La iglesia del Temple (Londres)

En esta ocasión quiero hablaros de una peculiar Iglesia de Londres que ademas de tener una interesante historia, guarda en su interior unas sepulturas que no son lo que parecen, ya que en realidad no contienen a los caballeros que representan, solo son sus efigies.

Efigie de los caballeros Templarios. 

Situación de la iglesia

El Barrio del Temple está situado entre el río Támesis y Fleet Street, en el corazón de la City. La estación de metro más cercana lleva su nombre: Temple.

Escultura del Dragón, símbolo heráldico de la ciudad de Londres y debajo se encuentra la estatua de la reina Victoria., situada cerca de la iglesia construida por los caballeros templarios como su sede en Londres.


Londinium (actual Londres) es el nombre que los romanos dieron a la ciudad que fundaron cerca de las aldeas celtas de Llyn Din

A mediados del siglo XII, antes de la construcción de la iglesia, los Caballeros Templarios de Londres se reunían en un lugar en High Holborn en una estructura establecida por Hughes de Payens (ese lugar fue históricamente la sede de un templo romano en Londinium, la ciudad o mejor poblado, de época romana)
La orden de Los Caballeros Templarios fue fundada originalmente en el año 1118, menos de un siglo antes de que se construyera

En esa época, la Orden de los Templarios adquirió un gran poder en Inglaterra.
Una muestra de ello fue que  Marshall, Maestro del Temple a principios del siglo XIII, llegó a convertirse en regente durante el reinado de Enrique III.


Al Temple en la década de 1160, aquel lugar en Londinium,  se les había quedado pequeño, y la orden compró el actual sitio para establecer un gran complejo monástico que sirviera de sede en Inglaterra.

Además de la iglesia, el conjunto originalmente contenía residencias, instalaciones de entrenamiento militar, y terrenos de recreo para los monjes guerreros y los novicios.
La Iglesia del Temple es un lugar único de culto desde que se erigió en el siglo XII y que perdura hoy en día como un testimonio de los templarios que lo construyeron.

La iglesia en sí tiene un diseño poco corriente. Se compone de la Iglesia original redonda, una nave circular que fue consagrada a la Virgen María el 10 de febrero 1185 por Heraclio, y una capilla rectangular que se añadió 55 años más tarde en 1240, cuando se le añadió un cuerpo longitudinal con coro y altar mayor para enterrar al rey Enrique III, hijo del famoso Juan sin Tierra y, por tanto, tío de Ricardo Corazón de León

El rey Enrique III añadió el presbiterio, o una parte rectangular en la iglesia, pues tenía previsto inicialmente ser enterrado allí. Con el tiempo, el rey cambió de opinión, ya después de su muerte se descubrió que en realidad quería ser enterrado en la Abadía de Westminster.. Él, sin embargo, enterró a su hijo, Henry, en la pacífica Iglesia del Temple.

En 1291, tras la conquista de San Juan de Acre, por los sarracenos, la Orden de los Templarios perdió su sentido, y tras su abolición por el Papa en 1307,  la iglesia del Temple pasó a manos del rey Eduardo II, que tomó el control de la Iglesia como posesión real.

Posteriormente se entregó a los Caballeros Hospitalarios, que alquilaron la Iglesia a dos colegios de abogados.

Finalmente pasó a ser utilizada por los colegios de abogados denominados Inner y Middle Temple, que entonces buscaban una sede, y que en la actualidad siguen conservando la responsabilidad del mantenimiento y uso de la iglesia y el Barrio del Temple.

En 1841 en la iglesia del Temple se llevó a cabo una importante remodelación, que se decoró en estilo gótico victoriano.

Un hecho importante en la historia de la iglesia del Temple fue la instalación de un órgano a finales del siglo XVII, tras el gran Incendio de Londres de 1666. Desde entonces, la música de órgano se ha convertido en una gran protagonista de esta iglesia.

La Iglesia del Temple tiene su único acceso a través de la calle Fleet, muy cerca de la Iglesia de San Dustan in the West, cruzando una puerta a la que llegaremos a una plaza privada. 

La iglesia se encuentra literalmente rodeada de viviendas, patios y jardines, por lo que es prácticamente imposible divisarla desde la calle principal, teniendo que hacer uso obligatorio de las indicaciones para poder encontrar su entrada.

El edificio de la iglesia agrupa dos secciones separadas. La sección original de la nave, llamada Round Church, y una sección rectangular, construida aproximadamente medio siglo después, llamada Chancel

Portada principal

Imagen relacionada

La nave circular actualmente

La nave circular posee un diámetro de 16,76 metros, y está rodeada de columnas. En las paredes hay esculpidas imágenes de cabezas grotescas que, aunque hoy sólo muestran piedra blanquecina, se cree que originalmente estaban pintadas de colores.

