son inspeccionados por un miembro del personal médico, con los pacientes representados por figuras políticas. Dibujo de Thomas Rowlandson, 1789.

https://wellcomecollection.org/works/x7rf7y4e

La visita de esa casa de locos era una de las grandes diversiones dominicales de los londinenses. El visitante tenía derecho a recorrer todas las divisiones, las celdas, hablar con los enfermos, y burlarse de ellos.
El propio hospital lo promovía y se beneficiaba de las donaciones de los visitantes y de las contribuciones caritativas.


Uno de los cuadros de Hogart

Un grupo de pacientes…

Durante el siglo XVIII y parte del XIX, Bedlam se convirtió en una atracción turística.  Los visitantes pasaban por esas verjas llamadas “penny gates”, porque la entrada costaba muy poco:  un penique – el primer martes de cada mes era gratis – y se podía contemplar el espectáculo que brindaban los pobres dementes. Además,se podían llevar palos para azuzar a los dementes y elevar el nivel del show. Algunos también les daban alcohol para ver cómo actuaban borrachos.

En 1814 se registraron más de 96.000 visitas, en el mayor espectáculo de Londres…

Durante años, los cadáveres de los pacientes fueron utilizados para disecciones y experimentos de todo tipo y hace cinco años los obreros que trabajaban en el Crossrail de Londres (un tren subterráneo para mejorar la comunicación de la City) se toparon con una sorpresa poco agradable: Un montón de huesos humanos. Al investigar se descubrió que pertenecían al antiguo cementerio del psiquiátrico. Entre las fosas comunes con internos del Bethlem y los cadáveres que dejó la peste negra se calcula que podría haber 4.000 esqueletos.

LOS   TRATAMIENTOS


San  Ignacio de Loyola realizando un exorcismo a un endemoniado

En el siglo XIII, poco o nada se sabía de la salud mental. Los enfermos psiquiátricos eran tratados como poseídos o endemoniados, y la sociedad creía que su dolencia era un castigo, divino o demoníaco, por sus pecados.Así, la Iglesia recurría a los exorcismos para alejar al demonio Por ello, todos los pacientes, independientemente de su cuadro, recibían el mismo tratamiento motivado por el desconocimiento y el miedo.

Entre los siglos posteriores, la terapéutica de la locura era tan variopinta como las posibles causas a las que se achacaba: la medicina empírica de curanderos y hechiceros recurría a las hierbas medicinales, los sortilegios y las prácticas supersticiosas; y los médicos diplomados y boticarios recurrían a estrictas dietas, duchas de agua fría en la cabeza y a las tan temidas sanguijuelas, por mencionar algunas.

«El patio de la casa de locos» Francisco de Goya. The Meadows Collection, Dallas Texas.

El tratamiento  de los pacientes mentales frecuentemente imitaba el tratamiento histórico de los inquisidores de la Iglesia: fueron encarcelados, encadenados o sometidos a restricciones dolorosas, azotados y torturados de diversas formas.

James (William) Norris, paciente de Bethlem, 1815.

«Este es un paciente mental de un manicomio victoriano».  Fue el caso de Norris, expuesto por un periódico, lo que llevó a la reforma de Bedlam.


MÉTODOS DE INMOVILIZACIÓN


Actualmente podemos creer que todas estas prácticas eran terribles y absurdas pero, en aquellos tiempos, los médicos simplemente hacían lo que creían que era lo mejor para entender lo que estaba mal y cómo podían solucionarlo.

Un sistema primitivo empleado hasta el año 1800 para contener a un enfermo agitado eran los grilletes y las cadenas.

Se le ubicaba en una habitación de aislamiento con o sin paredes acolchadas, se le vestía una camisa de fuerza o se le enrollaba el cuerpo con sábanas y mantas.

Máscara para el criminal demente.  Estas máscaras, llamadas máscaras de tortura, se han usado durante siglos y no solo para los delincuentes.


LA TERAPIA DE ROTACIÓN

Hacia finales del siglo XIX entre sus paredes se «recetaba» la «terapia de rotación», una práctica supuestamente inspirada en las teorías de Erasmus Darwin, abuelo del famoso naturalista : en la que se sentaba al paciente en una silla suspendida en alto para que girase y girase durante largas sesiones. Se consideraba que el hacer girar al paciente se podía sacudir el cerebro y aliviar así la esquizofrenia y otros trastornos mentales.

SHOCK FARMACOLÓGICO

A medida que la farmacología fue avanzando, se ensayó un método  que consistía en administrar un compuesto de drogas tipo “cóctel” que sumía al paciente en un estado letárgico

La “cura alcanforosa” fue iniciada por J. Von Meduna (1896-1964) en el año 1934 con el objetivo de provocar crisis epilépticas a los enfermos esquizofrénicos, la primera sustancia que se suministró fue el aceite de alcanfor, pero tardaba en actuar y no siempre producía las convulsiones, por lo que pasó a emplearse el metrazol administrado por vía intravenosa para producir un choque convulsivo pero sin pérdida de conocimiento, en especial para los enfermos esquizofrénicos, cuyo criterio terapéutico era que la enfermedad epiléptica y la esquizofrenia eran antagónicas.

INSULINOTERAPIA


Aplicación de glucosa por medio de una sonda nasogástrica a un paciente para finalizar la terapia de choque con insulina.

Fué  promovida por Manfred Joshua Sakel (1900-1957), la aplicó por primera vez el año 1932 con el fin de provocar en el paciente un coma hipoglucémico que tuviese, en términos medios, un efecto de media hora. El tratamiento podía alcanzar una o dos semanas en sesiones diarias excepto algunos días. Para que el tratamiento fuese completo se necesitaban de entre 50 a 60 sesiones.


ELECTROSHOCK  o TERAPIA ELECTROCONVULSIVANTE (TEC)

Investigaron y aplicaron esta técnica (TEC) Lucio Bini (1908-1964) y Ugo Cerletti (1877-1963) con la finalidad de hallar una alternativa al choque, productor de convulsiones epileptiformes o tónico clónicas como tratamiento de la esquizofrenia. Encontraron la solución mediante la aplicación de electricidad en el cerebro


Una «vieja máquina de choque eléctrico» utilizada para la terapia del paciente en St. Elizabeths a principios del siglo XX (1920)

 La técnica consistía en el empleo de unos aparatos generadores de descargas eléctricas que, provistos de electrodos, se situaban en las regiones frontoparietales previamente bañados de una solución salina conductora, al activarlos producían un electrochoque cerebral Los receptores del procedimiento eran y son enfermos esquizofrénicos, o con estados depresivos, de delirio y manía. A partir del año 2005, y por indicación de la OMS, por escrito, debe solicitársele permiso al paciente antes de aplicarle este tipo de tratamiento.

MALARIOTERAPIA O PIROTERAPIA


Julius Wagner von Jauregg y la aplicación de su terapia

Ya Hipócrates había visto que algunas personas afectadas por un trastorno psiquiátrico que tenian convulsiones  que durante un ataque de malaria mejoraban su estado mental
Fue introducida por Julius Wagner von Jauregg (1857-1940), la aplicó el año 1917,consistía en inocular intravenosamente al paciente el germen patógeno Plasmodium Falciparum obtenido de la sangre de un paciente enfermo de paludismo.  el período de incubación de este Falciparum era de unos 10 días, tras los cuales, el enfermo padecía un acceso de 39 grados de temperatura, con síntomas de malestar general, cefaleas y sudoraciones profusas.   Posteriormente se le administraba al paciente clorhidrato de quinina que paliaba los efectos de la infección, como la anemia secundaria y caquexia

HIDROTERAPIA

La palabra hidroterapia es sugerente de balneario, pero nada más lejos estaban los manicomios de proporcionar el efecto beneficioso de las cálidas aguas termales.

Los baños o duchas de contraste que se aplicaban era otro método de choque que consistía en lanzar, con la ayuda de una manguera a presión, un chorro de agua caliente y fría de forma alterna.

También las terapias de vapor eran frecuentes para calmar a los pacientes

LOBOTOMIA

En los años 50 era muy común en los pacientes con  depresión y esquizofrenia, a los cuales esta intervención volvía más tranquilos y cooperativos.

Consiste en efectuar una trepanación quirúrgica para seccionar los lóbulos frontales del paciente, el impulsor fue Egas Moniz (1874-1955) cuyo fin era curar la epilepsia. Los lóbulos frontales se consideran el asiento de la inteligencia pero, para los defensores del tratamiento quirúrgico, la inteligencia se localizaba en la totalidad de la corteza cerebral.

TREPANACIÓN

«Extracción de la piedra de la locura» El Bosco

Con la trepanación se intentaron curar migrañas, convulsiones y otros procesos mentales.

Craneotomía

Aunque fueran unos procedimientos rudimentarios y sin ningún tipo de asepsia, muchos pacientes no sobrevivieron al procedimiento.

EXTRACCIÓN DE ÓRGANOS


El Dr. Henry Cotton, un psiquiatra de principios del siglo XX, creía que los trastornos mentales eran causados por bacterias en el interior del cuerpo. La solución mas logica para los doctores de entonces, era abrir a los pacientes y quitarles los órganos que tuvieran, según ellos, algún tipo de anormalidad. Pocos sobrevivieron al proceso…

TRABAJOS


Consistía en instigar a los enfermos para que trabajasen realizando labores  en la cocina, el lavadero, la costura, la limpieza, el huerto, los corrales, etc. para así tenerlos ocupados.
En la actualidad se realiza una terapia ocupacional mucho mas racional y útil.

OTRAS «PATOLOGÍAS Y TRATAMIENTOS»

 LA «HISTERIA»



Fotograma del film británico «Histerya»

Durante la época victoriana era muy común que una mujer fuese diagnosticada con histeria. Sus síntomas incluían desfallecimientos, insomnio, retención de liquidos, espasmos musculares, respiración entrecortada, irritabilidad, fuertes dolores de cabeza, pérdida de apetito y, ojo al dato: tendencia a causar problemas.




Consolador a vapor

Las pacientes con histeria femenina debían recibir un tratamiento conocido como  «masaje pélvico» en la que el doctor estimulaba los genitales de la mujer hasta producirle un orgasmo.
Al parecer, lo hacían porque consideraban que el deseo sexual reprimido de las mujeres era una enfermedad.

Otra forma habitual de tratarlas era con el lavado vaginal, el cual podéis ver ilustrado en la imagen de arriba.

LA LECTURA EN LAS MUJERES


 Hubo un tiempo en que los hombres pensaban que si una mujer era asidua a la lectura, esta acabaría loca. De hecho, llamó mucho la atención el caso de una mujer que pasó largos años en una institución mental por haber sido encontrada leyendo a las 5:30 de la madrugada.

HOMOSEXUALIDAD

La homosexualidad fue considerada lamentablemente, como una enfermedad de salud mental, por lo que la mejor manera de tratarles era enviándoles a una de estas instituciones.

