Pero… que hicieron por nosotros los romanos?

EL LEGADO ROMANO

Pintura de la Casa de Isis e Io, en Pompeya

El Imperio Romano dominó Europa durante más de 500 años, desde el año 31 a.C. hasta su caída en el 476 d.C. pero para que Roma y su imperio sobrevivieran los romanos debieron de resolver muchos de los problemas que hoy afronta cualquier ciudad moderna; fue así como pusieron los cimientos del futuro.

Columna de Trajano en Roma, detalle

Su expansión llegó a su máximo apogeo durante el reinado de Trajano (98-117), cuando el Imperio romano se extendió desde el océano Atlántico hasta el Golfo Pérsico, y desde el desierto del Sáhara hasta las boscosas orillas del Rhin. Por todas esas tierras, los romanos fueron dejando un legado tanto cultural, como arquitectónico. 
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La principal razón por la cual el legado romano ha permanecido vigente fue su amplia expansión gracias a la conquista.Y esto, porque los romanos fueron capaces de unir a todos los pueblos de la cuenca mediterránea bajo el poderío de su imperio.
Este proceso, conocido como Romanización, fue muy importante porque gracias a él, las tierras y hombres absorbidos por el Imperio universal de Roma quedaron insertos en su cultura.
Por un lado, Roma había recogido el gran legado de Grecia y de las civilizaciones orientales (Helenismo) las adaptó a su propia personalidad y la mezclaron con la suya, la romána. De esta fusión surgió la denominada cultura greco-romana.Así es, la mayoría de las normas e instituciones que ellos crearon hace más de 2.000 años atrás aún siguen vigentes.

Para saber más sobre sus aportes, os invito a conocer el legado de Roma.

Si pero…que han hecho los romanos por nosotros?

Tras ver esta divertida escena de «La vida de Bryan» de los Monty Python, vamos a ver lo que realmente hicieron.

PAX ROMANA

Allá donde iban los romanos, primero causaban caos y luego llevaban paz, la Pax Romana. Claro está, el orden era impuesto por las armas, al menos al principio. Poco a poco los colonizados se acostumbraban, y hasta se convertían en defensores del régimen.

El funcionamiento político, social y cultural de las sociedades occidentales actuales está basado en esta cultura. Una misma lengua (latín), un mismo concepto del mundo a través del derecho Romano y las instituciones.
La Romanización además, contribuyó la extensión de las obras públicas viarias. Todos los caminos, desde los rincones más apartados llevaban a Roma.



LATÍN

Una herencia que aplicamos todos los días de los romanos es el idioma. Esto se debe a que ellos hablaron el latín, que fue el origen de numerosas lenguas, entre ellas el francés, el italiano, el portugués y el español. Si bien ahora se lo considera como un lenguaje muerto, la etimología de varias palabras que usamos a diario tiene sus raíces en el latín, por lo que sigue presente en nuestra cultura.

DERECHO

Los romanos extendieron por el mundo toda una serie de normas y leyes que crearon casi desde el mismo día de su origen y que fueron codificadas por el emperador Justiniano en una obra conocida, a partir del Renacimiento, como «Corpus Iuris Civilis». Estas reglas jurídicas fueron la base e inspiración para el derecho civil y comercial de numerosos países, entre ellos, el nuestro.
La Antigua Roma era una civilización muy legalista. Las leyes lo eran todo; sin leyes no había orden, sin orden no hay riqueza. Los romanos convirtieron a los abogados en figuras principales de la sociedad, tradición que continúa en la actualidad, mal que nos pese

CALENDARIO JULIANO

  La idea de dividir el tiempo en días, semanas, meses y años no es originalmente romana.
Sin embargo, el calendario que utilizamos actualmente (Gregoriano) tiene su base en el que Julio César implantó en Roma y que se llamó, en su honor, Juliano. 

 

Se basó en el movimiento del Sol, por lo que se terminaron con los desfases entre las estaciones y sus fechas astronómicas. Además, creó los años bisiestos.

El calendario juliano no fue el primer calendario, pero ha sido el más influyente en la historia europea. Aunque Julio César no fue el que puso el nombre a los meses. Fue hecho más tarde en su honor. Quintilis cambió a Iulius (julio), y el octavo mes se conoció como Augustus (agosto).

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 «Acta Diurna Populi Romani»
 
«PERIÓDICOS»

La civilización romana era bien conocida por sus debates públicos, especialmente por contribuir mediante la transmisión de las noticias en cuanto a cada detalle respecto a los aspectos militares, legales y civiles del imperio.
Para ello, los romanos crearon lo que fue la primer forma de periódico o noticiero: En la antigua Roma, según Cayo Tácito (55-132 d.C.), se redactaban por las autoridades escritos de carácter oficial denominados «Acta Diurna Populi Romani», en los que se consignaban cuantas noticias y sucesos merecían importancia.Consistían en placas de roca y metal tallado en donde se comunicaban las noticias más importantes del día, que comenzó a entregarse entre los romanos próximo al 120 a.C.

CODEX

Probablemente fué ,una de las innovaciones más significativas en la historia de la humanidad, puesto que por su  formato, se facilitó la transferencia del conocimiento, las artes (sobre todo la literatura) y por ende, la cultura. Antes, los escritos se realizaban en piedra, arcilla o en papiros, pero fueron los romanos quienes, en sí, crearon lo que se conoce como códex, es decir, la encuadernación, la primera forma de un libro.
El códex estaba formado por un conjunto de hojas de papiro o pergamino, doblados y unidos por una costura, su ventaja residía en la facilidad en encontrar un pasaje sin tener que desenrollarlo

Por la misma época en que se inventaba el papel en China, los romanos inventaron el códice. Por primera vez, hojas de un tamaño uniforme estaban unidas entre sí, entre dos cubiertas protectoras más grandes y fuertes. Y nuevamente por primera vez, grandes cantidades de información escrita podrían concentrarse en un volumen fácilmente transportable

MEDICINA

La mayoría de los conocimientos en materia de medicina la adquirieron los Romanos de los Griegos, y crearon su propia escuela médica en Roma.
La medicina romana se dividía en diferentes especialidades como farmacia, medicina y cirugía.

Los mejores doctores eran los del ejército romano, los llamaban «medicus», mientras que los hospitales especializados del ejército los llamaban «valetudinarium».
Los «medicus» usaban técnicas quirúrgicas avanzadas al tratar heridas de los soldados, y estaban capacitados para eliminar órganos infectados y amputar miembros.
Los romanos tenían una industria médica, con el mismo tipo de técnicas que tenemos en la actualidad: anestesia e incluso cirugía plástica. Tenían incluso anestesistas que usaban opio y mandrágora blanca sintetizadas de flores y raíces.

Instrumental quirurgico
Puede que sus conocimientos de la anestesia fueran limitados, pero su capacidad para diseñar y construir instrumentos quirúrgicos no lo era. El instrumental romano es la base de todo el instrumental moderno. Los romanos realizaban operaciones de cataratas, del cerebro y extirpaban venas varicosas. Practicaban la cesárea, no como se hace ahora sino con un procedimiento más rudimentario para extraer el bebé a una madre moribunda

ARQUITECTURA

Probablemente fué, el aspecto más visible de la herencia romana. Los caminos, templos, acueductos y teatros romanos aún perviven. Muchos aún se utilizan, dos mil años después.
Fueron muy buenos constructores. En sus obras se nota la influencia de los etruscos y los griegos, a lo que le sumaron su sentido práctico al concebir una arquitectura básicamente utilitaria.

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Foro romano

Algunas de las obras más importantes de los romanos fueron los acueductos, que cruzaban sus ciudades y que tenían por objeto conducir el agua hacia gigantescas termas; los arcos de triunfo y la columnas que conmemoraban las victorias militares; la basílica, que era un espacio abierto utilizado como palacio de justicia y centro de comercio; el Foro, plaza pública rodeada de pórticos, era el centro de la vida económica y política de la ciudad. Los espectáculos se realizaban en los teatros y anfiteatros.

ARCO

La ingeniería y arquitectura romanas se quedaron con nosotros. Aún construimos edificios con columnas, cúpulas y arcos.
De los etruscos heredaron el uso de los arcos, la bóveda y la cúpula, mientras que de los griegos rescataron los tres órdenes arquitectónicos que se usaron para construir tanto columnas como edificios: el dórico, extendido por Grecia y Sicilia; el jónico, originario de Asia Menor; y el corintio, que es posterior a los anteriores al surgir en el siglo V a.C.
Junto a las columnas, los romanos diseñaban techos en forma de bóveda con cúpulas, que eran más resistentes gracias al arco romano.
 

Eso sí, hay que aclarar que, en este como en muchos otros casos, los romanos lo habían copiado de los griegos, pero no solo lo perfeccionaron, sino que fueron quienes contagiaron de la fiebre artística a todo el continente.

HORMIGÓN

Comenzamos con nuestra lista de inventos romanos con el hormigón. ¿Os habeis dado cuenta que muchas de sus construcciones llevan más de 2000 años en pie? Sin duda, no es simple casualidad.
Si el Panteón o el Coliseo siguen decorando Roma como si el tiempo no pasase por ellas, es gracias a este «concreto»que fue un material fundamental que usaron para levantar ciudades enteras.

El perfeccionamiento del hormigón es uno de los avances tecnológicos más significativos que los romanos legaron al mundo.
Los romanos no inventaron el hormigón; tomaron prestada la idea, al igual que muchas otras, de civilizaciones a las que conquistaron, como los etruscos, quienes mezclaban cal, agua, arena y pequeñas piedras para hacer mortero de cal, aunque no era muy duradero, con el tiempo acababa derrumbándose.

Sin embargo, fueron los romanos los que inventaron el hormigón hecho a partir de una mezcla de agua, cal viva, arena y ceniza volcánica, el “concreto”, que proviene del latín concretus , y que significa “compacto”. Aunque los romanos no usaban la palabra latina concretus; lo llamaron opus caementicium .Los romanos solucionaron esto añadiendo un nuevo ingrediente que hacía su hormigón más consistente; un ingrediente forjado en el corazón de un volcán: la puzolana, una ceniza volcánica que se encuentra en las laderas del Vesubio, al sur de Italia. Al añadir puzolana al mortero de cal las moléculas de calcio quedan perfectamente ligadas. La prodigiosa técnica romana creó una mezcla tan versátil que incluso solidificaba bajo el agua.

Los romanos llamaron a su milagroso compuesto caementum, es decir, cemento. Incluso si se le añadía un conglomerado de piedra a la mezcla se podía fabricar un hormigón más resistente y adaptable.
Gracias a la puzolana, los romanos fueron capaces de construir en el agua, y nosotros aprendimos de ellos.
Como Roma está situada en una península volcánica cuya arena contiene granos cristalinos, el hormigón romano fue especialmente resistente al tiempo. Algunas de sus edificaciones se han mantenido en pie más de dos mil años.



Acueducto de Segovia

ACUEDUCTOS

En el siglo I a. C., Roma había alcanzado una población cercana al millón de habitantes. El crecimiento de la ciudad fue paulatino, de modo que los diferentes cónsules de la República y luego del Imperio la procuraron abastecer de agua, cosa que  influyó en la salud de muchos pueblos conquistado.

En las provincias romanas los acueductos atravesaron con frecuencia profundos valles, como en Nîmes, donde el Pont du Gard de 175 m de longitud tiene una altura máxima de 49 m, y en Segovia, en España, donde el puente-acueducto de 805 m de longitud todavía funciona.
Sólo 47 kilómetros de los 418 que miden los acueductos de Roma son subterráneos. En los acueductos romanos el agua no fluye por una acequia abierta en lo alto, sino que lo hace por un canal cubierto que la protege de la contaminación.

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Acueducto de los Milagros (Mérida)

Cuyo «caput aquae» estaba en el Embalse de Proserpina
Los acueductos fueron una invención romana, éstos eran canales largos de piedras que permitían movilizar el agua de un lugar a otro. El suministro de agua era necesario para los desagües y los baños públicos en ciudades y pueblos. El agua se utilizaba también para la propulsión de ruedas hidráulicas que movían cadenas e impulsaba la maquinaria.

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Los acueductos eran canales construidos con cemento a prueba de agua, cubiertos con losas de piedra. Manteniendo una inclinación constante respecto al suelo, transportaban hasta la ciudad el agua que recogían de las colinas circundantes.

Grua polipastos con varias poleas para elevar grandes piedras y pesos

Partes del polipastos


Los sistemas de distribución de agua en el imperio romano pertenecen a una época que va del año 300 antes de Cristo al siglo XVII.. Los Romanos eran maestros en el arte de la construcción y la administración, le daban tal importancia al agua que eran capaces de construir acueductos tan grandes que llevaban agua a una ciudad de un millón de habitantes, desde una distancia de hasta 90 Km.

Para que el agua tomara presión se almacenaba en grandes depósitos construidos junto a los manantiales.
El desnivel del terreno se compensaba alzando puentes de dos e incluso tres arcadas en piedra, ladrillo o cemento
. Los acueductos romanos permitieron transportar atravesando largas distancias, mejorando la salud pública y obviamente, el saneamiento. Quizá lo más sorprendente es que muchos de aquellos acueductos se construyeron tan, pero tan bien, que aún hoy siguen en pie.
Pero lo más importante era que sus ingenieros estaban preparados para seleccionar el agua. Separaban el agua de alta calidad, usada para beber y cocinar, del agua que serviría para regar o limpiar.

Baños romanos de Bath, Inglaterra

Esa agua traída desde tan lejos alimentaba también uno de los elementos más característicos de la cultura romana, los baños. Nacidos de las instalaciones que acompañaban a los gimnasios griegos, no tardaron en ser adoptados con pasión por los romanos, que los hicieron evolucionar hasta convertirlos en los grandes establecimientos termales de la época imperial, dotados no solo de piscinas con agua a distintas temperaturas, sino también de espacios donde realizar ejercicio físico e incluso de bibliotecas públicas.


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Maqueta donde se ven las Termas de Caracalla de Roma
 


INSULAE 

la vida urbana romana comprendían edificios de varios pisos (insula) , calles pavimentadas, retretes de cisterna públicos, ventanas de vidrio y calefacción en suelos y paredes

Insula, arruinada  localizada cerca del Capitolio en Roma.

La mayoría de ciudades romanas se construían dentro de murallas defensivas, lo que limitaba el espacio disponible para construir, por lo que la única salida era construir hacia arriba. Ya en las primeras épocas de la historia de Roma había edificios de apartamentos de varias plantas. Una vez más, el elemento clave es el hormigón. Los pisos de los romanos, por dentro guardaban mucho parecido con los actuales.

Las viviendas romanas, se resumian en 3 o 4 tipos: Insulae, de varios pisos, domus, unifamiliares y urbanas, villae :rurales con terrenos de cultivos y palacios, las mas lujosas.

Las mejores tenían cocina, salón y un retrete, pero el gran invento de los romanos es el cristal en las ventanas. No habría sido posible sin la invención del soplado de vidrio que tiene lugar a mediados del siglo I a.C., pero no se conformaron con eso. Si se tiene un sólo cristal, la luz entra pero el calor se escapa, así que los romanos inventaron la doble ventana.


Cloaca del S.I dC  de Medina Sidonia (Cadiz)

CLOACAS

Dentro de las medidas sanitarias, dieron especial importancia al sistema de recogida de aguas fecales mediante cloacas, creado por los ingenieros , de las que existía una extensa red en las grandes ciudades del Imperio y eliminaba eficazmente la amenaza de las enfermedades.
En Roma esta la Cloaca Máxima desde época republicana.

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SANITARIOS

El término «plomería» (fontanería) proviene de la palabra latina «plumbus»‘ que significa plomo. Los técnicos romanos descubrieron una forma de fabricar tuberías moldeando láminas de plomo batido en un molde de madera.

Los baños romanos cuentan con otro invento muy conocido: los retretes. La intimidad no era demasiado importante en tiempos de los romanos y las letrinas eran tanto para hombres como para mujeres; se sentaban unos al lado de otros sin ningún tipo de separación. Según se dice, en estos sitos se tomaban las decisiones más importantes.

OTRAS EDIFICACIONES

Este es un ejemplo de las fortificaciones repartidas por muchos lugares del Imperio, como por ejemplo la importante Muralla de Adriano, en Inglaterra

Torre de Hércules en la Coruña, faro de origen romano que aún se conserva.

Anfiteatro de Mérida, recreación

ANFITEATROS

Los romanos se dieron cuenta que construir arcos y cúpulas con un material casi líquido de secado rápido era mucho más fácil que tratar de construir los mismos en ladrillo o piedra. Era mucho más barato y más rápido que construir que una gran estructura de mármol sólido. También fueron los romanos quienes desarrollaron la idea de hacer un armazón antes de revestirlo con piedra. El Coliseo de Roma es un ejemplo de una gran estructura romana, principalmente hecha de hormigón.




Teatros, presentes en las ciudades importantes del Imperio

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EL PANTEÓN

Sin embargo, la ingeniería romana llegó a superarse a sí misma y alcanzó su mayor logro con el Panteón. Algunos expertos consideran que esta es una de las edificaciones más trascendentales de la historia. Construido en el año 118 d.C. como templo dedicado a dioses que hoy nadie venera, pero que todavía nos sobrecoge y sorprende.

Cuando los arquitectos del emperador Adriano comenzaron a diseñar un nuevo templo dedicado a los doce dioses más importantes del culto romano, tuvieron que idear una estructura imponente. Se decidieron por una vasta cúpula de 43 metros de diámetro, que en el siglo II debió suponer una tarea ingente.

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Una cúpula maciza hecha de hormigón uniforme podría resultar demasiado pesada para sostenerse por sí misma; se necesitaba un material lo suficientemente ligero y resistente como para cubrir ese enorme hueco.

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Para construirla, un equipo de carpinteros elaboró un armazón de madera.

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A continuación los albañiles lo cubrieron con hormigón que ellos mismos alzaban en moldes circulares desde la base. Una vez retirado el armazón de madera se corría el riesgo de que la estructura se derrumbase, sobre todo si se utilizaba hormigón normal. Gracias a su pericia, los albañiles romanos llegaron a una ingeniosa solución: añadir al hormigón piedras cada vez más ligeras a medida que la cúpula ascendía, reduciendo así el peso de la carga. En la parte más alta se añadió piedra pómez, una roca volcánica capaz de flotar en el agua. En el vértice se dejó un agujero de 9 metros llamado oculus.



INGENIERÍA CIVIL



¿Polifacéticos? Atendiendo al vocabulario latino, por el Imperio pulularon muchos tipos de ingenieros. Desde el topógrafo (mencionado en los textos como agrimensor o gromaticus), que se dedicaba a calcular las superficies para dividirlas en parcelas o para marcar el recorrido de las calles de una ciudad, hasta el architectus, que diseñaba y construía acueductos, puentes, vías, canales, pero también basílicas, baños o villas. Existían, además, otros tipos de ingenieros con nombres y funciones específicos.
Sin embargo, la división es un tanto artificial. Por otra parte, las fuentes son claras: durante la Antigüedad los ingenieros fueron muy polifacéticos, y a menudo se encargaron de construir todo aquello que fuera necesario, reuniendo en sí mismos las facetas de diseñadores y topógrafos.


Via Appia Antiqua

CALZADAS

Si hay algo por lo que fue conocida la civilización romana, fue por la extensa red de carreteras que formaron. Fueron capaces de vertebrar buena parte de Europa gracias a sus 1,7 millones de kilómetros cuadrados de Imperio unido por las vías romanas.
La red de calzadas,  eran carreteras rectas que unían Roma con el resto del imperio. La más conocida es la Via Appia, comenzada en 312 a. C. por Apio Claudio Ceco para comunicar Roma con Capua.

La mayoría de las calzadas romanas fueron compuesta de cinco capas. La capa inferior, llamada statumen, era de una pulgada de espesor y de mortero. Por encima de esto había cuatro estratos de mampostería, siendo la mas externa el llamado «pavimentum»
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De hecho, estaban tan bien hechas, que algunas de ellas, y hasta sus puentes, siguen en uso hoy en día.
No se escatimaron gastos para facilitar un veloz desplazamiento terrestre. Fueron los primeros pasos de una red que llegaría a tener 100.000 kilómetros de longitud durante el Imperio.

PUENTES

Elementos muy importantes, junto con las calzadas, para facilitar el desplazamiento

Puente de Alcántara

Los romanos también usaban su cemento, la puzzolana, consistente en agua, limo, arena y roca volcánica. y como he dicho anteriormente resistia el contacto con el agua e incluso se endurecía cada vez mas. En España existen numerosos ejemplos, que no voy a mencionar y os remito a una publicación anterior, donde se describen detalladamente.


PUERTOS, CANALES Y TÚNELES

La ingeniería romana fue capaz de excavar túneles, atravesando macizos rocosos, destinados al uso como acueductos o calzadas y utilizando para ello diferentes técnicas con las que romper la roca y practicar aberturas. Pese a lo complicado de este tipo de infraestructuras y a la limitada tecnología de entonces, muchos de estos túneles aún persisten hoy en día.

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Delta del Rhin-Mosa

Los romanos excavaron también canales para mejorar el drenaje de los ríos en toda Europa y, menos frecuentemente para la navegación, como es el caso del canal Rin-Mosa de 37 km de longitud.

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Pero sin duda en este campo la obra prima de la ingeniería del Imperio romano es el drenaje del lago Fucino, a través de una galería de 5,5 km por debajo de la montaña.

Lago Nemi, 

Donde se recibian las aguas a través de un importante tunel del mismo nombre, excavado por los romanos. Se tuvo que desecar temporalmente para rescatar las embarcaciones de Calígula.

Tunel de Nemi
 Los barcos romanos de Nemi 

Eran dos grandes y lujosos barcos construidos por orden del emperador romano Calígula, en el siglo I, en el lago de Nemi, un lago volcánico a unos veinticuatro kilómetros al sur de Roma.
Fueron descubiertos en la década de los años 20, pero desgraciadamente destruidos en la Segunda Guerra Mundial. 
 
Museo delle Navi Romana de Nemi
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Portus Romanus , estado actual y recreación

El “Portus Romanus, completamente artificial, se construyó después del de Ostia, en el tiempo de los primeros emperadores romanos. Su bahía interna, hexagonal, tenía una profundidad de 4 a 5 m, un ancho de 800 m, muelle de ladrillo y mortero, y un fondo de bloques de piedra para facilitar su dragado.

INGENIEROS ROMANOS

Hablando siempre desde un punto de vista teórico, ya que por entonces no existían las universidades, consideraba que los arquitectos e ingenieros, no solo debía saber dibujar, sino también geometría, óptica y aritmética, sin olvidarse de conocimientos generales de historia, filosofía, música, medicina, derecho, astronomía y cosmología.

Estos conocimientos, no solo les permitía realizar sus proyectos arqutectónicos y de ingeniería, sino de idear diversas máquinas e ingenio para facilitar su construcción y otras labores de la vida diaría


Vitruvio, el mas conocido de la época, su obra ha inspirado a otros muchos maestros.
Asi, sería este ingeniero del siglo I a. C. Marco Vitrubio, el que en tiempos del emperador Augusto, el primero describió detalladamente la noria vertical, que constaba de una rueda vertical de cuatro radios con unas paletas que eran desplazadas por una corriente situada en su parte inferior. Esta rotación era transmitida por su eje a unos engranajes y, por éste, a varios tipos de máquina: muelas de grano, piedras de afilar, martillos basculantes, polea…

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«De Architectura» de Vitruvio 

La única referencia sobre la construcción de estos molinos nos llegó de la mano de Vitruvio, en su tratado titulado “De Architectura” compuesto de diez libros dedicados a la ingeniería y la arquitectura
Los diez libros de arquitectura de Vitruvio es el tratado de arquitectura más viejo que se conoce y, ya desde entonces, tanto el texto, como las máquinas jugaban un papel importante. Lo que hace pensar que son elementos cruciales para el proceso arquitectónico.





 Los molinos de agua, todos del tipo vitruviano. Estos molinos fueron usados para accionar aserraderos, molinos de cereales y para minerales, molinos con martillos para trabajar el metal o para batanes, para accionar fuelles de fundiciones y para una variedad de otras aplicaciones

MOLINOS 

Las muelas según las dimensiones eran movidas a brazo o por medio de animales.


Antes del uso de las ruedas de Vitruvio, se emplearon las pequeñas llamadas “molas mamiaris» las movían los hombres que penaban alguna condena prisioneros de guerra, esclavos, pobres o criminales.  Otro tipo de muelas mayores eran movidas por asnos «molas asnarias”


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El tipo de molino hidráulico con eje horizontal y rueda vertical se comenzó a construir en el siglo I a. C. por  Vitruvio . Su inspiración puede haber sido la rueda persa o “saqíya”, un dispositivo para elevar el agua, que estaba formado por una serie de recipientes dispuestos (cangilones) en la circunferencia de la rueda que se hace girar con fuerza humana o animal.

La rueda hidráulica vitruviana, o rueda de tazas, es básicamente una rueda que funciona en el sentido contrario.
Diseñada para moler grano, las ruedas estaban conectadas a la máquina móvil por medio de engranajes de madera que daban una reducción de aproximadamente 5:1.

Los primeros molinos de este tipo eran del tipo en los que el agua pasa por debajo.


Más tarde, Vitruvio observó que una rueda alimentada desde arriba era más eficiente, al aprovechar también la diferencia de peso entre las tazas llenas y las vacías. Este tipo de rueda, significativamente más eficiente requieren una instalación adicional considerable para asegurar el suministro de agua: generalmente se represaba un curso de agua, de manera que formara un embalse, desde el cual un canal llevaba un flujo regularizado de agua a la rueda.

No solo revolucionó la molienda de granos, sino que abrió el camino a la mecanización de muchas otras operaciones industriales.

 Si colgamos una tolva en esta maquina, suministrara trigo a las muelas y, gracias a este mismo movimiento giratorio, obtendremos harina”.

La noria vertical aprovecha el movimiento del agua para transformarlo en energía. Transmitida por una serie de engranajes hasta una rueda de molino, esta realizaba el trabajo a una velocidad cinco veces mayor de lo que giraba la noria.

MOLINOS DE BARBEGAL (Francia)

 El abastecimiento de grano era esencial para alimentar a la creciente población. Se necesitaba molerlo en grandes cantidades para fabricar harina, lo cual llevó al único invento técnico puramente romano: la noria hidráulica.

De nuevo, los ingenieros llegaban al rescate de los gobernantes, desarrollando un sistema que les permitía sacar todavía más ventaja del agua que acarreaban hasta la ciudad.

La noria vertical aprovecha el movimiento del agua para transformarlo en energía. Transmitida por una serie de engranajes hasta una rueda de molino, esta realizaba el trabajo a una velocidad cinco veces mayor de lo que giraba la noria. En algunos casos se puede hablar de norias casi industriales, como las que existían en Barbegal (Francia) a finales del Imperio.

 



Desde el siglo IV d. C. en el Imperio romano se instalaron molinos de notables dimensiones.
En algunos casos se puede hablar de norias casi industriales como la que existía en Barbegal (Francia) a finales del Imperio. Se descubrió que si el agua caía sobre la noria en lugar de pasar por debajo de ella, a la energía cinética se le sumaba la potencial de la caída.
Así, los ingenieros romanos construyeron en Barbegal un molino bajo una cascada de 20 metros de altura, creada con el agua del acueducto.

molinos agua barbegal roma

En Barbegal, en las proximidades de Arlés, en el 310, se usaron para moler granos 16 ruedas alimentadas desde arriba, que tenían un diámetro de hasta 2,7 m cada una.

Cada una de ellas accionaba, mediante engranajes de madera dos máquinas: La capacidad llegaba a tres toneladas por hora, suficientes para abastecer la demanda de una población de 80 mil habitantes


.
Las ruinas del conjunto  son todavía visible cerca de Arles, que data desde el siglo I o posiblemente antes, el agua es suministrado por el acueducto principal de Arles.

MINERÍA

Los metales conocidos entonces por los romanos eran: oro, plata, cobre, estaño, plomo, hierro y mercurio, se complementan con las aleaciones: bronce y latón, resultando una base amplia para la fabricación de todo tipo de objetos.​La escultura de bronce constituye uno de los apartados más representativos de Roma.

MINERÍA DEL COBRE




Minas de Rio Tinto (Huelva)

Ya en la Edad del Cobre el desarrollo de la mina, estaba unido al de las propias civilizaciones: tartessos, fenicios… Pero el desarrollo minero en esta época llegó con los romanos. La introducción por parte de éstos de nuevas técnicas permitió la continuación de los trabajos mineros. Los restos de escorias encontrados nos dan a conocer un gran desarrollo de la minería en aquella época,


Una de las ruedas utilizadas, encontrada en Rio Tinto


Esquema de funcionamiento

También utilizaron la rueda inversa para drenar las minas inundadas como es un conjunto múltiple de estas ruedas que se han encontrado en España en las minas de cobre de Rio Tinto.

Para las operaciones de drenaje destaca el uso de la noria o rueda de cangilones. Éstas eran accionadas mediante la fuerza del hombre, que debían pisar unos travesaños ubicados en su parte exterior. Algunas ruedas encontradas llegan a tener un diámetro de 4,5 metros.

TORNILLO DEARQUIMEDES

Otros sistemas empleados fueron el Tornillo de Arquímedes o las Bombas de Doble Pistón.

EL ORO DE LAS MÉDULAS

Sin duda, uno de los grandes problemas que los romanos fueron capaces de resolver, a diferencia de sus antecesores, fue el problema del agua. En una explotación es necesario profundizar cada vez más para poder extraer el material, manteniendo vivos los niveles de producción.