En la Round Church de la iglesia del Temple hay varias efigies de caballeros templarios en diversos sepulcros vacios, y entre ellos se encuentra el antes citado William Marshall, maestro templario que tuvo gran poder a principios del siglo XIII.

Interior de la iglesia también hay una fuente o pozo para abluciones

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Bóveda de la iglesia de planta circular muy habitual en las construcciones templarias.

Temple Church, Londres

Vista desde una especie de triforio que rodea la bóveda.

Hay nueve caballeros de piedra y un símbolo con una espada y un escudo emplazados en el suelo de piedra caliza de la iglesia. La más antigua de las efigies representa a Sir Roger de Ros, y fue creada en el año 1227, no habiendo ninguna tumba debajo de la efigies.
Todas las efigies de mármol muestran a los caballeros templarios yaciendo sobre la espalda, pero con posiciones diferentes.

Así puedes ver alguno con las piernas extendidas, otros con las piernas cruzadas; asimismo, sus túnicas o sus espadas se encuentran en diferentes posiciones, y las figuras se muestran con distintas actitudes.

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Las efigies dentro de la zona circular de la iglesia muestran a los caballeros de la Iglesia preparados para la batalla, siempre en el suelo y tumbados para proteger a los viajeros de una manera simbólica

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Una de las tumbas sin contenido

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Vista de los caballeros del Temple

Vista de la nave circular, adornada en alguna festividad u onomástica
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Dibujo de uno de los caballeros: William Marshal 1st Earl of Pembroke

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Detalle de la efigie de William Marshal 1st Earl of Pembroke

Arcosolio de caballero de época posterior

Una columnata que rodea todo el perímetro, esta adornada con relieves de rostros grotescos, sin rastro de la policromía original.

Dos de las caras grotesca situadas sobre las paredes

Video-resumen

Temple Church, Londres

Y recordad, que la Temple Church, esta bastante escondida y no se ve desde la calle, asi que buscad los indicadores para no perderos…

Fuentes:

http://www.viajaporlibre.com/…/londres-la-iglesia-del-temp…/

http://www.thewotme.com/2013/08/la-iglesia-del-temple-de-londres-y-sus-historia-de-templarios/

https://strawberrytours.com/es/londres/monumentos/iglesia-del-temple

https://es.wikipedia.org/wiki/Iglesia_del_Temple_(Londres)

La pintura románica del MNAC (Barcelona)

El Museo Nacional de Arte de Cataluña (en catalán, Museu Nacional d’Art de Catalunya), también conocido por sus siglas MNAC, está situado en la ciudad de Barcelona, (España). Destaca por su colección de arte Románico, considerada una de las más completas del mundo
El fondo de arte románico, siglos XI-XIII, está integrado por el excepcional conjunto de pinturas murales y un rico fondo de pintura sobre tabla, el más numeroso y antiguo de Europa. También brilla por la orfebrería y por la escultura en piedra y en madera, donde destacan los descendimientos y las majestades.Esta entrada, se dedicará solo a las importantes pinturas murales, provenientes de las iglesias rurales y algunos monasterios, que entre el otoño de 1919 y 1923, se adquirieron , se arrancaron de su soporte original, de los muros de las iglesias, y se trasladaron a Barcelona, donde se fijaron en otro soporte y se prepararon para ser expuestas en el museo.

Casi todas las pinturas murales románicas del museo se arrancaron con la técnica del strappo, es decir, solamente se extrajo la capa pictórica y se dejó el revoco de  en la pared de origen.

En el proceso técnico de pintar al fresco sobre el muro, los pigmentos se aplican en el muro encima de una capa de mortero que todavía está húmeda.(de ahí su nombre «al fresco»)

Dentro de los frescos románicos (siglos XI–XIII) expuestos, destacan los maestros:
Maestro de Pedret — Ábside lateral derecho de San Quirze de Pedret (fragmento) de San Quirze de Pedret
Círculo de Pedret — Ábside de Santa Maria d’Àneu (fragmento) del Monasterio de Santa María de Aneu
Maestro de Santa María de Tahull — Ábside central de Santa María de Tahull de la Santa María de Tahull
Maestro de Tahull — Ábside de Sant Climent de Taüll de la Iglesia de San Clemente de Tahull
Maestro de Urgel — Ábside de Sant Pere de Seo de Urgel
Anónimo — Pinturas de San Pedro de Arlanza  (Burgos)
Sant Climent de Tahull
 
Detalle del Pantocrator con la leyenda «Ego sum lux mundi» (Soy la luz del mundo)

Museo Nacional de Arte de Cataluña vista exterior.
La sede principal se encuentra ubicada en el Palacio Nacional, edificio situado en la montaña de Montjuïc, inaugurado en 1929 con motivo de la Exposición Internacional celebrada en la Ciudad Condal.