MASTURBACIÓN

En aquella época se pensaba también, que la masturbación podía llevar a la locura. Muchos pacientes con enfermedades mentales graves tenían problemas para contenerse a sí mismos y se masturbaban por todas las instalaciones. Estos cinturones tenían el cometido de evitar que los pacientes se tocaran.



Definición de SALUD por la OMS (Organización Mundial de la Salud)



FUENTES:

https://h2g2.com/edited_entry/A2554157

http://www.badnewsaboutchristianity.com/gan_insane.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Hospital_Real_de_Bethlem

https://magnet.xataka.com/un-mundo-fascinante/la-infausta-historia-de-bethlem-el-psiquiatrico-que-exponia-a-los-enfermos-mentales-como-un-zoo

https://www.bbc.com/mundo/vert-cul-38517703

Noticias sobre el Hospital Real de Bethlem de Londres

http://www.scielo.org.mx/scielo.php?script=sci_arttext&pid=S0185-16592009000100008

https://www.youtube.com/watch?v=ezSkFQttKJM HISTORIA

Building Bedlam – Bethlem Royal Hospital’s early incarnations

BIBLIOGRAFÍA:

«Historia de la Psiquiatría Española»: Juan José López Ibor

«El Tratamiento Moral de la Locura», François Leuret

«Tratado de psiquiatría», Henri Ey, Paul Bernard (1995). Elsevier España

Las abejas de Escher

En la obra de Maurits Cornelis podemos encontrar un mundo imaginario poblado por abejas y colmenas. 
Flores, insectos y personas  son los motivos más sencillos con los que Escher inicia su investigación en las técnicas de grabado. Se ejercitó con su dibujo en la década de los años 40 del siglo XX.
 
 
Distintas obras de Escher
 
MC Escher (1898-1972) ,
Fue un dibujante aventajado y experto grabador. Mezcló arquitectura, perspectiva y espacios imposibles .Además de artista gráfico, fue ilustrador de libros, diseñó sellos postales y murales .Creó juegos visuales a partir de la observación y el estudio de las formas de la realidad, y los trasladó al papel para ver el Limite de la superficie plana. No nos contó mucho del significado de su obra y el qué de las imágenes que atraen. Quedará en el misterio de su inclusión de las abejas.
 
LA METAMORFOSIS (ESPACIO-TIEMPO)
 
El proceso de transformación queda concentrado en una de las obras más emblemáticas  de Escher, la Metamorfosis, donde las abejas se convierten en pájaros, las piezas de damero  construyen edificios  y las torres entran en el tablero de ajedrez.
Azulejería de la Alhambra
 
La visita a la Alhambra de Granada marcó parte de su creación posterior. Inspirado por los elementos decorativos de la Alhambra, hará encajar peces, ranas, pájaros, lagartos, hormigas y seres imaginarios en la continuidad del papel.
Visualización completa de la obra Metamorfosis II, 1939-1940. Xilografía a fibra en negro, verde y marrón, impresa a partir de veinte planchas sobre tres papeles combinados
Los cuerpos regulares y geométricos fascinaron a Escher durante toda su vida. Jugó con las formas poliédricas, contrastando el orden y el caos que generan cuando están cerca de los objetos cotidianos o cuando se alejan  en la inmensidad del universo.
Con espirales, esferas y otras formas geométricas investigó sobre la proyección  del espacio tridimensional en la superficie plana.
 
METAMORFOSIS II
Detalle Metamorfosis II de Escher con abejas y larvas
 
Se trata de un mural realizado en los años 1939 y 1940. El título alude a la transformación gradual de unas formas en otras. Un tablero de ajedrez que se convierte en insectos, pájaros, peces y finalmente en el pueblo de Atrani. El original es un grabado en madera en verde, marrón y negro que mide 4 metros de largo y 20 centímetros de alto. Un mosaico de cuadrados blancos y negros cambian en un alfombra de flores y hojas, donde dos abejas se han asentado y parecen estar sacando adelante a sus huevos y larvas.Los hexágonos son los de un panal de miel y en las celdas hay larvas de abeja. Aparecen abejas saliendo de sus celdas hexagonales, iniciando el vuelo y transformándose en pájaros.
METAMORFOSIS III 
Detalle de abejas en Metamorfosis III de Escher
 
Estas abejas sobre flores forman parte de un grabado en madera que Escher incorporó a esta obra.Existen transiciones desde las sencillas teselas cuadradas, que evolucionan a flores pentagonales irregulares.Estas flores atraerán a las abejas, insectos a los que Escher utiliza como una de las representaciones más precisas de la vida.
OTROS DISEÑOS CON ABEJAS DE ESCHER
M. C. Escher. Abejas en diseño techo Eindhoven. (Detalle)
En 1951 Escher diseñó una decoración para el techo de la empresa Philips en Eindhoven (Países Bajos). Las abejas aparecen junto a las mariposas.
 
EMBLEMATA 1931
 
Colmena de Escher
 
 
Su obra la colmena se incribe en su aprendizaje de las viviendas de insectos sociales como las hormigas y abejas. El trabajo realizado por Escher durante esta etapa se considera como aproximación y auto aprendizaje a los problemas de simetría.
  
 
El arte de Escher se hizo famoso entre los científicos y matemáticos, y en la cultura popular, especialmente después de que Martin Gardner lo presentara en su columna de Juegos matemáticos de abril de 1966 en Scientific American 
 
 
Nos hubiera gustado preguntarnos un MCE por las abejas , pero ya que no es posible, nos quedamos con su obra.
Eschermuseum en La Haya (Países Bajos)
Parte de la obra de este artista neerlandés,  la visita en el museo del Palacio Lange Vorrhout desde 2012, en la ciudad de La Haya , en un edificio, donde hasta hace poco, estaban los reyes de Holanda.
 FUENTES:
 
Catálogo exposición mc Escher. El arte de lo imposible. Canal de Isabel II (2006)

San Pedro y San Pablo

Iglesia de San Pedro y San Pablo (Cracovia, Polonia)


La Fiesta de San Pedro y San Pablo, cuyo nombre oficial es «Solemnidad  de san Pedro y san Pablo, apóstoles» es la conmemoración del martirio en Roma de los apóstoles Simón Pedro y Pablo de Tarso, celebrada el 29 de junio


San Pedro y San Pablo por el Greco.

En esta fecha coincide la celebración de San Pedro, el primer Papa, y San Pablo, también llamado “el Apóstol”, ambos considerados grandes pilares de la Iglesia.

San Pedro por Rubens

SAN PEDRO

Todos los datos y episodios relacionados con este santo, aparecen en los Evangelios oficilaes y apócrifos, Los Hechos de loa Apóstoles y las Epístolas de San Pablo, ademas de otros escritos del S.I.


Estatua de San Pedro en el Vaticano

Según el evangelio de San Mateo, Jesús,»caminando por la ribera del mar de Galilea vio a dos hermanos, Simón, llamado Pedro, y su hermano Andrés, echando la red en el mar, pues eran pescadores, y les dice: Venid conmigo, y os haré pescadores de hombres. Y ellos al instante, dejando las redes, le siguieron»


D. Ghirlandaio, «Llamada de los apóstoles» (1481), detalle  Capilla Sixtina (Vaticano)

Su nombre de nacimiento era Simón bar-Jona​, conocido también como, Cefas o simplemente Pedro y fue, de acuerdo con múltiples pasajes del Nuevo Testamneto, pescador de oficio en el mar de Galilea. Su lugar de nacimiento fue Betsaida,​ un pueblo junto al Lago de Genesaret y allí ejercía el oficio de pescador junto a su hermano Andrés, quien también fue apóstol.

Los hermanos Zebedeos: Santiago y Juan  Museo de las Peregrinaciones, Santiago de Compostela S.XVI

Los evangelios sinópticos lo presentan como uno de los tres discípulos íntimos que, junto con Santiago y Juan

Según dos pasajes del Nuevo Testamento fue el primero en reconocer a Jesús como el Mesías esperado. «Y él (Jesús) les preguntaba: “Y vosotros, ¿quién decís que soy yo?”. Pedro le contestó: “Tú eres el Cristo”

«Entrega de las llaves a San Pedro»   Perugino,  Vaticano

La Iglesia católica lo identifica a través de la sucesión apostólica como el primer papa, basándose, entre otros argumentos, en las palabras que le dirigió Jesús: «Tú eres Pedro, y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia, y el poder de la muerte no prevalecerá contra ella. Yo te daré las llaves del Reino de los Cielos. Todo lo que ates en la tierra, quedará atado en el cielo, y todo lo que desates en la tierra, quedará desatado en el cielo» (Mateo 16, 18-19)


La negación de San Pedro, óleo sobre lienzo de Theodor Rombouts (1597-1637, Belgium)

Los cuatro evangelios recogen también la profecía de Jesús anunciando la traición de Pedro quien lo negaría tres veces consecutivas por miedo a ser reconocido como seguidor de Jesús.

«Las lágrimas de San Pedro», José de Ribera

La negación de Pedro se cumplió…


«Liberación de San Pedro» por Rafael  estancias de Heliodoro, Vaticano

Aproximadamente en el 42-44 d.C. Pedro, quien se hallaba en Jerusalén, fue encarcelado por el rey Herodes Agripa I, pero fue liberado por un ángel.



Altar en la Carcel Mamertina de Roma, donde estuvo Pedro encarcelado

Icono bizantino

De acuerdo con la epístola a los Gálatas, Pedro se trasladó a Antioquía, donde Pablo lo encontró más tarde  y después de haber fundado la iglesia de Antioquía, fue a Roma a predicar el Evangelio


«Dómine, quo vadis?» de Anibal Carracci

En el camino a Roma, por la Via Appia, fué cuando dijo la famosa frase en latín «Quo Vadis?» que significa «¿A dónde vas?» que viene del  texto de los «Hechos de Pedro»



San Pedro por el Greco

La tradición católica de los Padres de la Iglesia narra que Pedro acabó sus días en Roma, donde fue obispo

«Martirio de San Pedro» por Caravaggio

Allí murió martirizado bajo el mandato de Nerón en el Circo de la colina vaticana o en sus proximidades, sepultado a poca distancia del lugar de su martirio y que a principios del siglo IV el emperador Constantino I el Grande mandó construir una gran basílica sobre su sepultura.


«Crucifixión de San Pedro» Políptico de Pisa  por Masaccio

El texto apócrifo «Hechos de Pedro», escrito en el siglo II, relata que Pedró murió crucificado cabeza abajo, ya que no quiso hacerlo igual que Cristo

Su tumba fué encontrada mas tarde bajo el altar de la Basílica de San Pedro en 1965. Está sencillamente marcada con su nombre y hay restos humanos en ella.