A medida que se profundiza en dicha explotación el agua aumenta. Gracias a los conocimientos topográficos de este práctico pueblo y a su maquinaria de extracción de agua fue posible solucionar este problema.

Para separar el oro y la plata, los romanos granulaban la aleación vertiendo el metal líquido en agua fría y entonces fundian los gránulos con sal, separando así el oro del cloruro de plata.​ Usaron un método similar para extraer la plata del plomo e introdujeron el uso de crisoles de cerámica para fundir metales.

Técnica de explotación minera romana. (Ruina Montium)

La aportación que realizaron los romanos a las labores de minería a cielo abierto fue el uso de la fuerza hidráulica para la minería aurífera. El agua se utilizaba tanto para el lavado como para la extracción de material, lo que implica una reducción de la mano de obra. El ejemplo de minería romana a cielo abierto más impresionante lo podemos encontrar en Médulas de León, con la construcción de una red hidráulica con 600 kilómetros de canales.
Los ingenieros romanos idearon y pusieron en práctica para su desmenuzamiento el sistema que Plinio llama «ruina montium» derrumbe de los montes.

Consiste  en el procedimiento en cortar y derribar, separando del resto, las masas de terreno aluvial en las que se encuentra el oro para ser arrastradas después hacia los canales de lavado.
Excavar pozos y galerías subterráneas en lugares adecuados, en los conglomerados de arcillas y guijarros, entibando con maderas para impedir su prematuro desplome. Fueron éstos los trabajos más penosos de todo el procedimiento de extracción, por las dificultades y peligros que entrañaban dados los medios de la época.
Se dejaba entrar en las galerías el agua, lo que producía fuertes erosiones que provocaban el derrumbamiento.

Arrastre de las tierras derrumbadas hacia los lugares del lavado donde las pepitas de oro, más pesadas, eran retenidas en el fondo por múltiples e ingeniosos medios, continuando el resto de las tierras, convertidas en barro y lodo, hasta desaguar en el río. Los grandes cantos que aparecían en el derrumbe del monte oponían dificultades a su arrastre por el agua, siendo necesario retirarlos a mano y apilarlos en montículos.

Consiste  en el procedimiento en cortar y derribar, separando del resto, las masas de terreno aluvial en las que se encuentra el oro para ser arrastradas después hacia los canales de lavado.

Se dejaba entrar en las galerías el agua, lo que producía fuertes erosiones que provocaban el derrumbamiento.

Arrastre de las tierras derrumbadas hacia los lugares del lavado donde las pepitas de oro, más pesadas, eran retenidas en el fondo por múltiples e ingeniosos medios, continuando el resto de las tierras, convertidas en barro y lodo, hasta desaguar en el río. Los grandes cantos que aparecían en el derrumbe del monte oponían dificultades a su arrastre por el agua, siendo necesario retirarlos a mano y apilarlos en montículos.
Don Manuel Gómez Moreno en su obra «Catálogo Monumental de España. Provincia de León», explica así cómo se solucionó el problema de las arenas:
«Éstas, con su masa de millones de metros, eran dificultad harto grave; pero se salvó a la romana, trasladando a un valle el monte deshecho, con lo que varió aún más la topografía de aquellos sitios.
La desembocadura del valle fue cerrada con un dique, tal vez de fagina o de piedras en seco, no dejando pasar al río sino agua y fango; las arenas quedaban detenidas, y fueron poco a poco rellenando la garganta, y constituyendo a su vez un nuevo y enorme dique al pie del vertedero, que impedía correr las agua pluviales, derramadas en lo alto del valle, así como una parte de las que bajaban de la explotación, y se formó un embalse, un pantano».

INGENIERÍA MILITAR


Conviene ahora, conocer todos los artilugios y máquinas usadas por las legiones romanas en sus conquistas, ya que fueron fundamentales a la hora de engrandecer el Imperio.

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Los romanos construyeron fuertes, campamentos, puentes, vías y otros equipamientos militares. Uno de los primeros y mas ingenioso fue el que Julio César hizo construir un puente sobre el río Rhin en tan sólo 10 días., para la conquista de los germanos.
Al invadir un territorio enemigo, el ejército romano a menudo construía carreteras para permitir el refuerzo, reabastecimiento y el retiro fácil si es necesario.​

Básicamente, la artillería se dividía en dos tipos de máquinas: las que arrojaban piedras y la que arrojaban flechas o lanzas.  No obstante, todas estas máquinas se basaban en un sencillo mecanismo de tensión y distensión mediante cuerdas o muelles.


Ingeniator

En el 200 d. de J.C., inventaron un ariete llamado “ingenium” para atacar las murallas y luego se llamo “ingeniator”, siendo esto para muchos historiadores el origen de la palabra ingeniero.



Ballista.

Era una de las armas más populares del ejército romano. Lanzaba piedras de diferentes tamaños en trayectorias horizontales, pero también podía lanzar jabalinas o, incluso, fuego griego
Con proyectiles de cerca de 800 gramos, la distancia que conseguía se acercaba a los 180 metros, aunque en excavaciones arqueológicas también se han encontrado piedras desde 6 a 50 Kg.
Cada legión transportaba 10 ballista, que disparaban grandes dardos o jabalinas por separado o en pequeños grupos, según el tamaño y estructura del modelo.
Debido a su tamaño, debía sostenerse sobre un trípode y era manejada por varios hombres encargados de poner los proyectiles, tensar la máquina por un mecanismo de torsión y liberar finalmente el proyectil.

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Onager u onagro.

Se trataba de un artilugio que lanzaba piedras y su uso se extendió durante el Imperio. A este arma se la consideraba más una pieza para el asedio o sitio que un arma de batalla. Al lanzar un proyectil, éste hacía una parábola en el aire consiguiendo, en función del peso de la piedra, 30 metros de distancia. Cada legión transportaba 3 Onager.


Scorpio.

Arma que arrojaba flechas de grandes dimensiones, cercanas a los 70 cm. Durante los primeros tiempos su armazón era de madera, aunque posteriormente se sustituyeron muchas de sus piezas por elementos metálicos, soportando de esta forma sus cuerdas una gran tensión y alcanzando mayores distancias. Sus proyectiles se lanzaban a unos 350 metros, aunque a mayor distancia existía una mayor posibilidad de errar el blanco. Cada legión transportaba 59 scorpio..



Arietes.

Los arietes estaban destinados a abrir brechas en las duras defensas enemigas, básicamente en las puertas de sus murallas. Consistían en una viga larga de madera con un extremo, el encargado de presionar el objetivo, recubierto de metal, en ocasiones incluso decorado con la cabeza de un carnero, de ahí su nombre:Aries.


Perforador, (también se podía poner el ariete)

Para empujarlo se podían utilizar hombres que lo portaban sobre sus hombros, o un armazón de madera del que quedaba suspendido a través de cordajes. Para proteger a los soldados también se construía un techado de madera revestido de materiales resistentes bajo el que se disponía el ariete impulsado por sogas.


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Torre de asedio:

Otro arma compleja y temible era la torre de asedio. Una torre de madera portátil, diseñada para ser movida hasta las paredes enemigas, permitiendo que las tropas del interior se abalanzaran sobre los defensores enemigos
Se construían torres de madera con fuertes revestimientos y una altura superior a los muros que se querían tomar. En su interior existía una estructura de pisos unidos por escalones de madera y troneras desde las que se atacaba al adversario. En la base de algunas torres se instalaba un ariete. Su movilidad era reducida ya que sólo podían avanzar en terreno llano, tiradas por hombres y animales. Las poblaciones atacadas antes de la llegada de estas torres móviles realizaban fosos delante de sus murallas o agujeros ocultos en el suelo para impedir su avance.

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Medios de defensas en el asedio

Cuando los romanos eran los asediados o en ocasiones como medidas preventivas ante potenciales enemigos, organizaban toda una serie de recursos contra los asediantes: delante de la muralla colocaban stimuli –bastones con puntas de hierro clavados en el suelo a modos de pinchos-, strobes –embudos de tierra con una estaca puntiaguda al fondo-, lilia –obstáculos de madera plagados de puntas de hierro-, cippi –estacas puntiagudas simulando arbustos-; tras estos obstáculos, solían hacer un foso que llenaban de agua, convirtiéndose en una ciénaga que impedía el paso de los asediantes; después un terraplén –agger– plagado con arbustos espinoso; por último, la muralla reforzada con almenas y torres defensivas.

Para el 100 d. de J.C. la ciencia e ingeniería romanas se estancaron, siendo un declive que se presume contribuyo a la caída del Imperio Romano.
.

ARMAMENTO DEL SOLDADO

Y ya que estamos con temas militares, hay que describir también el atuendo y armas de los soldados, ingeniada para ser lo mas eciente posible.




La lorica segmentata estaba formada por hojas de metal alargadas.
El tronco se protegía con una coraza completa (frontal y espalda) de la que hubo varios tipos. La coraza más cara eran dos piezas de metal que protegían completamente el tronco. Por su precio y vistosidad estaban prácticamente reservadas a los oficiales y a la guardia pretoriana (que no aparece hasta el Alto Imperio).

La coraza de escamas, la «loriga scamata» estaba formada por pequeñas piezas de metal o hueso superpuestas y unidas por alambre.


La lorica hamata era una cota de malla.  Solían estar fabricadas con bronce o hierro. Alternaba filas de anillos verticales y horizontales entrelazados entre sí
Para proteger el vientre utilizaban un cinturón de cuero, con tiras colgantes para proteger los muslos.

Caligae

El calzado consistía en unas sandalias fuertes, con tachuelas en la suela, de gran resistencia en las largas marchas.

Las armas eran un pilum pesado, un pilum ligero, el gladius y un puñal de doble filo.

El arma principal del soldado de infantería romano era una temida espada llamada gladius




El escudo podía ser de bronce o de madera recubierta de cuero, y su forma redonda, oblonga, semicircular o cilíndrica

La muñequera era de metal y contenía un cuchillo para atacar por sorpresa en un mano a mano sin espada

El casco protegía la nariz, mejillas y cuello. El de los oficiales llevaba un penacho.

 
























FUENTES:

http://www.nauticadigital.com/historia/los-superyates-de-lujo-del/

https://infraestructurasromanaspruebaticum.wordpress.com/2016/12/13/el-invento-romano/

http://psmmaracaygrupo05etica.blogspot.com.es/2014/11/ingenieria-romana-imperio-romano.html

https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_tecnolog%C3%ADa#Roma

http://aragonromano.ftp.catedu.es/artiller.htm

http://gladiatrixenlaarena.blogspot.com.es/

La historia del comic (II): El comic de autor y el underground

 EEUU

Se considera que Norteamérica es la cuna del cómic, pues allí se inició su publicación en forma masiva en los periódicos, y también se empezaron a publicar los «comics books» (revistas de comics).
El origen de la historieta en los Estados Unidos, como ya comenté en el anterior artículo,  está estrechamente ligado al desarrollo del periodismo moderno. La causa principal fue la lucha de poderes de Hearst y Pulitzer, dos magnates de la prensa norteamericana.
Hearst se hace a su propio equipo de dibujantes y se trae del «World» a Richard F. Outcault, quien es considerado el pionero de la literatura dibujada. La primera página de historietas del «World» apareció el 9 de abril de 1893; se hicieron los primeros experimentos con el color, y R.F.Outcault crea, en 1895, a «Yellow Kid».

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RICHARD FELTON:

Richard Felton Outcault fue un guionista, dibujante de historietas y pintor estadounidense.
Fue el creador de la serie The Yellow Kid, a partir de la cual nació y se desarrolló la historieta tal y como la conocemos hoy en día y del que ya hablamos en el anterior artículo.

A partir de ahí, aparecieron numerosas publicaciones , no solo de tiras cómicas en los periódicos, sino con formato de cuadernos, revistas e incluso»comic-book» con una o varias historietas con personajes fijos. Los temas tambien eran varidos y no se ceñían solo al humor, sino que los habia románticos, fantásticos con superhéroes incluidos, policiacos y bélicos entre otros., estos últimos proliferaron durante la Segunda Guerra Mundial, fomentados por el Gobierno.

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Tambien en la época del gangsterismo era natural que el lector desease encontrar el policía astuto y duro que resuelve todas las situaciones; así nace, en 1931, «Dick Tracy» por Chester Gould.

AL CAPP (1909-1979)

Probablemente el autor satírico por excelencia en el cómic estadounidense es Al Capp
Al Capp pone en solfa los valores sagrados del estadounidense medio descubriendo la hipocresía de la sociedad en que se mueve. El truco de Al Capp consistía en jugar con esa hipocresía de sus lectores y hacer que se pusieran del lado de los buenos para luego echarles encima el jarro de agua fría

 



En 1934 comenzó la que iba a ser su gran obra: 
Li’l Abner, la historia de Abner Yokum y Daisy Mae
Se trata de un muchacho de pueblo, un  tonto ingenuo musculoso, que debe huir del acoso de sus parientes femeninas, que desean casarse con él.

Llegó a publicarse en más de 900 periódicos. Su lucha por los derechos civiles y contra la guerra de Vietnam hicieron que en sus últimos años se convirtiese en una persona non grata, sobre todo en los estados sureños, donde llegó a ser acusado de sodomía.

Tras la Segunda Guerra Mundial, la ciudadanía de Estados Unidos olvida la utilidad propagandística del cómic bélico y empieza a preocuparse por otras cuestiones.

Coincidiendo con la persecución anticomunista desatada en 1950 con la «Caza de Brujas»del senador McCarthy, en el ambiente cinematográfico, una paranoia social semejante afecta al mundo de la historieta.

Resultado de imagen de “The seduction of the innocent”

Un psiquiatra, Frederic Wertham, publica un libro que alcanzará una difusión inusitada, “The seduction of the innocent” (1954). En este texto, Wertham argumenta el aumento de la delincuencia juvenil acusando a los tebeos de ser una de sus causas principales
A consecuencia de esto en 1955, ante las campañas moralistas contra los cómics, se establece el «Comic Code», un código de autocensura.

 Resultado de imagen de Crypt (1950)

La compañía estadounidense E.C. Comics es la primera víctima de esta caza de brujas originada por Wertham. Especializada en la producción de historietas de horror al estilo de Tales from the Crypt (1950)

 Resultado de imagen de “Mad”

Al final sólo podrá editar la revista “Mad” (1952)

 
Otra firma norteamericana, Warner Publishing, edite tres décadas después revistas como Creepy y “Eerie”

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Lo cierto es que EC Influyó mucho en el cine y de hecho la obra de directores como Steven Spielberg, George Lucas, Joe Dante, John Landis no se explica sin los relatos gráficos de E.C.

Fightin Marines(1951)

La historieta bélica tendrá su vigencia durante los cincuenta. Sus personajes, más heterogéneos, representan los problemas vividos durante el conflicto.

LOS CLÁSICOS

HAROLD FOSTER.  (1892-1982).

Fue un influyente autor de cómics canadiense, primer adaptador de Tarzán al lenguaje del cómic, y conocido sobre todo por su obra Príncipe Valiente  Con dibujo muy correcto y detallista aunque algo amanerado.

 

WINSOR McCAY .(1867.1934)

«Little Nemo», es  la obra maestra de Winsor McCay, cuyas aventuras en Slumberland marcaron un antes y un después en el arte del cómic e inspiraron a artistas tan diversos como Robert Crumb , Federico Fellini. y Disney

 

Viñetas de Little Nemo de Winsor McCay 

MILTON CANIFF (1907-1988)

En la inmediata postguerra, títulos como Steve Canyon (1947), de Milton Caniff, heredan los elementos convencionales del cómic bélico. Steve Canyon,  narra las aventuras de un piloto durante la guerra de Corea

 Considerado un clásico.y el “Rembrandt del cómic”a Caniff le debemos gran parte de los adelantos técnicos que hicieron de esta disciplina un arte, como la serie de continuidad o el uso de los planos cinematográficos.

A Caniff, el éxito le llegaría en 1934 con Terry and the Pirates

 

JACK KIRBY(1917-1994)

Se le considera uno de los autores más influyentes de la historia del comic book estadounidense, y el dibujante de superhéroes por antonomasia. Junto a Stan Lee creó durante los años sesenta gran parte de los personajes más importantes de Marvel Comics, tales como Los 4 Fantásticos, Thor, Los Vengadores o X-Men, ya mencionados, propulsando el renacimiento del género durante la denominada Edad de Plata de los comic-books. Resultado de imagen de beatniks fashion

En EEUU surge un movimiento cultural alternativo, conocido como los beatnicks (término inventado en 1958 por el periodista estadounidense Herb Caen con el fin de parodiar y referirse despectivamente a la generación beat) que van a poner en cuestión todo el sistema establecido.
Las posturas del movimiento beat irían modificándose durante toda la década y derivando hacia posturas más ecologistas y alternativas que culminarían en la contracultura hippie de finales de los 60.

THE UNDERGROUND COMIX

En la década del ’60 surgen los «Underground Comix», o sea las publicaciones que se desarrollaban al margen de las grandes editoriales. «Fritz the Cat» (1965, de Robert Crumb) fue, quizá, el personaje más popular de esas historietas algo contestatarias e intelectuales.

ROBERT CRUMB (1943)

Con el gato Fritz, dará rienda suelta a su obsesión por el sexo y a sus preocupaciones por temas políticos y sociales, considerandolo uno de sus personajes más importantes.

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Conocemos a estas tendencias con el nombre de Underground (subterráneo), y pretenden ser una alternativa a formas artísticas y culturales que se consideran gastadas y complacientes con el sistema. Es decir, vendrían a ser una cultura paralela o “contracultura” que por definición se enfrenta a la corriente mainstream (preferencias predominantes en un momento determinado ), que es la defendida por el sistema.

Crumb es el genio del UNDERGROUND , inconfundible con su Gurú filósofo Mr Natural .
Es uno de los autores más influyentes de la historia del cómic. Considerado el modelo del cómic underground, su obra ha sido la base de escuelas como la línea chunga española y siempre ha estado rodeada de polémica, especialmente por su visión de las mujeres.

Mr. Natural. 

 Algunos, ven en su obra un exceso de autobiografismo


Mr. Natural

 

Su obra gira en torno a sus propias obsesiones, fundamentalmente las mujeres -que han criticado duramente sus dibujos- , y refleja como nadie la subcultura hippy de los 60.

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Robert Crumbs

En los 60, y sobre todo en la costa Oeste de EEUU empieza a surgir un cómic que no sólo trata temas intocables por el mainstream, sino que incluso prescinde de sus canales de comercialización. En efecto, los autores underground americanos no sólo van a obviar el código de la CCA ( «Comics code authority», regulador de contenidos) al que culpan de la “puerilización” a la que ha llegado el género, sino que van a introducir en sus obras grandes dosis de sexo y violencia
.

También optarán, al carecer del sello de la CCA, por procedimientos como la autoedición y la distribución a través de librerías convencionales o en otro tipo de establecimientos más marginales, como las grow shops (venta de marihuana) o mas tarde por Internet.
El dibujo se alejó del realismo del mainstream, optando por un dibujo más esquemático y tosco, que posteriormente se denominó en España la línea chunga.


Los que más  notaron estos cambios, fueron los superhéroes. Sus vidas empezaron a convertirse en un auténtico infierno cuando los guionistas se recreaban en sus aspectos más oscuros. Y les empezaron a pasar cosas raras. Por ejemplo, Superman se acabó casando con Lois Lane y unos años después murió en un combate. Batman envejeció y volvió a rejuvenecer, se volvió violento y a punto estuvo de dejar los trastos.
A Spiderman casi le mata su propio traje -invadido por un alien, sea dicho de paso- y Lobezno tuvo que enfrentarse a una inmortalidad en la que nadie había pensado antes. Pero -reconozcámoslo- ganaron en intensidad lo que tal vez perdieron en frescura

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«Calvin y Hobbes»

WILL WATTERSON (1958)

Watterson también es conocido por su lucha contra la estructura arbitraria que los editores impusieron a las tiras cómicas de los diarios, permitiendole al fin dibujar sus tiras como el quería.
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Destacó por el humor inteligente de Calvin y Hobbes (1985)
Calvin y Hobbes relata, en clave de humor, las peripecias de Calvin, un imaginativo niño de 6 años, y Hobbes, su enérgico y sarcástico, aunque algo pomposo, tigre de peluche, al cual Calvin cree real.

GILBERT SHELTON (1940)

Es el otro gran autor underground con su obra «The fabulous furry Freak brothers», que nos narra las peripecias de una familia de personajes obsesionados por la marihuana

Y tambien con el remedo de superheroe «Wonder Wart Hog» con morro de cerdo.

y El Gato de Fat.

WILL EISNER (1917-2005)

Otro de los nombres fundamentales en la historia del cómic es el de Will Eisner, tanto en sus facetas de dibujante y guionista como la de teórico.

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En 1941 Eisner, tras varias series menores, empezará a publicar «The Spirit», sin duda su serie más importante.

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 The Spirit
Eisner tiene un impecable dibujo en B y N .con perspectivas variadas e incluso  picados  espectaculares

A ella le seguirían obras como Vida en otro planeta o El soñador

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Así como adaptaciones de clásicos como El Quijote

RICHARD CORBEN (1940)

Célebre por sus cómics de ciencia ficción y fantasía de abigarrado e innovador colorido, cuyos «fotolitos» creaba y procesaba personalmente.  
Procedente del underground, adquirió condición de autor de culto a finales de los años setenta 

Sus monstruos singulares tienen una tecnica que incluye instrucciones para el entintado obteniendose colores muy variados y característicos.

Richard Corben: el dragón fumando en pipa y la princesa limpiando la guarida…Resultado de imagen de hellboy comic

MIKE MIGNOLA (1960)

Famoso por crear la serie de cómics «Hellboy» para Dark Horse Comics.

También ha trabajado para proyectos de animación como Atlantis: «el imperio perdido» y la adaptación de su one-shot, «The Amazing Screw-On Head.»

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ART SPIEGELMANN (1948)

Hijo de una familia judía polaca, procedente del underground y consciente de las corrientes artísticas contemporáneas, se convirtió a principios de los años 80 en uno de los más influyentes historietistas alternativos de su país.

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Tanto por su obra propia (entre la que destaca Maus, en la que denunció el Holocausto a partir de la experiencia vital de sus padres judíos perseguidos por los nazis) como por su trabajo de editor y de estudio del medio a través de la revista Raw.
De Maus, ya os comenté que se hizo un libro.


WARREN ELLIS (1968)

Es uno de los grandes nombres del cómic moderno. La revista Transmetropolitan tiene un tono muy distinto.

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Se trata de una distopía en la que un periodista gonzo, Spider Jerusalem, se lanza, en medio de drogas y sexo, a destapar una trama de corrupción encabezada por el presidente de los EEUU. Su estilo gráfico, su humor y su irreverencia la han convertido en una auténtica serie de culto.

FRANK MILLER

 Tambien la violencia hardboiled (subgénero literario de la ficción policíaca ) y la maestría gráfica de Sin City (1992),
La extensa Sin City es una novela negra, oscura y opresiva, que para muchos es su obra maestra.,y que abren el abanico de un mercado cada vez más considerable. En ese proceso, sellos como Image heredan el estilo del manga japonés, privilegiando el dibujo por encima del texto

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Y en 300 vuelve a la Grecia clásica para mostrarnos la batalla de las Termópilas con una estética barroca y recargada

Ambos temas han sido tratados en el cine, hecho que se ha repetido en numerosas ocasiones y que ha potenciado aún mas la importancia de los comics como exponente artístico.
Y es que en realidad, el comic, tiene  más  vínculos con el arte cinematográfico que con la literatura y eso es asi porque  películas y tebeos comparten características fundamentales de sus respectivos lenguajes.
Teniendo en cuenta que el guión empleado, el ritmo de la historia, la realización, el empleo distintos planos: panorámicos, generales, primeros planos, planos estadounidenses etc la posibilidad de mostrar al personaje que se apoya o camina en el borde de la viñeta, los  montajes, la iluminación  electrónica de creación o coloración etc, son con frecuencia  comunes en ambas artes…y todo eso sin contar con el presupuesto necesario para poner en marcha una publicación gráfica.

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CHARLES BURNS

Conocido sobre todo por Agujero negro (Black hole, 1993-2004), en su obra encontramos magníficos títulos como El Borbah (1999) o Skin Deep (2001).

 El reconocimiento del cómic underground estadounidense fue tardío en su país, pero en Europa fue aceptado muy rápidamente y condicionaría muchas de las formas que nos encontraremos en los años 80, especialmente en España.

Otros autores underground importantes fueron Clay Wilson y Victor Moscoso


ITALIA

El mercado italiano es el primero de Europa donde triunfa el cómic estadounidense, gracias a revistas como «Jumbo», «Topolino», «L’Avventuroso», «L’Audace», aunque pronto Mussolini prohíbe las historietas de importación.Resultado de imagen de DICK FULMINE

Ya desde 1938 se desarrolla un formato apaisado, el cuadernillo de aventuras, como suplemento de las revistas. Vincenzo Baggioli y Carlo Cossio crean ese mismo año a Dick Fulmine, un superhéroe a la italiana.

También se crean formatos más caros, tales como álbumes o revistas de lujo y en general se busca un lector más maduro, al que ya se dirigen sin ninguna duda autores como Vittorio Giardino o Lorenzo Mattotti. 

Por su parte, Guido Crepax y, ya en los años 80, Milo Manara y Serpieri cultivan sin apenas disisimulo el cómic erótico y pornográfico.

Imagen relacionada

Revistas como Splatter (1989) dan un paso más en la producción.

Dibujo perfecto , muy sensual , » Erotismo elegante «.

Milo Manara es el pseudónimo del historietista italiano Maurilio Manara (Luson, (provincia de Bolzano), 12 de septiembre de 1945). Es considerado maestro indiscutible del cómic erótico, gracias a obras como «HP y Giuseppe Bergman» (1978), «El Clic» (1984) y «El perfume del invisible» (1986).

Milo Manara

Milo Manara

(1927-1995)
De dibujo sobrio y energico . Las más de las veces solo Blanco y Negro sin grises ni degradados . Gran expresividad. Pocos » globos literarios «.

Su personaje principal Corto Maltese marino aventurero

En 1967 comenzó Corto Maltés, que trata sobre las aventuras de un pirata romántico y, a su manera, encantadoramente caballeroso, el cual daría posteriormente la fama a su creador. El éxito de Corto se extendió desde Francia, donde eran editados por Publicness,​ hacia Italia y, poco a poco, otros países. En total realizó 29 historias sobre este personaje.

Fue un ilustrador e historietista italiano. Autor bastante prolífico, Crepax es famoso por su serie Valentina, de marcado cariz erótico.

La fotógrafa Valentina , espectacular y dominante.Dibujo a veces sobrio y otras barroco. Trazos perfectos. Algo onirico y mágico.

Otra viñeta de Valentina

DINO BATAGLIA

Historietista italiano que nació en agosto de 1923 en Venecia y falleció en Milán el 4 de octubre de 1983.


Dino Battaglia se unió en 1945 al grupo que editó la revista italiana de comics, «Asso di picche», donde comenzó a dibujar Junglemen, que luego continuaría Hugo Pratt. En la década de 1950 dibuja episodios de «Pecos Bill Il Kid», colabora con ilustraciones para editoras inglesas y revistas como L’Intrepido e Il Vittorioso. En  1961 dibuja Capitán Caribe


 
SERGIO TOPPI

Sergio Toppi (Milán, 11 de octubre de 1932 – 21 de agosto de 2012)​ fue un historietista e ilustrador italiano.

No sólo se debatió entre la historieta y la ilustración, sino también entre la historia y sus implicaciones fantásticas, por lo que el crítico Yexus lo calificó como un visionario entre dos mundos. Su tecnica lineal a base de « tramados » muy espectacular y diferente

Sergio Toppi

Benito Franco Giuseppe Jacovitti (Termoli, 9 de marzo de 1923 – Roma, 3 de diciembre de 1997)

Los personajes que creó fueron: «Zorry Kid», «Pippo, Pertica y Palla», «Jack Mandolino y Popcorn», «Gamba di quaglia» («Pata de codorniz») y «Giacinto il corsario dipinto» («Jacinto el corsario pintado») todo muy bufo , descarado y a veces hasta grosero.

Entre ellos cabe destacar a «Cocobill» («Cocco Bill»), con el que Jacovitti parodia el género del Western.

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FRANCO BONVICINI (1941-1995)
En 1968 Franco Bonvicini «Bonvi» revolucionó la tira cómica italiana con «Sturmtruppen». Además de adoptar el formato horizontal, bastante inusual en Italia, Bonvi hacia humor con los soldados nazis, algo impensable en Europa y más en una Italia que había pasado por la experiencia del fascismo.
Resultado de imagen de Nick Carter comic
Pero la serie que le daría fama sería» Nick Carter», serie de detectives ambientada en Nueva York
Sin embargo, el humor y la ironía que destila cada una de las tiras pronto la convirtieron no ya en disculpable, sino tambien en una de las tiras de culto del comic europeo.
BELGICA Y FRANCIA

Durante los 60 y 70  Bélgica se convertirá en la tercera industria del cómic más potente del mundo, y sin darse cuenta arrastrará a Francia, que en los 50 había empezado a desarrollar obras muy interesantes gracias, sobre todo, a la revista Pilote y a su editor y guionista Goscinny. Además, se editaron muchos de los guiones que habían sido prohibidos durante la invasión nazi de ambos países, como es el caso de «El loto azul», tercera aventura de Tintín de Hergé.

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Cubierta de la Revista Pilote , satirizando el Mayo del 68.