MNAC bóveda del hall central.
Sant Climent de Taüll abside (La Vall de Boí, Alta Ribagorça).
San Clemente de Tahull (en catalán, Sant Climent de Taüll), es una iglesia románica de planta basilical perfecta, que se encuentra en Tahull (en catalán, Taüll), en el Valle de Bohí (provincia de Lérida.
 Parte principal en el ábside, del conjunto pictórico que comprende también la decoración de los arcos triunfales, la del ábside lateral, la inscripción de consagración y una ventana anterior. Hay más pinturas in situ. 
Sant Climent de Taüll abside Pantocrator
Esta es una de las obras maestras del románico europeo. Su genialidad reside en la combinación de elementos de diferentes visiones bíblicas –las del Apocalipsis, Isaías y Ezequiel– para presentarnos al Cristo del Juicio Final. Éste aparece desde el fondo provocando un movimiento centrífugo de la composición, en la que domina el sentido ornamental de los perfiles y la habilidad en la utilización del color para dar volúmenes. Por su excepcionalidad y fuerza pictórica, la obra del Maestro de Taüll se ha proyectado a la modernidad y ha fascinado a artistas de las vanguardias del siglo XX, como PicassoResultado de imagen de Sant Climent de Taüll abside en su estado original

Interpretación
 

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Sant Climent de Taüll. Ábside
Reproducción de las pinturas en la iglesia. Los artistas son anónimos, pero el maestro que pintó el ábside central es reconocido en el mundo artístico como maestro de Tahull.

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Detalle del Tetramorfos: el león de San Marco 
Sant Climent de Taüll abside
Detalle del Tetramorfos: San Lucas(toro) 
Sant Climent de Taüll abside

La Virgen está vestida con una toca blanca y un manto azul. Porta en su mano izquierda el Santo Grial.

 
Sant Climent de Taüll
Lázaro esperando a la puerta del rico. Fresco románico del siglo XI
 
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Mano de Dios de Sant Climent de Taüll
Clave del arco triunfal del ábside principal, parte del conjunto pictórico que comprende la decoración del ábside y de los arcos triunfales
 
Resultado de imagen de sant climent de taüll Ábside norte
Ábsides de Sant Climent de Taüll
 
Sant Climent de Taüll abside en su estado original y en el MNAC
Hombre apesadumbrado de Sant Climent de Taüll

Imagen relacionada

San Clemente  de Taüll
columna, donde aparece la leyenda de la consagración de la iglesia
 
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Pinturas de Santa Maria de Taüll (Reprodución en la iglesia)
Santa María de Taüll es una iglesia románica en la localidad catalana de Taüll, situada en el Valle de Boí (provincia de Lérida)
Toda la iglesia estuvo decorada con pinturas murales (en los ábsides, los muros y las columnas), que fueron resistiendo en parte el paso del tiempo.
 
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Abside de Santa Maria de Taüll
En 1907, Santa María de Taüll fue uno de los lugares por donde pasó la Misión Arqueológica-jurídica a la raya de Aragón, organizada por el Instituto de Estudios Catalanes, con la misión de proteger el patrimonio artístico catalán. El equipo estaba formado por Josep Puig i Cadafalch, Guillem Marià Brocà, Josep Gudiol, Josep M. Goday y Adolf Mas.
Unos años después, los eruditos decidieron despegar estas pinturas de su lugar de origen y llevarlas al Museo Nacional de Arte de Cataluña, donde quedan protegidas. Hay que decir que corrían peligro de ser vendidas y exportadas a Estados Unidos.
 abside Santa Maria de Taüll original en el MNAC
Varios historiadores de arte, tras estudiar estas obras, han llegado a la conclusión de que, al igual que en San Clemente, sus autores son dos artistas diferentes, pero contemporáneos entre ellos. Debieron trabajar sobre 1123, año en el que se consagraron ambas iglesias.

 Santa María de Taüll la lucha entre David y Goliath

 Santa Maria de Taüll : abside  animal fantástico

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 Santa Maria de Taüll: Arco de la Ofrenda de Abel

Santa Maria de Taüll: Arco de la Ofrenda de Abel , detalle

Esta pintura esta en uno de los arcos triunfales del ábside central del conjunto pictórico que comprende también la decoración del ábside lateral, de la nave, fragmentos de la reserva y un fragmento con el Baño del Niño conservado en Sant Climent de Taüll. 