En la Iglesia de San Pedro de Olite, el dintel tiene una decoración esculpida a base de tres escenas consecutivas que describen algunos momentos de la vida del titular del templo: San Pedro. Vemos consecutivamente como recibe las llaves de la Iglesia de manos de Cristo, Luego una escena en que aparece en su barca y Cristo frente a ellos Y por último un momento de su juicio y sentencia seguidos de la escena de la crucifixión cabeza abajo


Basílicas de San Pablo extramuros y San Pedro del Vaticano en Roma

SAN PABLO

Saulo Pablo nació entre el año 5 y el año 10 en Tarso (en la actual Turquía), por entonces ciudad capital de la provincia romana de Cilicia

San Pedro y San Pablo por el Maestro de San Ildefonso

San Pedro y San Pablo por Fernandez Navarrete

La información sobre la ciudadanía romana de Pablo solo es presentada por los Hechos de los Apóstoles​ y no encuentra paralelismos en las cartas de Pablo, lo que aún hoy resulta motivo de debate, pero algunos sostienen que Pablo era descendiente de uno o más libertos, de quienes habría heredado la ciudadanía



Martirio del diácono Esteban. 

Se trata de una representación bizantina en miniatura incluida en el menologio de Basilio II, obra de arte señera entre los manuscritos griegos con miniaturas

Según los Hechos de los Apóstoles, el primer contacto fidedigno con los seguidores de Jesús lo tuvo en Jerusalén, con el grupo judeo-helenístico de Esteban y sus compañeros.​ Saulo Pablo aprobó la lapidación de Esteban el protomártir, ejecución datada de la primera mitad de la década del año 30


 Conversión en el camino para Damasco. Por Caravaggio, en la Basílica de Santa María del Popolo, en Roma. 

En las obras de arte y en la creencia popular se tiene la imagen de que Pablo cayó de su caballo, cuando ni en las epístolas paulinas ni en los Hechos de los Apóstoles se menciona la caída de un caballo. Podría tratarse, pues, de un anacronismo.

Según el libro de los Hechos de los Apóstoles,tras el martirio de Esteban, Saulo Pablo se dirigió a Damasco  Sucedió que, yendo de camino, cuando estaba cerca de Damasco, de repente le rodeó una luz venida del cielo, cayó en tierra y oyó una voz que le decía: «Saulo, Saulo, ¿por qué me persigues?» El respondió: «¿Quién eres, Señor?» Y él: «Yo soy Jesús, a quien tú persigues. Pero levántate, entra en la ciudad y se te dirá lo que debes hacer».



Restauración de la vista a San pablo. Pietro da Cortona

Después del suceso vivido por Pablo en el camino de Damasco, del que quedó ciego, fué al encuentro de Ananías que lo curó de su ceguera imponiéndole las manos. Pablo fue bautizado y permaneció en Damasco «durante algunos días».


Las cartas de San Pablo S:XVII   (Blaffer Foundation Collection, Houston, Texas)

. Probablemente escritas todas en la década del año 50, son las siguientes (en un posible orden cronológico):

Primera epístola a los tesalonicenses, Primera epístola a los corintios, Epístola a los gálatas, Epístola a Filemón, Epístola a los filipenses, Segunda epístola a los corintios y Epístola a los romanos.

Los Hechos de los Apóstoles, es el nombre del quinto libro del Nuevo Testamento, en el cual se narra la historia del conocido como período apostólico.

Imagen que representa a San Pablo escribiendo, de una versión manuscrita de las cartas de san Pablo datada de los inicios del siglo IX  Abadía de Sankt Gallen (Suiza)


«San Pablo encarcelado» por Rembrandt

La cautividad de Pablo en Roma, considerada un hecho fidedigno, habría tenido una duración de dos años, tiempo en que el Apóstol no vivió encarcelado sino en custodia


​»Decapitación de San Pablo» por Simonet 1887

Tertuliano describe que Pablo sufrió una muerte similar a la de Juan el Bautista, quien fue decapitado: el texto apócrifo del Pseudo Marcelo, conocido bajo el título de Hechos de Pedro y Pablo 80, señaló que el martirio de Pablo habría sido por decapitación en las Acque Salvie, en la vía Laurentina, hoy abadía delle Tre Fontane, con un triple rebote de su cabeza que aseguraba haber causado la generación de tres vías de agua



«la Pasión de Pablo» del Pseudo Abdías (siglo VI) señaló la sepultura del Apóstol «fuera de la ciudad , en la segunda milla de la vía Ostiense», más precisamente «en la hacienda de Lucina», una matrona cristiana, donde más tarde se levantaría la basílica de San Pablo Extramuros.




http://www.arquivoltas.com/6-Navarra/Olite01.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Sim%C3%B3n_Pedro

https://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_de_Tarso

Escher: entre paradojas, metamorfosis y teselas

Maurits Cornelis Escher (1898-1972) creció en Leeuwarden, un pequeño pueblo del norte de Holanda. Nunca fue bueno en los estudios aunque su padre se empeñase en convertirlo en arquitecto. Lo cierto es que el chico había destacado en dibujo ya desde pequeño, pero la carrera de arquitectura tampoco fue lo suyo: la dejó poco después de empezar, en 1919.

M.C. Escher es, sin duda, uno de los artistas del siglo XX con más repercusión. Una de las razones que explican este hecho es su aproximación inusual a la noción de espacio y a su condición de posibilidad, a sus juegos en el umbral de los límites de la paradoja.



(Mano con esfera reflejante), 1935

El autorretrato más famoso de Escher lo muestra sujetando una esfera que le refleja, lo que permite, con la curvatura de la superficie de ésta, reflejar también todo el estudio del artista. Y algo más: afirma Escher que “la cabeza del artista, o más exactamente el punto situado entre sus ojos, se encuentra en el centro del reflejo. Muévase como se mueva, siempre quedará en el centro. Su yo es, de modo inexorable, el núcleo de su mundo”.

Escher trabajando

En sus trabajos parece buscar romper las limitaciones que impone el plano al arte, de mostrar como nunca antes se había visto que una superficie bidimensional es capaz de sugerir ilusiones ópticas de gran profundidad.

Naturaleza muerta con espejo esférico también conocida como Naturaleza muerta con esfera reflectante 1934

«Tres esferas»

Con su autorretrato reflejado




Eye (Ojo), 1946


Una obra relativamente inusual en Escher, de estilo simbólico o alegórico, que a modo de ‘memento mori’ lanza al espectador una reflexión sobre la muerte y su relación con quienes aún damos tumbos por este plano de la existencia. Escher dibuja su propio ojo reflejado en un espejo del baño, pero en vez de autorretratarse como hace tan a menudo, decide colocar un cráneo para recordarnos que “todos acabamos frente a frente con la muerte, lo queramos o no”. 

«Cóncavo y convexo»

Frente a una de sus obras podemos llegar a creer que una transformación es de lo más normal y creíble, aunque cuando sucede otra a la primera y observamos el punto inicial vemos que resulta del todo imposible, a pesar de la sensación de naturalidad que nos transmite.


«Relatividad», 1953  (video)

Entre algunas de las otras obsesiones de Escher podemos citar el orden y el caos, lo infinito, la paradoja, la perspectiva, la arquitectura, así como algunas figuras, como las esferas reflectantes o los ensayos sobre la divisón del plano: las denominadas teselaciones.
La herramienta fundamental que le permitió indagar en dichos límites fueron las matemáticas. Escher fue un artista inusual, decidido a resolver problemas que parecían interesar más a los matemáticos que a los artistas.

Los dibujos, los ensayos y desarrollos artísticos, las pinturas, los grabados y toda la producción de este artista holandés nos señalan -si estamos dispuestos a jugar, indagar, observar, investigar y entregarnos a las paradojas- incitantes caminos de descubrimiento de la plasmación gráfica de la imposibilidad hecha trazo.


TEMAS TRATADOS

La estructura del espacio – Incluyendo paisajes, compenetración de mundo y cuerpos matemáticos.

La estructura de la superficieMetamorfosis, ciclos y aproximaciones al infinito.

La proyección del espacio tridimensional en el plano – Representación pictórica tradicional, perspectiva y figuras imposibles.




Las obras más conocidas de Escher son probablemente las figuras imposibles, seguidas de los ciclos, metamorfosis y, directa o indirectamente, sus diversos trabajos sobre la estructura de la superficie y la partición regular del plano (patrones que rellenan el plano o teselado).

TESELACIONES


Una teselación es una regularidad o patrón de figuras que cubre o pavimenta completamente una superficie plana. Cumple con dos requisitos: que no queden huecos y que no se superpongan las figuras.
Las teselaciones se crean usando transformaciones isométricas sobre una figura inicio

Circle Limit III (Límite circular III), 1959

Uno de los trabajos visualmente más complejos de Escher, que él mismo describió así: “Las lineas señalan las rutas por las que las filas de peces van de lo infinitamente pequeño a lo infinitamente pequeño de nuevo, pasando por su tamaño máximo”. Es decir, un trabajo de geometría hiperbólica. Escher se inspiró en su visita de 1936 a la Alhambra granadina

El artista, quería encerrar el infinito en una hoja de papel. Esa fue su obsesión en vida y el hilo conductor de muchas de las xilografías y dibujos que creó después de su segunda visita a la Alhambra, en 1937.



La Alhambra azulejería denominada «la pajarita»

Ya había estado en el palacio nazarí a finales de los años 20, pero no se fijó tanto o no le imbuyeron de la misma forma los 17 patrones geométricos presentes en el recinto.
Escher admiraba profundamente las teselaciones del complejo palaciego Alhambra, de Granada, España, y dedicó muchos años de su vida a la creación de diferentes series de teselaciones.

Antes de salir de Italia en 1935 por el ascenso del fascismo, visitó Granada por segunda vez. Este periplo es determinante en su vida y en su obra. Aunque Escher ya tiene la técnica del teselado en su cabeza, será en Granada donde vea la luz que luego dará lugar a las primeras xilografías de libélulas, escarabajos, mariposas o pájaros. 
La Alhambra granadina; en ella, su decoración geométrica y su característico entrelazamiento presentan no pocos puntos de contacto con la poética escheriana.

El islam suní prohíbe cualquier tipo de representación humana o de animales en el arte, ya sea en las ilustraciones o en la arquitectura. El artista holandés intentó copiar a los arquitectos nazaríes de la época incluyendo elementos naturales en vez de figuras geométricas, y lo logró con el teselado hiperbólico.

Reptiles, 1943
Más versiones con componente creativo/artístico de la clásica cinta de Moebius, y de nuevo inspirados en los techos de la Alhambra. En este caso, combinándose con otra obsesión clásica de Escher: los patrones matemáticos e infinitos plasmados en dos dimensiones.
El empleo de la mesa de escritorio del propio Escher (con, entre otras cosas, un dodecaedro metálico y un libro de zoología) permite jugar con la representación con volumen de los objetos y un dibujo que justifica el empleo del patrón y lo que Escher llamaba “división regular del espacio”.