Pilote aportará en Francia una de las más conocidas obras de la historia de su cómic: Astérix el Galo (1959), ( comentado en la anterior publicación) con guion de Goscinny y dibujada por Uderzo y Blueberry, con guiones de Charlier y dibujada por un tal Gir, tras el que se escondía Jean Giraud, que más tarde será conocido con el seudónimo Moebius.

«El mundo de Edena»

JEAN GIRAUD ( MOEBIUS) (1938-2012)

Se dio a conocer con el seudónimo Gir y el western El Teniente Blueberry en 1964, para luego revolucionar la historieta de ciencia ficción de los años 70 y principios de los 80 con el seudónimo de Moebius y obras como El garaje hermético (1976-1979)

O El Incal (1980) con Jodorowsky

Giraud también trabajó en la adaptación cinematográfica de Dune, iniciada por el chileno Jodorowsky , con quien colaboró en otras ocasiones; haciendolo tambien en películas, como Alien (1979), Tron (1982), Masters of the Universe (1986), Willow (1987) o Abyss (1989)
Se le considera el mejor en temas de Ciencia ficción .

Imagen relacionada

«El mundo de Edena»
A partir de un encargo comercial de Citroën crea en 1984 la historieta «Sobre la estrella», primera de la serie Edena 
 
Utilizaba perspectivas alucinantes , imaginación , destreza en el dibujo y paisajes fantásticos .

 

La pelicula » El 5º Elemento « está hecha con diseños de Giraud .
Significativo el sobrenombre de Moebius ,( el creador de las cintas de una sola cara, una paradoja ) .

Una de sus primeras producciones: El Teniente Blueberri, donde muestra de su versatilidad.Resultado de imagen de Métal Hurlant

En 1974, algunos de estos autores, como Moebius, deciden lanzar su propia revista de ciencia-ficción que se llamará Métal Hurlant, que se convertirá en un modelo a seguir por europeas y estadounidenses

GOTLIB .(1934-2016)

Fue uno de los autores europeos de más renombre.

 Resultado de imagen de GAI LURON

Su personaje más conocido es Gai-Luron

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y también son célebres sus historietas cortas, agrupadas en la serie Rubrique-à-Brac.

Gotlib es muy personal , satírico, e incluso muy irreverente como en esta viñeta del God´s Club, donde muestra a personajes históricos como Jesucristo, Wotán (Odín), Júpiter, Buda, Alá y Jehovah en una situación muy comprometida…Resultado de imagen de lone sloane comic

PHILIPPE DRUILLET (1944)

En el álbum de historietas titulado» Le mystère des abîmes»  representaba a su héroe Lone Sloane, Inspirándose en parte en uno de sus escritores favoritos: H.P. Lovecraft



 Druillet
Se centra casi siempre en torno a la ciencia ficción y en lo fantástico.
Es otro de los grandes de la Scifi , aún más detallista que Giraud . Minucioso . Escenarios sorprendentes.

Portada de la revista «La BD Erotique»(Bande dessiné erótica) de Tim Pilcher un género del que hay numerosas publicaciones


GEORGES WOLINSKI (1934-2015)

Fue redactor en jefe de Charlie Hebdo de 1970 a 1981.y murió el 7 de enero de 2015, asesinado en la sede de dicho periódico en París.

«Pauline»

Es bueno, pero muy por debajo del italiano Manara.

CLAIRE BRETECHER . (1940)

La única con estudios de arte , pero pinta monigotes muy expresivos. álbums: » Les Frustrees» y » Agripina «


ENKI BILAL (1951)

Es un dibujante, guionista y director de cine francés. En 1972 publicó su primera obraResultado de imagen de enki bilal Trilogía Nikopol

Le Bol Maudit en la revista Pilote con pequeñas historias de ciencia ficción, que le hicieron labrarse fama de imitador de Mœbius,  Su primer álbum fué la Trilogía Nikopol 

 Resultado de imagen de enki bilal la mujer trampa

y una segunda parte en La mujer trampa

.  En 1985, colaboró de nuevo en una película, en este caso El nombre de la rosa, de Jean-Jacques Annaud.

ANDRË FRANQUIN:  1923-1997

Fue un autor belga de historietas, uno de los más importantes de todos los tiempos, iniciador y miembro de la llamada Escuela de Marcinelle,

Conocido por personajes como Spirou y Fantasio, el Marsupilami o Tomás el Gafe.

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JACQUES TARDI: 1944

Jacques Tardi es un destacado historietista francés. Interesado especialmente en el género bélico y policíaco

Su serie más extensa es, sin embargo, Las extraordinarias aventuras de Adèle Blanc-Sec 


ENGLAND


En el Reino Unido, y a pesar de que su industria es la más antigua de Europa, el cómic tuvo un escaso desarrollo y estuvo siempre ligado a la prensa, lo que tal vez impidió la aparición de obras menos “clásicas” y que supusieran una ruptura con los modelos americanos.Resultado de imagen de zarpa de acero comic
Merecen ser mencionadas obras como Zarpa de acero (Ken Bulmer y Jesús Blasco)

 Modesty Blaise (Peter O’Donnell, 1963)

 

 El Imperio de Trigan (Buttenworth, 1964)

O la tira cómica Andy Capp, de Reg Smythe.

Sin embargo, la falta de una industria potente hizo que muchos de los guionistas y dibujantes británicos tuvieran que emigrar a EEUU

Pero es necesario echarle un vistazo a las dos series que cambiaron para siempre no sólo la forma y la temática del género, sin la valoración del cómic como un objeto cultural de primera línea: Maus, de Art Spiegelman, y Watchmen, de Alan Moore y Dave Gibbons
 


Art Spiegelman nacido en Estocolmo en el seno de una familia judio-polaca, nunca fue un autor de primera línea. Proveniente del mundo underground, su complicada trayectoria vital le mantuvo siempre en un segundo plano, ligado a fanzines y revistas de poca tirada y circulación, con historias sencillas y caracterizadas por un estilo simple y poco depurado. En 1980 se une a la revista RAW, de la que fue editor.
En esta revista y ese mismo año empezaría a ver la luz su obra maestra: Maus. (que ya he comentado antes)

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En 1986 Alan Moore, un británico emigrado a los EEUU, encaraba otro proyecto que habría de hacer historia. Watchmen (Los vigilantes), una distopía que plantea un mundo sumido en una guerra fría y al borde del apocalipsis nuclear

A partir de estas dos obras el cómic entraría en una fase de reflexión y los autores cobrarían conciencia de su papel como autores y como artistas. Nada volvería a ser lo mismo, y las editoriales tuvieron que hacer un gran esfuerzo para adaptarse a las novedades que llegaban.


GLOSARIO

Álbum: Formato de publicación en tamaño folio, con tapas duras y entre 42 y 64 páginas.

Bocadillo: donde se inserta un texto

Cartela:  Elemento -generalmente cuadrangular- contenedor de texto, en el que se introducen indicaciones temporales, espaciales o de otro tipo

Cuaderno: Revista de cómic con formato apaisado

Funny animals: Tiras o cómics protagonizados por animales con aspecto y actitudes humanas

Gran plano general: Más extenso que el plano general, representa paisajes sonde la figura humana resuota casi irrelevante por su tamaño

Líneas cinéticas: Acompañan el movimiento de un personaje u objeto e indican su dirección y sentido

One shot: historieta de un solo capítulo

Plancha: Conjunto de viñetas que constituyen una página completay, por extensión, también se denomina así a la página

Plano americano: Corta a la figura humana a la altura de las rodillas

Plano detalle: Se centra en una parte cualquiera del cuerpo o en un objeto

Primer plano: Muestra el rostro o la cabeza del personaje, cortando la figura a la altura del cuello

Tira cómica Secuencia de viñetas en una sola línea que se publican sueltas y habitualmente narran un episodio completo

Top: Pequeña tira con personajes secundarios que se colocaba por encima o por debajo de la tira principal y a la que servía como introducción o colofón

Viñeta Cada una de las secciones en que se divide la plancha y que muestra un momento de la narración

FESTIVALES DE COMICS

Son numerosísimos y se celebran en todo el mundo, como sería imposible nombrar a todos, os pongo un enlace donde aparecen algunos de ellos.

http://www.normaeditorial.com/blog/?cat=9

FUENTES:

IMÁGENES: Casi todas seleccionadas en la web por Jesús Canduela Hernanz, cuya colaboración ha sido fundamental para la elaboración de este artículo

https://es.wikipedia.org/wiki/Historia_de_la_historieta

http://www.elquaderno.com/histcomic/index.php/2017/03/12/aranas-radiactivas-y-beatnicks-descontentos/

http://www.elquaderno.com/histcomic/

El arte en el cómic

https://www.google.es/search?q=DIBUJANTES+DE+COMICS+ARGENTINOS&source=lnms&sa=X&ved=0ahUKEwjx9-Kqv4raAhVIXhQKHbHADm4Q_AUICSgA&biw=1174&bih=639&dpr=1.56

http://www.todohistorietas.com.ar/historia_eeuu.htm

http://webs.ucm.es/info/multidoc/trabajos/comic/Datos/Pag%20web/webs/2%20Historia%20general.html

El gallo de la Basílica de San Isidoro de León

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El gallo de la Basílica de San Isidoro de León se encuentra en

una posición privilegiada en el alto de la torre románica. Se trata de un símbolo muy especial de la ciudad de León, y durante siglos funcionó perfectamente como veleta.

Consta de tres partes bien diferenciadas: gallo, esfera y cono.

 En los archivos no se encontró nunca una mención, ni una historia ni una fecha que lo relacionara con algún hecho histórico, pero sí se sabe que fue instalado en la torre en el siglo XI.

Una de las teorías sobre su presencia en lo alto de la torre, pudiera ser su exhibición como símbolo o emblema del triunfo y hegemonía leonesa sobre el califato cordobés después del trágico siglo X, en el que el Reino de León padeció las devastadoras campañas de Almanzor, coronando, como hermoso trofeo arrebatado a los musulmanes, la torre del Panteón Real y Colegiata de San Isidoro

Desde el año 2002 se expone en el Museo de la Real Colegiata de San Isidoro de León

Asi, el gallo fué objeto de numerosos estudios tras ser descendido de su habitual emplazamiento para ser restaurado, tras los que se emitieron varias teorías sobre su procedencia y datación.
 Y fue entonces cuando los especialistas advirtieron la gran importancia de la figura, de 87 centímetros desde el pico a la cola y 56,6 centímetros de alto.

Se realizaron ademas, estudios artísticos, históricos, entomológicos, palinológicos, además de un profundo análisis metalográfico y hasta paleográfico, cuyos resultados se dieron a conocer públicamente en el 2004 mediante las actas de las “Jornadas Isidorianas sobre el gallo de la torre”
La prueba del carbono 14 ha determinado que el popular gallo de cobre plomado recubierto de oro instalado desde el siglo XI como veleta en lo alto de la torre de la Colegiata de San Isidoro, en León, es coetáneo de Mahoma.

Los análisis han puesto de relieve que los restos de tierra y de panales de abeja alfarera que se encontraban en el interior del gallo proceden de Oriente, quizá de Irán, y datan de finales del siglo VI o primeras décadas del siglo VII.

Se trata de la única pieza conocida en el mundo, aunque en las crónicas bizantinas hay referencias que indican que el rey persa Kosroes II, que conquistó los Santos Lugares entre el año 612 y 614, ordenó que todas las cruces que remataban las iglesias se cambiaran por estos gallos dorados como emblema personal del rey de reyes.
En los ojos de los gallos había gemas, igual que en el de León, donde hay engaste para ellas, aunque éstas han desaparecido.
Se cree pues que el gallo de la colegiata es, por tanto, persa sasanida, anterior al islam, según la Universidad de León y del equipo que investiga el origen del gallo.

Ahora, la mayor incógnita se centra en cómo pudo llegar la figura a León. Las hipótesis más barajadas hacen mención a un posible regalo del califa de Bagdad al de Córdoba. En el año 1008 o 1009 los leoneses saquearon Córdoba y pudo llegar hasta aquí como botín.

«El jefe moro»  de Edouard Charlemont 1878

Otros estudiosos apuntan a la posibilidad de que el gallo fuera un pago de parias en el siglo XI o que llegara a León tras la conquista de Toledo o por efecto de las Cruzadas, ya que Elvira, hija del rey de León Alfonso VI, era esposa del conde de Tolosa, uno de los cuatro jefes de la primera Cruzada.
También hay otra teoría que dice que incluso podría venir de India, basandose en el estudio de los pólenes depositados en esta pieza, que contiene restos de diversas plantas, como el «podocarpus».

Todo encaja, el Califato de Córdoba mantenía relaciones con Senegal, Turquía, China, entre otros países asiáticos, de donde pudo ser traído este gallo y donde permaneció en Córdoba hasta 1009.
Por otra parte, en la veleta, aparece una inscripción con caracteres visigóticos y con la leyenda «Berlana», típica del siglo XI, lo que demuestra con claridad que el gallo es anterior a este siglo, puesto que el cono y la bola se construyeron para él.

Así todo, y a pesar de que todo apunta a que se trata de una obra oriental, el gallo de San Isidoro presenta una gran semejanza con las gacelas procedentes de Medina Azahara, del periodo Omeya

Grifo del Duomo de Pisa Finales del S. XI-principios del S.XII (taifa o almorávide)

Pero sobre todo, con el “grifo” del Doumo de Pisa, muestras todas de la excelente práctica metalística andalusí. La semejanza del gallo de León con el “grifo” es enorme: en la forma y curvatura del pico en la cabeza, en los ojos almendrados, pero especialmente, en las carúnculas, las carnosidades de color rojo que poseen los gallos bajo el pico, que no se aprecian en otras piezas, y que, como se puede comprobar, resultan prácticamente idénticas.


Bagdag, La India, Persia? 

Nos queda la duda de su procedencia, por lo que estaremos pendientes de nuevas teorías…

FUENTES:

https://es.wikipedia.org/wiki/Gallo- veleta_de_la_bas%C3%ADlica_de_San_Isidoro_de_Le%C3%B3n

La obra musical de Luigi Boccherini en España

(Lucca, actual Italia, 1743 – Madrid, 1805) Compositor y violoncelista italiano. Dentro del período clásico, Luigi Boccherini es siempre el gran olvidado, a pesar de la estima que le profesaron músicos como Franz Joseph Haydn, quien reconocía su singular aportación al desarrollo de la música de cámara. Formado en su ciudad natal como violoncelista, instrumento poco considerado entonces, en 1768 se trasladó a París, donde recibió la oferta de entrar al servicio de la corte española como músico de cámara del infante don Luis.
Nuestro compositor decide irse a España de manera un tanto precipitada, quizá por haberse enamorado de la cantante Clementina Pelliccia (con la que terminaría casándose)
Luigi y Clementina aprovecharon la seguridad del nuevo empleo para casarse y residieron en el palacio de Boadilla del Monte, hasta 1776, al igual que las familias de los demás músicos de la orquesta del infante. El matrimonio tuvo seis hijos en los quince años de matrimonio (María Teresa, Mariana, Isabel, Luis Marcos, José Mariano y ?)

Boccherini joven, Tomado de un retrato anónimo y grabado para la Ilustración Musical Hispano Americana por A. Bros (nº 141, Barcelona, 30-XI-1893)

En primavera de 1768 Boccherini  y el violinista Filippo Manfredi emprendieron viaje a la corte de Madrid.
La corte española, de Carlos III en aquellos años,  no residia propiamente en Madrid, sino que se desplazaba por varios palaciós cercanos a la capital: El Pardo (desde el 10-enero), Aranjuez (primavera) , Madrid (27-junio), La Granja (27-julio), El escorial (10-octubre) y de nuevo en Madrid (5-diciembre).
 Desplazando un verdadero ejercito de servidumbre, auxiliares, cortesanos y diplomáticos. Los músicos de la Capilla Real, así como los del principe Carlos (IV) y los de los infantes Gabriel y Luis Antonio se trasladaban con toda la corte.


Retrato del rey Carlos III por Goya

Manfredi logró colocarse como violinista en la orquesta privada del infante Luis de Borbón, hermano de Carlos III y unos meses más tarde Boccherini, ya muy desanimado, hizo llegar al principe Carlos (IV) -mediante Manfredi- los Seis trios, op. 6 de 1769 para dos violines y un violonchelo (publicada posteriormente en 1771), sin ningún resultado.

Establecido en Madrid, prosiguió su labor creadora, dando a la imprenta algunas de sus obras más célebres, como las basadas en motivos españoles, y en especial el Quintettino Op. 30 n.º 6 «La musica notturna di Madrid» (1780) o el Quinteto de cuerda Op. 50 n.º 2 «Del Fandango» (1788).

 Infante Don Luis Antonio de Borbón, hermano de Carlos III


 Francisco de Goya y Lucientes retrato de María Teresa de Vallabriga a caballo

  El 27 de junio de 1776, el infante don Luis, al que su hermano Carlos III no le permitía casarse con ninguna princesa, para no poner en peligro la sucesión dinastica de su hijo Carlos (IV), se caso con María Teresa de Vallabriga. La boda se celebró en la capilla del palacio de los duques de Fernandina en Olías del Rey y para tal ocasión, Luigi escribió una bella Serenata en Re Mayor para dos violines, bajo, dos oboes y dos trompas francesas.
Al tratarse de un matrimonio morganático, ni la mujer del infante, ni los hijos que tuvieran podrían acercarse a menos de 18 leguas de la corte. El 3 de julio de 1776 la corte del infante, con los Boccherini, se instaló en Velada, mientras el rey les buscaba un emplazamiento más definitivo, lejos de la corte. 


La familia del Infante Don Luis Antonio de Borbón,

Este oleo  pintado por Goya tiene un significado, importante de reseñar:
Con respecto a la marcha de Manfredi de la corte del infante don Luis, ha surgido toda una leyenda, apoyada en el cuadro de Goya. La familia del infante don Luis y en el parecido del personaje de la derecha del cuadro con el existente de Manfredi en el Gabinetto Nazionale delle Stampe de Roma. Este personaje viste sus propias ropas y parece alejarse, en la penumbra, de don Luis y de los otros tres de la derecha, vestidos con la librea roja del servicio y que podrían ser Francisco Font, Boccherini y Font hijo (viola) (sic) . En la mesa, donde esta sentado el infante don Luis, hay unos naipes cuya disposición en la simbología del tarot significa traición. El cuadro expresaría la traición de Manfredi al dejar el cuarteto ideal del infante.


Palacio del Infante Luis Antonio en Boadilla del Monte (Madrid)

El palacio actual es el resultado de la transformación de otro anterior, denominado Palacio de las Dos Torres, construido en varias etapas por los señores de la villa, desde el siglo XVII, a quienes lo adquirió el Infante D. Luis de Borbón en 1761. El Infante encargó la transformación del palacio al arquitecto Ventura Rodríguez. El Palacio, recientemente restaurado, domina un recinto de forma rectangular que está formado por una sucesión de terrazas ajardinadas. La fuente de Ventura Rodríguez, el estanque y la noria completan el conjunto palatino.
Solía el infante pasar bastante tiempo con sus músicos de cámara, hablando de música y escuchando las nuevas obras producidas en Europa. Residía en su palacio de Boadilla del Monte y acompañaba frecuentemente a su hermano Carlos III cuando se trasladaba de corte, llevandose consigo a su pequeña orquesta.

A principios de 1777 partieron a Cadalso de los vidrios, donde se hospedaron en el palacio de Villena, pero los servidores del palacio trataron de modo altanero a los vecinos del pueblo y estos acabaron apedreando el palacio y forzando al infante a buscar un nuevo emplazamiento.

Palacio de la Mosquera o del Infante Don Luis en Arenas de San Pedro (Ávila)
En 1778 el infante fijó su residencia en Arenas de San Pedro, en el Palacio Viejo (casa de los Frías), ocupando su séquito (con los Boccherini) un buen número de casonas y corrales. Luigi continúo escribiendo Seis Cuartetos Op. 26 y, posiblemete a sugerencia de sus hermanos, escribió para su cuñado Onorato Viganò y su celebre familia de bailarines el ballet Céfalo y Procris, que representaron ese mismo año en Mestre.
Ese año de 1783 y al siguiente el gran pintor Goya paso varios meses en el palacio del Infante. El 17 de agosto de 1784, el infante nombra a Luigi su compositor de música, le asigna otros 12.000 reales y le otorga libertad para editar y vender sus obras
Desgraciadamente el 2 de abril de 1785 murió de repente, a causa de una apoplejía, su esposa Clementina y el 7 de agosto del mismo año lo hizo el infante don Luis. Luigi quedo desolado y con un incierto futuro. El rey Carlos III, atendiendo a los ruegos de su difunto hermano, dispuso que se pagasen los sueldos de los servidores del infante durante seis meses.

LOS QUINTETOS

 

Quintettino Op. 30 n.º 6 «La musica notturna di Madrid» (1780)
De 1780 son sus Quintetos Op. 30 con el celebre nº 6 de título La música nocturna de las calles de Madrid, en el cual se meclan los cantos sagrados del rosario a las danzas populares, desde el «Ave María della Parrochia» hasta la «Ritirata», las melodías cantadas en la vía pública, el rasgado de las guitarras y la retreta militar o «tempo di Marcia». 
Serenata de las calles de Madrid (en italiano, Musica notturna delle strade di Madrid) Op. 30 n.º 6 (G. 324), es un quintettino (quinteto) para instrumentos de cuerda compuesto alrededor de 1780 por Luigi Boccherini, compositor italiano al servicio de la Corte española desde 1761 hasta 1805. La obra describe las bulliciosas calles de la noche de Madrid

Fandango: El fandango es un aire popular bailable, ejecutado por una pareja, de movimiento vivo. El compás es ternario, los versos octosílabos y es  frecuente el empleo de castañuelas.
Esta obre es quizás la más famosa de los quintetos para guitarra sobre todo por la inclusión en su tercer movimiento de el «Fandango», en muchas versiones como la que podrán escuchar se agrega el uso de las castañuelas.

 Duquesa de Osuna por Francisco de Goya
En 1782,  ocurrieron  hechos que le marcarían el futuro: En primer lugar, conoció a la condesa de Benavente (duquesa de Osuna), dama extremadamente culta, inteligente, refinada y elegante, gran aficionada a la música (tenía en nómina a Haydn) y a las artes y que le causó tal impresión, que Luigi le dedico una de las sinfonías que compuso ese año 


En marzo de 1786, Luigi es nombrado director de la orquesta de María Josefa de la Soledad, condesa de Benavente y duquesa de Osuna. Que ya había acogido a Francisco de Goya y a otros protegidos del difunto infante. La condesa residía en el palacio «El Capricho», en la Alameda de Osuna, a escasos kilometros de Madrid, en el cual celebraba espectaculares fiestas, veladas literarias y reuniones musicales. 
En 1786, Luigi escribió para la condesa sus Seis Quintetos Op. 36 y la ópera La Clementina, cuyo libreto fue encargado por la condesa al gran poeta Ramón de la Cruz.

La Duquesa de Alba por Francisco de Goya
Existía por aquel entonces cierta rivalidad artistica entre la condesa de Benavente y la duquesa de Alba, a la que no fueron ajenas las orquestas de ambas damas. Nuevamente Bruneti, compositor de la duquesa de Alba y gran fama en España y Europa, volvía a rivalizar con Boccherini.

 
 
 


Minuetto
El compositor italiano Luigi Boccherini fue contratado para la Corte española por el infante Luis de Borbón y Farnesio, hermano del rey Carlos III de España. Por haberse casado el infante con María Teresa de Vallabriga, el rey Carlos exilió a éste de la Corte de Madrid al palacio de Arenas de San Pedro, provincia de Ávila. Boccherini se unió al exilio como cortesano de Luis Antonio y tuvo mucho tiempo para la composición, donde completó más de un centenar de piezas.

Aquí, en 1770, durante su primer año en Aranjuez, comenzó a componer sus conocidos quintetos para cuerdas, de los cuales el más famoso en la actualidad es el op. 13 Nro. 5, compuesto en 1771, que contiene como tercer movimiento el célebre minué, conocido popularmente como «el minué de Boccherini». Por esta brevísima y encantadora obra, pequeña en duración pero grande en inspiración, ya que es el perfecto ejemplo formal del minué clásico, su fama se difunde en todo el mundo,

 
 
 
 
Sinfonía «La Clementina»(1786)

Durante sus últimos años hubo de ver cómo su música y su persona caían en el olvido. Autor prolífico, se le deben un Stabat Mater (1781), 26 sinfonías, entre las que destaca la subtitulada La casa del diablo, 125 quintetos y 91 cuartetos.


Casa donde vivió Boccherini entre 1785 y 1787, en la plazuela de San Ginés, Madrid
 
Las dificultades económicas se incrementaron y la familia Boccherini tuvo que trasladarse a vivir a un sola habitación de un piso del nº 5 de la calle Jesús y María. Allí, según nos cuenta la pianista francesa Sophie Gail, Boccherini se había construido una pequeña plataforma a la cual se subía mediante una escalerilla y en la que había dispuesto una silla, una mesa y una vieja viola medio desencordada con la que poder continuar su trabajo.

Estatua de Boccherini en la ciudad de Lucca.
El 28 mayo de 1805, a consecuencia de una complicación pulmonar, murió Boccherini. El 29 se celebraron las honras funebres en la iglesia de San Justo en donde fue enterrado en una fosa común.
EN 1929 la ciudad de Lucca trasladó sus restos al panteón de sus hijos ilustres

Alfredo Boccherini, descendiente del Luigi, publicó en 1879 algunos apuntes biográficos del compositor y un importante catálogo de sus obras. De no haber sido por esto, la obra de Boccherini estaría hoy en día prácticamente desaparecida. Gracias a esto, hoy sabemos que Luigi Boccherini dio un impulso importante a la música de cámara, dejando, entre otras:

  • 124 quintetos de cuerda
  • 90 cuartetos de cuerda
  • 48 tríos
  • Más de 21 sonatas para violonchelo y bajo continuo
  • 28 sinfonías
  • 12 conciertos para chelo y orquesta, de los cuales merece especial atención el op. 34 en si bemol mayor, sin duda el más conocido e interpretado
  • La sinfonía La Clementina.
  • Su famosa Música nocturna de las calles de Madrid  (Quinteto para cuerda en do mayor , Op. 30)

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/b/boccherini.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Luigi_Boccherini#Inicios

http://www.luigi-boccherini.org/biografia.php#4

Videos: youtube

Pequeña historia de los belenes

 Representaciones de la Natividad de Jesús


Frontal de la Virgen de Avià  Siglo XII.  Museu d’Art de Catalunya. Barcelona.

 La representación de la Natividad proviene del mundo paleocristiano. En diversas catacumbas del siglo III aparecen las primeras representaciones de la Virgen con el Niño y de la Epifanía en donde unos reyes (a veces 2 otras 3) le presentan regalos al Niño Jesús. Éstas se extienden al mundo de los sarcófagos paleocristianos o la decoración de mosaicos en iglesias.

En los orígenes del Cristianismo se encuentra algún rastro de la representación de la Virgen con el Niño. Es el caso de las pinturas marianas de las catacumbas de Priscila, en Roma: una de ellas muestra a la Virgen nimbada con el Niño al pecho y un profeta (quizá Isaías) a un lado.

ORIGEN DEL BELÉN


Gruta del Pesebre en Greccio (Italia)

La primera vez que se realiza un Nacimiento dándole una mezcla de sentido teatral, Belén viviente y Belén “figurativo” fue gracias a San Francisco de Asís (1181/82-1226). En la Nochebuena de 1223, en la localidad de Greccio (Italia), San Francisco realizó una misa de Navidad en una cueva en donde utilizó un pesebre vacío (símbolo del niño que va a nacer) junto con una mula y un buey vivos, recreando la pobreza en que nació el niño Jesús.
Fue tal la repercusión de este acto que en 1228 ya se creó una ermita en esta cueva para recordarlo, al mismo tiempo que se fueron materializando la representación de las figuras del Nacimiento en madera, cera o piedra para exponerlo en las misas de Navidad y por consiguiente el nacimiento del Belén.

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Nacimiento de Arnolfo di Cambio
(Sta. María Mayor, Roma)   1285-1291

LOS NACIMIENTOS EN EL SIGLO XV
Durante el siglo XV las figuras que se realizaban para un nacimiento son las principales del portal, es decir la Virgen y el Niño, un San José, la mula y el buey y una serie de ángeles. En algunas ocasiones se acompañan también los 3 reyes magos pero las escenas se simplifican a lo más básico del Nacimiento.

Italia sigue siendo el foco por antonomasia de la creación de estos nacimientos. De 1485-89 es un maravilloso Nacimiento realizado por Guido Mazzoni (1450-1510) que se encuentra en el Duomo de Módena. En esta ocasión, las grandes figuras realizadas en terracota policromada, se compone de una Natividad en la que son los pastores los que vienen a adorar al Niño.

 Belén de Jesús (Palma de Mallorca). Finales s.XV
En España, el Nacimiento más antiguo que se conserva pertenece a este siglo XV, cuya influencia proviene de los Nacimientos napolitanos. Se trata del Belén de Jesús (Palma de Mallorca) realizado posiblemente por la familia de los Alamanno a finales del siglo XV. Las imágenes de la Virgen y San José, así como algunos ángeles músicos pertenecen a esta época mientras que los pastores y ovejas son del siglo XVI y el Niño del siglo XVIII.
LOS NACIMIENTOS EN EL SIGLO XVI

A medida que se va entrando en el siglo XVI se fomenta cada vez más los temas iconográficos relacionados con la Natividad, Epifanía o la Huída a Egipto entre otros temas. El tema de la Natividad o Epifanía sigue representándose en todos los soportes, es decir, en piedra, en madera, en tabla o en lienzo, y la ubicación es es portadas, cuadros de devoción y sobre todo retablos que son erigidos para las catedrales y todo tipo de iglesias.