Santa Maria de Taüll:  Arcangeles  (La Vall de Boí, Alta Ribagorça).

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Santa Maria de Taüll  Columna meridional:  San Nicolás 

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Pavos reales bebiendo de un cáliz procedentes de de Santa Maria de Taüll

Lobo persiguiendo una gacela de Santa Maria de Taüll

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Peces flanqueando una cruz de Santa Maria de Taüll

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Ábside de Santa Maria d’Àneu

La decoración del ábside de Santa Maria d’Àneu, obra del llamado Maestro de Pedret, es una muestra de la superposición de temas y motivos del Antiguo y del Nuevo Testamento en la pintura románica catalana. En la bóveda se representa la Epifanía, con María en Majestad y los Reyes Magos. En el registro inferior aparecen los dos serafines de la visión de Isaías en el templo de Jerusalén

En medio, las cuatro ruedas de fuego del carro de Yahvé aluden a la visión de Ezequiel

Hay que subrayar también el protagonismo de los tres arcángeles, Miguel, Gabriel y Rafael, abogados en el día del Juicio Final

Dama donante de Esterri d’Àneu

Único resto conservado de la decoración de la iglesia, en ruinas. Estaba situada en la embocadura del ábside, al lado de la ventana lateral. Procede de la antigua iglesia de Sant Pere de Esterri d’Àneu, también llamada Sant Pere Vell o de Can Carrera (Esterri d’Àneu, Pallars Sobirà). Fresco traspasado a lienzo

Pinturas de Sant Pere de Burgal 

Las pinturas representan el Pantocrátor entre los arcángeles Miguel y Gabriel y adorado por dos santos. Entre las ventanas está la Virgen portando un cáliz, a su derecha san Pedro y a la izquierda san Juan Bautista y san Pablo.

Imagen relacionada

Ábside de Sant Pere de Burgal

En el arco triunfal del ábside. El conjunto pictórico comprende también otros siete fragmentos, la mayoría con escasos restos pictóricos, así como el mural o palimpsesto con dos estratos de pintura conservado in situ. Procede de la antigua iglesia de Sant Pere del Burgal

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Ábside de Sant Pere de Burgal

A pesar del carácter eminentemente religioso del arte medieval, la nobleza laica acostumbraba a actuar como responsable del encargo y financiación de obra artística.

Resultado de imagen de condesa Llúcia de Pallars, sant pere burgal

La representación de la figura del comitente no es inusual en el arte románico, como atestigua aquí la presencia de la condesa Llúcia de Pallars, retratada en la parte inferior derecha del ábside. La noble dama viste lujosamente y lleva en las manos un cirio encendido, atributo que es propio de las personas difuntas. Este detalle hace suponer que las pinturas se finalizaron después de su muerte, documentada en el año 1090.

Ábside de Sant Pere de Burgal

Ábside sur de Sant Quirce de Pedret

Decoración del ábside meridional, del arco triunfal y de parte del muro donde se abre el ábside. Forman parte del mismo conjunto las pinturas del ábside del Evangelio, las del central, en el Museu Diocesà i Comarcal de Solsona, y restos in situ. Procede de la iglesia de Sant Quirze de Pedret

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Pinturas de Sant Quirze de Pedret absidiolo
Estas pinturas proceden del absidiolo sur de la iglesia de Sant Quirze de Pedret, conjunto que está repartido entre el Museu de Solsona (ábside central) y el MNAC (absidiolos).
Éstas dieron nombre a un grupo de pinturas relativamente homogéneo, de alrededor del año 1100, relacionado estilísticamente con Italia, caracterizado por los recuerdos del ilusionismo antiguo, y lleno de rasgos iconográficos bizantinos.
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En la bóveda se representa a la Virgen María con el Niño, en busto, y en el muro aparece la parábola de las vírgenes prudentes y las vírgenes necias (Mt 25,1-13), las primeras sentadas a la mesa al lado de Cristo, las segundas de pie fuera. Así se alude al Juicio Final, ya que sólo los que estén preparados podrán entrar en la casa del Señor.

Imagen relacionada

Ábside sur de Pedret detalle de las vírgenes necias

Apostolado de Sant Romà de les Bons

La iglesia de Sant Romà de les Bons fue consagrada el 23 de enero de 1164. Hacia esta fecha se establece la cronología de sus pinturas murales románicas y, por extensión, la de los conjuntos que estilísticamente se relacionan con ellas: Sant Miquel d’Engolasters (que también se conservan en el Museu Nacional), Anyós y Santa Coloma de Andorra.
Este último es el conjunto más complejo de todos y el que da nombre a una personalidad artística bastante homogénea, que define el grupo andorrano del llamado Maestro de Santa Coloma.