LAS METAMORFOSIS

Si observamos detalladamente alguna de sus obras podemos descubrir su dominio de la geometría. A Escher le maravillaba todo tipo de teselados, regulares o irregulares, y especialmente lo que él llamó “metamorfosis”, donde las figuras cambian e interactúan entre sí, y hasta a veces salen del plano.

Cycle, 1938
Una de las confusiones más populares entre bidimensionalidad y representaciones tridimensionales de Escher, que aquí muestra a un mozo que baja una escalera y acaba desdibujando su forma hasta insertarse en un dibujo plano compuesto por figuras grises, blancas y negras de gente como él.

Day and Night (Día y noche), 1938

Dos campos de cultivo simétricos, uno nocturno y otro diurno, que se convierten en aves blancas y negras que los sobrevuelan en formaciones contrarias


Metamorfosis II (grabado en madera, 1940). Es la gran obra de Escher: El original es un gigantesco mural de unos cuatro metros de largo por 20 cm. de alto, compuesto de 20 bloques de tres hojas cada uno



LAS PARADOJAS

No será hasta los años 50 que el holandés incorpore a sus creaciones otro de sus símbolos más característicos, las paradojas geométricas. 




Son ilustraciones y xilografías donde lo de arriba está también abajo, y viceversa. «¿Estáis realmente seguros de que un suelo no puede ser también un techo?», decía cuando la gente le preguntaba por sus dibujos ·«Convexo y cóncavo»


Drawing Hands, 1948

Una extraña cinta de Moebius (que Escher también dibujó en repetidas ocasiones), es decir un loop infinito y circular, pero con una interpretación donde entra en juego el tema de la creación artística. Aquí, una mano dibuja en un papel a otra mano que, a su vez, está dibujando a la primera mano. Una paradoja creativa que ha llegado a relacionarse con ciertos códigos de programación informática, que por supuesto Escher desconocía en su momento.

Relativity (Relatividad), 1953
En esta ocasión, con lo que juega Escher es con la gravedad, que se perturba apaciblemente en esta compleja construcción arquitectónica. Los paseantes de esta especie de plazoleta con múltiples centros de gravedad permanente, por citar a los clásicos, parecen ignorantes del vertiginoso panorama general que refleja Escher. Sin embargo, todo tiene su lógica: hay tres fuentes gravitatorias en el cuadro, cada una de ellas con relación ortogonal con las otras.

Banda sin fin 1956   combina la observación de la realidad (un retrato de sí mismo y de su mujer) con la plasmación visual de un problema técnico (el dibujo de formas tridimensionales) y cierto simbolismo en cómo las bandas se entrecruzan, de todos los sitios posibles donde pueden hacerlo, por las frentes de las cabezas. Escher lo explicaba así: “Como banda sin fin que entrelaza las dos frentes, representa la unidad de lo dual»

Belvedere, 1958 Es un detalle del infierno de El Jardín de las delicias, de El Bosco.

Una de las arquitecturas imposibles más celebradas de Escher, que usa técnicas de dibujo en dos dimensiones para dotar de extrañeza a una construcción aparentemente realista.
Escher la describe con precisión: “Sobre el suelo del piso inferior, en el interior de la casa, se encuentra una escalera por la que suben dos personas. Pero una vez llegados arriba, se encuentran al aire libre y deben de entrar de nuevo en el edificio.” Pilares, techo y cúpulas se combinan en un perpetuo dentro que no está fuera y fuera que no está dentro.

Ascending and Descending (Escalera arriba y escalera abajo), 1960 

Reforzada por un extraordinario trabajo arquitectónico que recuerda al de un templo o monasterio. Escher explicó su críptico significado explicando que los monjes de las escaleras hacen continuamente este paseo como parte de una inacabable tarea de meditación y autoconocimiento. Solo dos rebeldes, que rompen con la estructura solemne del cuadro, han escapado de la rutina, y quizás reflexionan sobre el error que han cometido.

Fachada en la calle Conde de Romanones de Madrid con imágenes de la Metamorfosis de Escher

FUENTES:

https://www.eldiario.es/cultura/arte/MC-Escher-Islam-dibujos-imposibles_0_607889646.html

https://www.biografiasyvidas.com/biografia/e/escher.htm

https://verne.elpais.com/verne/2015/07/13/album/1436801897_490586.html

http://www.matematicasdigitales.com/escher-matematicas-y-pintura/

https://es.wikipedia.org/wiki/M._C._Escher

La mesa de los siete pecados capitales

«La mesa de los siete pecados capitales»de  Hieronymus van Aeken Bosch, El Bosco
(ha. 1450 – 1516)  Procedencia  Monasterio de El Escorial,
(Durante la Guerra Civil Española se trajo al Museo del Prado como depósito de Patrimonio Nacional desde 1939)

Sabemos poco de la vida del El Bosco, mucho menos que de algunos de sus contemporáneos como Durero o Leonardo da Vinci, apenas unos trazos de su nacimiento,aproximadamente hacia el 1450 en la ciudad holandesa de Hertogenbosch -de donde quizás provenga su apodo-, y sin embargo sus misteriosas composiciones han fascinado al mundo desde siempre.

En cuanto al contexto histórico en el que realiza su obra, se trata de finales del siglo XV cuando Europa se encuentra en plena transformación hacia el Renacimiento






«La mesa de los siete pecados capitales», de origen desconocido, probablemente se deba a un encargo realizado por alguna orden monástica. En 1574 estuvo en poder de Felipe II que la destinó al monasterio de El Escorial, donde fue mencionada por el Padre Sigüenza en los aposentos del Rey.  En los inventarios del monarca figura con la denominación de «tablero de mesa» en vez de tabla para colgar.

En las cuatro esquinas, aparece la representación de la Postrimerías del hombre y en el centro del cuadro se ve una imagen tradicional de Cristo como varón de dolores, saliendo de su tumba.
El pintor representa cinco círculos sobre un fondo negro. Los cuatro más pequeños, situados en los ángulos, muestran las postrimerías de la vida: Muerte, Juicio, Infierno y Gloria.

El tema es la representación de los Siete Pecados Capitales conocidos por el acrónimo latino «saligia»,palabra compuesta por la inicial de cada uno de esos vicios: superbia,avaritia, luxuria, ira, gula, invidia y acidia y de la que derivan todos los demás pecados terrenales para el Cristianismo.

Dos filacterias con inscripciones en latín, extraídas del Deuteronomio advierten de las consecuencias del pecado.

La primera dice: “Porque son un pueblo que no tiene ninguna comprensión ni visión, si fueran inteligentes entenderían esto y se prepararían para su fin”.



La segunda dice: “Apartaré de ellos mi rostro y observaré su fin”

El círculo central, más grande que los anteriores, semeja un ojo, en cuya pupila aparece Cristo Varón de Dolores y la frase «Cave, Cave, dominus videt» o lo que es lo mismo «cuidado, cuidado, Dios lo ve todo»

«La rueda de la Fortuna» del Hortus deliciarum. siglo XII

El patrón utilizado en la tabla, una especie de rueda, es algo común  en la Edad Media para recrear el camino tomado por los pecadores. Es la rueda del Vicio y la Fortuna, que se ha convertido en el ojo de Dios como lo interpreta W. S. Gibson («Hieronymus Bosch and the Mirror of Man»,1973).

LA MUERTE

viene representada a través de una imagen prototípica del Ars moriendi: por el lecho de un moribundo con la cabeza vendada, al que rodean un médico, tres religiosos, una monja, un ángel y la muerte; en otra estancia se ve a los familiares


EL JUICIO
El juicio se representa al modo de medieval, con Dios entre ángeles y los muertos saliendo de sus tumbas.

EL INFIERNO
De todas ellas, la más llamativa es la del infierno, en el ángulo inferior izquierdo: en tenebrosos tonos rojos vuelve al tema de los siete pecados capitales, representando siete diferentes formas en que los demonios torturan a los condenados por incurrir en cada uno de los pecados capitales. Aquí se ve un tono típicamente bosquiano, siendo una representación, en menor tamaño, de los otros infiernos que pueden verse:


Infierno del Museo del Hermitage (San Petersburgo)

 Y entre otros, en los postigos derechos del Tríptico del Juicio Final de Viena


En el Carro del Heno 

Y en el Jardín de las Delicias.

LA GLORIA

La Gloria tiene forma de un palacio en el que está Dios con ángeles. Se representa también al arcángel san Miguel y a san Pedro.


Los Siete Pecados Capitales aparecen en su anillo exterior reproducidos como escenas de género con las costumbres y los vicios de la época.

LA AVARICIA
 O avaritia Se representa un juicio en el que el juez, lejos de impartir justicia, acepta un soborno de una de las partes o incluso de las dos partes en litigio.
LA ENVIDIA
 O invidia  Aparecen una pareja de enamorados (un burgués intenta seducir a la mujer de otro), dos señores (un mercader que mira a un joven noble que lleva un halcón en el puño) y en la calle, dos perros con un hueso.
LA GULA
 
 O gula Es una escena de interior con cuatro personajes. A la mesa del banquete hay un hombre gordinflón comiendo. A la derecha, de pie, otro que bebe ansiosamente, directamente de la jarra, lo que provoca que el líquido se caiga de las comisuras de los labios. A la izquierda, una mujer presenta una nueva vianda en una bandeja. Aparece un niño obeso, simbolizando el mal ejemplo que se da a la infancia, que reclama la atención de su obeso padre. En primer plano, una salchicha se asa al fuego.
LA IRA
 O ira Se representa con dos campesinos borrachos riñendo a la puerta de una posada, con jarras de bebida y uno de ellos es detenido por una mujer, mientras el otro tiene un banco en la cabeza. El fondo es un paisaje típicamente campestre.
 
LA LUJURIA
O luxuria En el campo está plantada una tienda de color rojo intenso, en la que dos parejas de enamorados celebran una comida campestre. A un lado, dos juglares o bufones, uno de ellos esta siendo azotado En primer plano, instrumentos musicales.
LA PEREZA
O ercidia. Un eclesiástico duerme ante la chimenea en un acogedor interior, mientras que una mujer (la Fe), elegantemente ataviada, trata de despertarlo para que cumpla con sus deberes de oración.
LA SOBERBIA
 O superbia Una mujer en un interior con pequeños objetos de uso cotidiano. Se mira en un espejo que hay en un armario, sostenido por un demonio; a un lado, se ve otra estancia con figuras.
LA POLÉMICA

 

 

En Noviembre de 2015 surgió la noticia de que, según el Proyecto de Investigación y Conservación, en Holanda, dedicado desde 2010 a su trabajo, tanto «la Mesa de los pecados capitales» 


como «La extracción de la piedra de la locura»


y «Las tentaciones de San Antonio Abad», no son del Bosco.

Si bien fueron ejecutados en su entorno y en su época, “lo más probable es que se deban a sus seguidores y por tanto no se le pueden adjudicar”. Así lo afirma el historiador del arte Matthijs Ilsink, coordinador del Proyecto, que sustentó  su hallazgo en el programa Nieuwsuurde la televisión pública holandesa.