 Un ejemplo representativo español del siglo XVI es el Tríptico de la Epifanía en la iglesia de Covarrubias (Burgos). Una obra de autoría anónima pero que refleja las características de la escultura de la primera mitad del siglo XVI e influencia de la pintura flamenca de Hans Memling.
BELENES EN EL SIGLO XVII
El siglo XVII en España es realmente propenso para la escultura. Tras la aprobación del Concilio de Trento en el siglo XVI en donde se establece una regla para la difusión de las imágenes, es el siglo de la profusión de las órdenes religiosas y la fundación de numerosos conventos y monasterios, junto con iglesias, parroquias además de un alza de la clase nobiliaria. Todo esto implica que haya grandes talleres escultóricos que den servicio a esta clientela, destacando principalmente la escuela andaluza y la escuela castellana.

Relieve de la Adoración de los Pastores de Juan Martínez Montañés (Retablo del Monasterio de San Isidoro del Campo, Santiponce, Sevilla) 1613

Juan Martinez Montañés (1568-1649) fue un gran escultor que proviene de la escuela andaluza. Fue amigo y compañero del pintor Velázquez. Entre sus esculturas destacan algunos altos relieves con el tema de la Natividad que fueron de gran trascendencia para el culto de este tema y el trabajo de los Nacimientos.

Escena de la Epifanía de La Roldana. Escuela de Cristo (Sevilla)

A finales del siglo XVII y principios del siglo XVIII, hemos de destacar a una escultora de la escuela andaluza que consiguió alcanzar el título de Escultora del Rey y cuya obra destaca por la dulzura y sensibilidad de su talla y sus pequeñas escenas de barro cocido y policromado. Me refiero a la escultora Luisa Roldán (1662-1706) , más conocida como «La Roldana». En su producción religiosa, destacan las iconografías de la Virgen, y pequeñas escenas a modo de dioramas en donde se representan pasajes de la infancia de Cristo como el Descanso a la Huída a Egipto o la Sagrada Familia.

Belén  de Francisco Salzillo

fue realizado entre 1776 y 1783 para el noble murciano Jesualdo Riquelme y Fontes y completado por su discípulo Roque López y su taller. Quedaría concluido en 1800.
Aunque los belenes se pusieron de moda en la España de Carlos III y a pesar de la sangre napolitana de Salzillo, el de la colección Riquelme se diferencia del presepe napolitano al inspirarse en el campesinado español, por su profundo sentimiento religioso y tendencia a la narración, así como por el modelado de las figuras con sus ricas policromías. No obstante, en Murcia la tradición de montar belenes se remonta al siglo XVII, en comunidades religiosas como las Capuchinas, Agustinas, Carmelitas o Clarisas,

EL BELÉN NAPOLITANO Y EL SIGLO XVIII

Hablar de los Belenes del siglo XVIII es hablar de la importancia de los Belenes Napolitanos. El rey Carlos III, en su tiempo como Virrey de Nápoles, tenía por costumbre adornar su palacio con esta modalidad de belenes, el cual, como ya hemos comentado, tiene su tradición desde el siglo XVI. A su llegada a España como nuevo Rey, impone la costumbre de adornar sus casas reales con estos belenes y por ello se extiende esta moda por todas las casas nobiliarias.

Belén Napolitano de Antonovich (León) Siglo XVIII

 
Belén del Príncipe (Palacio Real de Madrid) Siglo XVIII
El Belén del Príncipe se trata del primer Belén que el rey Carlos III trajo en 1760 del reino de Nápoles, del cual se conservan muy pocas figuras. Posteriormente, su hijo Carlos IV lo fue ampliando cada vez más entre 1786 y 1788, llegándose a decir que poseía la totalidad de 5.950 piezas entre figuras, escenarios y complementos. Muchas de estas piezas se han perdido a lo largo de los años, pero afortunadamente se conserva una gran representación de ellas.

LAS PRIMERAS ESCENIFICACIONES DE LA VENIDA DEL MESÍAS
 
Es a partir del s.VIII cuando comienzan a representarse en lugares céntricos de algunos pueblos escenas del Nuevo Testamento, como la Natividad o la Resurrección de Jesús.
Con el paso de los años, éstas fueron perdiendo el sentido más religioso para convertirse en teatrillos costumbristas que sustituían a los personajes de los Evangelios por otros más acordes con la sociedad medieval.
Ocurrió entonces, que esta tradición de representaciones de los misterios en tiempo navideño pasó a desarrollarse, sin mucha pompa, al amparo de monasterios y conventos. Quizás, precisamente por la sencillez de las mismas es difícil encontrar más datos o reseñas escenográficas en comparación con otro tipo de actuaciones religiosas.
Pero sobre ellas hay un dato clave. Ya hacia finales del s.XII durante el papado de Inocencio III .
Este Santo Padre mostró su desacuerdo con estas recreaciones que para muchos religiosos  habían caído en la vulgaridad y acabó por prohibir estas representaciones.

BELÉN DE LA CASA DE CORREOS DE MADRID

En la sede de la Comunidad de Madrid, junto a la Puerta del Sol, se puede visitar todos los años, un belén grandioso (y lo decimos tanto por la calidad como por el tamaño).
En la imagen, la edición 2016 que tiene 150 metros cuadrados, donde toda su escenografia nos trasladó al siglo XVIII, a la Nochebuena de la Villa y Corte cuando reinaba Carlos III, que trajo a España los Belenes Napolitanos

 FUENTES:

LOS BAPTISTERIOS

Primeros baptisterios.
Los primeros cristianos, según San Justino mártir y Tertuliano, no tenían más bautisterios que las fuentes, los ríos, los lagos o la mar que estuviesen más cerca de su habitación y como muchas veces la persecución no les permitía bautizar en medio del día, acudían de noche o conferían el bautismo en sus casas.
No era difícil, por lo demás, encontrar en las casas patricias adaptadas para iglesia doméstica, un ambiente propicio: por ejemplo, la sala del baño, el impluvium del atrio o el gineceo.
Después de que la religión cristiana llegó a ser la religión de los emperadores, además de las iglesias, se construyeron edificios particulares, destinados únicamente a la administración del bautismo y por esto se les llamó bautisterios o baptisterios. Pretenden algunos autores que estos bautisterios estaban colocados antiguamente en el vestíbulo interior de las iglesias, como lo están ahora nuestras pilas bautismales pero esto es un error. Los bautisterios eran editicios enteramente separados de las basílicas y situados a alguna distancia de los muros exteriores de estas. No dejan ninguna duda los testimonios de San Paulino, de San Cirilo de Jerusalén y de San Agustín. Separados así los bautisterios han subsistido hasta fines del siglo VI, aunque desde entonces haya habido algunos colocados en el vestíbulo interior de la iglesia, tal como en el que Clodoveo I recibió el bautismo de manos de San Remigio. Después, este uso se hizo general, si se exceptúan un pequeño número de iglesias que han conservado el antiguo, como la de
Florencia y todas las ciudades episcopales de Toscana, la Metrópoli de Rávena y la iglesia de San Juan de Letrán en Roma.
Los baptisterios tenían muchos nombres diferentes, tales como piscina, lugar de iluminación, etc. todos relativos a las diferentes gracias que se recibían en ellos por el sacramento
La mayor parte de estos edificios eran de una capacidad considerable, en razón de que por la disciplina de los primeros siglos no se administraba entonces más que por inmersión y (fuera del caso de necesidad) solamente en las dos festividades más solemnes del año, la Pascua y Pentecostés. El numeroso concurso de los que se presentaban a recibir el bautismo y la decencia que exigía el que los hombres se bautizasen separados de las mujeres, requerían un local tanto más espacioso cuanto que era necesario disponer allí los altares en que los neófitos recibiesen la confirmación y la eucaristía, inmediatamente después del bautismo
Como norma esos edificios estaban cerca del coro (como en Santa Sofía en Constantinopla y el baptisterio de la basílica de Letrán), o hacia el oeste (baptisterio ortodoxo de Rávena) o en el frente occidental (Grado, Parenzo). A veces no se consideraba necesaria una localización en la cercanía inmediata de la iglesia o no podía obtenerse por razones locales (baptisterio arriano en Rávena). Una galería abierta o cubierta relacionaba a veces los dos edificios (Torcello, Aquileya y otras partes).

BAPTISTERIO TARDORROMANO.DE KELIBIA MUSEO DEL BARDO TUNEZ (Totalmente recubierto de mosaico)
En los siglos IV y V, los baptisterios surgen junto a las grandes basílicas y según las sedes episcopales, en dimensiones más o menos vastas. En el principio, no hubo baptisterios, sino en las ciudades episcopales, de donde procede el rito ambrosiano.

Los baptisterios tenían preferentemente forma circular u octogonal, reminiscencia, según algunos, de los ninfeos paganos; o, mejor, expresión de un vetusto simbolismo cristiano, y se distinguen por una rica decoración simbólica alusiva a los misterios del bautismo.

BAPTISTERIO DE EMAÚS NICOPOLIS,ISRAEL
La historia e institución del baptisterio está naturalmente relacionada con el desarrollo de la forma bautismal. La inmersión, que fue la costumbre en la Iglesia antigua, exigía una pileta con cierta profundidad y la costumbre de ocasiones solemnes para el bautismo hizo necesario un considerable espacio para la recepción de los numerosos neófitos. El atrium y el impluvium de las antiguas estancias, en las que se celebró el servicio divino durante casi dos siglos, pareció primero idóneo, por lo que se usó al comienzo para la realización del rito

BAPTISTERIO DE SAN SIMEÓN ESTILITA SIRIA
La historia e institución del baptisterio está naturalmente relacionada con el desarrollo de la forma bautismal. La inmersión, que fue la costumbre en la Iglesia antigua, exigía una pileta con cierta profundidad y la costumbre de ocasiones solemnes para el bautismo hizo necesario un considerable espacio para la recepción de los numerosos neófitos. El atrium y el impluvium de las antiguas estancias, en las que se celebró el servicio divino durante casi dos siglos, pareció primero idóneo, por lo que se usó al comienzo para la realización del rito.

PISCINA DE TIPASSA ARGELIA
El neófito, tras haber recibido el bautismo, era llevado del atrio a la congregación reunida en el espacio adyacente. Pero cuando el atrio se convirtió meramente en el vestíbulo de la basílica, siendo además una sala abierta, se construyeron edificicaciones ya en el siglo cuarto exclusivamente para la administración del bautismo (griego, baptisteria, photisteria, latín, fontes, fontes baptisterii).

Pila paleocristiana Tunez

Pila bautismal paleo cristiana en Sbeitla (Tunez)

BAPTISTERIO EN EL TEMPLO DE JÚPITER, CUMAS

Redondos u octagonales, tomaron las funciones de martyrias, baptisterios, mausoleos y todos aquellos usos, que requerían focalizar la atención en un punto central. Era lógico que surgieran propuestas en base al espacio unitario desarrollado en el Panteón de Roma, donde encontramos la «unidad absoluta»

BAPTISTERIO DE AGIA TRIAS CHIPRE
Fue construido a principios del siglo VI, la basílica fue destruida durante las incursiones árabes del siglo VII. A continuación, se abandonó, y una pequeña iglesia y otros edificios fueron construidos hacia el sur. Estos edificios, a su vez fueron abandonados y destruidos alrededor del siglo IX.
El nártex y la nave están ampliamente cubiertos de mosaicos, en su mayoría dibujos geométricos. En la nave norte, sin embargo, hay algunas excepciones. En particular, un árbol de granada, junto a un par de sandalias.

BASÍLICA DE SAN JUAN DE ÉFESO TURQUIA
El neófito, tras haber recibido el bautismo, era llevado del atrio a la congregación reunida en el espacio adyacente. Pero cuando el atrio se convirtió meramente en el vestíbulo de la basílica, siendo además una sala abierta, se construyeron edificicaciones ya en el siglo cuarto exclusivamente para la administración del bautismo (griego, baptisteria, photisteria, latín, fontes, fontes baptisterii).

BAPTISTERIO DE LA BASÍLICA DE SAN JUAN DE ÉFESO TURQUIA
La basílica tenía una planta cruciforme, con cuatro cúpulas a lo largo de su eje longitudinal y un par flanqueando la cúpula central, para formar el brazo de la cruz. Bajo la cúpula central estuvo la tumba sagrada de San Juan.
El baptisterio es de un período anterior y ahora se encuentra al norte de la nave.

BAPTISTERIO DE SANTA CONSTANZA , ROMA
 Los baptisterios tenían preferentemente forma circular u octogonal, reminiscencia, según algunos, de los ninfeos paganos; o, mejor, expresión de un vetusto simbolismo cristiano, y se distinguen por una rica decoración simbólica alusiva a los misterios del bautismo.

BAPTISTERIO DE SANTA CONSTANZA , ROMA
En Italia, por el contrario, todavía en el siglo XII y XIII, las grandes catedrales de Génova, Pisa, Lucca, Parma, Florencia, Piacenza, Padua, Siena, Pistoya y otras menores, construyen en edificio aparte sus grandes baptisterios, dotados de piscinas monumentales y adornados en las paredes de maravillosos ciclos pictóricos.

BAPTISTERIO DE SANTA CONSTANZA , ROMA

BAPTISTERIO DE SANTA CONSTANZA , ROMA
Doce pares radiales de columnas lisas, con preciosos capiteles compuestos y cimacios o entablamentos estrangulados, también radiales, reciben a la magnífica arquería de ladrillo, que constituye el núcleo central rotondo. Estos arcos, que gozan de un amplio intradós, están trazados en esviaje y muestran, en sus dobles roscas, un exquisito aparejo visto.

BAPTISTERIO DE SANTA CONSTANZA , ROMA
Mosaicos de la cúpula

BAPTISTERIO DE SANTA CONSTANZA , ROMA
Detalle de los mosaicos

BAPTISTERIO DE AGLIATI
La basílica de San Pedro y Pablo es el principal lugar de culto católico de Agliate , que forma parte del municipio de Carate Brianza
Se trata de una basílica románica tradición arquitectónica todavía otoniana a su lado esta el baptisterio también románico

BAPTISTERIO DE AGLIATI
Con el cristianismo se asimilan las pilas y pequeñas piscinas termales romanas pasando a convertirse en los primeros baptisterios.

BAPTISTERIO DE AGLIATI
La planta se encuentra a nueve en los dos lados de los cuales se abre el ábside y se remata con un simple techo abovedado con ocho segmentos. En el interior se puede ver la fuente bautismal de inmersión con siete lados y queda mucho en ruinas de la decoración original de frescos.

 BAPTISTERIO DE AGLIATI
Uno de los frescos
 

BAPTISTERIO DE LA BASÍLICA DE AQUILEA

BAPTISTERIO DE LA BASÍLICA DE AQUILEA S.V
Se encuentra en la antigua basílica de Aquilea, aquella llamada de los «bautizados», pues en Aquilea existió una segunda iglesia, junto a la primera, para los catecúmenos, esto es, de aquellos que aún no habían recibido el bautismo, según las costumbres de entonces de bautizarse sólo al llegar a la edad adulta, que entonces eran la mayoría de los fieles.

BAPTISTERIO DE LA BASÍLICA DE AQUILEA
Piscina hexagonal

BAPTISTERIO DE LA BASÍLICA DE AQUILEA
Los mosaicos, en un estado de conservación excepcional sea por la amplitud, sea por el acabado de las escenas e interés iconográfico,

BAPTISTERIO DE LA BASÍLICA DE AQUILEA
Detalle de otro mosaico

BASÍLICA DE SANTA SOFÍA , ESTAMBUL,TURQUIA
El de Constantinopla, por ejemplo, acogió el concilio que condenó por primera vez la herejía de Eutiques, y San Juan Crisóstomo convocó en el 403 el grupo de cuarenta obispos seguidores suyos.

PISCINA DE LA BASÍLICA DE SANTA SOFÍA , ESTAMBUL,TURQUIA
El baptisterio, situado en el atrio de Santa Sofía, así como la enorme pila bautismal del siglo VI tallada en un solo bloque de mármol y usada por los cristianos para bautizos colectivos. «Aquellos cristianos se ungían con aceite para que su piel quedara resbaladiza. Tras el bautizo, el demonio no podía tocarles»

BAPTISTERIO ARRIANO DE RÁVENA
Fue erigido por el rey ostrogodo Teodorico el Grande entre finales del siglo V y principios del siglo VI. Es por lo tanto contemporáneo de la Basílica de San Apolinar Nuevo.
Se le llama arriano para diferenciarlo del Baptisterio ortodoxo. Los dos edificios, aun destinándose a la misma función, eran cada uno propio de una de las dos comunidades cristianas que coexistían entonces en Rávena.
BAPTISTERIO ARRIANO DE RÁVENA
El baptisterio es de forma octogonal; dentro hay cuatro huecos y una cúpula con mosaicos, representando el bautismo de Jesús por san Juan Bautista. Jesús aparece sin barba y desnudo, semisumergido en el Jordán. Juan el Bautista luce una piel de leopardo. A la izquierda está en pie un dios pagano cano y viejo con una capa griega, sosteniendo una bolsa de piel. Es la personificación del río Jordán

BAPTISTERIO ORTODOXO DE RÁVENA
Es el mejor y más completo ejemplo superviviente de un baptisterio de los primeros tiempos del Cristianismo»

BAPTISTERIO ORTODOXO DE RÁVENA   pila


BAPTISTERIO ORTODOXO DE RÁVENA
En parte se construyó sobre una terma romana. También se le llama Baptisterio ortodoxo (en italiano, degli Ortodossi) para distinguirlo del Baptisterio arriano construido a instancias del rey ostrogodo Teodorico unos cincuenta años más tarde. Los dos edificios, aun destinándose a la misma función, eran cada uno propio de una de las dos comunidades cristianas que coexistían entonces en Rávena. Se le llamaba «ortodoxo» entendido en el sentido de la época, que se refería a los cristianos de la «recta» doctrina en contraposición a la «herejía» arriana.

BAPTISTERIO DE RÁVENA
Del S.VI, se descendía, mediante algunas escaleras, a la piscina sagrada, que por esto estaba excavada por debajo del plano del pavimento y rodeada por un parapeto octógono. De éste se levantaban columnas o antenas de arquitrabe, que sostenían las cortinas necesarias para salvaguardar la decencia de los dos sexos en el acto del bautismo

BAPTISTERIO ORTODOXO DE RÁVENA
Detalle de la cúpula.
El agua afluía a la pila por conductos o era llevada por medio de cubos, o en casas particulares caía de lo alto por medio de surtidores, como resulta de la descripción de la fuente de San Esteban, de Milán, que nos ha dejado Ennodio de Pavía.

BAPTISTERIO DE BÉRGAMO
El baptisterio había sido construido en el interior de la basílica de Santa María Maggiore. pero fue colocado frente a la catedral a finales del siglo XIX.

BAPTISTERIO DE BÉRGAMO

BAPTISTERIO DE SAN GIOVANNI BAUTISTA BIELLA
Edificado sobre una necrópolis romana al inicio del siglo XI, el Baptisterio de San Giovanni Battista es un ejemplo de arquitectura románica. Construido en canto rodado y ladrillos, presenta una planta cuadrilátera con cuatro ábsides semicirculares separados por robustos contrafuertes que sostienen el cimborio octogonal coronado por un candil de edad más tardía.

BAPTISTERIO DE SAN GIOVANNI BAUTISTA BIELLA
El portal de acceso presenta un bajorrelieve marmóreo de época romana que representa dos amorcillos y que muy probablemente fue hallado entre los materiales que surgieron a la luz durante las excavaciones para la construcción del Baptisterio y fue utilizado en un segundo momento como elemento decorativo.

BAPTISTERIO DE SAN GIOVANNI BAUTISTA BIELLA
El interior del Baptisterio es simple y riguroso y conserva los rastros de dos intervenciones decorativas al fresco, una de las cuales es obra del Maestro de Oropa entre 1318 y 1319.

BAPTISTERIO DE SAN GIOVANNI BAUTISTA BIELLA
Detalle de los frescos

DUOMO Y BAPTISTERIO DE CREMONA
vista de los dos edificios

BAPTISTERIO DE CREMONA
Es un edificio románico de planta octogonal. El Baptisterio domina el lado sur de la Piazza Comune. Fue construido a partir de 1167, pero sufrió numerosas restauraciones en los siglos posteriores. Restaurado y reabierto al público hace unos años, vale la pena visitar el interior de esta construcción para comprender plenamente su esplendor.

BAPTISTERIO DE CREMONA PILA
Muy impresionante, el interior conserva el aspecto románico, a pesar de la adición de dos altares barrocos. A lo largo de las paredes hay dos niveles de galerías con ventanas geminadas que dejan entrar la luz, alternando con zonas de pequeños arcos oscuros. Hermosa la fuente bautismal con base monolítica de mármol rojo en el centro de la construcción.

BAPTISTERIO DE SAN JUAN DE LETRÁN , ROMA
Anejo a la basílica lateranense. Fue erigido por el papa Sixto III (432-440)

BAPTISTERIO DE SAN JUAN DE LETRÁN , ROMA
Construido sobre el lugar donde desde el tiempo de Constantino Magno existía un baptisterio de planta circular; se conserva todavía en sus construcciones primitivas, no obstante la total expoliación de los muebles preciosos que en un tiempo lo enriquecían.

BAPTISTERIO DE SAN JUAN DE LETRÁN , ROMA
Está precedido de un atrio o pórtico, llamado de San Venancio, cerrado a derecha y a izquierda por dos ábsides, de los cuales el primero muestra todavía el antiguo mosaico representando la viña de Dios, sembrada de cruces de oro. representando la viña de Dios

BAPTISTERIO DE SAN JUAN DE LETRÁN , ROMA

BAPTISTERIO DE SAN JUAN DE LETRÁN , ROMA
Vista de su cúpula

BAPTISTERIO DEL DUOMO DE MILÁN
En el centro del baptisterio se encuentran los restos de una gran pila bautismal octogonal en la que se dice que San Ambrosio bautizó a San Agustín en el año 387.

BAPTISTERIO DEL DUOMO DE MILÁN
Bajo el Duomo se pueden visitar las excavaciones arqueológicas en las que se muestran los restos de la Catedral de Santa Tecla y las ruinas de un baptisterio cristiano del siglo IV.

BAPTISTERIO DE NOCERE SUPERIORE
Se trata de una estructura del siglo sexto circular, basada en el estilo bizantino

BAPTISTERIO DE NOCERE SUPERIORE
Alberga la segunda mayor fuente bautismal en Italia.
Tiene una doble hilera de 15 columnas, con capiteles de otros edificios, y el apoyo a una cúpula.

BAPTISTERIO DE NOCERE SUPERIORE
Detalle de sus frescos

BAPTISTERIO DE NOCERE SUPERIORE
Natividad S.XV

BAPTISTERIO DE PARMA
Es un edificio de planta octogonal –el octógono es símbolo de la eternidad-, construido en el siglo XII, junto a la catedral de Parma, por el arquitecto Benedetto Antelami. y es un punto de unión entre el románico y el gótico.
Construido en mármol rosa de Verona –una exquisitez- parece una torre truncada. Quizás tenía esa vocación

BAPTISTERIO DE PARMA
TÍmpano de la portada con Cristo en Maiestas

BAPTISTERIO DE PARMA
El interior está formado por 16 arcos, cada uno con distintas escenas pintadas.

BAPTISTERIO DE PARMA
La cúpula, en forma de paraguas, fue pintada en la segunda mitad del siglo XIII, con influencias de modelos bizantinos. Se divide en seis franjas horizontales concéntricas, con escenas bíblicas. Partiendo de la base encontramos la vida de Abraham (en 8 escenas); en la segunda la vida de San Juan Bautista, en el tercero, Jesucristo y la Virgen, en el cuarto los Apóstoles, en el quinto, el cielo de Jerusalén y en la última, el cielo rojo del amor eterno.

BAPTISTERIO DEL DUOMO DE VERONA
Vista parcial del presbiterio del Duomo

BAPTISTERIO DEL DUOMO DE VERONA
Una impresionante pila bautismal octogonal realizada en un solo bloque de mármol.

BAPTISTERIO DE PISA
Dedicado a San Juan el Bautista, está frente a la catedral en el extremo occidental de la Piazza dei Miracoli.

BAPTISTERIO DE PISA
El redondo edificio románico comenzó a construirse en 1152, en sustitución de un antiguo baptisterio más pequeño que estaba situado donde se ubica el camposanto, y se concluyó en 1363. Se inauguró en el mes de agosto según lo que reza una inscripción

BAPTISTERIO DE PISA
Es el baptisterio más grande de Italia. Su perímetro mide 107,25 metros.

BAPTISTERIO DE PISA
Contando la estatua de San Juan Bautista (atribuida a Turino di Sano

BAPTISTERIO DE PISA
en la parte superior de la cúpula, su altura es 54,86 m, unos centímetros más alta que la Torre Inclinada. El espesor de los muros en la base es 2,63 m. Presenta una curiosa cúpula troncocónica, similar a la de la iglesia pisana del Santo Sepulcro, de los Caballeros Hospitalarios del mismo autor

BAPTISTERIO DE PISA  Púlpito

BAPTISTERIO DE SAN JUAN DE FLORENCIA
Es un edificio religioso en Florencia, Toscana, Italia. es particularmente famoso por sus tres conjuntos de puertas de bronce, de considerable valor artístico, de Andrea Pisano y Lorenzo Ghiberti

BAPTISTERIO DE SAN JUAN DE FLORENCIA
El baptisterio está dotado de un magnífico techo de mosaico. Los primeros mosaicos datan de 1225 y son obras de arte de muchos artesanos venecianos desconocidos, entre los artistas que posteriormente trabajaron se encuentra probablemente Cimabue. La cubierta del techo comenzó bajo la dirección del fraile franciscano Jacopo da Torrita y probablemente no fue completado hasta el siglo XIV.

BAPTISTERIO DE SAN JUAN DE FLORENCIA
Totila arrasa los muros de Florencia; quedando solamente el Baptisterio.
Probablemente fue construido sobre los restos de una torre de guardia romana en una esquina de este muro, u otro edificio romano. De todas formas, se sabe con certeza que un primer baptisterio octogonal fue construido aquí en el siglo IV o V de nuestra era y fue posteriormente reemplazado por otro baptisterio Cristiano en el siglo VI después de Cristo.

BAPTISTERIO DE PISTOIA
Este baptisterio gótico (s. XIV) fue construido según diseño de Andrea Pisano. Octogonal y adornado con un revestimiento de franjas alternas de mármol blanco y verde, está rematado por un friso de elegantes arcadas ciegas. El tímpano de la portada principalfue esculpido por los hijos de Andrea Pisano, Nino y Tommaso. En el interior, una sutil luz rosada ilumina la elegante pila bautismal, revestida de paneles de mármol polícromo y esculpida en 1226 por Lanfranco da Como.

BAPTISTERIO DE SAN MIGUEL , VENZONE
El Duomo (la Catedral), fue construida por el maestro Giovanni en 1338. Es un edificio de estilo gótico con una fachada simple con un portal decorado con relieves de los Santos y de Cristo, posee un campanario elevado y una zona apse con grandes ventanales escoltados por pilastras góticas. El sector sur tiene también varios ventanales con parteluz. En su interior se pueden contemplar restos de frescos de los siglos XIV y XV y capiteles decorados. A un costado de la catedral en sus adyacencias se encuentra un pequeño baptisterio.Como curiosidad, en él se encontraron 21 momias muy celebradas por los habitantes del pueblo, que las creían «santas» y llegaron a sacarlas de paseo para los turistas.

Baptisterios del resto de Europa
:
CATEDRAL Y BAPTISTERIO DE SAN LEONCE , FREJÚS (FRANCIA)
El principio de la separación del baptisterio de la iglesia perduró en Occidente según el sistema adoptado en el bautismo. En las iglesias de más allá de los Alpes, quizá por las condiciones más rígidas del clima, comenzado el siglo IX, el bautismo por infusión substituyó poco a poco al de inmersión, mientras en Italia éste se mantuvo durante mucho más tiempo

CATEDRAL Y BAPTISTERIO DE SAN LEONCE , FREJÚS (FRANCIA)
El Baptisterio de la Catedral de Saint-Léonce en Fréjus (406-409 dC), construida poco antes de la caída del Imperio Romano, es la más antigua estructura cristiana en la Provenza, y uno de los edificios más antiguos de Francia.

BAPTISTERIO DE SAN LEONCE , FREJÚS (FRANCIA)
El octógono está adornado con nichos semicirculares y rectangulares alternos y una arquería empalmada con columnas monolíticas de granito gris, rematadas con capiteles de mármol blanco reutilizados. Se diferencia de los baptisterios de la región por su ausencia de deambulatorio. Se cubre con una cúpula sobre tambor al que se abren ventanas

BAPTISTERIO DE SAN LEONCE , FREJÚS (FRANCIA)
El edificio de planta octogonal, de unos siete metros de diámetro, está cubierto por una cúpula de conjunto sobre arcos sostenidos por columnas. En el centro del edificio es una fuente bautismal octogonal 1,3 metros de profundidad y 92 centímetros de largo, lo suficientemente grande como para la persona bautizada que se sumerja en el agua.

BAPTISTERIO DE SAN JUAN DE POITIERS

BAPTISTERIO DE SAN JUAN DE POITIERS
Data del siglo IV, aunque ha sufrido diversas reformas con el paso del tiempo. En una época posterior, fue adornado con frescos, al no poder contar con los suntuosos mosaicos que adornaban los baptisterio y templos romanos o bizantinos.