Apostolado de Sant Romà de les Bons

Uno de los dos fragmentos conservados de la decoración del ábside, concretamente la decoración del registro central.

El Museo Nacional conserva lo que se ha conservado del apostolado con la Virgen del muro cilíndrico del ábside y el fragmento inferior del Cristo en Majestat que presidía la bóveda del ábside. Podemos reconocer a san Pedro con las llaves, María con el cáliz y san Andrés con la cruz, a la izquierda de la ventana central, y a san Pablo y san Jaime

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 Sant Pere de Àger: Apóstoles Tadeo y Santiago 

Entre el corpus de obras adscritas al llamado círculo de Pedret, las pinturas de Àger tienen especial similitud con la única de estas obras que se conserva fuera del territorio catalán, el conjunto de Saint-Lizier de Coserans (Ariège, Francia). La corporeidad de las dos figuras, la armonía de la composición o la delicadeza en el modelado de los rostros, con las características carnaciones en la frente, las mejillas y el cuello, acreditan la calidad de la pintura. Hay que tener presente que la canónica de Sant Pere de Àger era uno de los principales centros de poder religioso y político al sur del condado de Urgell.

 Santa Eugénia de Argolell: Apóstoles

Forma parte del conjunto de tres fragmentos que se conservan de la decoración del ábside, correspondiente a la derecha de la ventana central. Procede de la iglesia parroquial de Santa Eugènia de Argolell (Les Valls de Valira, Alt Urgell).

 Santa María del castillo de Orcau (Isona i Conca Dellà, Pallars Jussà). Apóstoles

Decoración del ábside, de la que aún hay vestigios in situ. Procede de la antigua iglesia de Santa María del castillo de Orcau

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 Santa María del castillo de Orcau detalle de Santo Tomás

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 Santa María del castillo de Orcau detalle de San Pablo

Resultado de imagen de Cenefa y animal fantástico de San Pedro de Arlanza

 San Pedro de Arlanza (Burgos) : Cenefa y ave

El estilo de las pinturas de Arlanza se relaciona con otras obras hispánicas del 1200 de clara influencia de la miniatura inglesa, lo cual puede apreciarse en el refinamiento y la precisión de los motivos, combinado con su monumentalidad.

 San Pedro de Arlanza 

De encima de la ventana del lado este. Del mismo conjunto decorativo el MNAC posee otros 5 fragmentos. Otros se encuentran en el Fogg Art Museum de la Universidad de Harvard, en The Cloisters de Nueva York y otro en una colección particular. Proceden de una sala de la antigua abadía benedictina de San Pedro de Arlanza (Burgos), situada sobre la sala capitular, en el primer piso de la Torre del Tesoro.

Grifo de San Pedro de Arlanza

La mayor parte de la pintura mural románica conservada es de temática religiosa, pero también podemos encontrar decoraciones de carácter cortesano o profano en grandes centros monásticos, como es el caso de San Pedro de Arlanza, en Castilla. Este fragmento proviene de una sala de carácter palatino de la llamada Torre del Tesoro, sobre la sala capitular, donde había representaciones zoomórficas inspiradas en el bestiario. Hoy vemos en estas pinturas un grifo, ser fantástico con cuerpo de león y torso de águila, en una actitud vigilante.

 Sala capitular del Monasterio de Sigena

El monasterio albergaba gran cantidad de pinturas murales, mobiliario y obras de arte, patrimonio del que se perdió gran parte con la Guerra Civil. Las pinturas de la sala capitular se extrajeron en 1936 para su protección durante la Guerra Civil tras ser incendiado el monasterio, y actualmente se conservan en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.

Pinturas profanas de Sigena: Comitiva de peregrinos y asalto de un castillo (San Juan de Acre?)
Uno de los ocho paneles que forman el conjunto de pintura mural que, a manera de friso continuo, decoraba la parte superior de los muros de una sala rectangular situada entre la iglesia y el claustro.
Proceden del monasterio sanjuanista de Santa María de Sigena (Villanueva de Sigena, Huesca).Cuando las hermanas de la Orden de Malta, propietarias del convento, vendieron los bienes artísticos del monasterio de Sijena a la Generalidad de Cataluña se generó un conflicto entre los Gobiernos de Aragón y Cataluña por estos bienes.El Tribunal Constitucional,  dio la razón a Cataluña y declaró inconstitucionales y nulas las dos disposiciones presentadas por los gobernantes aragoneses en 1998

El 25 de febrero de 2016, los consejeros de Cultura de sendos gobiernos autonómicos anunciaron que Cataluña devolvería de inmediato 53 de las 97 piezas del monasterio, solo aquellas que no estaban catalogadas, que jamás se habían expuesto y que permanecían en diferentes almacenes

En el mes de Diciembre de 2017, fueron devueltas 44 piezas a Sigena.