 El Museo del Prado, de Madrid, por el contrario, cree que la tabla sí es del artista  y mantendrá la autoría del Bosco en esas piezas y  las restantes obras del entorno de El Bosco.

El carro del heno (Museo del Prado)

La fecha de su creación es discutida, aunque vestidos y otros detalles como el dibujo subyacente, cercano al del «Carro del heno», apuntan a los últimos años de vida del pintor y otros dicen, que puede ser una de sus primeras obras.


La firma, «Jheronimus bosch» es presumiblemente auténtica, aunque rara vez firmaba sus obras, no lo necesitaba, porque sus clientes conocían de sobra su estilo. Los elementos de su universo plagado de monstruos no se pueden clasificar porque no siempre significan lo mismo.
En resumen, quinientos años después, El Bosco conserva su misterio.

FUENTES:

https://sites.google.com/site/geohistoriaarte/obras-destacadas/l/los-siete-pecados-capitales-el-bosco

https://web.archive.org/web/20061202162239/http://museoprado.mcu.es/cuadro_mayo_2003.html

https://euclides59.wordpress.com/2014/11/10/mesa-de-los-pecados-capitales-el-bosco/

https://www.taringa.net/+arte/analisis-de-obra-el-bosco-el-juicio-de-viena_tueo9

https://temasycomentariosartepaeg.blogspot.com/p/blog-page_416.html

https://titinet1958.wordpress.com/2016/06/13/las-temporales-del-prado-el-bosco-la-exposicion-del-v-centenario/

BIBLIOGRAFÍA:

 Stefan Fischer, (2014)  El Bosco: obra completa

Silva Maroto, Pilar (2016). El Bosco. La exposición del V centenario. Madrid: Museo Nacional del Prado.

Los pintores madrileños

Vamos a repasar hoy, a los pintores que nacieron y vivieron largo tiempo en Madrid, durante los siglos XVIII y XIX, y algunos hasta principios del XX

Algunos de ellos, fueron contemporáneos o copistas de Goya, casi todos estudiaron en la Academia de Bellas Artes de San Fernando,  mientras que otros  marcaron su propio  y acusado estilo.

De ellos, algunos no son demasiado conocidos o valorados, mientras que otros recibieron muchos premios y fueron apreciados en su época.

También varios murieron muy jóvenes, pero en cualquier caso, no dejan de formar parte del patrimonio artístico de Madrid.

«Lluvia»  de 1885,  de Eugenio Lucas Villaamil 

(Hay otros muchos que trabajaron en la ciudad, pero no nacieron en ella, por eso no los incluyo).

Antonio Gonzalez Velazquez, Nació en Madrid en 1723.

Colaboró con sus hermanos, Luís y Alejandro en la realización de las pinturas murales de la bóveda y cúpula de la iglesia del Convento de las Salesas Reales (Madrid)

«Abraham y los tres ángeles» 

En 1747 comenzó su formación como pintor en Roma gracias a una beca de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando bajo el magisterio de Corrado Giaquinto. Al año siguiente realizó los frescos de la iglesia de Santa Trinita degli Spagnoli de Roma con la representación de «Abraham y los tres ángeles» y «Abraham y Sara»

En 1752 regresó a España y un año después colaboró en la pintura de los muros de la iglesia del Real Monasterio de la Encarnación de Madrid 

Y de la cúpula sobre la capilla de la Basílica del Pilar de Zaragoza. Su prestigio aumentó hasta el punto de ser nombrado pintor de corte en 1757

Bocetos para cartones de Francisco Bayeu

Trabajó el resto de su vida junto con Francisco Bayeu y otros pintores en la elaboración de cartones para la Real Fábrica de Tapices bajo la dirección de Antón Raphael Mengs.

Zacarias Gonzalez Velazquez  (Madrid, 1763 -1834)

Hijo del pintor Antonio González Velázquez y nieto del escultor Pablo González Velázquez, comenzó su formación en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, dirigida por su padre y que él mismo llegó a dirigir. Fue alumno de Mariano Salvador Maella

Decoró varias estancias del Palacio del Pardo y del Palacio Real de Madrid, la mayoría con escenas mitológicas.

Embarque de una familia en una tartana

Destacó como pintor en la Real Fábrica de Tapices de Santa Bárbara, donde elaboró tapices de temas marinos según proyectos de Maella.

Retrato del arquitecto español Ventura Rodríguez (1717-1785). por Zacarias Gonzalez Velazquez

Esta obra es una copia idéntica del retrato que ejecutó Francisco de Goya del mismo individuo y que se conserva actualmente en el Museo Nacional de Estocolmo

Leonardo Alenza y Nieto (Madrid, 6 de noviembre de 1807–ibídem, 30 de junio de 1845)

Fue un pintor romántico español. A principios de 1842 solicita el título de Académico de Mérito en la Academia de San Fernando a la vez que la tuberculosis había hecho mella en su organismo y provocó su muerte en la madrugada del 30 de junio de 1845 en su casa del número 5 de la Plaza de San Ildefonso

«Tertulianos ilustrados en el café de Levante» (1839; Madrid, Museo Lázaro Galdeano)

«Los románticos o el Suicida» (1837; Madrid, Museo del Romanticismo)

«El sacamuelas» 1844

Autorretrato de Rosario Weiss Zorrilla (Madrid, 2 de octubre de 1814 – ibíd., 31 de julio de 1843)

Fue una pintora española del siglo XIX,​ ahijada y discípula de Francisco de Goya con quien compartió los últimos años de su vida el singular pintor aragonés.​ De sus dotes artísticas dan una idea por ejemplo los setenta y siete dibujos, conservados en la Hispanic Society y en un principio atribuidos a Goya

Retrato de caballero

La lechera de Burdeos, atribuido a Goya hacia 1827, durante su exilio en Burdeos, Francia, un año antes de su muerte. Algunos especialistas y biógrafos han propuesto la posibilidad de que la retratada fuese su ahijada Rosario, con quien compartió los últimos años de su vida el singular pintor aragonés

Eugenio Lucas Velázquez  (Madrid, 9 de febrero de 1817 – Madrid, 11 de septiembre de 1870)

Fue un pintor perteneciente al romanticismo español que aunque  ebanista de profesión,trabajó como tasador de las Pinturas Negras de Goya.

Sus inicios con la pintura comienzan con temprana edad, creciendo como artista en la Real Academia de San Fernando y posteriormente se daría lugar en el Museo del Prado

En sus inicios en la pintura comienza con el abandono del frío clasicismo dirigiendo su pintura a un ámbito de admiración de Velázquez y Goya, copiando sus obras en el Museo del Prado.

Sus primeras obras fechadas datan en 1842, como Los Bandoleros y Pareja de majos, viendo en estas obras a un Lucas Velázquez principiante

«El rosario de la Aurora»

Mas tarde, Lucas Velázquez cultiva el costumbrismo y escenas fantásticas y siniestras

Su inspirador, será Francisco de Goya, haciendo el descubrimiento del arte goyesco una apertura de posibilidades en su propio estilo.

«El ajusticiado» Eugenio Lucas Villaamil , (Madrid, 1858-1919)  (No existe ningun retrato conocido)

Fue un pintor español, Caballero de la Orden de Carlos III. Algunas obras que se han atribuido a Goya en realidad pertenecen a Lucas Villaamil.

Hijo del pintor Eugenio Lucas Velázquez y Francisca Villaamil, empezó su formación artística en el taller de su padre y continuó sus estudios en la Escuela Especial de Pintura de Madrid

«El fusilamiento»

Era un hábil copista de algunas de las pinturas de Goya, las que se guardan en Prado

También copió diversos temas del aragonés, como se puede ver en sus obras:

Entrada a los toros, 1885

Salida de los toros    obras ambientadas en ese Madrid castizo

Salida del Teatro

Sus pinturas mantienen la influencia de las características de las de su padre, con la repetición de los temas goyescos, resueltas con gran habilidad compositiva y alegría de color.

Retrato de Eduardo Rosales por Federico Madrazo

Eduardo Rosales Gallinas (Madrid, 4 de noviembre de 1836 – Madrid, 13 de septiembre de 1873)

Fue un pintor purista del siglo XIX español. Ingresó en 1851 en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, donde fue alumno de Federico Madrazo, (pintor de cámara de Isabel II, que trabajó en Madrid, pero nació en Roma, por lo que no lo incluyo en esta serie).

Murió de tuberculosis en 1873 y está enterrado en el Panteón de Hombres Ilustres de la Asociación de Escritores y Artistas Españoles, en la Sacramental de San Justo (Madrid).

«El testamento de Isabel la Católica»

Pintó acuarelas, dibujos y numerosos retratos. Su obra más conocida es la de temática histórica. Sus primera obras son más bien puristas, aunque posteriormente desarrolló una pintura más personal

La muerte de Lucrecia, Museo del Prado, es su segundo gran cuadro histórico, cuya realización le llevó tres años. Presentada a la Exposición de 1871, obtuvo primera medalla.

En esta obra «Mujer dormida», su estilo se fué suavizando,perdiendo la rigidez académica.

En 1922, fue inaugurada, en homenaje a este pintor, una gran estatua, esculpida por Mateo Inurria, en el paseo de Eduardo Rosales, en Madrid. 

Aureliano de Beruete (Madrid, 1845 – ibid. 1912), por Sorolla

Fue un intelectual, pintor paisajista y político español. Doctor en Derecho por la Universidad de Madrid en 1867, llegó a ser diputado en las legislaturas de 1871 y 1872.

Como artista, se formó en la Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid donde fue alumno de Carlos de Haes.

Amigo de pintores bien reputados de la época como su paisano Martín Rico, el aristócrata catalán Ramón Casas o el valenciano Joaquín Sorolla, que pintó uno de sus mejores retratos

Los críticos estiman que a partir de 1891 la pintura de Beruete entra en su segunda etapa artística, influido por la temática y las técnicas velazqueñas,​ y abandonando de forma definitiva el academicismo en la composición del paisaje de su maestro Haes

Pinto varias obras con temática de paisaje madrileño:

Vista del Guadarrama desde El Plantío 1901

Pradera de san Isidro (La casa del sordo) 1909

otras obras son:

Paisaje de Torrelodones 1891

Afueras de Madrid (desde Bellas Vistas) 1906

Orillas del Manzanares (1907 Madrid) 1907

El Manzanares 1908

Madrid desde el Manzanares 1908

La tapia del Pardo 1911

Ulpiano Checa (Colmenar de Oreja, Madrid, 3 de abril de 1860 – Dax, Francia, 5 de enero de 1916)

Estudió en la Escuela de Bellas Artes y Oficios, y en 1875, ingresó en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, en la que estuvo hasta 1880; durante su estancia en la Academia obtuvo tres medallas (perspectiva, dibujo de lo antiguo y ropajes y teoría e historia de las bellas artes) y dos becas para pintura de historia.