BAPTISTERIO DE SAN JUAN DE POITIERS
Vista del interior

SAINT DOULAGH IRLANDA
Esta capilla se encuentra al norte del condado de Dublín, en San Doulagh en Fingal cerca de Malahide y Swords. Originalmente fué un pocillo llamado «Estanque sagrado de Bethesda», esta fue otra adquisición glorificado por el cristianismo de los sitios paganos y lleva el nombre de San Doulagh. Un asentamiento monástico, las céldas de ermitaños, y una iglesia medieval más tarde fueron construidos por la primavera y de una edificación octogonal de piedra conocido como el «baptisterio» y la piscina que encierra se decía que era dedicada a San Doulagh.

PILA BAUTISMAL LlIEJA (BÉLGICA)
Una joya en bronce realizafa entre 1107 y 1118 y que dada su peculiar belleza, no he podido sustraerme a su publicación.

 ESPAÑA
Piscina de la Iglesia visigoda que hay en San Pedro de Alcántara, una pedanía de Marbella.

BAPTISTERIO DE LA IGLESIA DE SAN JUAN EVANGELISTA (SANTIANES DE PRAVIA, ASTURIAS
Tras obras de restauración fue encontrado un baptisterio en esta iglesia prerrománica, mandada construir por el Rey Silo, entre los años 774 y 783, que trasladó la corte junto a su mujer Adosinda desde Cangas de Onís hasta Pravia, punto de encuentro de varias calzadas romanas, entre ellas la que iba hasta Asturica Augusta (Astorga). La iglesia formaba parte del complejo cortesano que se completaba con el palacio real, hoy totalmente desaparecido.
 

PISCINA RITUAL JUDÍA (ÚBEDA, JAÉN)
Única hallada hasta ahora asociada a una Sinagoga.El miqbvé es un baño ritual relacionado con las muchas normas presentes en la religiosidad judía. Para ser adecuada, una piscina de miqvé ha de contener suficiente agua como para cubrir enteramente el cuerpo de un hombre, y el agua no puede contener ningún tipo de impureza

PISCINA RITUAL JUDÍA (ÚBEDA, JAÉN)
Después de la Diáspora judía las normas de la pureza ritual se fueron dejando de practicar, excepto las de la mujer, ya que sería impura durante su menstruación y después del parto, por lo que tendría que bañarse en la miqvé.

BAPTISTERIO DE LA BASÍLICA DE SANTA MARÍA DE EGARA (TARRASA,BARCELONA)
En la basílica de Santa María de Egara (Terrassa) se conserva el baptisterio, encontrado en las excavaciones realizadas en el año 1947, en el interior de la nave cerca del transepto sur. Era una piscina bautismal de inmersión, de planta cuadrada cubierta con un baldaquín y que se encontraba en un edificio aislado de la basílica y de planta octogonal.

SANTA MARÍA DE TARRASA
Se trata de una piscina bautismal o baptisterio del siglo VI que corresponde, según los investigadores, a la primera catedral de la sede episcopal de Egara, que vivió su época de máximo esplendor entre los siglos V y VIII. y que es la tercera que se encuentra en toda España asociada a una catedral.
El descubrimiento del baptisterio de Santa Maria confirma que Sant Miquel era un edificio sepulcral y no un centro bautismal como se creía desde que a principios de siglo fue restaurado por Puig i Cadafalch.

BAPTISTERIO DE GABIA GRANDE, GRANADA
El llamado “baptisterio” forma parte de una gran villa romana que se desarrolla principalmente entre los siglos I y V d.C. Según la rica decoración que existía en su interior, hoy en gran parte desaparecida, se puede fechar a mediados del siglo IV d.C.

Pila Bautismal de la Parroquia de Sos del Rey Católico, donde sgún la tradición fué bautizado D. Fernando V de Aragón y II de Castilla, Esposo de Isabel I.

 PILAS DESTACADAS
Iglesia de Nª Sª de la Asunción. Carabaña, Madrid
Pila visigoda S:VII (por su antigüedad)

 A continuación pilas históricas:
Iglesia de San Nicolás de Bari, Madrigal de las Altas Torres, Avila. Fuente Bautismal donde fue bautizada la reina Doña Isabel la Católica

 La pila bautismal de la colegiata de Manresa. Obsérvense los tres recipientes, dos circulares y uno cuadrangular.(por sus características)

 Capilla del Oidor; Alcalá de Henares, pila donde según la tradición fue bautizado don Miguel de Cervantes y Saavedra.

 Pila románica doble.

PILA BAUTISMAL DE SANTIAGO DE COMPOSTELA (LA CORUÑA)
Pila Bautismal de forma piramidal de la que se dice que pertenecía a la aldea de San Fiz, aldea anterior a Compostela y que era la que utilizaba en un pequeño templo el ermitaño Pelayo, que en el año 813 redescubre los restos del Apóstol.
Durante la invasión musulmana de la catedral se dice que dio el feroz caudillo moro Almanzor utilizó esta pila para dar de beber a su caballo.
FOTO: VIGOENFOTOS

 

FUENTES:

http://editorial.dca.ulpgc.es/…/…/13_paleocristiano/c135.htm

http://artepaleocristiano12.weebly.com/baptisterios.html

http://www.losapuntesdelviajero.com/…/porec-basilica-eufras…

https://www.youtube.com/watch?v=5rGyaEMbtkU&feature=channel    cripta de Aquilea

http://www.icatm.net/…/p…/analecta/AST_40.2/AST_40_2_209.pdf

http://liturgia.mforos.com/1699118/8041101-baptisterio/

GAUDÍ Y LA GEOMETRÍA

La geometría es la esencia de la arquitectura. Gaudí trabajó con la geometría de las superficies regladas*, inducido por el análisis que desde la infancia había hecho de formas naturales, y por el dominio que tenía de la geometría del espacio, que le llevaba a experimentar con las tres dimensiones. La geometría de Gaudí está destinada a facilitar los procesos constructivos, a sacar el máximo provecho de las fórmulas tradicionales y a asegurar la estabilidad de los edificios, y nace de los descubrimientos personales que hizo después de una búsqueda continuada.
Resulta asombroso comparar los espectaculares resultados de Gaudí con su escasísima formación matemática-física del arquitecto (muy por debajo del nuevo ingeniero que está triunfando a finales de siglo XIX, como Eiffel)
Frente a su pobre base teórica Gaudí opone dos de sus grandes virtudes: una imaginación desbordada (tanto en el detalle como en el desarrollo en el espacio) y una actitud de constante observación de su entorno. De la unión de ambas surge su magia: soluciones simples (tanto mecánicas como ornamentales) que se multiplican y transforman para crear entorno radicalmente novedosos en donde la arquitectura se transforma en sensaciones.
Se considera que Gaudí realizó personalmente escasos escritos para lo habitual en un arquitecto, aún teniendo en cuenta que su estudio fue saqueado durante la guerra civil de 1936, y se perdió parte de su contenido. Tan sólo se conservan algunos informes técnicos oficiales, algunas cartas a amigos y artículos periodísticos.
Vamos a repasar su trayectoria, haciendo hincapié en los elementos geométricos que empleó,donde los utilizó y por que lo hizo, para despues introducirnos mas a fondo en una de sus obras, quiza menos conocidas, pero no por ello menos importante, ya que fué la base para la realización de su obra cumbre: la Sagrada Familia 

 Lagarto del Parque Güell (Barcelona)  realizado con la técnica de «trencadís».
Estudiaba hasta el más mínimo detalle de sus creaciones, integrando en la arquitectura toda una serie de trabajos artesanales que dominaba él mismo a la perfección: cerámica, vidriería, forja de hierro, carpintería, etc. Asimismo, introdujo nuevas técnicas en el tratamiento de los materiales, como su famoso “trencadís” hecho con piezas de cerámica de desecho.

 Antoni Gaudí i Cornet (Reus o Riudoms, 25 de junio de 1852-Barcelona, 10 de junio de 1926) fue un arquitecto español, máximo representante del modernismo catalán.

 «El Capricho» Comillas, Cantabria. Estatua de Gaudí, contemplando su obra.
Gaudí fue un arquitecto con un sentido innato de la geometría y el volumen, así como una gran capacidad imaginativa que le permitía proyectar mentalmente la mayoría de sus obras antes de pasarlas a planos. De hecho, pocas veces realizaba planos detallados de sus obras; prefería recrearlos sobre maquetas tridimensionales, moldeando todos los detalles

 Casa Batlló
Constituye un claro ejemplo de la aplicación de las ideas y técnicas de Gaudí, a todos los elementos arquitectónicos del edificio, donde incluiría tambien los muebles. 
 Componentes geométricos de Gaudí: Las superficies regladas 
superficie reglada:es la generada por una recta, denominada generatriz, al desplazarse sobre una curva o varias, denominadas directrices. En función de las características y condiciones particulares de estos elementos, recibe diversos nombres
 Las formas geométricas en la naturaleza

Paraboloide de revolución
La cúpula de la sacristía de la Sagrada Familia, es una intersección de paraboloides.

Cúpula de la sacristía de la Sagrada Familia

 Con paraboloides Gaudí creó superficies de enlace en las bóvedas y las cubiertas y las columnas de la fachada de la Pasión, así como elementos de más amplitud como las torres y las sacristías. Para el arquitecto representan la Santa Trinidad.

Paraboloide utilizados en la Sagrada Familia a manera de «contrafuertes»inclinados

 Hiperboloide
El hiperboloide es la superficie de revolución generada por la rotación de una hipérbola alrededor de uno de sus dos ejes de simetría. Dependiendo del eje elegido, el hiperboloide puede ser de una o dos hojas. 

 Generación de un hipeboloide
Pueden ser macizos para pasar de la columna a las bóvedas, o huecos por donde entrará la luz, símbolo de Dios para Gaudí, hacia el interior del templo. Ahora los encontramos en las aperturas de los ventanales y de las bóvedas.

La torre hiperboloide fue construida y patentada en 1896 por el ingeniero y científico ruso Vladimir Shújov. Sin embargo, Antoni Gaudí ya había utilizado estructuras hiperboloides integradas en la construcción de algunos de sus edificios, como en la majestuosa bóveda del Palau Güell, en 1888. Las estructuras hiperboloides fueron construidas posteriormente por otros arquitectos famosos, como Le Corbusier u Oscar Niemeyer

 El paraboloide hiperbólico es una superficie doblemente reglada por lo que se puede construir a partir de rectas. Por su apariencia, también se lo denomina superficie de silla de montar.Lo utiliza en superficies de enlace en bóvedas y en cubiertas.

 Gaudí lo usó en la fachada de la Pasión de la Sagrada Familia

 El hiperboloide es la superficie de revolución generada por la rotación de una hipérbola alrededor de uno de sus dos ejes de simetría. Dependiendo del eje elegido, el hiperboloide puede ser de una o dos hojas.

 Pueden ser macizos para pasar de la columna a las bóvedas, o huecos por donde entrará la luz, símbolo de Dios para Gaudí, hacia el interior del templo. Ahora los encontramos en las aperturas de los ventanales y de las bóvedas.

 Ejemplo de hiperboloides

 Conoides
en el campo de la arquitectura tensada se usa el término para referirse a aquellas formas de revolución, parecidas a un cono, en donde la generatriz no es una recta sino una curva cóncava vista desde el exterior.
 La mejor representación de conoides en la Sagrada Familia está en las fachadas y cubiertas del edificio de les escuelas parroquiales, donde por cierto, Gaudí instaló su taller en un principio.

Taller de Gaudí en 1926


 Elipsoides
Elipsoides Gaudí generó los nudos o capiteles de las columnas principales con elipsoides, donde se subdividen las columnas inferiores en ramas.

 Detalle de los elipsoides  en las columnas de la Sagrada Familia

 Columna de doble giro
Para conseguir más estabilidad y un efecto estético más estilizado y armónico, Gaudí concibió todas las columnas ramificadas como unas columnas de doble giro, formadas por dos columnas helicoidales

 Columna de doble giro
Cada columna tiene como base un polígono o una estrella que, a medida que crece girando a derecha y a izquierda, se va transformando en círculo
Fruto del largo y meticuloso estudio empírico de modelos de pesos invertidos con cadenas o cordeles y de cálculos gráficos, Gaudí tuvo la revolucionaria idea de las columnas inclinadas bifurcadas en forma de árbol y de utilizar el bosque no sólo como espacio mágico de luces que invita a la intimidad y el recogimiento, sino también como estructura ordenada y jerárquica que sostiene óptimamente una preciosa bóveda de hojas. Cada árbol se bifurca en diferentes ramas y sostiene una parte de las bóvedas, y cuando cae un árbol, no cae todo el bosque.

 La forma catenaria
Una catenaria es una curva ideal que representa físicamente la curva generada por una cadena, o hilo, sin rigidez flexional, suspendida de sus dos extremos y sometida a un campo gravitatorio uniforme.

Dado un elemento lineal sometido sólo a cargas verticales, la forma catenaria es precisamente la forma del eje baricéntrico que minimiza las tensiones. Esa propiedad puede aprovecharse para el diseño de arcos. De este modo un arco en forma de catenaria invertida es precisamente la forma en la que se evita la aparición de esfuerzos distintos de los de compresión, como son los esfuerzos cortantes o los flectores.

Casa Milá «La Pedrera» buhardillas donde se empleáron las formas catenarias
 Parque Güell utilización de las formas catenarias inclinadas
Sobre este motivo Gaudí, un experimentador nato, no dejó de elaborar nuevas propuestas, como la inclinación del eje de la catenaria con el que creará los pasadizos del Park Güell.

 Sagrada Familia fachada de la Pasión
Para Gaudí, algunas de las soluciones técnicas del gótico, como lo contrafuertes, eran «muletas» en los edificios y por ello los sustituyó por arcos de catenaria invertidos, que reducían las tensiones que se creaban por el peso que soportan las columnas.Por esa razón, una curva catenaria invertida es un trazado útil para un arco en la arquitectura, forma que fue aplicada, entre otros y fundamentalmente, por Antoni Gaudí.

Helicoide
o una hélice, en geometría, es el nombre que recibe toda línea curva cuyas tangentes forman un ángulo constante (α), siguiendo una dirección fija en el espacio.

Forma helicoide en la naturaleza (concha de caracol) y en la escalera diseñada para la Sagrada Familia

Según la simbología de Gaudí representaban el movimiento ascensional que relaciona la tierra con el cielo. Aquí se ven en las escaleras de caracol.


Gaudí desarrolló un sistema de proporciones aplicado a todas las dimensiones y todos los elementos de la Sagrada Familia.

 “el número secreto del templo de la Sagrada Familia de Gaudí es el 12. Todas las proporciones de los elementos constructivos involucran a los divisores de 12, un guarismo que permite una factorización muy rica y su división en mitades y terceras partes. La explicación filosófica de por qué lo usó es que 12 es el número de los apóstoles de Jesucristo.
Utilizaba repetidamente relaciones simples basadas en las duodécimas partes de la dimensión mayor, es decir, relaciones de 1 a ½, de 1 a ⅔, de 1 a ¾, etc., para proporcionar la anchura, la longitud y la altura de cualquier parte del templo. Dividiendo por 12 la longitud total del templo (90 metros), por ejemplo, nos da el módulo de 7,5 metros que ordena toda la planta y alturas de la Sagrada Familia.

Las diferentes medidas se pueden ordenar para apreciar mejor las series numéricas, no sólo en las medidas generales del templo, sino también en los diámetros y las alturas de las columnas, en los diámetros de las aperturas de ventanales y bóvedas, etc. Por ejemplo, la altura total de la columna es siempre, en metros, el doble del número de puntas del polígono de la base: una columna de base estrellada de doce puntas tiene una altura total de 24 metros, una columna con base estrellada de ocho puntas mide 16 metros, etc.

El Mecenas de Gaudí
Eusebi Güell i Bacigalupi, I conde de Güell (Barcelona, 15 de diciembre de 1846 – ibídem, 8 de julio de 1918) fue un industrial y político español, conocido principalmente por ser mecenas del arquitecto modernista Antoni Gaudí.

En 1878 conoció a Gaudí, tras quedar admirado con la vitrina para la Guantería Comella que el arquitecto exponía en la Exposición Universal de París. Desde entonces empezó una larga amistad y una fructífera relación profesional, ya que el industrial fue el principal mecenas del arquitecto. Gracias a ello su apellido es conocido internacionalmente, con obras como la Cripta de la Colonia Güell, el Palacio Güell, las Bodegas Güell, los Pabellones Güell o el Parque Güell.


Dibujo original de la iglesia de la Colonia Güell en Santa Coloma de Cervelló, Barcelona

El principal proyecto de Gaudí a principios del siglo XX fue el Parque Güell (1900-1914), nuevo encargo de Eusebi Güell para construir una urbanización residencial al estilo de las ciudades-jardín inglesas. El proyecto no tuvo éxito, ya que de 60 parcelas en que se dividió el terreno sólo se vendió una. Pese a ello, se construyeron los accesos al parque y las áreas de servicios,
El último proyecto para su gran mecenas, Eusebi Güell, fue el de una iglesia para la Colonia Güell, en Santa Coloma de Cervelló, de la que sólo se construyó la nave inferior (conocida hoy día como Cripta de la Colonia Güell) (1908-1918).

Maqueta de la iglesia de la Colonia Güell
Gaudí proyectó una iglesia de planta oval de 25 x 63 metros, con cinco naves, una central y dos más a cada lado, con diversas torres y un cimborrio de 40 metros de altura.

La cripta de la Colonia Güell es una obra de Antoni Gaudí, construida entre 1898 y 1914 por encargo del empresario Eusebi Güell como edificio religioso para sus trabajadores de la Colonia Güell, situada en Santa Coloma de Cervelló, cerca de Barcelona.
Gaudí también actuaba en base a evitar lo que naturaleza evita. Cuando Eusebio Güell le encargó la cripta de la colonia Güell, en Santa Coloma de Cervelló. Gaudí escogió allí una pequeña colina rodeada de pinos y dedicó 16 años de trabajo en completa libertad, porque lo que le importaba era la obra bien hecha, evitando las prisas como las evita la naturaleza.

A pesar de estar inacabada, la iglesia de la Colonia Güell está considerada una de las obras maestras de Gaudí, en la que se anticipan muchas de las soluciones estructurales que el arquitecto aplicaría en la Sagrada Familia.
 A su espíritu integrador se deben el tratamiento dinámico y fluido del espacio interior o los mecanismos de fusión del edificio con el entorno natural adaptándose los diferentes niveles de las naves a la pendiente de la colina y los materiales son de colores y texturas similares al suelo y la vegetación
Para integrar la iglesia en el paisaje, Gaudí proyectó la superposición de estructuras de diversos materiales: la parte inferior está compuesta de muros de paraboloide hiperbólico hechos con piedra basáltica negra y ladrillo quemado, en paralelo con el terreno oscuro sobre el que se levanta el edificio; a media altura utiliza ladrillo normal de color pardo rojizo, a tono con los pinos que rodean el edificio; y en la parte superior —si se hubiese construido— habrían figurado tonos verdes, en contraste con las ramas de los árboles, y azul, amarillo y blanco para entonar con los colores del cielo. En lo alto de las torres habrían figurado unas palomas blancas, en relación al nombre del lugar (coloma en catalán es «paloma»).

Esta obra es un reflejo de la plenitud artística de Gaudí: pertenece a su etapa naturalista (primera década del siglo XX), periodo en que el arquitecto perfecciona su estilo personal, inspirándose en las formas orgánicas de la naturaleza, para lo que puso en práctica toda una serie de nuevas soluciones estructurales originadas en los profundos análisis efectuados por Gaudí de la geometría

La que habría sido iglesia de la Colonia fue proyectada por Gaudí en 1898, aunque lamentablemente, solo se construyó la cripta, ya que a la muerte del conde Güell en 1918 sus hijos abandonaron el proyecto. La cripta fue asaltada e incendiada el 19 de julio de 1936, durante el transcurso de la Guerra Civil, perdiéndose numerosos planos y documentos dejados por Gaudí, así como la maqueta polifunicular original

Primitiva maqueta polifunicular destruida en 1936
El elemento es sumamente simple. Se trata de la parábola que genera una cadena al ser sustentada por dos puntos, una imagen habitual en fincas y ciudades que Gaudí elaboró progresivamente.
El mecanismo es bastante conocido, son las maquetas de hilos con pesos que, reflejadas en un espejo, nos devuelven el alzado del edificio.

Maqueta polifunicular diseñada por Gaudí para la iglesia (no realizada) de la Colonia Güell, expuesta en el Museo de la Sagrada Familia y réplica de la destruida
Gaudí ideó un sistema de pesos colgantes que simulaban, mediante reflexión especular, las cargas que debía soportar cada elemento de la estructura. Una genial sustitución de los complicados cálculos informáticos por la ayuda de la fuerza de la gravedad.

Reproducción con clips y pesas de la maqueta de Gaudí
Para esta obra Gaudí ingenió un nuevo y curioso método de calcular la estructura del edificio: en un cobertizo junto a las obras construyó una maqueta a gran escala (1:10), de cuatro metros de altura, donde instaló un montaje confeccionado con unos cordeles de los que pendían saquitos rellenos de perdigones. En un tablero de madera fijado en el techo dibujó la planta de la iglesia, y de los puntos sustentantes del edificio (columnas, intersección de paredes) colgó los cordeles —para los funiculares— con los sacos de perdigones —para las cargas—, que así suspendidos daban la curva catenaria resultante, tanto en arcos como en bóvedas. De aquí sacaba una fotografía, que una vez invertida daba la estructura de columnas y arcos que Gaudí estaba buscando. Sobre estas fotografías Gaudí pintaba, con gouache o pastel, el contorno ya definido de la iglesia, remarcando hasta el último detalle del edificio, tanto arquitectónico como estilístico y decorativo

Detalle de los ventanales de la cripta
En la iglesia encontramos los arcos catenarios que, al mismo tiempo que simplifican el problema de las cargas, determinan el uso de muros exteriores con forma de paraboloides hiperbólicos.

El concepto que Gaudí tenía de la arquitectura como estructura orgánica; para Gaudí, la naturaleza muestra las formas más idóneas para la construcción, que se reflejan en formas geométricas regladas como son el paraboloide hiperbólico, el hiperboloide, el helicoide y el conoide. La cripta de la Colonia Güell sirvió a Gaudí de banco de pruebas donde experimentar estas nuevas soluciones estructurales ideadas por él, que luego pudo aplicar en obras como la Sagrada Familia

La importancia de la iglesia de la Colonia Güell en la obra de Gaudí se debe a que es la primera vez que utiliza de forma unitaria sus innovaciones arquitectónicas. Tal com va dijo el propio Gaudí si se hubiese finalizado hubiera sido «una maqueta monumental de la Sagrada Família».

Altar de la Sagrada Familia

En el interior de la cripta, Gaudí consiguió un espacio diáfano gracias al uso de pilares inclinados de piedra y ladrillo. Sobre estas columnas, los arcos catenarios y los nervios que sostienen el techo constituyen uno de los panoramas más espectaculares del universo gaudiniano.

Gaudí diseñó también el mobiliario del interior, unos bancos con reclinatorio colocados de forma circular en torno al altar mayor.

Altar de la Virgen de Montserrat

En el interior se alternan pilares circulares de ladrillo con columnas inclinadas de basalto de Castellfollit de la Roca.

Detalle de las bóvedas con su clave

Entendía que su labor creativa debía de extenderse hasta el resultado final, incluyendo todos los elementos decorativos del edificio: muebles, vidrieras, paneles, bancos, verjas, balcones. Para ello diseñó y adquirió conocimientos sobre las distintas artes decorativas, colaborando con artesanos de todas las clases: ebanistas, forjadores, vidrieros, ceramistas y yeseros.

detalle de la clave

uno de los vitrales de la cripta

Destacan asimismo las pilas de agua bendita, confeccionadas con grandes conchas marinas procedentes de Filipinas, que llegaban a manos de Gaudí de parte del conde Güell, dueño de la Compañía Trasatlántica, que hacía la ruta con la ex-colonia española.

Muerte de Gaudí.
Fotografia tomada en una procesión del Corpus poco antes de morir.
Gaudí se encontraba caminando hacia la Iglesia de  Sant Felip Neri para rezar y charlar con el mosén Agustí Mas i Folch cuando un tranvía acabó con su vida la mañana del 7 de junio de 1926. Lo peor de la historia no es sólo que el conductor bajara del tranvía para apartarlo a un lado y seguir su camino, sino que también los transeúntes decidieron no socorrerle tras el accidente pensando que se trataba de un vagabundo.Triste final para un gran arquitecto y hombre.

Sepulcro de Gaudí en la Sagrada Familia
Fuentes:
Mª Del Mar Arnús. «¿Quién defiende a Gaudí?». Consultado el 18 de febrero de 2012..
Bassegoda i Nonell, Joan (2002). Gaudí o espacio, luz y equilibrio. Madrid

LA MEDICINA EN EL ARTE

El arte y la ciencia se relacionan íntimamente. Ambas actividades son consecuencia del intelecto y se nutren de un fondo común: el Humanismo. Este puede considerarse un enfoque para interpretar las obras de arte que la creatividad humana nos ha dejado como legado universal.
En esta ocasión, quiero reflejar la importancia de la pintura a la hora de interpretar con imágenes las enfermedades mas o menos frecuentes en cada época o incluso en todas, sobre todo aquellas que se pueden identificar visualmente por los signos, expresión facial o taras que dejaban en el enfermo y que las identificaba ; como esas mismas pinturas estaban influenciadas, a su vez, por las patologias que padecían los artistas, sobre todo psiquiátricas y tambien como alguna técnica pictórica podía producir ciertas daños en el pintor.
Este género fué pintado en todas las épocas,y esto es justificable,debido a que las enfermedades forman parte con frecuencia,de nuestras vidas y aunque solo sea un simple dolor de muelas,nadie se ve libre de ellas.Así veremos ejemplos de antiguas civilizaciones, medievales, renacentistas y sobre todo barrocas y contemporaneas
  Como ejemplo comentar, que las enfermedades paralelas al desarrollo de la pintura barroca en los Países Bajos, Italia y España, más que representar un posible tratamiento y diagnóstico, atestiguaron, con gran calidad naturalista, nuevas y curiosas enfermedades en una sociedad desmoronada por las consecuencias de la crisis europea del siglo XVII, que produjeron guerras, hambrunas, pobreza y por lo tanto aparición de enfermedades carenciales e infecciosas dificilmente evitables.
Por último destacar como algunas enfermedades, casi siempre mentales, influyeron en las obras de muchos de los artistas aqui representados.  


La serpiente se relacionaba con la Medicina y así Meretseger era la diosa cobra, diosa de la Medicina y curaba las picaduras de serpiente. Personificaba una montaña cercana al Valle de los Reyes y velaba las tumbas de los faraones escupiendo veneno a los que intentaban perturbar su descanso. Y en la tumba de Merit Ptah, la primera mujer médico de la que hay constancia en la historia se encontró una estatua representándola con una tiara en la que llevaba el uraeus.

Aquiles y Patroclo 500 AC Staatliche Museen Berlín
En esta vasija del alfarero Sosias ,aparece un acto médico,donde Aquiles tras extraer una flecha a su amigo Patroclo,le venda el brazo

Eneas herido y curado. S.I DC Museo Arqueológico Nacional de Nápoles
Fresco encontrado en Pompeya,es una de las representaciones mas antiguas de una intervención quirúrgica,que ilustra un pasaje de La Eneida,de Virgilio,donde se describen las azañas de Eneas,uno de los héroes de Troya.

 LA ANATOMÍA
De «Humani Corporis Fabrica libri septem» (De la estructura del cuerpo humano en siete libros) es una obra de texto, con profusión de imágenes sobre anatomía humana escrito por Andrés Vesalio (1514-1564) en 1543.
Vesalio basó sus estudios anatómicos en la observación directa y en la práctica quirúrgica, rechazó algunos errores anatómicos presentes en obras anteriores y aportando nuevos descubrimientos revolucionó los círculos de la época, llegando a ser considerado el fundador de la anatomía moderna

Los estudios anatómicos de Leonardo da Vinci
Leonardo Da Vinci no era solo un artista sino también un gran científico. Se suele pensar en él como un pintor con algo de interés por la ciencia, pero estos dibujos nos enseñan que era tan bueno como científico que como artista
Los dibujos, que se mostrarán casi quinientos años después de la muerte de su autor en 1519, retratan con detalle órganos como el cerebro o el corazón; la estructura músculoesquelética de las cuatro extremidades humanas, las manos y los pies; la disección de un cráneo, y el sistema reproductor.
son el resultado de una investigación intensa, de varios años, en los que Da Vinci realizó una veintena de autopsias humanas y animales, en la Facultad de Medicina de la Universidad de Pavía (Italia).

Dibujo de Alberto Durero Museo de Arte de Bremen
 Durero remitió este curioso dibujo a su médico,diciendole : Tengo un bulto aqui y me duele.Que tengo? Los expertos han llegado a la conclusión,que tenía el bazo inflamado (esplenomegalia) a consecuencias de unas fiebres palúdicas padecidas.

 REUMATOLOGÍA
Arteritis temporal
La arteritis de células gigantes (ACG) o arteritis de la temporal es un tipo de vasculitis, una inflamación de los vasos sanguíneos, que en el cuadro se aprecia muy bien en la sien izquierda del personaje.
Se trata de la vasculitis más frecuente en la edad adulta. Afecta predominantemente a personas de raza blanca de edad superior a 50 años, es excepcional en la raza negra, y sobre todo a mujeres. Los síntomas pueden comenzar en forma brusca o insidiosa. La presentación más habitual es como cefalea, fiebre o febricula anemia.