Sant Joan de Boí

El valle de Boí es uno de los territorios del Pirineo catalán donde se ha conservado más románico, testimonio de la importancia del lugar durante la Edad Media pero también del aislamiento posterior, que evitó su desaparición. Los restos de la decoración mural de la iglesia de Boí, la población que da nombre al valle, están instalados en un espacio que evoca la arquitectura del templo, lo que permite situar la mayor parte de los fragmentos según su ubicación original. Del interior de la iglesia se conservan las pinturas de las naves laterales, los pilares y arcos de separación de las naves, así como el muro occidental, aunque todo el conjunto debía de estar policromado.

San Joan de Boí pinturas

En la pared occidental, dentro de la nave meridional de la iglesia

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Sant Joan de Boí  intrados de los arcos meridionales

San Joan de Boí

Animal hibrido intradós septentrional

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Santa Joan de Boí

detalle de la lapidación de San Esteban

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Santa Joan de Boí: lapidación de san Esteban

Las pinturas conservadas de Sant Joan de Boí revelan un programa iconográfico singular

Hay un amplio ciclo dedicado a los santos, al que pertenece el conocido fragmento de la Lapidación de San Esteban, así como un magnífico bestiario situado en los intradoses de los arcos de separación de las naves, uno de los más amplios de todo el románico catalán.

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Sant Pere de Sorpe

Anunciación 

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Sant Pere de Sorpe

María entre la Iglesia y la Sinagoga y la Barca

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 Sant Vicenç de Cardona, (Bagés): Pinturas del nártex

El conjunto mural comprende la decoración pictórica de las bóvedas de los tres tramos centrales del atrio, así como la de los muros que flanquean la puerta, uno de ellos posterior, que se abre al central. 

Antigua canónica de Sant Vicenç de Cardona (Bages): Tetramorfos 

Pinturas del tramo central de la bóveda del atrio, sobre la puerta. El conjunto comprende la decoración de los muros que flanquean este acceso, así como la de los dos otros tramos de bóveda de su lado. Fresco traspasado a lienzo.

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Santa María del Mur: Cristo en Majestad y tetramorfos (Museum of Fines Arts Boston) 
Las pinturas de la iglesia de Santa Maria de Mur son muy impor­tantes para la historia del patrimonio románico catalán, ya que el polémico arrancamiento y venta al extranjero de la decoración del ábside central (que se conserva en el Museum of Fine Arts de Bos­ton) motivaron que las autoridades catalanas llevasen a cabo una gran campaña de arrancamientos entre 1919 y 1923. Se preten­día evitar que otras pinturas románicas fueran también vendidas al extranjero. En cuanto a los restos del absidiolo meridional, donde se representa una Ascensión de Cristo, se arrancaron en la década de 1950.

 Santa María de Ginestarre: Ábside
Santa María de Ginestarre es una iglesia románica situada en el agregado de Ginestarre, dentro del término municipal de Esterri de Cardós , en la comarca catalana del Pallars Sobirá.En la parte superior, que cubre toda la cúpula, aparece representanda la imagen de Cristo en actitud mayestática. Está rodeado por los tetramorfos y enmarcado por una mandorla con cenefas a modo de decoración. El fondo de esta pintura tiene tres franjas de distintos colores: un tono oscuro en la parte superior, ocre en la zona central y azul en la inferior.

En la zona central del fresco aparecen ocho figuras que representan a diversos apóstoles y a la Virgen María. Todos están en posición frontal y con algún elemento identificador (con la excepción de una de estas figuras que no se ha podido identificar)

FUENTES:

http://museunacional.cat/es/coleccion/rom%C3%A1nico

https://commons.wikimedia.org/…/Category:Romanesque_frescos…

http://www.museunacional.cat/es/colleccio/pinturas-de-la-sala-capitular-de-sigena/mestre-de-la-sala-capitular-de-sixena/068703-cjt

http://www.vallboi.cat/es/iglesias

Romanicoaragones.com

http://www.arquivoltas.com/7-Lerida/01-VALLE%20DE%20BOI-TAHULL.htm

http://www.jdiezarnal.com/elvalledeboi.html

BIBLIOGRAFÍA:

Eduart Junyent. Rutas románicas de Cataluña/2. Editorial Encuentro, Madrid 1995

José Pijoan  Historia general del arte, Volumen IX, colección Summa Artis. El arte románico siglos XI y XII. Editorial Espasa Calpe

Los esmaltes de Limoges y Silos

En la Edad Media, el esmalte vivió una auténtica época de esplendor. Se empleó como decoración de joyas, objetos litúrgicos, relicarios… con una gran riqueza e inventiva en cuanto a soluciones formales.
Destacaron en Europa los esmaltes de Limoges en Francia, y la escuela de Silos en España.
El esmalte es una técnica con características propias, por medio de la cual y desde tiempos remotos se han ejecutado numerosas obras de arte suntuario.
En la Edad Media y sobre todo en época románica fue un arte de gran difusión, especialmente en el ámbito religioso de la iglesia católica.
El taller del monasterio de Silos (Burgos, España) tuvo una gran preponderancia durante todo el siglo XII no sólo dentro de la Península sino en toda Europa

El esmalte y esmaltado, como técnica del esmalte vidriado o esmalte porcelánico en arte, cerámica y otras artesanías, es el resultado de la fusión de cristal en polvo con un sustrato a través de un proceso de calentamiento, normalmente entre 750 y 850 ºC. El polvo se funde y crece endureciéndose formando una cobertura suave y vidriada muy duradera en el metal, el vidrio o la cerámica

Relicario de Limoges. estilo gótico, datado entre los años 1200 – 1220, madera forrada de cobre esmaltado con técnica champlevé. Kimbell Art Museum, Fort Worth, Texas
La ejecución de la arqueta reIicario ha sido atribuida a los taIleres de Limoges. En la  actualidad, sin embargo, se esta considerando su vinculación a los talleres de Silos que en el siglo XIII imitaron las formas de Limoges.


Los talleres de Silos y Limoges Durante los siglos XI, XII y XIII destacaron por sus obras de esmaltería sobre  metal y sus obras lograron gran difusión durante el periodo de desarrollo del arte románico. En la península ibérica, el  monasterio de Santo Domingo de Silos, desde el siglo XI uno de los principales monasterios benedictinos hispanos, cuya importancia económica, política y cultural, han sido reiteradas veces subrayadas por los historiadores, creó su propio taller de esmaltería.
En el último cuarto del siglo XII, Silos con Parnplona se había constituido en uno de los principales centros productores de esmaltería, rnanifestación artística que se desarrolló en estrecha asociación con el  mundo de las instituciories religiosas, sus principales consumidores.

Brazalete realizado por los talleres imperiales bizantinos. Año 1000. Oro y esmalte cloisonné.


TIPOS DE ESMALTADO:

ESMALTE CLOISONNÉ

Esta técnica de esmalte parece que se introdujo en Europa a través de Irán y Bizancio alrededor del siglo X. Consiste en rellenar con esmalte los alvéolos o cavidades dejadas expresamente en las piezas. Estos compartimentos sobresalen del plano por finos bordes llamados cloisons
Brazalete de oro realizado por los talleres imperiales bizantinos. Se utilizó la técnica de esmalte cloisonné en la guarda central.

 Esmalte Cloissoné

Durante toda la época altomedieval (período bizantino, prerrománico y comienzos del románico) los esmaltes se realizaban con la técnica del Tabicado Bizantino (Cloisonné ), sobre oro o plata, poco sobre cobre. Siguiendo las líneas del dibujo elegido se colocaban, perpendicularmente soldadas, laminillas finas o tabiques; los compartimientos resultantes se llenaban con polvos de esmaltes fundiéndolos en el horno y puliéndose luego la superficie. 
Copa de artesanía china con trabajo hecho a mano esmalte Cloisonne azul
Los esmaltes se utilizaron en distintas civilizaciones y a lo largo de varios siglos

ESMALTE CHAMPLEVÉ

La imagen puede contener: 3 personasPlacas de encuadernación esmalte champlevé

Es una simplificación del precedente del que se diferencia en que los alvéolos o cavidades se labran directamente en la lámina que forma la pieza a golpe de cincel o con incisión.  Esta técnica fue empleada en la época merovingia en Francia.  La escuela de Limoges alcanzó una gran extensión cronológica desde el siglo XII hasta el XVI, fue realizada en talleres de los propios monasterios.
Más al sur y a principios del siglo XII, la ciudad de Conques, en una de las ramas del Camino de Santiago, florece un taller de gran importancia que hizo magníficas piezas, de colores vibrantes, de bellos tonos turquesa, verde y rojo.