En su pueblo natal, Colmenar de Oreja,  tiene un museo

Trabajó como ayudante de Manuel Domínguez en la decoración del Palacio de Linares y en la Basílica de San Francisco el Grande

En 1890 obtuvo su primer triunfo en los Salones de París. En los Campos Elíseos presentó su célebre Carrera de carros romanos

«La entrada de los Hunos en Roma»

En su pueblo, Colmenar y aprovechando una estancia pintó dos murales en el presbiterio de la parroquia de Santa María la Mayor. En el muro de la izquierda representó «La anunciación» y en el de la derecha «La presentación de la Virgen»

El año 1900 fue muy importante para el pintor. Publicó su «Tratado de perspectiva», ganó una medalla de oro en la Exposición Universal de París, con «Los últimos días de Pompeya»

«Naumaquia»

«Fantasia»

Murió el 5 de enero de 1916. Por expreso deseo del pintor, sus restos mortales fueron trasladados a Colmenar de Oreja, donde fue sepultado el día 20 del mismo mes.

José Gutiérrez-Solana (Madrid, 28 de febrero de 1886 – ibídem, 24 de junio de 1945)

Fue un pintor, grabador y escritor expresionista español.Nacido en Madrid durante el Carnaval de 1886

«Las chicas de la Claudia»

Fuera de la influencia que en él ejercen los pintores del tenebrismo barroco, en especial Juan de Valdés Leal, tanto por su temática lúgubre y desengañada como por las composiciones de acusado claroscuro, es patente la influencia de las Pinturas negras de Francisco de Goya o del romántico Eugenio Lucas.

«La visita del Obispo»

Su pintura es feísta y destaca la miseria de una España sórdida y grotesca, mediante el uso de una pincelada densa y de trazo grueso en la conformación de sus figuras. Su paleta tenebrista resalta el oscurantismo de la España del momento

Su pintura refleja, como la de Darío de Regoyos y la de Ignacio Zuloaga, una visión subjetiva, pesimista y degradada de la España de la Generación del 98.

En Madrid , además de frecuentar bailes y merenderos, el Museo del Prado y el entonces solitario y destartalado Museo Arqueológico Nacional se hace asiduo de las tertulias del Nuevo Café Levante, donde alterna con personajes como Ramón María del Valle Inclán, Pio Baroja, Julio Romero de Torres e Ignacio Zuloaga

Es conocida la siguiente anécdota acontecida en el café Levante:

Una tarde noche del 13 de mayo de 1904 el que sorprendió a todos los presentes fue Pío Baroja. Porque cuando se estaba hablando de los españoles y de las distintas clases de españoles, el novelista vasco sorprendió a todos y dijo:

– “La verdad es que en España hay siete clases de españoles… sí, como los siete pecados capitales. A saber:

1) los que no saben

2) los que no quieren saber

3) los que odian el saber

4) los que sufren por no saber

5) los que aparentan que saben

6) los que triunfan sin saber

7) los que viven gracias a que los demás no saben.

Unamuno y Benito Pérez Galdós aplaudieron a Baroja. Sobre todo por el último punto. Estos últimos se llaman a sí mismos “políticos” y a veces hasta “intelectuales”

Otra famosa tertulia fué la que en el «Café de Pombo», presidía Ramón Gómez de la Serna, donde conocería a otros pintores, escritores e intelectuales de la época

FUENTES:

Artehistoria

https://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:Pintores_de_Madrid

https://cultureate.wordpress.com/2013/01/09/erase-una-vez-un-museo-municipal-museo-ulpiano-checa/

https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/beruete-y-moret-aureliano-de/d5e4f200-5672-4d29-9d2a-dd89fa16fe79

https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/alenza-y-nieto-leonardo/7d9aaa5f-d337-4f44-87df-d4a97bd42251

https://www.museodelprado.es/coleccion/artista/rosales-gallinas-eduardo/29dffe55-c31e-4737-aca1-f538ebaea0fe

https://www.museodelprado.es/aprende/enciclopedia/voz/lucas-velazquez-eugenio/111d6d90-2084-4455-a6fa-c4b20cffb456

«El Capricho» de la Duquesa de Osuna, Goya y los ilustrados

LA DUQUESA

La Condesa de Benavente y Duquesa de Osuna, Francisco de Goya

Se lo hizo a la Duquesa, en 1785,  según la moda francesa que inició María Antonieta en París,  que hoy en día se conserva en la colección March

La duquesa, se llamaba María Josefa de la Soledad Alonso Pimentel y había nacido en Madrid en noviembre de 1752. era una de las mujeres más inteligentes de la época, mecenas de artistas, toreros e intelectuales.

La Duquesa de Osuna, desde muy joven, recibió una esmerada educación, mostrándose muy interesada por las bellas artes y por las corrientes filosóficas que impregnaban Europa. Era una mujer inteligente, bella y elegante, de carácter rebelde, caprichoso y orgulloso. Además, era aficionada al lujo y al boato, algo lógico si tenemos en cuenta que sus padres poseían una de las mayores fortunas de España.

El Duque de Osuna por Francisco de Goya  1798 que se conserva en la Frick Collection de Nueva York.

Su marido, Pedro Alcántara, IX Duque de Osuna, era un enamorado de la literatura y de la música, fue miembro de la Real Academia de la Lengua Española y poseedor de una orquesta particular

Fundación de la Real Academia de Ciencias de París – 1666

Amante del arte, de la literatura, de la poesía, de la música, y, de los avances y novedades en París de los cuales siempre se mantenía perfectamente informada por sus ayudantes en el extranjero. En breves palabras, “Una mujer inteligente, culta y con una enorme sensibilidad”

Ejemplo de una tertulia ilustrada del S.XVIII

Fue una mujer audaz y capaz de mantener uno de los salones más frecuentados de la corte en los que tomaban parte personajes de gran renombre y categoría tales como Moratín, Jovellanos, Don Ramón de la Cruz, Goya, Boccherini, etc.
Era la época de la Ilustración española, un fenómeno minoritario, aún más en un país aislado y con una cultura muy tradicional, al que le venía grande el racionalismo que ya triunfaba en el resto de Europa.

La Duquesa, la «salonière o anfitriona» se convirtió en la personificación de los aristócratas ilustrados del S.XVIII, una de las mujeres más importantes e influyentes de la nobleza española.

La reina María Luisa de Parma, esposa de Carlos IV por Francisco de Goya

Fue un personaje muy destacado en Madrid, en lo cual rivalizó con la reina María Luisa de Parma.

La Duquesa de Alba,  por Francisco de Goya

La única mujer que en aquel momento rivalizaba con la condesa de Benavente en cuanto a su porte, educación y amor por las bellas artes y la cultura era la duquesa  de Alba, que también protegió a Francisco de Goya. Ambas aristócratas mantenían una buena relación en lo personal, si bien rivalizaban en su círculo intelectual y político. Cayetana de Alba era más “española”, mientras el entorno de la de Benavente Osuna estaba marcado por el más puro afrancesamiento.

LOS CUADROS DE GOYA

Autorretrato de Goya 1814

La duquesa, fue mecenas, protectora y la dama que inspiró a músicos, literatos, artistas y pintores; el primero de ellos y más conocido fue Francisco de Goya, con el que siempre mantuvo una excelente y estrecha relación.

La familia de los Duques de Osuna  por Francisco de Goya

En 1788, Goya retrató a la Familia Ducal en uno de los cuadros de gran tamaño que hoy en día permanece  en el Museo de Prado. El lienzo recoge una escena familiar en la que don Pedro Téllez Girón, IX duque de Osuna, amigo y mecenas de Goya, aparece junto a su esposa Josefa Alonso Pimentel y sus cuatro hijos a los que el pintor retrata con gran dulzura y cariño, fruto de la estrecha relación que tuvo con la familia.

La relación entre Goya y los Duques de Osuna se inició en 1785 y fue muy fructífera, existiendo gran amistad entre ellos. Gracias a este contacto, el pintor iniciará una importante escalada en la corte madrileña, llegando a ser el retratista más solicitado de su tiempo.  El palacio de los Duques será para Goya como su segunda casa.

El sueño de la razón produce monstruos, grabado n.º 43 de los Caprichos (1797-1799)

Goya es un artista al corriente del pensamiento ilustrado de su tiempo. Si consigue ocupar un puesto relevante como pintor de cámara y retratista de la familia real y de la nobleza, no olvida este espíritu que le lleva a criticar las costumbres ignorantes y atrasadas de la sociedad española de finales del siglo XVIII.
Fruto de esta iniciativa  publicó en 1799, ochenta estampas con el título de Los Caprichos con  la pretensión de desterrar los vicios y supersticiones y mostrar la verdad en el comportamiento de sus congéneres.

Capricho nº 72 «No te escaparás»

La duquesa adquirió las primeras carpetas de los grabados “Los Caprichos”, y encargó a Francisco de Goya cuadros de gabinete como hoy en día se pueden en el Museo Lázaro Galdiano,  y en el Museo del Prado, además de algunas colecciones particulares

Foto antigua con los cuadros de Goya

Para la decoración de los salones de la Alameda de Osuna le compraron varios cuadros.
Principalmente estaban colocados en la biblioteca de palacio y en el Salón de la Condesa (como se denominaba) o gabinete de países.
Según se sabe, al morir la duquesa en el Palacio existían 23 cuadros de Francisco de Goya de asuntos campestres, de brujas, de escenas de estaciones y de escenas costumbristas. »

Goya pintó un conjunto variado de lienzos llamdos de «asuntos de campo»

“El columpio” Museo del Prado

“El asalto a la diligencia” Colección Alicia Koplowitz

“La caída” colección privada Madrid

 “La cucaña” colección privada, Madrid

Otros seis pintó con «asuntos de brujas»:
Donde el  tono sombrío,  se mantiene en toda la serie, que pudo ser concebida como una sátira ilustrada de las supersticiones populares, aunque estas obras no están exentas de ejercer una atracción típicamente prerromántica

 «El aquelarre»  Museo Lázaro Galdiano

«El conjuro», actualmente en el Museo Lázaro Galdiano

«El vuelo de brujas», Museo del Prado

«La cocina de los brujos» (paradero desconocido)

«El hechizado por la fuerza», National Gallery de Londres

Recrea un momento del drama homónimo de Antonio de Zamora,  en el que un pusilánime supersticioso intenta que no se le apague un candil convencido de que si ocurre morirá

«El convidado de piedra». (paradero desconocido desde 1896, tras una subasta de los Duques de Osuna)
Inspirado en un momento de una versión de Don Juan, de Antonio de Zamora

Otros cuadros fueron:

«La gallina ciega»  1788 Museo del Prado

«La ermita de San Isidro», pintada en 1788, y actualmente en el Prado.

Todos los cuadros que pintó Goya se hicieron  para el Palacio.