 Artritis reumatoide
Algunos maestros como Botticelli nos han dejado un estupendo muestrario de afecciones reumáticas. En el Retrato de un joven y en la Madonna Bardi aparece un síntoma típico de la artritis reumatoide: la inflamación de las articulaciones interfalángicas.

Grupo de tullidos (Pieter Bruegel el Viejo, La batalla entre Carnaval y Cuaresma, 1559)

 Artrosis
La creación de Adán» Capilla Sixtina (Vaticano) Miguel Angel

La reumatología es una especialidad médica dedicada a los trastornos médicos (no los quirúrgicos) del aparato locomotor y del tejido conectivo, que abarca un gran número de entidades clínicas conocidas en conjunto como enfermedades reumáticas
Michelangelo Buonarroti (también conocido simplemente como Miguel Ángel); escultor, pintor y uno de los mayores artistas de todos los tiempos, padeció artrosis en sus manos. Su intenso trabajo como artista probablemente le ayudó a mantener el uso correcto de sus manos hasta que murió. Esa es la conclusión de unos médicos que han completado una investigación basada en un análisis de tres retratos del artista. El artista,parece que quiso reflejar su propio problema en la mano de Dios, que presenta tumefacción en la articulación carpo-metacarpiana, sugerente de rizartrosis.

Vieja friendo huevos Diego Velazquez 1818 Galería nacional de Escocia, Edimburgo, Reino Unido
En este precioso cuadro costumbrista del maestro,medicamente cabe destacar la mano de la anciana,donde aparece una tumoración en la base del pulgar izquierdo,que se corresponde con una rizartrosis,consistente en la artrosis de la articulación carpo-metacarpiana,afección bastante frecuente a la edad de ella. Patologia semejante a la anteriormente mencionada en «La creación de Adán»

  TRAUMATOLOGÍA
«El patizambo» de Ribera 1642
Conocido también como El niño mendigo o El pie varo, este pasmoso retrato de un infante pordiosero da muestra del realismo de la pintura de José de Ribera, Este chico padece una condición infame: no sólo es tremendamente pobre y se ve obligado a mendigar, sino además tiene un grave defecto en su pie derecho, lo cual le obliga a caminar cojo.

La columna rota Frida Kahlo 1944 Museo Dolores Olmedo México DF
La pintora,cuando tenía 18 sufrió tuvo un accidente yendo en tranvia,en el que un elemento metálico le atravesó la pelvis.A consecuencia del mismo sufrió una fractura vertebral que le producía fuertes dolores y que obligó a colocarle un corsé de escayola y mantener reposo en cama,durante mas de 9 meses.La familia le colocó un espejo sobre ella,a manera de baldaquino,donde se reflejaba y este fué el principio de su abundante obra pictórica dedicada al autorretrato.En este cuadro,la columna vertebral la ha sustituido por una jónica atravesada de clavos,símbolos de su sufrimiento.

«Hospital Henry Ford» 1932 Frida Kahlo
La vida y obra de Frida Kahlo (México, 1907-1954) estuvo tan marcada por la tragedia que es imposible pensar en ella y pasar por alto su drama, ya que de su desdicha y del tremendismo de su vida hizo la marca de su arte. Su dolor fue la fuente de su expresión artística.La pintura representa aborto involuntario de Kahlo. Ella se encuentra abandonado en una cama en medio de un paisaje industrial estéril y rodeado de seis imágenes: un feto totalmente formado masculino, una orquídea, un caracol, un torso femenino, fractura de pelvis y un autoclave.

ENANISMO 
Acondroplasia: anomalía en la formación de cartílago del crecimiento
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660).
El bufón Don Sebastián de Morra, 1645.Museo del Prado, Madrid.
El enanismo acondroplásico es un claro ejemplo de los bufones pintados por Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Estos hombrecillos de placer eran personajes que trabajaban para la Corte y vivían en el Alcázar de los reyes de la Casa de Austria (Felipe IV)

 Cretinismo: deficiencia congénita de la glándula tiroides 
El bufón “Calabacillas”, llamado erróneamente ”Bobo de Coria” , 1635-39.
. Museo del Prado, Madrid.
Nuevamente recurrimos a la obra pictórica de Velázquez con Juan Calabacillas (1637-1639) a fin de ejemplificar la locura –o una posible discapacidad cognitiva. Este truhán, algunas veces llamado “el Bobo de Coria”, se representa junto a una calabaza, haciendo así referencia a un tipo de incapacidad mental. Este personaje nos observa con una mirada bizca (quizá señal de estrabismo) y demuestra anomalías en brazos y pies. Pero lo que más llama la atención es esa sonrisa fastidiosa y pérdida, la cual evoca a un grado de locura– conviene aquí señalar que la calabaza alude a una rara intervención quirúrgica durante el llamado Siglo de Oro, en la cual, se trasplantaban trozos de calabaza en secciones de hueso craneal deteriorado.
Ha existido en algunas regiones alejadas del mar, cretinismo endémico por falta de yodo, hasta épocas recientes.

“El Niño de Vallecas” – Velázquez (1643-1645)
Cretinismo: es una enfermedad que se caracteriza por un déficit permanente en el desarrollo físico y psíquico, ésta va acompañada de deformidades del cuerpo y retraso de la inteligencia; es ocasionada por la falta o la destrucción de la glándula tiroides durante la etapa fetal.“El Niño de Vallecas”, pintado en el Barroco, posee la forma de una persona o niño con alguna malformación en el cuerpo que le impidió desarrollarse completamente.como talla corta, deformidades equeléticas y craneofaciales, pelo seco, grueso y áspero, etcétera-, que apunta a un hipotiroidismo congénito o cretinismo.

 Enanismo hipofisario.
Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660).
Don Diego de Acedo, el primo, 1636-45.
Óleo sobre lienzo. Museo del Prado, Madrid.
El Enanismo hipofisiario se debe a una falta de secreción de la glándula de crecimiento (GH). Esta enfermedad es posible en el retrato que hizo Velázquez del funcionario de palacio y estampillador de la firma Real Don Diego de Acedo, el primo (1636-1645) evidenciando una baja estatura, miembros cortos, tronco regordete y rasgos faciales normales.

“La Familia de Felipe IV o Las Meninas” – Diego Velázquez (1656)
En el cuadro hay dos casos de enanismo, enfermedad genética que afecta aproximadamente a una de cada 15 mil personas, los brazos y las piernas se ven cortas en comparación con la cabeza y el tronco, y la estatura de la persona es de menos de un 1.25 metros.
Diego Velázquez, no sólo en “Las Meninas”, sino en otros de sus cuadros, pintó hombres y mujeres 
· con características de ambas enfermedades.

 Arriba: detalle de Maribárbola (enanismo acondroplásico con o sin hipotiroidismo) y Nicolasito Pertusato (enano hipofisario,con hipogonadismo y de aspecto armónico e infantil a pesar de tener 30 años)

Don Antonio el Inglés está considerado como el mejor de la serie. El retratado representa los estigmas típicos de un enanismo posiblemente de origen hipofisario. Según algunos autores, este cuadro puede que no se deba al pincel de Velázquez, sino al de Carreño de Miranda..

Hirsutismo 
«Magdalena Ventura», José de Ribera
El hirsutismo corresponde al excesivo crecimiento de pelo en zonas en las que las mujeres normalmente no tienen, como barba, bigote, etc. Dicho crecimiento se debe a la excesiva producción de una hormona masculina llamada testosterona. En este caso, José de Ribera en La mujer barbuda (1631) –encargo del virrey de Nápoles Don Fernando Afán de Ribera y Enríquez– retrata a Magdalena Ventura, procedente de los Abruzzos, amamantando a su hijo en el primer plano.En esta obra se observa una frondosa barba y recesión frontal del cabello en la protagonista, de «aspecto viriloide acusado».

 Gigantismo
«Gilles», de Jean-Antonie Watteau
Obra del periodo rococó que describe a un personaje de talla anormalmente elevada. La causa puede ser constitucional o patológica, «casi siempre debida a un adenoma hipofisario con secreción excesiva de hormona del crecimiento». Si la aparición del tumor es previa al cierre epifisario, se produce un gigantismo sin deformidades; si es posterior, se produce acromegalia (ensanchamiento craneal, deformidad facial, diastemas dentarios). Gilles sería, según Font de Mora, un caso intermedio.

David y Goliath de Caravaggio
El gigantismo es una enfermedad hormonal causada por la excesiva secreción de la hormona del crecimiento,segregada por la hipófisi,s durante la edad del crecimiento, antes de que se cierre la epífisis del hueso. Si ocurre después, recibe el nombre de acromegalia.

 Bocio
Obra de la pintora china Lam Qua (fechada en la década de 1830) que retratan a una paciente del hospital de Cantón, China, afecta de un caso extremo de bocio, aumento del tamaño de la glándula tiroidea, localizada en el cuello y que se puede producir por hipo o hipertiroidismo.es decir desarreglo de la secreción de la hormona tiroidea.El bocio, que en la actualidad puede aparecer con relativa frecuencia, sobre todo en mujeres, es imposible que pueda llegar a estos extremos, con tratamiento adecuado.

 Obesidad mórbida
La monstrua desnuda (1680), de Juan Carreño de Miranda. Óleo sobre lienzo (168×105 cm.) Madrid, Museo del Prado.
Representa a una niña de ocho años llamada Eugenia Martínez Vallejo, conocida como La Monstrua por su hiperobesidad. Vivía en la corte como bufón de compañía de los infantes de España,
Evidentemente lo primero a destacar es la obesidad de la niña, pero si nos fijamos en su cara podemos comprobar que es redonda, roja y llena, pero no por haber bebido vino sino que es la típica cara conocida de “luna llena”, del síndrome de Cushing, motivado por una elevación del cortisol, una hormona producida en las glándulas córtico-suprarrenales.

Obesidad mórbida
Retrato de Daniel Lambert, Escuela Británica alrededor del siglo XVIII,
Daniel Lambert (1770-1809) era el guardián de la cárcel, deportista y criador de animales de Leicester, famoso por su tamaño inusualmente grande que indicaba una obesidad mas que mórbida y seguramente acompañada de otras patologías como diabetes, hipertensión y problemas cardio-vasculares.

 Enfermedades genéticas: que pueden o no ser heredadas y se potencian con la cosanguinidad.

Carlos I de España y V de Alemania por Tiziano
Creció como un adolescente inicialmente apático, bonachón, maleable, preso de iniciales ataques epilépticos, mentalmente retardado, inútil en idiomas y pésimo en matemáticas. A esas apreciaciones se unen un defecto físico embarazoso: una mandíbula inferior salida, un prognatismo heredado del lado paterno que, a la hora de comer, transforma el placer de masticar y deglutir en trabajo tedioso y enervante, por la dificultad de una correcta masticación , por lo que las indigestiones y las indisposiciones se convierten en su pan de cada día. El caso es que, al tener la mandíbula tan salida, su manera de hablar adquiría tintes duros, secos… Le era difícil cerrar la boca, y siempre andaba abierta dándole un aspecto alelado.

 Carlos II «El hechizado», de Juan Carreño de Miranda (el último Austria)
Además de las taras hereditarias recibidas de toda su familia por los numerosos matrimonios consanguineos,de Carlos II se sabe con casi total seguridad que padeció el Síndrome de Klinefelter,
se caracteriza por infertilidad, niveles inadecuados de testosterona, disfunción testicular, hipogenitalismo (genitales pequeños), ginecomastia (crecimiento de los senos), trastornos conductuales y aspecto eunucoide (talla alta, extremidades largas, escaso vello facial y distribución de vello de tipo femenino). Otras anomalías asociadas son criptorquidia (testículos intraabdominales, no descendidos a la bolsa escrotal), hipospadias (orificio de la uretra situado no en la punta, sino entre la base y la punta del pene) y escoliosis.
Carlos II no presentaba algunos de los elementos característicos de la enfermedad (no tenía ginecomastia ni estatura alta), pero si que fué esteril.
A pesar del «benévolo tratamiento pictórico» de este rey, el pintor no ha podido ocultar alteraciones típicas del raquitismo, la anemia («tal vez de origen palúdico») y un más que posible déficit intelectual. En fin, que no le faltaba de nada…

 Sídrome de Down
“The Adoration of the Christ Children” – Jan Joest of Kalkar (1515)
El Síndrome de Down: es un trastorno genético en el cual una persona tiene 47 cromosomas en lugar de los 46 usuales.
En el cuadro aparecen un ángel y un pastor con síndrome de Down en una pintura flamenca del siglo XVI sobre «La Adoración del Niño Jesús»
Jan Joest pintó las caras de los niños que aparecen en el cuadro con rasgos característicos y comunes en las personas con una anomalía congénita como el síndrome de Down: la nariz achatada, boca pequeña, ojos rasgados hacia arriba y extremidades cortas.

INTOXICACIONES
Saturnismo
Caravaggio. Autorretrato como Baco o Baco enfermo (c.1593)Galleria Borghese, Roma
Contaba Caravaggio poco más de veinte años de edad cuando -en una de sus primeras obras conocidas- se nos muestra como un joven Baco enfermo. ¿Creía él que su -ya entonces- desmesurada afición al vino había causado su enfermedad? No lo sé. Tradicionalmente se dice que sufría de malaria, como se decía también que murió a causa de esa misma enfermedad; aunque entre la fecha de este peculiar retrato (1593) y su fallecimiento en 1610 no encontremos ninguna referencia más al paludismo.
El envenenamiento por blanco de plomo de los pintores famosos.
Muchos son los historiadores que piensan que ciertos pintores famosos fueron envenenándose sin saberlo con las pinturas que ellos mismos utilizaban en sus cuadros.
La enfermedad, producida por dicha intoxicación, era conocida como saturnismo, cuyos síntomas eran cólicos, dolores de cabeza, mareos y embotamiento, en fases leves. Si la enfermedad se desarrollaba más, por exposición continuada al plomo, provocaba agresividad, alucinaciones, parálisis parcial, sordera y finalmente, la muerte.
Estos síntomas parecen coincidir con las biografías de pintores ilustres como Vicent Van Gogh, Caravaggio, o los españoles Francisco de Goya y el casi contemporáneo Sorolla.

Goya atendido por el Dr. Arrieta 1820 Minneapolis Institute of Arts. Minneapolis. USA.
El saturnismo aparecía especialmente en el de los pintores, debido al alto contenido de plomo presente en los pigmentos que utilizaban. Un ejemplo claro lo podemos encontrar en Goya, quien —después de trabajar en sus cartones— se retiró en 1792 para recuperarse de una dolencia que acabaría por dejarle sordo en 1793

 ADICCIÓNES
Los bebedores de absenta Edgar Degás 1875-76 Museo de Orsay París
Se representa a un hombre y a una mujer sentados en el café la Nouvelle Athènes en la Place Pigalle de París,que frecuentaba Degás ,con una copa de absenta ,bebida alcoholica de alta graduación a base de Artemisia absinthium además de otras hierbas tales como anís verde, muy difundida entre la población europea de la época y más tarde prohibida en muchos países.

La morfina (1894) Santiago Rusiñol
Esta pintura desarrolla un tema bien conocido para el autor, puesto que él mismo fue morfinómano entre 1889 y 1899..pero Rusiñol recurre al subterfugio de representar a la joven como una enferma de depresión, que estaría tomando la droga para paliar sus dolores. La mano de la joven aparece todavía en tensión, agarrando dramáticamente la sábana, pero su rostro delata que el alcaloide ha empezado ya a hacer efecto y se nos muestra plácidamente relajado

 Ergotismo
Los mendigos de Brueghel el Viejo
Entre los siglos IX y XI una misteriosa y cruel enfermedad medieval azotaba a numerosas poblaciones y se le temía incluso más que a la propia lepra.
Y es que esta enfermedad que se conocía como «fuego del infierno» o «fuego de San Antonio» empezaba con un frío intenso y repentino en todas las extremidades que se convertía en una fuerte sensación de ardor. A esto seguían alucinaciones y convulsiones y gangrena en las extremidades que frecuentemente llegaban a desprenderse sin sangrar. El culpable era un hongo que crece en las espigas del centeno con el que posteriormente se realiza el pan y que se denomina Claviceps purpurea.

El ergotismo o fuego de San Antonio era en realidad provocado por el consumo de pan de centeno contaminado de un hongo: el cornezuelo del centeno
Los aquejados por este mal se encomendaban a la Virgen y a San Antonio Abad, cuyas reliquias se encontraban en la población de Dauphine, Francia. Cuando el hijo primogénito de un noble de la zona cayó enfermo, este donó su fortuna para fundar la orden de San Antonio, la cual se encargaría de cuidar a estas personas durante los siguientes 700 años.

 

ENFERMEDADES MENTALES
El cirujano. Jan Sanders van Hemessen 1550.Museo del Prado Madrid
Se ve al falso cirujano en su tenderete extrayendo «la piedra de la locura» a un paciente,ante el horror de los demás.Esta intervención se realizaba con relativa frecuencia,a los pobres dementes, realizando una incisión en la cabeza, por donde se extraía,con la ayuda de un cómplice,una piedra que según ellos era la causa de su locura.Su popularidad se debe a la creencia de que eran endemoniados y por tanto estaban condenados a la hoguera.Tenían la remota probabilidad de no morir…dificil, verdad?


Los locos del pintor francés Théodore Géricault (1791-1824)
Se cree (pero sin que quede demostrado de manera fehaciente) que respondieron a un encargo formulado al pintor por su amigo el doctor Etienne- Jean Georget quien, a la sazón ocupaba el puesto de médico-jefe del antiguo hospital parisino de la Salpêtrière, dedicado a albergar en sus paredes a todo ese mundo diverso de enfermedades que antes se agrupaban en las instituciones denominadas «manicomios», en los que se recluía desde verdaderos enfermos mentales, hasta prostitutas o discapacitados de todo tipo.

Géricault abordó los retratos procurando captar no sólo los rasgos físicos de los representados, sino los caracteres más profundos de su personalidad. Evitó pues los elementos pintorescos que tanto gustaban a la pintura romántica y se concentró en la psicologia de esos pobres enfermos

Realizó cinco retratos,(de los que muestro tres) en los que se pretende dejar fijados los caracteres de otras tantas enfermedades: el robo (la cleptomanía), el rapto de niños, la ludopatía, la envidia y la fijación obsesiva (en este caso, por un cargo militar).

Sir John Everett Millais London. Ophelia. Tate Gallery.
Ofelia el personaje femenino de Hamlet que enloqueció tras la muerte de su padre, y terminó suicidandose.
Fué su gran obra maestra: Ofelia. Un dato curioso: Millais torturaba a la modelo, para posar en sus cuadros. Los pintores de la época querían captar de la realidad el gesto más enfermo, o el más moribundo… así que sin pensárselo dos veces les hacían a sus modelos todo tipo de barrabasadas. Por ejemplo, para posar en este cuadro, Elizabeth Siddal se pasaba 16 horas al día sumergida en una bañera de agua helada, durante todo el tiempo que le costó acabar su obra, para que Millais pudiera captar el “Rigor Mortis” necesario para hacer de su pintura una obra maestra.

El Padre Jofré, defendiendo a un loco. Joaquín Sorolla

Dos mujeres y un hombre – Francisco Goya
Habitualmente se interpreta que el que parece un hombre está masturbándose y podría incluso suponerse que es un loco o retrasado mental, al que contemplan curiosas y burlescas las mujeres. No se define tampoco ni la condición social de los personajes ni el marco que les rodea. Pudieran ser prostitutas (pues Goya las suele pintar por parejas), pero lo único que se puede decir es que visten ropas propias de las capas sociales más humildes.

Louis Wain: Esquizofrenia
Louis Wain fue un pintor inglés de la época victoriana que logró una notable fama por sus dibujos de gatos antropomórficos. Wain empezó a dibujar felinos para entretener a su esposa, enferma de un cáncer que acabaría con su vida años después. Pero los gatos de Wain empezaron a sufrir una mutación en torno a la 1910. Sus personajes dejaron de ser gatos que jugaban al golf para convertirse en criaturas inquietantes, de mirada salvaje y colores arrebatados. Por aquella época el comportamiento del artista empezó a cambiar, volviéndose errático y violento. En 1924 ingresó en una institución mental, enfermo de esquizofrenia. Según se especuló más tarde, la enfermedad pudo desencadenarse por la toxoplasmosis, una infección parasitaria contagiada por los gatos que tanto adoraba

“El Hombre Desesperado” – Gustave Courbet (1843 y 1845)
Locura Trastorno o perturbación patológica de las facultades mentales.
En “El Desesperado”, observamos una mirada más abierta de lo normal que muchos historiadores del arte han justificado como un hombre alejado de su propia mente, que se lleva las manos a la cabeza como símbolo de su propia demencia.

Vincent van Gogh: el Dr. Gachet ha pasado a la historia por los dos cuadros que pintó “el loco del pelo rojo” un mes antes de quitarse la vida. Mucho habría que hablar de estos cuadros y de la especial relación médico-enfermo que mantuvieron el pintor y su modelo.

Dormitorio del Hospital de Arles. 1889. Vincent Van Gogh. Museo Sammlung Oskar Reinhart. Winterthur (Suiza).
Van Gogh sufría una “psicosis cicloide”, según el diagnóstico realizado a partir de esas cartas que realizó el psiquiatra Werner Konrad en 1996. La psicosis cicloide es una patología que alterna capítulos de la esquizofrenia y las psicosis afectivas que causa en el enfermo “episodios alternantes entre la angustia y la felicidad”.
En 1889 Van Gogh es ingresado en el Hospital de Arles por padecer un cuadro psicótico. Es atendido por el Dr. Félix Rey. Aunque se limita su actividad pictórica, se le deja pintar algunos cuadros, entre los que pinta este.Tambien pudo colaborar en su cuadro la intoxicación por plomo.

Edvard Munch (1863-1944)
Se ha dicho que este pintor expresionista noruego padecía esquizofrenia, pero al parecer no la tuvo sino que le diagnosticaron depresión caracterizada por su introversión; por los excesos alcohólicos, y por la continua relación con la enfermedad y la muerte, ya que su hermana Sophie y su madre se murieron de tuberculosis, y su hermana Laura estuvo ingresada y murió en un centro psiquiátrico porque tenía esquizofrenia.

“El grito”
es la representación gráfica de lo que una persona con ansiedad sufre psicológica o conductualmente, por ejemplo, aprensión, sensación de agobio, obsesiones, bloqueo psicomotor, inquietud, irritabilidad, miedo y/o desasosiego.
Edvard Munch, representante de la pintura simbolista, fue un hombre agobiado por la tristeza, y obsesionado con la enfermedad, la locura y la muerte. Tales obsesiones se tornaron en impulsoras de una obra magnífica.


Stephen Wiltshire: Autismo
Una retentiva portentosa y una insólita capacidad para el detalle son dos de los dones del dibujante autista Stephen Wiltshire, que en 2009 pintó un enorme cuadro de 6 metros en el que representaba Nueva York desde el aire tras un breve paseo, de apenas 20 minutos, sobre la ciudad.Wiltshire es un caso paradigmático de “síndrome del sabio”, que afecta a personas que sufren estos desórdenes, pero atesoran unas sorprendentes habilidades específicas. Se calcula que uno de cada diez autistas tienen cualidad de “sabios”.

«La Transfiguración» de Caravaggio, detalle donde aparece un chico probablemente en plenp ataque epileptico.
La Epilepsia no es una enfermedad contagiosa ni está causada por ningún retraso mental. En la antigüedad este síndrome se conocía como Mal Sagrado y en algunas culturas los afectados eran considerados emisarios divinos. El síndrome se caracteriza por episodios críticos en forma de accesos convulsivos y otras manifestaciones motoras, sensitivas y psíquicas.

Alzheimer;
El pintor William Utermohlen realizó una serie de autorretratos entre los años 1995 y 2000 mediante los que se puede apreciar cómo la enfermedad influyó en su arte
Utermohlen, estadounidense de ascendencia germana, pero radicado en Inglaterra desde su juventud, se centró en el autorretrato a la hora de hacer evolucionar su pintura. Pero el Alzheimer tendría la última palabra.En 1995, a los 62 años, le fue diagnosticada la enfermedad,

 Willem de Kooning: Alzheimer

El pintor holandés Willem de Kooning (1904-1997) fue uno de los representantes más notables del llamado expresionismo abstracto tras la segunda Guerra Mundial. Su meticulosa técnica daba luz a cuadros pacientemente elaborados, que llegaban a las galerías con cuentagotas. Sin embargo, a los 60 años contrajo la enfermedad de Alzheimer y su obra sufrió una mutación: “Tras su tratamiento empezó a crear enormes cuadros en tan grandes cantidades (más de doscientos en un año), que inundó el mercado del arte durante los tres últimos años de vida, mientras que antes de la enfermedad, paradójicamente, le costaba meses enteros pintar uno solo. Quizá la calidad de esta pintura última no iguala a la anterior, pero la desestructuración del Alzheimer permitió una hiperproductividad.”

 OFTALMOLOGÍA
La parábola de los ciegos Pieter Brueghel 1568 Mº Nacional de Capodimonte Nápoles
Detalle de la pintura basada en la parábola de Cristo a los fariseos :»Dejadlos,son unos ciegos que guian a otros ciegos»ambos caen en el hoyo…uno de los ciegos que aparecen,fué diagnosticado por un médico francés,de Leucoma,a causa de la película blanca que cubre sus ojos.En el cuadro completo se ven otros ciegos con distintas patologias,uno de ellos con extracción de ambos ojos,práctica frecuente como castigo. y otro con cataratas muy avanzadas


«La duquesa fea» del pintor flamenco Quentin Massys,
La mujer del retrato La duquesa fea sufría de verdad una deformación facial:La enfermedad de Paget, también conocida como osteítis deformante y nombrada en honor al cirujano británico James Paget que la describió por primera vez en 1876, es un trastorno que consiste en la destrucción y la regeneración anormal del hueso, lo cual causa deformidad..
Normalmente afecta a la parte inferior del cuerpo, pero, en el caso de la mujer retratada por Massys, la dolencia le agrandó los huesos de la mandíbula, extendió su labio superior y empujó hacia arriba su nariz, además de afectar a sus manos, su frente y las cuencas de sus ojos.
El pintor no imitó a Leonardo da Vinci , que tiene dibujos parecidos
:Considerado uno de los primeros caricaturistas modernos, Leonardo, al igual que Massys, estaba interesado en la fealdad.

DERMATOLOGÍA
Rinofima
El viejo y su nieto Doménico Ghirlandaio Ca.1488 Museo del Louvre París
Aparece en el cuadro Francesco Sasetti (para el que el artista habia pintado los frescos de su capilla en la Iglesia de la Sma.Trinidad de Florencia) con su nieto,que mira a su abuelo con cariño y pena a la vez,dado a su defecto en la nariz,llamado rinofima, grado extremo de la afección de la piel,que afecta a los folículos pilosos y sebaceos,llamada rosacea.

Rinofima
El Retrato de Federico da Montefeltro y su hijo Guidobaldo” – Pedro Berruguete (1474 y 1477)
Rinofima: es la palabra que se usa para definir una nariz grande y de color rojo, por lo general, esta característica crea que la nariz se deforme pareciendo un bulbo.
Federico de Montefeltro fue retratado en el cuadro de Berruguete como un hombre con una nariz gruesa y algunas glándulas sebáceas sobre la cara.

 Esclerodermia
“San Gerónimo en su Estudio” – Marinus Van Reymerswale (1541)
Otras enfermedades del colágeno –principal contribuyente orgánico de la sustancia de los huesos y cartílagos- es la esclerodermia. Ambos son reflejados con todo detalle por Marinus en el San Jerónimo en su estudio; la esclerodatilia o endurecimiento o atrofia de la piel de los dedos, y la cara afilada con la boca pequeña y los labios delgados, podrían servir para ilustrar perfectamente el mejor libro de Medicina interna.

 Tumores cutaneos
 Paciente con una gran tumoración en la nariz y muchacho con amelia, ausencia del miembro superior congénita.
Obras de la pintora china Lam Qua (fechadas en la década de 1830) que retratan a pacientes del hospital de Cantón, China, que fundó en 1834 Peter Parker, diplomático, médico y misionero. Retratos de pacientes con tumores grandes u otras deformidades importantes. Obras espeluznantes por su dramatismo pero que hay que contemplar porque dan una idea muy precisa del nivel médico de la China del S.XIX.(para el que quiera ver mas casos, he puesto un link)

 Tiña
Santa Isabel de Hungría curando a los tiñosos es un cuadro realizado en 1672 por el pintor español Bartolomé Esteban Murillo, por encargo de Miguel de Mañara, para la decoración de la iglesia de San Jorge del Hospital de la Hermandad de la Caridad de Sevilla.

 Parasitosis
«Niño despiojandose» de Bartolomé Esteban Murillo.(1645)
Los parásitos como piojos , pulgas y chinches eran muy frecuentes en aquella época y fuero causa de las pestes que asolaron Europa en distintos siglos.

 ENFERMEDADES INFECCIOSAS
«Las viejas»:Francisco de Goya
Que por su fisonomia, muy bien podían estar afectadas de sífilis congénita: infección severa, incapacitante y con frecuencia, potencialmente mortal; se observa en los bebés, quienes se contagian cuando una mujer embarazada y con sífilis le trasmite su enfermedad al feto a través de la placenta. Lo que Goya plasmó en su pintura fue la ausencia de puente nasal, la inflamación auricular, la cicatrización de la piel alrededor de la boca

«La inspección médica» de Toulouse-Lautrec
Obligatoria en los prostíbulos que tanto frecuentaba el pintor, como prevención de enfermedades de transmisión sexual como la gonorrea o la sífilis.

 sífilis
«Herencia», Eduard Munch
cuadro de una madre sifilítica y su hijo enfermo que originalmente estuvo colgado con el título de “La Mère” (La Madre), aunque posteriormente sería rebautizado con el título de “Herencia”. La escena nos sitúa a una madre con su hijo en regazos en la consulta del médico. La mujer llora desconsolada mientras repara en la enfermedad que padece el niño, posiblemente fruto de alguna relación ilícita y cuyas consecuencias han resultado fatídicas.
Esta enfermedad está representada aquí en la variedad de sífilis congénita de comienzo temprano. El pintor fijó su atención en un bebé con signos de esta afectación: «exantema macular e hidrocefalia, así como mal estado general y aspecto de facies de viejo”.

 Sífilis
Gerard de Lairesse (1641–1711) Rembrand
El personaje, fue un conocido pintor y grabador del siglo XVII en Holanda. Nacido en Lieja, pronto se trasladó a Amsterdam donde se desarrolló la mayor parte de su vida profesional. Sufrió una sífilis congénita que le provocó ceguera hacia 1690,
En el cuadro, pintado por Rembrandt en 1665, ya podemos observar los efectos que ha provocado la sífilis sobre el retratado: nariz en silla de montar, protuberancia craneofrontal y rágades peribucales. Otros síntomas que se producen en la sífilis congénita son una afectación del sistema nervioso con meningoencefalitis, alteración del VIII par craneal, que puede derivar en sordera, y queratitis8inflamación de la córnea) que puede provocar ceguera bilateral.


 Tifus
Mercedes de Orleans (1860-1878).Reina de España y primera esposa de Alfonso XII, fallecida por el tifus,muy frecuente entonces, en su lecho mortuorio. por Arturo Carretero.

 DIAGNÓSTICO Y TRATAMIENTO
Visita al Templo de Esculapio, John William Webster
En Grecia el culto a Asclepio, dios de la medicina y la curación, implicó la construcción de un gran número de santuarios que, a su vez, eran hospitales y escuelas de medicina, durante mucho tiempo. Entre los más conocidos están los de Epidauro, Cos, Atenas y Delfos en Grecia, Cirene (Libia), y Pérgamo (Turquía).
Los enfermos eran examinados en la Gran Puerta y, si no tenían posibilidad de curarse, no se les permitía el acceso. Los enfermos graves eran sacados del Asclepion y las mujeres embarazadas no podían dar a luz en el hospital. La idea era que nadie muriera dentro de ese recinto consagrado a la curación del cuerpo y el alma bajo la advocación de Asclepio.

Gerrit Dou (1613-1675). El Médico (1653). Detalle Kunsthistorisches Museum. Viena
Durante mucho tiempo -sobre todo en la Edad Media, el Renacimiento y el Barroco- la uroscopia, definida por el Diccionario de la Lengua Española como la «inspección visual y metódica de la orina, antiguamente usada para establecer el diagnóstico de las enfermedades internas», fue el procedimiento más utilizado en medicina para determinar los padecimientos del paciente; hasta tal punto que los pintores holandeses del siglo XVII la representaron en múltiples ocasiones como símbolo por excelencia del acto médico.

 Jan Havicksz Steen (1626-1679). “La enferma de amor” (c.1660). Óleo sobre lienzo. 61 x 52 cm. Alte Pinakotek. Munich

Los cuadros de Jan Steen -apunta el Profesor Reverte Coma– recogen en imágenes la sintomatología polimorfa, variada, pero siempre constante de esta enfermedad, el mal de amor. Languidez, tristeza, ganas frecuentes de llorar, palidez del semblante y de los labios, dolores de cabeza, desgana de hacer nada excepto pasarse el tiempo tendida en un diván, un lecho o una butaca con almohadas en posiciones que variaban desde recostar la cabeza a cambiar de postura continuamente.” Pero en ellos hay también mucho de ironía, de ese peculiar sentido del humor del pintor -que puede llegar a ser irreverente- de esa forma jocosa -tan suya- de entender la vida.

Lección clínica en la Salpêtrière. 1887. Pierre Andre Brouillet Musée d´Histoire de la Médecine. Universidad Descartes. París
El Dr. Charcot, uno de los padres de la Neurología moderna, en una sesión clínica con una paciente en presencia de Babinski (el que sujeta a la paciente), Gilles de la Tourette (primero de la fila de abajo por la derecha), Parineaud (fila de abajo, justo detrás del señor del bigote), y otros discípulos, ilustres neurólogos del futuro.
Entre sus alumnos destaca un joven Sigmund Freud ,cuyo encuentro con el maestro constituyó un gran acontecimiento en su vida. Charcot intenta demostrar las diferencias que existían entre los autenticos ataques epilépticos y la histeria, la palabra histeria proviene del griego hystera que quiere decir útero, debido a que desde la antigüedad hasta principios del siglo XX se consideraba como un mal procedente del útero.

«El charlatán sacamuelas» Theodor Rombouts 1628 Museo del Prado Madrid
La intervención de dientes,era uno de los temas favoritos de los pintores holandeses y flamencos del S.XVII Así,pintores como Teniers,Dou,van Ostade,Rombouts y otros, representaron esta intervención dándole siempre un toque grotesco.Hay un detalle a destacar: el sacamuelas,lleva un collar de las mismas colgado,muestra de su «experiencia»

«Ciencia y Caridad» Pablo Picasso 1897 Museo Picasso Barcelona
Lo pintó cuando solo tenía 16 años y recoge dos aspectos de la enfermedad:la ciencia,representada por el médico y la caridad representada por la monja que lleva a la niña de la mujer enferma en sus brazos.Como curiosidad añadir que los modelos empleados fueron una vagabunda,un actor vestido de monja con un hábito prestado por las Hermanas de San Vicente y su propio padre ,en el papel del médico

«Alfonso XII visitando el hospital de coléricos de Aranjuez» 1885 autor desconocido
Cuando se desató en 1885 una epidemia de cólera en Valencia que se fue extendiendo hacia el interior del país y la enfermedad llegó a Aranjuez, el monarca expresó su deseo de visitar a los afectados, a lo que el Gobierno de Cánovas del Castillo se negó por el peligro que ello entrañaba. El rey partió entonces sin previo aviso hacia la ciudad y ordenó que se abriera el Palacio Real para alojar a las tropas de la guarnición.

«Caballeros atendiendo a los sacerdotes enfermos en el hospital». 1699. Lucas Valdés. Hospital de la Hermandad de los Venerables Sacerdotes. Sevilla
(El Hospital de los Venerables Sacerdotes de Sevilla (conocido popularmente como el Hospital de los Venerables) es un edificio barroco del siglo XVII que sirvió como residencia de sacerdotes, y que actualmente es la sede del Centro Velázquez, consagrado al famoso pintor Diego Velazquez
. Está situado en la plaza de los Venerables, en el centro del Barrio de Santa Cruz y os recomiendo especialmente su visita..

«La visita al hospital.» 1889. Luis Jiménez Aranda . Museo del Prado. Madrid

«The Gross Clinic» 1875 Thomas Eakins, Jefferson Medical College Filadelfia USA
El doctor Gross aparece con un bisturí en la mano,completamente ensangrentada,con sus ayudantes alrededor.Es un buen ejemplo de la cirugia que se practicaba en el S.XIX totalmente carente de asepsia,a pesar que unos años antes,el cirujano inglés Lister,habia demostrado que las infecciones tras las intervenciones quirurgicas ,podían reducirse con medidas higiénicas adecuadas.En este caso,tanto el cirujano como los ayudantes visten levitas y no llevan guantes.Curiosidad:los guantes se implantaron 15 años mas tarde,pero no por higiene sino por amor de un médico hacia una enfermera,que no quería estropeara sus manos con los líquidos antisépticos.

«El albañil herido» Francisco de Goya, 1786-1787 Museo del Prado Madrid
El albañil herido es un cuadro de Francisco de Goya perteneciente a la tercera serie de cartones para tapices.La obra difunde iconográficamente un edicto de Carlos III que regulaba la construcción de andamios y que fomentaba las medidas de seguridad en la construcción y solicitaba indemnizaciones a los maestros de obras por los accidentes laborales producto de las deficiencias en los andamios.Se ha destacado el tema decididamente social en esta obra de Goya.

Muerte del maestro (1884), lienzo original de José Villegas, Museo de Bellas Artes de Sevilla
Representa una escena que se desarrolla en la capilla de una plaza de toros, tras la muerte por cornada de un torero, que esta rodeado por sus compañeros y cuadrilla.

«La lección de anatomía del Dr.Tulp» Rembrand 1632 Mauritshuis, La Haya
Es el primer retrato de grupo pintado por Rembrandt, que tenía entonces 26 años. Fue un encargo del potente gremio de los cirujanos, de los cuales Tulp, famoso médico de Ámsterdam, era un representante eminente. El doctor Nicolaes Tulp está representado explicando la musculatura del brazo a profesionales de la medicina. El cadáver pertenece al criminal Aris Kindt (Adriaan Adriaanszoon) de 41 años, ahorcado ese mismo día.

 Leonardo da Vinci (1452-1519). Mona Lisa (1503-1506) Museo del Louvre. París
Y por último un «ejemplo de pluripatología»:
Muchos médicos se han ocupado abundantemente, desde su particular perspectiva, de los posibles problemas de salud que la señora del cuadro hubiera podido padecer… y parece increíble la cantidad y variedad de “diagnósticos” que ha recibido. Son tantos, que os pongo el link de la página donde se describen ( espero que algunos términos los entendais, ya que son bastante técnicos):
 https://lamedicinaenelarte.wordpress.com/2015/01/18/la-gioconda-un-compendio-de-medicina/

 Bibliografia: «La Medicina en la Pintura», Alejandro Aris. Lunwerg Editores

EL ARTE EBORARIO

La eboraria es el arte específico de tallar el marfil que junto con los esmaltes y el trabajo de orfebrería en plata, oro y bronce, que tuvieron un gran desarrollo en la época románica y gótica especialmente en las zonas de influencia carolingia. 
 Mostraban sobre todo el poder de los que encargaban las obras, principalmente en grandes monasterios o por encargos de poderosos personajes El Arte Románico tuvo en la eboraria, escultura de objetos de marfil, uno de sus mejores resultados como arte suntuaria. Sobresalió en la confección de pequeñas figuras, como adecuación al material con el que se realizaba, colmillos de animales, que no permitían grandes elaboraciones. A pesar de esta dificultad se lograron piezas de gran riqueza, pues la habilidad de los artesanos y el colorido del marfil proporcionaron texturas y formas de gran hermosura.
Cuando decimos marfil sin más, es para referirnos a los incisivos, erróneamente llamados colmillos, de los elefantes, pero hay otros animales que tradicionalmente se han utilizado para fabricar los objetos de marfil, el más valorado es el narval. Se trata de una especie de pez espada con un diente largo de marfil, la mayoría de los objetos de la antigüedad están hechos con él. Los viajes a África o a la india no eran fáciles y era una materia idónea, mejor que el hueso. Para nombrarlos correctamente debemos decir marfil de narval, de diente de jabalí, etc, el apelativo marfil a secas convencionalmente está reservado para el del elefante. Últimamente vemos comercializadas por Rusia figuritas y objetos en marfil de mamut.
 La talla en marfil, por la propia composición de su materia, se realiza de forma diferente a la escultura tradicional. El poco volumen, la gran dureza, y la delicadeza necesaria en esos diminutos trazos hace que su elaboración se realice con limas, buriles, sierras; del mismo modo que se operaba en la marquetería más delicada. 
 Entre las obras eleaboradas con marfil, son numerosas, las Vírgenes, algunas «abrideras» des las que hay numerosas piezas, los dípticos que estuvo muy en boga entre los romanos como libritos de notas y como artículos de lujo para aguinaldos. De ellos, los más notables que se conservan son los llamados consulares, que solían dar los cónsules del imperio como aguinaldo a otros personajes y a los amigos a principios de año. Tienen adornada con relieves la parte exterior de las tablitas figurando de ordinario el retrato del mismo cónsul en actitud de presidir e inaugurar los juegos públicos, arrojando al circo la mappa o pañuelo que lleva en su mano. Todos los dípticos de este tipo que se conservan son de marfil y de estilo bizantino, propios del siglo V y primera mitad del VI.
 Los Trípticos con representaciones sacras, que se empleban para la oración como pequeños altares. los cofres y arquetas de las que en España tenemos valiosos ejemplos, etc. Y sin mas preambulos, vamos a ver algunos ejemplos. 

 CRISTO DE FERNANDO I Y SANCHA (MAN, Madrid)
Es una obra maestra en el arte de la eboraria, datado alrededor del año 1063 y que se conserva en el Museo Nacional Arqueológico de Madrid.
Fue una ofrenda de los reyes Fernando I de León (c.1010-1065) y su esposa doña Sancha de León (1013-1067), que formaba parte del ajuar que regalaron a la colegiata de San Isidoro de León
En España desde el siglo XI hubo un gran taller de eboraria y orfebrería en San Isidoro de León, siendo una gran muestra de ello el crucifijo de don Fernando y doña Sancha y la caja de reliquias de san Juan Bautista junto con el cáliz de doña Sancha y el relicario de san Isidoro.

 CRISTO DE CARRIZO
Otra obra insigne del taller leonés es el Cristo de Carrizo, procedente del monasterio leonés cercano a la villa. Su cronología puede cifrarse a finales del siglo XI con una iconografía clásica respecto de los Cristos románicos. Es pieza de menor tamaño que la anterior, pero de indudable aprecio, como se puede comprobar en el detalle que ofrecemos en la fotografía.Museo de San Marcos, León.
Los Cristos de marfil procedentes del foco leonés (Cruz de Fernando I y doña Sancha y el Cristo de Carrizo) fueron muy importantes en la introducción de novedades en la representación del crucificado que luego se extenderá a toda la plástica románica (desde la escultura de madera a la pétrea).

 CRISTO DE MARFIL MUSEO DEL RETABLO (Iglesia de San Esteban, Burgos)
El pequeño crucifijo de marfil originario del Monasterio de San Juan de Ortega. A pesar de su pequeño tamaño (mide tan solo 13 cm. de alto por 2,5 de ancho y, además, ha perdido los brazos) es una notabilísima obra de eboraria y orfebrería románica del siglo XII. Además del marfil del cuerpo de Cristo, la corona es de plata dorada con piedras preciosas.
El interior de la iglesia de San Esteban alberga el Museo del Retablo de Burgos con una colección de interesante piezas procedentes de iglesias burgalesas.

 ESTUCHE
 El Estuche de marfil del siglo X, realizado sobre un colmillo, procede de los talleres de Madinat Al-Zhara en Córdoba, realizado para una hija de Abd al-Rahman III según la inscripción cúfica que presenta. Cuenta con cinco oquedades semiesféricas a cada lado y los espacios libres están ricamente decorados con ataurique. Procede también de Santo Domingo de Silos.
 foto y texto de Sira Gadea «Viajar con el Arte»

BOTE DE ZAMORA  Museo Arqueológico Nacional, Madrid
En realidad, el trabajo del marfil para hacer bellezas como el bote de Zamora, también en el MAN y de procedencia árabe, se remonta a Egipto, pero tiene un apogeo artístico en el Imperio Bizantino, tras la caída de Roma en el siglo V, sobre todo en los talleres de Constantinopla, la actual Estambul.

 ARQUETA DE LEYRE  Museo de Navarra Proviene de Madinat al-Zahra S.XI
El arqueta de Leyre es una caja elaborada con placas de marfil de elefante delicadamente decorada con motivos vegetales, animales y lo que es más inusual en el arte islámico, con figuras humanas, una de las cuales podría representar al propio califa cordobés Hisam II (965 – 1013). Las inscripciones existentes en esta joya del arte hispano-musulmán han permitido obtener mucha información acerca de la misma, e incluso el nombre del maestro que la labró y de sus cuatro ayudantes.

 ARCA DE LOS MARFILES  (también llamada arqueta de San Isidoro de León), 
Es la pieza más antigua que se conserva obtenida del taller de marfiles de león. Fue un encargo de los reyes leoneses Fernando I y Sancha, que entregarían como obsequio a la Colegiata de San Isidoro de León, para guardar dentro la mandíbula de San Juan Bautista (una de tantas repartidas por el mundo cristiano) y el cuerpo del niño mártir Pelayo. Actualmente se guarda en el museo de esta colegiata.

 ARQUETA DE SAN FELICES  Monasterio de Yuso, San Millán de la Cogolla, La Rioja
Destaca tambien la Arqueta de San Felices, «una de las más importantes joyas que se exponen en esta colección».Se encuentra recubierta por cuatro piezas de marfil hechas en el siglo XI con escenas religiosas. Además, tiene tres piezas de cristal de roca con forma de piezas de ajedrez árabe, mientras que la estructura original de madera se encuentra recubierta por piezas de orfebrería desde 1944.

 ARCA DE SAN MILLÁN S.XI
El tercer taller del que salieron piezas de enorme interés fue el de San Millán de la Cogolla, (La Rioja) que realizó su producción en la segunda mitad del siglo XI. Entre ellas destaca el Arca de San Millán, elaborada entre los años de 1060 a 1080.
 

 

Virgen abridera , Museo de Arte Sacro del Real Monasterio de Santa Clara, Allariz (Orense)

Una Virgen Abridera Tríptico es una escultura mariana con dos batientes móviles en su parte frontal. Al abrir las puertas, la talla se transforma en un tríptico conformado por tres paneles
independientes, cada uno de ellos con escenas esculpidas y/o pintadas, agrupadas en torno a tres grandes ejes temáticos: la Trinidad, la vida de Cristo y la vida de la Virgen
 Virgen abridera , Museu de Arte Sacra da Catedral Évora (Portugal) S.XIV

 Virgen con niño Museo Lázaro Galdiano Madrid, S.XIV

 Virgen abridera S.XIV-XV Salamanca, Museo Diocesano de la Catedral Vieja,

  La Virgen anterior abierta rn forma de tríptico

 Virgen de Manila Tesoro de la Catedral de Sevilla

 Virgen de marfíl, Catedral, Capilla Real Sevilla (Rheims Siglo XIII)

 Virgen de marfil Catedral de Toledo, ( France, S.XIV)

Virgen románica procedente de España Collection of the Hispanic Society, New York
 Virgen de marfíl Sainte Chapelle París

Virgen de marfil gótica Hamburg, Museum für Kunst und Gewerbe

 DÍPTICO DEL CÓNSUL ANCIO PROBO (406). 
Tesoro de la catedral de Aosta, Italia. Se trata del díptico más antiguo que se conoce. El representado no es el cónsul sino el emperador de Occidente, Honorio.

 ´CÁTEDRA DE MAXIMIANO 
Detalle de uno de los paneles de la silla..Rávena, Italia S.V dC
Cristo imberbe en el milagro del vino de las Bodas de Caná. Detalle de la Cátedra de Maximiano de Rávena (consta de diez paneles). En los zarcillos laterales se enhebran hojas de parra, racimos de uvas y distintos animales como conejos, patos, cabras y pavos reales.
Esta famosa silla episcopal está totalmente realizada en marfil, a excepción de unos paneles perdidos que han sido reemplazadas en la actualidad por paneles de madera recubiertos de pergamino(lo que armoniza mejor con el tono y el color de las otras partes de marfil). De 1,50m de alto y 0,60m de ancho, estuvo formada originariamente por 26 paneles de marfil tallado, en los que se representan dos ciclos narrativos diferentes

 DÍPTICO QUERINIANO. 
Realizado supuestamente en el siglo V y que se puede contemplar en el Museo de Santa Julia en Brescia.

 Díptico con cinco partes de relieves de marfil en cada hoja, posiblemente la cubierta de un Nuevo Testamento. Es una obra de finales del siglo V posiblemente de los talleres de Rávena que se puede ver en el Tesoro de la catedral de Milán.

 RELIEVE DE ARIADNA 
De comienzos del siglo VI, posiblemente de la decoración de un sitial. Marfil 40 x 13,8 cm, Museo de Cluny, París. Ariadna, personaje mitológico, es representada con la cabeza velada como una novia y coronada por dos putti como símbolo de su matrimonio con Dionisos.

 DÍPTICO DE FLAVIUS ANASTASIUS PROBUS S.XVII. Marfil, Bibliothèque Nationale de France, 
En su mano izquierda porta un bastón con el águila de Júpiter como símbolo de poder temporal y en la derecha el pañuelo con el que da la señal para que comiencen los espectáculos de carreras, cacerías, luchas de animales y demás espectáculos circenses que podemos ver debajo.

 DÍPTICO BARBERINI, principios del siglo VI. Museo del Louvre, París.
El díptico Barberini se trata de díptico bizantino realizado en marfil y con incrustaciones de piedras preciosas en torno al siglo VI d. C. y atribuido a los talleres escultóricos de la antigua Babilonia. De hecho durante el imperio bizantino estas representaciones fueron muy utilizadas para conmemorar las victorias y conquistas de los emperadores y rendirles así tributo.

 El díptico de la personificación femenina de las ciudades de Roma y Constantinopla, finales del siglo V o comienzos del siglo VI. Marfil, cada hoja miden 27,4 x 11,5 cm. Museo de Historia del Arte de Viena

 Panel de marfil que muestra un arcángel, hecho en Constantinopla. Conservado en el Museo Británico, Londres. Sorprende el tamaño de la pieza, hecha de un sólo colmillo, lo que se aprecia en la curvatura de las esquinas izquierdas de la placa

 TEOTHOCOS    con niño, ángeles y el mecenas haciendo proskynesis (beso de los pies en señal de sumisión y adoración) a los pies de la Virgen. Marfil de finales del siglo X. Bayerisches Nationalmuseum München

  TRÍPTICO HARBAVILLE
Es un marfil bizantino de la mitad del siglo X. Museo del Louvre, París. Representa la Deesis y la corte de santos y apóstoles que interceden ante el Cristo juez.
Concebido como un altar en miniatura para la devoción privada, con ejemplos muy abundantes en los siglos IX y X, es sin ninguna duda el mejor de ellos. Cristo entronizado está acompañado de la Virgen y San Juan y flanqueado por santos en un estilo rígido, atemperado por la concepción clásica de las figuras y los pliegues y las formas plásticas en un espacio poco profundo.

 TRÍPTICO BORRADAILE S.X. Museo Británico. 
Representa la Déesis en la tabla central: Cristo en la cruz, flanqueado por la Virgen María y San Juan Evangelista. Los arcángeles Miguel y Gabriel están colocados a los lados

 VIRGEN HODEGETRIA  Tríptico de marfil del siglo X. . British Museum, Londres.
Es una de las tres principales formas de representar a la Virgen María en la iconografía de la Iglesia Ortodoxa (las otras dos son el icono de la ternura de la Madre de Dios y el icono de la interseción de la Madre de dios  En este icono se representa a María sosteniendo al niño Jesús en sus brazos y señalándolo para indicarle a los fieles que la Verdad se encuentra en Él.
Se acompaña de medallones de ángeles y santos.

 Tablilla de marfil donde Cristo bendice al emperador bizantino Romano II y a la emparatriz Eudoxia. Medallas Gabinete Francia. París. siglo X.

 Diptico con la Virgen gloriosa y dos angeles Inst. Valencia Don Juan Madrid S.XIV Madrid

 Tableta de la escritura o la tapa de una caja de pesas con figuras bajo arcos siglo XIV

 Díptico de marfil Madrid, Museo Lázaro Galdiano Francia(?), S.XIV.

 Diptico en dos paneles ,Anunciación (arriba izquierda),Entrada en Jérusalen (anbajo izquierda), Natividad y la Crucifixion. – Francia, finales S.XIV – Schwerin, Staatliches Museum Schwerin –

 Diptico de marfil Madrid, Museo Arqueológico Nacional S.XV

 Plaqueta de marfil con escena del desfile triunfal de Constantino. Museo de Navarra
bajorrelieve que representa la entrada triunfal de Constantino el Grande en la ciudad de Roma el 312, tras su victoria sobre Majencio, el 28 de octubre, en las cercanías del Puente Milvio, al que dedicaremos nuestra atención.
Se trata de una placa de marfil de 42,3 a 48 cm. de longitud, y de entre 14 y 15,1 cm. de anchura, de acuerdo al desarrollo curvo del colmillo animal, lo más probable elefante, que presenta un grosor de 1,6 cm., cuyo anverso se ha decorado en bajorrelieve con la representación mencionada, presentando liso el reverso

 Detalle de la anterior con la figura del emperador
Pertenece al tipo “plaqueta” (menos habitual que el “bulto redondo”), de producción frecuente entre la segunda mitad del siglo XVI y los albores del XIX, en que las representaciones en marfil comenzaron a ceder ante la competencia de la porcelana

 Díptico de marfíl. Salas Capitulares del Monasterio de el Escorial S.XV

 Reloj de sol díptico 1620  Museo Lázaro Galdiano
La tapa, cara exterior: presenta una rosa con 32 rumbos, la mitad de ellos en rojo y la otra en verde, con las letras M (meridies), OC (occasus), S (septentrio) y OR (ortus) que marcan los cuatro puntos cardinales. En el centro una aguja indicadora de latón en forma de mano con el dedoíndice como puntero y un agujero donde se insertaba una pequeña veleta

 El paso de los siglos fue modificando la eboraria y las diferentes corrientes artísticas dieron otro estilo a las nuevas tallas de marfil.
El detalle y precisión que manejan las piezas de marfil junto con la aplicación de color logran un naturalismo en los rostros de las vírgenes y santos, reflejando expresiones y miradas policromadas. La influencia Occidental se puede apreciar en el uso del tema para las figuras elaboradas con la técnica del Oriente, que al igual por la transformación de los rasgos de los ojos, estilo de ropa y facciones más estilizadas

 Las figuras de los santos y vírgenes resaltan una forma alargada con manos finas y cuellos cortos. Se emplea una policromía en tonos tierra como ocre, sienas, amarillos y grises para dar una detallada decoración. La ornamentación de los marfiles consta de piezas elaboradas y definidas con plata y oro.

 CRISTO DE MARFIL MUSEO DEL RETABLO (Iglesia de San Esteban, Burgos)
El pequeño crucifijo de marfil originario del Monasterio de San Juan de Ortega. A pesar de su pequeño tamaño (mide tan solo 13 cm. de alto por 2,5 de ancho y, además, ha perdido los brazos) es una notabilísima obra de eboraria y orfebrería románica del siglo XII. Además del marfil del cuerpo de Cristo, la corona es de plata dorada con piedras preciosas.
El interior de la iglesia de San Esteban alberga el Museo del Retablo de Burgos con una colección de interesante piezas procedentes de iglesias burgalesas. 


 Cristo de marfil.filipino S.XVIII

La mayoría de las tallas religiosas de marfil mexicanas no se hicieron en México. Se tallaban por encargo y siguiendo modelos europeos en China continental y en los asentamientos chinos de Filipinas. Se llevaban luego a Acapulco (México) en el galeón de Manila y, de ahí, se distribuían a España y otros lugares de América. Estas imágenes se conocen también como marfiles hispano filipinos e, incluso, como marfiles luso indios

 Conjunto de esferas de marfil una dentro de otra en el Museo de Arte Oriental del Convento de Santo Tomás de Ávila, que cuenta con obras que proceden de Japón, Vietnam, Filipinas y China.
De Oriente también han llegado algunas muestras a España, como las que se guardan en el museo del Real Monasterio de Santo Tomás de Ávila, aunque en este caso ya son piezas del siglo XVIII.

 Abanico. Talla en marfil calado. Cantón, China, 1780.
Los abanicos han sido realizados en China desde tiempos muy antiguos. Los de forma redondeada se hicieron populares durante la dinastía Tang (618-906). Los abanicos de varillas plegables son una invención japonesa y fueron introducidos en China en el siglo XI.

 LAS CRISELEFANTINAS
 Atenas Partenos, superaba los 12 metros de altura. y se encontraba en el Partenón de Atenas.
Este tipo de imagen de culto gozó de un gran prestigio en la Antigua Grecia. Las estatuas criselefantinas se construían sobre un marco de madera al que se sujetaban finos bloques tallados de marfil, representando la carne, y pan de oro (chrysós) para representar los ropajes, la armadura, el cabello y otros detalles.para la creación de estatuas que representaban a las diosas mitológicas
 El origen de esta denominación de criselefantinas se encuentra en un referente histórico, la antigua Grecia.

 Las criselefantinas son unas figuras de bronce y marfil que empezaron a realizarse a finales del siglo XIX pero no fue hasta después de la primera guerra  cuando, dentro del llamado Art Nouveau, se desarrollaron plenamente. El marfil se aplicaba a las partes carnosas que quedaban al descubierto configurando así un aspecto realista de las figuras, para el ropaje su utilizaba el oro u otros metales.

 Curiosamente, a finales del siglo XIX otro imperio colonial, en esta ocasión Bélgica, aprovecha sus recursos del Congo y anima a los artistas a utilizar el marfil en la elaboración de sus creaciones.
 Por extensión, y modernamente, el término criselefantina se ha aplicado también a pequeñas obras del estilo Art Nouveau que combinan no sólo marfil y oro sino también bronce, mármol, plata u ónix.