En los fondos de los lienzos se pueden apreciar edificios de La Alameda o lugares cercanos como la iglesia “La procesión de aldea” o lo que hoy se llama, la iglesia de Santa Catalina de Alejandría y también podría verse a lo lejos, un castillo, tal vez el de La Alameda de Osuna en ruinas.

En 1798 encargaron el retrato de su amigo, el general José de Urrutia y de las Casas, que está en el Prado

En 1799 compraron a Goya la célebre Pradera de San Isidro


​ En 1816 encargaron un retrato de su hijo primogénito, el X duque de Osuna, que se conserva en el Museo Bonnat de Bayona.


EL CAPRICHO

Muchos madrileños aún no saben que uno de los parques más románticos de la ciudad se encuentra en Alameda de Osuna, junto al barrio de Barajas. Hablamos del jardín El Capricho.
Este parque del siglo XVIII concebido como un laberinto para el juego amoroso y los escondites, ofrece tres tipos de jardines: el parterre o jardín francés, el paisajista inglés y el giardino italiano.

En 1783 los Duques de Osuna compraron una casa de recreo, con huertas y árboles frutales situada en la Villa de Alameda, lo que hoy, se denomina La Alameda de Osuna.
Su construcción se debe a los deseos de la duquesa de Osuna por tener una villa de recreo donde alejarse de la Corte y reposar de los deberes y compromisos propios de su posición.

1. Palacio 2. Templete 3. Estanque de los Cisnes 4. Rueda de Saturno (Obelisco) 5. Abejero 6. Estanque de las Tencas 7. Ruina o casa del Artillero 8. Batería o Fortín 9. Zona de juegos 10. Ría 11. Lago 12. Puente de Hierro 13. Isla y monumento al III Duque de Osuna 14. Casa de Cañas 15. Pabellón de Esteras 16. Quiosco Embarcadero 17. Montaña Rusa 18. Casino de Baile 19. Jardín de Flores 20. Casa de la Vieja 21. Plaza de Toros 22. Parterre 23. Columnas de los enfrentados (Duelistas) 24. Invernadero 25. Puente sobre el arroyo 26. Exedra y Plaza de los Emperadores 27. Estanques del Parterre 28. Fuente de los Delfines 29. Jardín de la Fuente de las Ranas 30. Gruta del Jardín de las Fuente de las Ranas 31. Gruta del Laberinto 32. Laberinto 33. Casa de Vacas 34. Estanque nuevo 35. Plaza de plátanos 36. Ermita 37. Estanque de los patos 38. Refugio (bunker) 39. Polvorín 40. Plaza de la fuente 41. Casa de oficios 42. Aseos públicos 43. Ventiladores del bunker.

La construcción de este jardín, uno de los ejemplares más sobresalientes y singulares de jardín paisajístico español, duró 52 años. Se desarrolló entre 1787 y 1839.y se encargó a un arquitecto Pablo Boutelou: el diseñó el famoso jardín, curiosamente el mismo que hizo el proyecto de los jardines del Palacio de Aranjuez. En ella estuvieron implicados diferentes jardineros de las casas reales española y francesa, como Jean Baptiste Mulot, quien venía de trabajar en Versalles.

«El Parterre»

Son tres tipos de jardines diferentes los que se pueden ver en  “El Capricho”. El parterre o jardín francés, con su característica uniformidad en los setos y árboles, situado delante de la fachada posterior del palacio.

El giardino italiano, con su combinación de setos y árboles creciendo de tal modo que protegen del sol en verano y aprovechan el calor en invierno, se sitúa al sur del palacio, en un espacio no visitable ubicado en la parte más antigua de los jardines y a un nivel de menor altura del terreno.

Por último, el jardín paisajista inglés, que es el que abarca una mayor extensión de terreno al estar presente en todo el resto del parque.

«Fuentes de los delfines»


«Fuentes de los delfines» detalle

La duquesa ordenó construir estanques, que conectaban el canal principal que recorre el parque con el salón de baile, que es donde se llevaban a cabo las fiestas que daba. Este edificio se levanta sobre un pequeño manantial, del que se surtía de agua el resto del parque.


«Casa de la Vieja»

Quería un lugar de encuentro para sus amigos, similar al que había puesto en marcha la reina francesa María Antonieta, junto al palacio de Versalles, unos jardines, llamados Petit Trianon.

«Casa de la Vieja»

Uno de los caprichos más llamativos es la Casa de la Vieja, una casa de labranza completamente equipada a la que incluso se añadieron muñecos de tamaño real que representaban a sus habitantes.El edificio, construido entre 1792 y 1795, imita una casa de labranza, seguramente similar a las que existirían en la finca antes de que sus propietarios de entonces, los duques de Osuna, transformaran lo que fue una explotación agrícola en este jardín con una pequeña aldea con casas tipo chozas donde sus damas se disfrazaban y jugaban a ser campesinas, coger huevos, ordeñar vacas, etc.en resumen «un Capricho»

Minuetto de Boccherini  quinteto para cuerda

Entre los susurros del parque todavía vaga la sombra de María Josefa Pimentel; su propio “capricho”, su propio delirio y su propio sueño incita a imaginar a Francisco de Goya retratando a la propia condesa-duquesa y según se pasea por el parque, se recuerda detrás de cada árbol a D. Ramón de la Cruz ensayando con Boccherini alguna de las óperas que se representaron en el teatro de aquel palacio.


«Templete de Baco»

Es un espacio rodeado por columnas jónicas que compone uno de los rincones más románticos del parque, y tambien el Laberinto, que durante los años 40 quedó destruido por un avión que realizó un aterrizaje forzoso.

«Templete de Baco» detalle del interior
 

«El abejero» 

Donde se cuenta que la duquesa de Osuna gustaba de tomar una taza de chocolate. Se trata de una construcción inédita que combinaba la suntuosidad otorgada por su ostentosa decoración interior, hoy ya desaparecida, con la originalidad proporcionada por su peculiaridad más destacable, consistente en poseer una serie de colmenas incorporadas a una de las fachadas.


«El abejero» las piqueras por donde salian las abejas

Pero lo más llamativo de este hecho era que, mientras las abejas entraban y salían de sus panales a través de unas trampillas metálicas situadas en el exterior, la actividad que tenía lugar dentro de los mismos podía ser cómodamente contemplada desde el interior del edificio a través de cristales que con tal finalidad cerraban las colmenas por el extremo opuesto. El ingenio se complementaba con el ajardinamiento que lo rodeaba, todo él a base de las plantas preferidas por las abejas para elaborar la apreciada miel que luego era debidamente recolectada.

«La ermita»

Sin embargo, una de estas construcciones, posiblemente de las más discretas que nos vamos a encontrar en todo nuestro recorrido, es una pequeña ermita que lleva atada consigo un capítulo cuanto menos cuestionable y que nos muestra como era la mentalidad de las personas hace más de doscientos años. Resulta que los Duques de Osuna debieron pensar que el complemento ideal para esta finca y en concreto para esta ermita era incluir un verdadero «ermitaño».

EL PALACIO

Uno de los principales puntos de interés del parque es el palacio construido en el siglo XVIII que tuvo que ser restaurado tras la ocupación francesa

La duquesa contrata a grandes genios de la escenografía como el milanés Tadey, arquitectos de gran renombre entre los que Medina, Machuca y Arnal cuentan con los primeros puestos para colaborar y trabajar con escultores, pintores, ebanistas…

El palacio -del que sólo se conservan las paredes- tiene tres plantas, rematadas por cuatro torreones. En el interior de la construcción,  se distribuían las dependencias del servicio pero también un majestuoso salón de baile, comedores, una biblioteca que llegó a contar con 6.000 volúmenes, y las alcobas y gabinetes de los miembros de la familia.

El Palacio, era una joya artística que poseía una magnífica biblioteca con libros importados de Francia ya que el duque tenía la licencia para leer los libros prohibidos en España.


Indice de Libros Prohibidos


El interior está completamente transformado, casi todos los elementos originales han desaparecido, pero los documentos han permitido conocer cómo pudo ser, información muy valiosa de cara a una posible recreación y restauración.

Un inventario de los muebles y alhajas existentes en la casa-palacio en 1795 revela cómo era el Cuarto principal o Pieza de comer, con sus mesas finas de nogal y cortinas de China, el Cuarto de señoritas con sus cortinas de tafetán encarnadas, blancas con cenefas achinadas en el Gabinete; la ante-alcoba de la señora, y su alcoba con cama imperial charolada color de porcelana. En el Gabinete de la señora entre otras cosas había una escribanía de plata…

En la planta noble se encontraban las estancias de la duquesa, las más lujosas. En una de las torres que da al jardín se encontraba su Gabinete redondo, una de las joyas del palacio.

Infografía del proyecto

Esta sala de distribución acogerá proyecciones de las pinturas de Goya que estuvieron expuestas en su día en el palacio.

El suelo del Comedor era de azulejos representando la batalla de Issos, que al parecer también se conserva.
El comedor de los mosaicos y su antesala, estará dedicada a la historia de la construcción del palacio, serán espacios expositivos restringidos para preservar el estado de las teselas

Durante la invasión francesa de comienzos en 1808, el recinto de recreo pasa a ser propiedad del general francés Agustín Belliard quien parece ser que utilizó las instalaciones para sus tropas.

Posteriormente, tras la retirada del ejército francés, el lugar regresó a manos de la Duquesa, quien llevó a cabo una reforma del mismo.

Colegiata de Osuna, Panteón ducal de los Osuna

María Josefa no lo vio terminar en 1839 porque había muerto cinco años antes, pero sí disfrutó de la biblioteca, de las tertulias, los conciertos, representaciones teatrales, multitud de fiestas e incluso corridas de toros

Muere la Duquesa en 1834 y la propiedad la hereda su nieto Pedro de Alcántara Téllez-Girón que amplió las diversas zonas del jardín a través de nuevas construcciones.



«Plaza de los Emperadores»

Zona de exedras en la plaza de los emperadores, dedicadas a su abuela. Su nieto Pedro encargó al escultor José Tomás el busto de la Duquesa colocado en el pequeño templete en el centro de la exedra, en el que, en su día se colocaron tres figuras,la  Duquesa, Hércules y Tesifonte; las tres en 2012 volvieron al Jardín El Capricho y se colocaron en su primitiva ubicación.

Plaza de los Emperadores, detalle de una de las esfinges.

También conocereis la enigmática historia del árbol del amor negro, justo antes de llegar al estanque, con el rincón de la Casa de Cañas, antiguo embarcadero de falúas junto a un curioso  puente de hierro



«El puente de hierro»


En el año 1900, El Capricho es adquirido por la familia Baüer y posteriormente, durante la Guerra Civil fue el cuartel general del ejército y cayó en manos del general José Miaja,  defensor del bando republicano de Madrid, quien mandó construir túneles para protección de su misión:un  búnker, incluido el despacho del propio Miaja.

El búnker fue construido en los primeros meses de 1937,  y  que sirvió de refugio antiaéreo al cuartel general del Ejército del Centro.
Adyacente al palacio del parque, sus galerías tienen una profundidad media de 15 metros. Hasta ahora sólo una placa pegada en su puerta, cerrada con candado, recuerda su existencia.  Al acabar la Guerra Civil, la propiedad fue devuelta a sus últimos propietarios, la familia Baüer; en 1945 deciden venderlo.

El Parque del Capricho fue cerrado y abandonado. En 1974 fuera comprado por el Ayuntamiento de Madrid, y en 1985 declarado Bien de Interés Cultural y en la actualidad, el Jardín El Capricho, sólo está abierto los sábados, domingos y festivos, con horarios de 9 a 21 horas, de abril a septiembre, y de 9 a 18,30 horas, de octubre a marzo.


LA ILUSTRACIÓN

Ahora vamos a introducirnos en el S.XVIII para imaginaros el ambiente, en el que se movian los Duques en su palacio con los llamados «Ilustrados»

Y es que el siglo XVIII, se caracterizo, por prevalecer una mentalidad que hizo de la ciencia y la razón verdades incuestionables, cuyo fin era el progreso de la humanidad. El siglo XVIII es conocido, por este motivo, como el «Siglo de las Luces»



La Ilustración fue un movimiento cultural e intelectual europeo (especialmente en Francia, Inglaterra y Alemania) que comenzó en Inglaterra con John Locke y la Revolución Gloriosa


«La toma de la Bastilla» 1789

Y se desarrolló aún mas en Francia, desde mediados del siglo XVIII, teniendo como fenómeno histórico, simbólico y problemático la Revolución francesa


En la década de 1770 hubo varios escritores y pensadores, que añadieron materias políticas y económicas y como consecuencia  importante en este aspecto, surgió la  Guerra de la Independencia Estadounidense

Los pensadores de la Ilustración sostenían que el conocimiento humano podía combatir la ignorancia, la superstición y la tiranía para construir un mundo mejor. La Ilustración tuvo una gran influencia en aspectos científicos, económicos, políticos y sociales de la época

Jean-Jacques Rousseau  Ginebra, Suiza, 1712 – Ermenonville, Francia, 1778

Filósofo suizo. Junto con Voltaire y Montesquieu, se le sitúa entre los grandes pensadores de la Ilustración en Francia. Sin embargo, aunque compartió con los ilustrados el propósito de superar el oscurantismo de los siglos precedentes, la obra de Jean-Jacques o Juan Jacobo Rousseau presenta puntos divergentes, como su concepto de progreso, y en general más avanzados: sus ideas políticas y sociales preludiaron la Revolución Francesa

François-Marie Arouet «Voltaire»  París, 1694 – 1778

Escritor francés. Figura intelectual dominante de su siglo y uno de los principales pensadores de la Ilustración, dejó una obra literaria heterogénea y desigual, de la que resaltan sus relatos y libros de polémica ideológica. Como filósofo, Voltaire fue un genial divulgador, y su credo laico y anticlerical orientó a los teóricos de la Revolución Francesa.

Immanuel Kant, Königsberg, hoy Kaliningrado, actual Rusia, 1724 – id., 1804

Filósofo alemán. Hijo de un modesto guarnicionero, fue educado en el «pietismo». En 1740 ingresó en la Universidad de Königsberg como estudiante de teología
De acuerdo con el filósofo  el lema de la época debía ser «atreverse a conocer», teniendo con las llamadas «luces» el significado general de saber, de educación y de formación integral del ser humano.

Charles-Louis de Secondat, barón de Montesquieu Burdeos, 1689 – París, 1755

Pensador francés. Perteneciente a una familia de la nobleza de toga, Montesquieu siguió la tradición familiar al estudiar derecho y hacerse consejero del Parlamento de Burdeos (que presidió de 1716 a 1727).
En 1756 el Santo Oficio prohibió «El espíritu de las leyes» de Montesquieu, por «contener y aprobar toda clase de herejías»; en 1759 dificultó la difusión de la Enciclopedia; y en 1762 toda la obra de Voltaire y Rousseau fue prohibida

El «Siglo de las Luces» concluyó con la Revolución Francesa de 1789, aunque es incuestionable que la Ilustración dejó una herencia perdurable en los siglos XIX y XX.



LA ENCICLOPEDIA

Un fenómeno, surgido en la época, fué «el enciclopedismo»  movimiento filosófico y pedagógico, surgido en Francia y expresado a través de la «L’Encyclopédie ou Dictionnaire raisonné des sciences, des arts et des métiers»

Denis Diderot

Una enciclopedia francesa editada entre los años 1751 y 1772 en Francia bajo la dirección de Denis Diderot y Jean d’Alembert que  pretendía catalogar o compilar todo el conocimiento humano de la época a partir de los nuevos principios de la Razón.

Alegoría de la industria


La Verdad, el Tiempo y la Historia   por Goya


La Enciclopedia vino a ser la representación cabal del espíritu ilustrado, donde su elaboración fue suspendida y retrasada debido a la guerra encarnizada que les presentaron los medios oficiales y eclesiásticos


LA ILUSTRACIÓN EN ESPAÑA

En España ,desde el poder político facilitaron la aparición de un nutrido y valioso grupo de ilustrados : Cabarrús, Cadalso, Campomanes, Capmany, Feijoo, Floridablanca, Jovellanos, etc.

Las Luces eran patrimonio de una elite, de intelectuales, mientras la mayor parte de la población seguía moviéndose en un horizonte caracterizado por el atraso económico, la desigualdad social, el analfabetismo y el imperio de la religión tradicional.

La Ilustración en España, tuvo un caracter especial y distinto al resto de Europa:
La mayoría de los ilustrados españoles «eran buenos cristianos y fervientes monárquicos» que no tenían nada de subversivos ni revolucionarios en el sentido actual del término.

Se mantuvieron dentro del catolicismo y  esto tuvo consecuencias negativas para la Ilustración en España porque los diversos discursos ilustrados elaborados en otros países aquí fueron con frecuencia amputados y tergiversados, a causa también de «la doble censura política y religiosa ejercida a través del Consejo de Castilla y por medio de la Inquisición

Eran, eso sí, decididos partidarios de cambios pacíficos y graduales que afectaran a todos los ámbitos de la vida nacional sin alterar en esencia el orden social y político vigentes

Tuvo varios representantes destacados, algunos de ellos pintados por Goya:

El Conde de Floridablanca, por Francisco de Goya, 1783.

Ejerció el cargo de secretario de Estado  entre 1777 y 1792
En 1767 actuó contundentemente contra los instigadores del motín de Esquilache en Cuenca y colaboró con Aranda y Campomanes en la expulsión de los jesuitas de los territorios de la corona española ese mismo año

Francisco de Cabarrús por Goya

Sus cualidades para las finanzas y su visión ilustrada de la sociedad le granjearon la amistad de Gaspar Melchor de Jovellanos y de los condes de Campomanes, Floridablanca y Aranda

Gaspar Melchor de Jovellanos por Goya

Aboga por» la limitación de la instrucción para muchos a sus niveles elementales y sólo como vía á su capacitación técnica, pues lo contrario provocaría una igualación en los saberes que sería perniciosa para el equilibrio de la sociedad» La ilustración debía estar reservada únicamente a una elite y las nuevas ideas se expandieron a través de las tertulias y de las academias

 Leandro Fernández de Moratín 1799 Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, Madrid

Como buen ilustrado, Moratín compartía con Goya un amplio sentido crítico de los defectos de la sociedad del momento; entre ellos existía gran amistad y cierto paralelismo entre los fines teatrales de Moratín y los Caprichos de Goya.
Moratín fue retratado por el pintor en el verano de 1799:  Es el retrato psicológico de un hombre reservado, inteligente y atrevido.
Moratín muere en París en junio de 1828, dos años después de Goya y deja en su legado testamentario que el retrato pase a manos de la Real Academia de San Fernando de Madrid, hecho que tuvo lugar en diciembre de ese mismo año.



Busto de Don Ramón de la Cruz (1786-1791).

“Teatro o colección de sainetes y demás obras de don Ramón de la Cruz”

Gozó de la protección del duque de Alba  y de la condesa de Benavente, para cuyo teatro privado compuso varios sainetes, así como para su hija, la duquesa de Osuna que publicó en 10 volúmenes

 Tomás de Iriarte (1750-1791)

Fue un caballero ilustrado que vivió según los valores ideológicos y compartió con la duquesa un gran entretenimiento, la música de cámara en privado en la que él tocaba el violín o la viola. Regido siempre por la estética del buen gusto.

El centro de la Ilustración española estuvo en Madrid. Allí había instituciones docentes modernas, un ambiente cosmopolita, bastante prensa, una Sociedad Económica importante y una Inquisición que, no pasó a mayores. Y en ese caldo, también había aristócratas que protegían y financiaban la obra de artistas y científicos.

Desde 1866, cuando era director Agustín Pascual González, La Sociedad Española Matritense, se alberga en el edificio civil más antiguo de Madrid, la llamada Torre de los Lujanes, de mediados del siglo XV y donde estuvo preso Francisco I

La creación de las Reales Academias de la Lengua, de la Historia, de la Medicina y del Real Gabinete de Historia Natural (actual Museo Nacional de Ciencias Naturales), fueron algunos de los logros de la Ilustración española

FUENTES:

https://marcopolito56.wordpress.com/…/el-enigma-de-el-capr…/

http://www.almendron.com/artehistoria/arte/pintura/goya-realidad-e-imagen/retrato-de-leandro-fernandez-de-moratin/

http://conlaa.com/la-duquesa-de-osuna-el-parque-del-capricho-madrid/

https://es.wikipedia.org/wiki/Ducado_de_Osuna#Los_IX_duques_de_Osuna_y_Goya

https://marcopolito56.wordpress.com/…/el-enigma-de-el-capr…/

https://www.fotomadrid.com/

BIBLIOGRAFÍA:

–   Luengo Añon, Mónica (2010-11). “El Capricho de la Alameda de Osuna, Capricho de la duquesa y Cuartel General de Miaja”  Madrid: Abella y asociados, p.13-16.

–  Pérez Hernández, Isabel. “Reconstrucción del emplazamiento de los cuadros realizados por Francisco de Goya para la casa de campo de La Alameda de la condesa duquesa de Benavente” en AXA (Arte y Arquitectura), Madrid: Universidad Alfonso X El Sabio, 2012.

–   Ramón Aznar, José (1968). “Entre dos cuadros, una crisis”

VIDEOS:

https://www.youtube.com/watch?v=9NwiuSETbW8      La  ilustración

https://www.youtube.com/watch?v=Qs2f4FgQWCU      La enciclopedia

https://www.youtube.com/watch?v=TG29HP6Uic0        El siglo de las luces