 Fuentes:

 http://gothicivories.courtauld.ac.uk/images/ivory/da11dda5_0b631ef8.html

 http://www.him-mag.com/les-ivoires-gothiques/ http://www.romanicoaragones.com/colaboraciones/Colaboraciones04372ArquetaLeyre1

.htm http://www.amigosdelromanico.org/dearteromanico/dar_47_eboraria.html

http://www.arteguias.com/imagineria.htm 

Y las páginas de los Museos mencionados

LAS ÓRDENES MILITARES

Con la denominación de «militares», «ecuestres» u órdenes de caballería se multiplicaron desde finales de la Edad Media y durante el Antiguo Régimen todo tipo de instituciones vinculadas de distintas maneras a los estamentos privilegiados (nobleza y clero); identificando a sus miembros con hábitos y cruces distintivas, muy usadas en heráldica
En las órdenes militares compaginaban la vida militar con la religiosa, aunque la mayoría no eran sacerdotes. A veces, en tiempos de paz se dedicaban a otras cosas, tales como cuidar enfermos, como los de la Orden de San Juan, o a atender a los pobres, como la Orden de San Lázaro.
Su organización estaba muy jerarquizada: El maestre fue la máxima autoridad de la orden, con un poder casi absoluto, tanto en lo militar, como en lo político o en lo religioso.Tenía carácter vitalicio. Era elegido por el consejo, compuesto por trece frailes, que eran los encargados de elegir un nuevo maestre cuando el anterior moría. Dentro de la orden existían frailes militares y frailes clérigos. Un comendador administraba las posesiones, llamadas encomiendas.
Según la leyenda, la primera orden militar la creó el emperador Constantino en el 312, que en vísperas de la batalla contra Majencio, vio una cruz en el cielo con el emblema “In hoc signo vinces” ( Con este signo vences). Así fue y después de la batalla armó los primeros caballeros, la Caballería Aurata Constantiniana, que llevaban el labarum . A continuación declaró la libertad de culto para los cristianos, año 313.
He intentado hacer un resumen,sobre todo de las que existieron en la Península,pero resulta dificil por la cantidad de datos que existen, así que espero disculpeis las deficiencias. 

 Las órdenes militares en la Península, aparecieron respondiendo a una imitación de las ya existentes en Europa. Surgen a raíz de las Cruzadas, y juegan un papel muy importante en la Reconquista de los territorios musulmanes y en las posteriores Repoblaciones de valle del Guadiana y Guadalquivir, y se convirtieron en una fuerza política y económica .

 Distribución geográfica de las principales Órdenes en España

 La Reina Isabel II investida de Gran Maestre

 Investidura de Alfonso XII como Gran Maestre de las Órdenes Militares.
En España, esta tradición militar y religiosa sigue hasta varios siglos después, creándose la Real Orden de Carlos III, establecida por éste en 1771,para premiar las acciones en favor de España y la Corona y que, aunque apareció como orden militar, en el s. XIX pasó a se orden civil.

 Alfonso-XIII Gran Maestre de las cuatro Órdenes

 Principales Órdenes europeas
En la Edad Contemporánea, perdidas sus funciones militares y políticas y su poder económico (desamortización), únicamente tienen un papel honorífico y representativo de determinados círculos sociales; aunque la Soberana Orden de Malta sigue teniendo consideración cuasi-estatal en las relaciones internacionales.

ORDEN DEL SANTO SEPULCRO
Escudo de la Orden del Santo Sepulcro
Creada en 1098 por Godofredo de Bouillón, duque de la Baja Lorena y Protector del Santo Sepulcro, tras la victoriosa primera cruzada, es reconocida como la Orden más antigua del mundo.

Su objetivo primordial fue proteger el Santo Sepulcro de los infieles con la ayuda de 50 esforzados caballeros. Balduino I de Jerusalén (hermano de Godofredo) la dotó oficialmente de su primer reglamento, a imitación del Temple y el Hospital. Entre sus hechos más gloriosos, la Orden luchó valerosamente junto al rey Balduino I de Jerusalén en 1123, participó en los asedios de Tiro en 1124, de Damasco (durante la Segunda Cruzada, en 1148) y de San Juan de Acre en 1180.

 ORDEN DEL SANTO SEPULCRO
Caballeros de la Orden del Santo Sepulcro en Jerusalen
Al poco tiempo, se planteó la necesidad de ampliar la Orden, que despertó el entusiasmo de destacados personajes como San Bernardo de Claraval, renovador del Císter.Se reclutaron así gran cantidad de caballeros por toda Europa, los llamados Templarios, que hacían votos de pobreza, castidad y obediencia .Pero se abstenían de participar en combates de las cruzadas.

 ORDEN DEL SANTO SEPULCRO
Tras la toma en 1187 de la ciudad santa de Jerusalén por de los musulmanes de Saladino, la Orden se trasladó a Europa y se extendió por países como Polonia, Francia, Alemania y Flandres. A partir de entonces, se dedicó al rescate de cautivos cristianos de manos musulmanas.

 IGLESIA DE LA VERA CRUZ SEGOVIA, Anteriormente titulada como Santo Sepulcro, es un templo católico situado en el barrio de San Marcos de la ciudad de Segovia

Consta de una nave con planta dodecagonal que circunda a un pequeño templete (edículo) central de dos plantas.La construcción de este templo ha sido tradicionalmente atribuida a los Templarios, pero actualmente se cree que fue la Orden del Santo Sepulcro de Jerusalén la que realizó su construcción
En el año 1531 y como resultado de la unificación de la Orden del Santo Sepulcro con la Orden de San Juan de Jerusalén pasó a depender de la Soberana Orden Militar y Hospitalaria de San Juan de Jerusalén, de Rodas y de Malta.

 ORDEN DEL SANTO SEPULCRO
San Onofre en el Janículo (Roma), sede de la Orden. del Santo Sepulcro

LA ORDEN DEL TEMPLE
Cruz Templaria en la Iglesia del Santo Sepulcro de Jerusalen
La Orden del Temple,cuya aparición en Jerusalén se debe al francés Hugo de Payens y al flamenco Godofredo de Saint Adhemar, En 1096-1099 se desarrolla la I Cruzada, en la cual participa entre otros el Hugo de Payns.
Año del señor de 1118. Los cruzados occidentales gobiernan Jerusalén bajo el mandato del Rey Balduino II. Es primavera y nueve caballeros, con Hugo de Payns a la cabeza, y a similitud de los ya existentes «Caballeros del Santo Sepulcro», fundan una nueva orden de caballería, con el beneplácito del rey de la ciudad. Han nacido los Templarios.
Junto con el caballero flamenco Godofredo de Saint-Adhemar, decidieron impulsar la fundación de una orden monástica, cuya finalidad era la la custodia de los Peregrinos y a la guarda de los peligrosos caminos que conducían a los lugares de Peregrinación. La denominaron Orden de los Pobres Soldados de Cristo.
   LA ORDEN DEL TEMPLE
Balduino II de Jerusalén cede el Templo de Salomón a Hugo de Payens y a Godofredo de Saint-Omer.

 LA ORDEN DEL TEMPLE
Creada en 1098 por Godofredo de Bouillón, duque de la Baja Lorena y Protector del Santo Sepulcro, tras la victoriosa primera cruzada, es reconocida como la Orden más antigua del mundo.
Su objetivo primordial fue proteger el Santo Sepulcro de los infieles con la ayuda de 50 esforzados caballeros.

 
 Plano del desaparecido Templo de Salomón

 Recreación del Templo
 Es significativo señalar la donación por el Rey Balduino II de Jerusalén como sede para la nueva orden, y de ahí su denominación, de la mezquita blanca de al-Aqsa, del Monte del Templo. Creo necesario indicar que en la época, se identificaba dicha mezquita como el emplazamiento exacto del Templo de Salomón (hoy se sabe que era mucho mayor, y que la mezquita ocupa solamente el atrio de dicho templo),

 Por ello no es facilmente explicable como a una recién fundada «policía de caminos» tal era la función principal de los Templarios en sus comienzos, se le fuera donado semejante emplazamiento, donde cabían sobradamente varios millares de caballeros, teniendo en cuenta que, en principio, solo fueron nueve hombres.

 LA ORDEN DEL TEMPLE
El éxito de los templarios se vincula estrechamente a las Cruzadas. La pérdida de Tierra Santa derivó en la desaparición de los apoyos a la orden. Además, los rumores generados en torno a la secreta ceremonia de iniciación de los templarios crearon una gran desconfianza. Felipe IV de Francia, fuertemente endeudado con la orden y atemorizado por su creciente poder, comenzó a presionar al papa Clemente V con el objeto de que tomara medidas contra sus integrantes

 LA ORDEN DEL TEMPLE
Ilustración de un manuscrito medieval en el que se acusa a los templarios de sodomía., quizá una de las causas, fuera la costumbre de cabalgar dos en el mismo caballo, como aparece en la imagen inferior.

 Caracena, Soria Iglesia de San Pedro cabecillo con la hipotética cabeza de Baphomet
En la iglesia de San Pedro, donde se localizan los elementos que, en base a una supuesta asociación de contenidos, han constituido las claves sobre las que se sustenta, básicamente, el mito templario en el lugar: los fragmentos de una antigua losa sepulcral y el canecillo que se muestra al principio de la presente entrada, en el que se tiende a ver -opinión generalizada- una posible representación del misterioso Baphomet.

 Baphomet imagen en arcilla que se encuentra en el Monasterio de Tomar, Portugal
También Bafomet, Bafumet, Bafometo, Baffometo, era una deidad adorada en la antigua Babilonia, su nombre apareció por primera vez cuando los templarios fueron enjuiciados por herejes. Durante el proceso muchos de los caballeros de la orden fueron sometidos a tortura, y confesaron numerosos actos heréticos. Entre ellos se incluyó la adoración a un ídolo de este nombre. Se entiende que aquellos que buscan destacar esta imagen son contrarios al cristianismo.
 

 LA ORDEN DEL TEMPLE
En 1307, un gran número de templarios fueron apresados, inducidos a confesar bajo tortura y quemados en la hoguera.9 En 1312, Clemente V cedió a las presiones de Felipe IV y disolvió la orden Jacques de Molay, fué último gran maestre de la orden

 LA ORDEN DEL TEMPLE
Castillo de Cornatel
Ubicado en el municipio de Priaranza, el castillo, que pudo estar relacionado con un dstacamento romano, que explotaban el oro de las cercanas Médulas,se construyó en la España cristiana de los siglos IX y X, cuando jugó un papel destacado en la Reconquista. Ya en el siglo XIII aparecen los Caballeros Templarios, quienes al parecer tomaron posesión del castillo de Cornatel, al igual que el de Ponferrada-

 LA ORDEN DEL TEMPLE
Caballero Templario tallado en un arbol, que se encuentra en la población de Priaranza

 SAN FRANCISCO EL GRANDE (Madrid)
El convento y su museo, estan bajo el patrocinio de La Obra Pía de los Santos Lugares de Jerusalén que es una institución centenaria ligada a la presencia de España en Tierra Santa que sirve a la cooperación religiosa y humanitaria y contribuye a la difusión de España y su cultura entre los pueblos del Mediterráneo y Oriente.

 SAN FRANCISCO EL GRANDE
Altar mayor con las cruces de las Órdenes Militares españolas.

 ORDEN DE SANTIAGO
Cruz de Santiago
La Orden de Santiago es una orden religiosa y militar surgida en el siglo XII en el Reino de León
La orden más destacada de cuantas nacieron al calor de la Reconquista fue la de Santiago. De ella fueron caballeros distinguidos el gran ministro del rey Juan II de Castilla en el siglo XV, Álvaro de Luna, el conquistador de Centroamérica Pedro de Alvarado, el gran escritor del Siglo de Oro Francisco de Quevedo, el mejor pintor de la historia de España, Velázquez….

 ORDEN DE SANTIAGO
Álvaro de Luna con la capa de la Orden y cruz de Santiago al pecho, del retablo la capilla de Santiago en la Catedral de Toledo, obra del maestro de los Luna. Fue Gran Maestre de la Orden desde 1445

 ORDEN DE SANTIAGO
VELAZQUEZ Ser miembro de la Orden de Santiago formaba parte de las aspiraciones más codiciadas por los hombres del siglo XVII, por lo que el ingreso en esta Orden tan elitista no era camino sencillo en este siglo.Muy conocido es el juicio al que tuvo que someterse Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, donde tuvieron que testificar amigos suyos, como Francisco de Zurbarán, para dar fe de que sus raíces limpias eran ciertas

 ORDEN DE SANTIAGO

Santiago a caballo
Algunas fuentes apuntan a que la Orden de Santiago fue creada a raíz de la victoria en la batalla de Clavijo, que supuestamente tuvo lugar en La Rioja en el año 844. Aunque la atribución a la creación de la Orden tras dicha batalla, que hoy se considera un hecho ficticio que nunca tuvo lugar, se debe a la devoción hacia el Apóstol, al que la leyenda atribuye una intervención en dicho combate,

 ORDEN DE SANTIAGO
Alfonso VIII de Castilla y Leonor de Plantagenet entregan el castillo de Uclés al Maestre de la Orden de Santiago Pedro Fernández de Fuentencalada, hecho que sucedió el 9 de enero de 1174. Miniatura perteneciente al Tumbo menor de Castilla
Su objetivo inicial era proteger a los peregrinos del Camino de Santiago y hacer retroceder a los musulmanes de la península Ibérica.

 ORDEN DE SANTIAGO
Los caballeros santiaguistas estuvieron presentes en todas las acciones guerreras de la Reconquista y sus territorios se extendieron principalmente por La Mancha. A esta Orden pertenecían pueblos de las actuales provincias de Ciudad Real, Cuenca, Toledo, Madrid, Guadalajara, Jaén y Murcia.

 ORDEN DE SANTIAGO
Monasterio de Uclés, Cuenca. sede de la Orden de Santiago.
Sede de la Orden En lo religioso se organizaban por conventos, existiendo un convento mayor, que sconstituía la sede de la orden. En el caso de la orden de Santiago estuvo en Uclés

 ORDEN DE SANTIAGO
Los Caballeros de Santiago tenían posesiones en los siguientes reinos de la Península Ibérica: León, Castilla, Aragón y Portugal; pero Fernando II de León y Alfonso VIII de Castilla ponían la condición de que la sede de la Orden debía estar en sus respectivos estados: en San Marcos de León y Uclés. De ahí surgió un largo conflicto que sólo terminó cuando, en 1230, Fernando III el Santo, unió ambas coronas. Desde entonces, Uclés, en la provincia de Cuenca, es considerada como la sede de la Orden, Caput ordinis.

 ORDEN DE SANTIAGO
SAN MARCOS en León
Dentro de la jerarquía de la Orden de Santiago, las dignidades inmediatas al Gran Maestre eran los priores de los dos conventos de Santiago de Uclés y San Marcos de León. Hasta 1502 la duración de sus mandatos fue perpetua, después fue trienal, siendo elegidos por los frailes de la respectiva provincia de forma alternante: el de Uclés en Castilla un trienio por la parte llamada de La Mancha y el otro trienio por la llamada Campo de Montiel; y el de San Marcos en León alternando la provincia de León y la de Extremadura.

 Castillo de Villarejo de Salvanés, Madrid
Fue sede del Tribunal Especial de las Órdenes Militares y, en el siglo XIX, acogió como refugiado a El Empecinado 

 En lo político militar las órdenes religiosas se dividían en «encomiendas mayores», existiendo una encomienda mayor por cada reino peninsular en el que estuviera presente la orden en cuestión. Al frente de ellas estaba el comendador mayor. La sede y punto neurálgico de la Encomienda Mayor de Castilla será Villarejo de Salvanés, que a partir de ese momento es conocida como la Cabeza de la Encomienda.

 ORDEN DE CALATRAVA
Se admite que la primera orden en aparecer fue la de Orden de Calatrava, del tipo de orden cisterciense, nacida en esa villa del reino castellano en 1158, bajo la dirección del abad Raimundo de Fitero, para proteger los territorios de Calatrava, en Ciudad Real, que fueron abandonados por la Orden del Temple por no poder defenderlos por más tiempò contra los musulmanes.

 ORDEN DE CALATRAVA
Los orígenes de la Orden de Calatrava se remontan al año 1157. Una década antes, en 1149, Alfonso VII de Castilla había cedido a los templarios la fortaleza de Calatrava, un enclave estratégico situado junto al río Guadiana, en la calzada que unía Toledo con Córdoba, en la frontera con el Imperio Almohade.

 ORDEN DE CALATRAVA
Miembros de la Orden de Calatrava, según una miniatura de la Biblia de Alba.

 CASTILLO DE CALATRAVA LA VIEJA: 
En este territorio se dieron hechos de armas tan famosos como la conquista de Calatrava la Vieja por los cristianos, su cesión a la Orden del Temple -que la tuvo que abandonar por la presión almohade- y su entrega a monjes cistercienses de Fitero, naciendo la Orden de Calatrava.
Sancho III, el nuevo rey, decidió ofrecer la posesión de la fortaleza a quien pudiera defenderla. Raimundo Sierra, un abad navarro del monasterio de Santa María de Fitero, aceptó el reto y se trasladó allí con algunos de sus monjes y unos soldados navarros atraídos por el espíritu de las Cruzadas

 CASTILLO DE CALATRAVA LA NUEVA
El Sacro Castillo-Convento de Calatrava la Nueva se halla situado en el cerro Alacranejo, dentro del término municipal de Aldea del Rey, en la provincia de Ciudad Real
En 1191 Rodrigo Gutiérrez Girón y su segunda mujer, Jimena, donaron por sus almas a la Orden de Calatrava la mitad de las rentas y heredades que tenían en este antiguo Castillo de Dueñas

 CASTILLO DE CALATRAVA LA NUEVA, acceso a la Iglesia
Su situación controla uno de los pasos naturales hacia Sierra Morena. No se conoce con exactitud el año inicial de su construcción, si bien hay referencias de su uso por Nuño de Lara en 1187 como antiguo Castillo de Dueñas.

 CASTILLO DE ALCAÑIZ (ARAGÓN)
Es sin duda uno más de los muchos conjuntos religioso-militares de Aragón desde los cuales se fraguó y perpetuó la reconquista del solar del reino. Sus hechuras y su historia difieren de los más tempranos (Loarre, Muro de Roda, Montearagón.. Pero su espíritu y su intencionalidad siguen siendo las mismas para aquellos monjes-soldado empeñados en lograr el mismo fin.

 CASTILLO DE ALCAÑIZ, frescos

 CASTILLO DE ALCAÑIZ
campamento calatravo con sus tiendas decoradas con cruces de la Orden. Detrás hay una formación de monjes-soldado con el emblema en pecho, bocamangas e incluso en los herrajes de los cascos, que adoptan la forma de la cruz flordelisada

CASTILLO DE ALCAÑIZ
En 1283 la villa de Alcañiz se sublevó violentamente contra el poder señorial de la orden de Calatrava. En la pugna vencería poco a poco la población. Pero el asunto de las disputas que hubo entre los freyres y los Concejos del Bajo Aragón A diferencia de Alcañiz, las pequeñas villas bajo-aragonesas, nacidas al amparo del poder calatravo, fueron más sumisas a los mandatos de la Orden.

 ORDEN DE ALCÁNTARA
Seis años después se creó la Orden de Alcántara, en principio denominada de San Julián del Pereiro, ya que en sus orígenes nació en Portugal. Fue creada en 1154 en el Reino de León, bajo la regla del Císter.

 PUENTE ROMANO DE ALCANTARA
Data del siglo II. Construido y sufragado por varios pueblos lusitanos. Su obra debió iniciarse hacia el año 75 d. C., terminándose alrededor del 103 – 104.

 ORDEN DE ALCÁNTARA
Otra de las grandes órdenes surgidas en los reinos de Castilla y León medieval fue la de Alcántara. Sus orígenes son más difíciles de datar, ya que sus cronistas quisieron situar su nacimiento antes de los Caballeros de Calatrava. De toldas formas, es seguro que hacia 1176 existía una pequeña cofradía, los Caballeros de San Julián de Pereiro en tierras cacereñas

 ORDEN DE ALCÁNTARA
En un principio y pese a recibir también el reconocimiento papal como orden, estos caballeros se pusieron bajo la protección de la orden de Calatrava en 1187, y tomaron como base la ciudad extremeña de Alcántara.

 CASTILLO DE PIEDRABUENA
se ubica en San Vicente de Alcántara. Dispone de dos recintos, destacando las torres que flanquean el recinto interior, entre las que se cuenta la del homenaje. Dispone de un refinado patio claustrado, que combina formas góticas y renacentistas.Desde finales del siglo XIII, la población figura como cabeza de una Encomienda de la Orden de Alcántara, para la que tuvo siempre mucha importancia, especialmente durante los últimos años del siglo XV y la primera mitad del XVI

 CONVENTUAL DE SAN BENITO 
Casa matriz de la Orden Militar de Alcántara y principal monumento religioso del municipio. Data del siglo XVI. La construcción del templo es obra de Pedro de Ybarra.Las dependencias conventuales se articulan en torno al Claustro, es de planta cuadrada y estilo gótico, organizado en dos pisos, con arcos rebajados en el inferior y de medio punto en el superior

 CONVENTUAL DE SAN BENITO
Tercera y última casa matriz de los caballeros de la Orden Militar de Alcántara..

 ORDEN DE ALCÁNTARA Mapa con las tierras de Alcantara

 ORDEN DE MONTESA
La última en aparecer fue la Orden de Montesa , cuyo nombre es Orden de Santa María de Montesa y San Jorge de Alfama, que lo hizo más tardíamente, durante el siglo XIV, en la Corona de Aragón debido a la disolución de la Orden del Temple.

 ORDEN DE MONTESA
El rey de Aragón Jaime II de Aragón en el siglo XIV (1317) les concedió el castillo de Montesa, situado en las zonas fronterizas de Valencia, para su defensa de los sarracenos.Luego se extendió también por Castilla.

 ORDEN DE MONTESA
La orden militar de Montesa estaba formada por monjes y guerreros y que —tras ser fundada en 1319 por Jaume II, el Just— se convirtió en una de las cuatro órdenes militares de la España moderna, así como en una de las instituciones más emblemáticas y rodeadas de leyenda del Reino de València

 ORDEN DE MONTESA
El escaño en las Corts
Durante el siglo XVII decayó el carácter militar de la orden, pero continuó participando activamente en la política general del Regne de València gracias a su escaño en las Corts, donde, después del arzobispo de Valencia, su representante se colocaba por delante de obispos, abades y miembros de otras órdenes militares.

 ORDEN DE MONTESA Castillo-convento de Montesa (Valencia) El bastión arrasado por el terremoto de 1748

 CASTILLO DE MONTESA
En la Provincia de Valencia (España), fue la sede de la Orden de Montesa, y está situado en la cumbre del montículo que domina la villa, donde están las ruinas de su histórico castillo. Fue calificado como uno de los más fuertes del Reino de Valencia por sus gruesos muros, fuertes torres y espaciosa plaza de armas

 ORDEN DE LA BANDA
MONASTERIO DEL PAULAR (RASCAFRÍA, MADRID)
Dragantes de Castilla
Creada en 1332, inicialmente su insignia era una banda negra (el término “sable” no se utilizaba por entonces aún en la heráldica castellana) engolada de dragantes, sobre campo blanco: aún hoy pueden verse sus símbolos en las yeserías del Alcázar sevillano.

 Más tarde, en el s. XIV, Alfonso XI creó en Castilla la Orden de la Banda, que nació para asegurar al rey en el trono, y unir. (esa fue su pretensión, finalmente nunca lograda) a los poderosos aristócratas y magnates que componían su corte

 ORDEN DE LA BANDA
Recreación del rey Juan II con las insignias de la orden de la Banda

 ORDEN DE LA BANDA
Crónica de don Alfonso el Onceno. Alfonso XI fue el creador de la orden, desaparecida ya durante el reinado de los Reyes Católicos

 ÓRDENES MENORES
COFRADÍA DE BELCHITE
Otras órdenes menores también tuvieron cierto protagonismo durante la Edad Media en la Península Ibérica.
En la foto las ruinas de Belchite, tal como quedaron durante la Guerra Civil

 COFRADÍA DE BELCHITE
Encuentro de amistad en Azuara Belchite
La Cofradía de Belchite fue creada por Alfonso I de Aragón el Batallador para evitar un contraataque musulmán en la recién conquistada Zaragoza en 1122, cuando no había aún órdenes militares autóctonas. Su historia fue muy breve, apenas duró diez años cuando el Temple y el Hospital consolidaron su presencia en la Corona de Aragón

 SAN JORGE DE ALFAMA
Iglesia de San Jorge Martir Valencia . San Jorge siguió los pasos de su padre, uniéndose al ejército, en el que alcanzó un alto rango. Pero cuando el emperador Diocleciano ordenó la persecución a los cristianos en todo su imperio, Jorge se negó a colaborar declarando su condición de Cristiano. Entonces Diocleciano, Ordenó la tortura y ejecución del traidor” y fue decapitado frente a las murallas de Nicomedia, el 23 de Abril del año 303.

 FORTALEZA DE SANT JORDI D´ALFAMA
Sant Jordi d’Alfama resultó fundada a comienzos del siglo XIII por el rey Pedro II de Aragón para hacer frente a los ataques de piratas musulmanes en la zona costera de Alfama, entre Cambrils y Tortosa y cuyo título es un agradecimiento a su santo patrón, Con ayuda de los caballeros de la Orden Militar, Pedro II de Aragón conquistó a los musulmanes las plazas de Ademuz y Castielfabib. La Orden también participó en la Batalla de las Navas de Tolosa (1212)

 SAN JORGE DE ALFAMA
Pedro IV de Aragón, llamado el Ceremonioso, constituyó de nuevo la Orden Militar de San Jorge, para la que solicitó del Papa Gregorio XI su aprobación. Esta fue otorgada y el rey entregó a la Orden Militar el lugar de Aranda. La Orden Militar en este nuevo periodo participó en cuantas empresas emprendió el rey Pedro IV el Ceremonioso

 CABALLEROS DE CRISTO
Convento del Cristo de Tomar
En Portugal también apareció otra orden: los Caballeros de Cristo, que acogió a muchos templarios que participaron activamente en las conquista de ultramar. Pervivió hasta 1550. La de Avís, por su parte, fue fundada en 1166 como Orden de Évora y luchó contra las incursiones sarracenas tras la toma de Lisboa por los cruzados normandos e ingleses.

 CABALLEROS DE CRISTO
Charola del Convento de estilo manuelino
El Convento de Cristo, en Tomar, (Portugal), perteneció a la Orden del Temple y es uno de los principales monumentos portugueses
Fundado en 1162 por el Gran Maestre del Temple en Portugal, Gualdim Pais el Convento de Cristo aún conserva recuerdos de esos monjes caballeros y de sus herederos en su cargo, la Orden de Cristo, que hicieron de este edificio su sede

 SANTA MARÍA DE ESPAÑA
Impulsada por Alfonso X el Sabio, se creó en Cartagena la Orden de Santa María de España. Se especializó en batallas navales, por lo que debía ayudar en posibles campañas en el norte de África y proteger la península de ataques procedentes de dicha zona. Era un proyecto personal del rey, pero sufrió una estrepitosa derrota en Algeciras a manos de los benimerines en 1275. Años después se integró en la Orden de Santiago.

 SANTA MARÍA DE ESPAÑA
Catedral vieja de Cartagena
En Cartagena se encontraba la sede matriz de la orden, en un convento cisterciense que fue mandado construir por el rey y en el que expresó su deseo de ser enterrado a su muerte. La orden fue puesta bajo la advocación de la Virgen del Rosell, talla medieval que se encuentra en Cartagena.
Para aumentar la confusión sobre este edificio, se da la circunstancia de que, hacia 1270, el rey Alfonso X el Sabio crea la orden militar de Santa María de España poniéndola bajo el patrocinio de una imagen medieval, la Virgen del Rosell y estableciendo su sede principal en un convento cisterciense de Cartagena, que podría ser este edificio

 SANTA MARÍA DE ESPAÑA
Facsímil de la Cantiga 78 del Códice de Florencia donde se hace referencia a la Orden de Santa María de España.

 

 ÓRDENES MODERNAS
REAL ORDEN DE CARLOS III
En España, esta tradición militar y religiosa sigue hasta varios siglos después, creándose la Real Orden de Carlos III, establecida por éste en 1771,para premiar las acciones en favor de España y la Corona y que, aunque apareció como orden militar, en el s. XIX pasó a se orden civil. El Gran Maestre de la Orden es el Rey de España, que lleva el collar de la Orden, la venera y la banda azul y blanca.

 REAL ORDEN DE CARLOS III
 La Real y Distinguida Orden Española de Carlos III fue establecida por el rey de España Carlos III, mediante real cédula de 19 de septiembre de 1771 con el lema latino «Virtuti et merito», con la finalidad de condecorar a aquellas personas que se hubiesen destacado especialmente por sus buenas acciones en beneficio de España y la Corona. Desde su creación, es la más distinguida condecoración civil que puede ser otorgada en España.

 

 REAL ORDEN DE CARLOS III
El Gran Maestre de la Orden es el Rey de España, que lleva el collar de la Orden, la venera y la banda azul y blanca

 La Real Orden de Isabel la Católica es una distinción de España, instituida por el rey Fernando VII el 14 de marzo de 1815, con el nombre de Real y Americana Orden de Isabel la Católica, con el fin de «premiar la lealtad acrisolada y los méritos contraídos en favor de la prosperidad de aquellos territorios»
El Gran Maestre tamnién es el Rey de España y actualmente es el Ministerio de Asuntos Exteriores el que la adjudica.

 Collar de la Orden de Isabel la Católica

 Por último, una de las más prestigiosas es la Real y Militar Orden de San Fernando, conocida como la Laureada de San Fernando, creada en 1811 para distinguir a los miembros de las Fuerzas Armadas y Guardia Civil

 La Real y Militar Orden de San Fernando, conocida popularmente como Laureada de San Fernando, es la más preciada condecoración militar española.