Crucifijo esmaltado de la Seu de Urgell

Se trata de una cruz de altar de influencia bizantina de cobre y esmaltes de gran belleza conservado en el Museo Diocesano. Las figuras se realizaron con primorosos esmaltes de color blanco, azul y verde, según la técnica «champlevé».

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Cruz de aplique del siglo XII. 

Cobre dorado, grabado y esmaltado, procedente de Terrazas.que se encuentra en el Museo del Retablo, en Burgos, instalado en la Iglesia de San Esteban,

Más al sur y a principios del siglo XII, la ciudad de Conques, en una de las ramas del Camino de Santiago, florece un taller de gran importancia que hizo magníficas piezas, de colores vibrantes, de bellos tonos turquesa, verde y rojo.

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Arqueta relicario,1185-1195, Limoges. Museo de la Colegiata de San Isidoro de León 

Pero pronto el centro de gravedad de los esmaltes de la Europa meridional pasa a Limoges donde se abandona la técnica de tabicado y se centra en el tipo excavado o «champlevé».
Sus obras se centraron en arquetas, Vírgenes, tapas de evangeliarios, báculos, palomas eucarísticas, copones, incensarios, candelabros, platos, gemellones etc.

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Especial relevancia tuvieron las Cruces Procesionales que llegaron a realizarse «en serie» con una fisionomía repetitiva y visualmente muy efectivos, como el que aparece en la foto  del Museo Arqueológico Nacional.

Píxide en cobre con esmalte champlevé. Limoges. Siglo XIII

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Píxide, siglo XIII, Limoges. Museo diocesano de Barbastro

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Ciborium S.XIII


Este nuevo y más barato sistemade «champlevé» se basa en el uso de planchas de cobre talladas y ahuecadas con buril o ácido. En las depresiones del metal así generadas, se aplicaban las pastas de vidrio, muy espesas.

Frontal de la urna de Santo Domingo

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Maiestas Domini detalle del Frontal de la urna de Santo Domingo

Por último se introducía la plancha en el horno de fundición y se pulía para alcanzar el acabado final. Luego se le agregaban figuras o cabezas de bronce dorado y cincelado en relieve.


Relicario de Limoges. estilo gótico,

Datado entre los años 1200 – 1220, madera forrada de cobre esmaltado con técnica champlevé, con fondo vermiculado de Limoges Museo del Louvre

OTROS TIPOS DE ESMALTE:

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Esmalte de bajorrelieve (de basse-taillé) que se logra cincelando una plancha u objeto metálico en finos relieves y cubriéndolos luego con esmalte de color


Esmalte traslúcido o transparente que puede ser el anterior y también el que se deposita sobre fondos de oro o de plata para darles brillo.


Esmalte de aplicación, que sencillamente consiste en un esmalte alveolado, hecho fuera de la pieza que con él se adorna y aplicado a ella como si se tratara de engastarle una piedra preciosa.


Esmalte cuadriculado, que viene a ser una incrustación de oro practicada en surcos abiertos en una pieza artística de cristal de roca o de vidrio


 

Placa de cubierta de libro Priorat de Saint Nectaire (Alvèrnia)

Ejemplo de fondo vermiculado. Esmalte champlevé sobre cobre dorado. (Limoges)
Se daba por hecho que toda pieza realizada con esmalte provenía de Limoges, llegando a ser la palabra Limoges sinónimos de esmalte. Tras un profundo estudio histórico y técnico se pudieron catalogar e inventariar todas las piezas existentes otorgando a cada una su situación o taller de origen. En el presente los esmaltes del taller de Silos están muy valorados y tienen un lugar preferente en la Historia del Arte.

Las piezas inventariadas ofrecen una gran variedad temática: báculos, cubiertas de libros, frontales de altar, cruces, relicarios, arcas y arquetas

TALLER DE SILOS

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El claustro del Monasterio de Silos

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Santo Domingo de Silos entronizado como abad . Bartolomé Bermejo. Museo del Prado
Posiblemente sea la obra más divulgada del autor,.
En la historia de la Iglesia hispana, el monasterio de Santo Domingo de Silos no tuvo la importancia de otros grandes cenobios como los de Sahagún, Poblet, Oña, etc Y para que ello ocurriera tuvieron que darse varias felices circunstancias.
La primera de todas fue la llegada a Silos de Domingo Manso, un monje nacido en Cañas (La Rioja) en el entorno del año mil y que profesaba en el importante monasterio de San Millán de la Cogolla


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Claustro de Silos

A continuación, llegó al monasterio un escultor excepcional con su equipo, que va a ser el responsable de los seis primeros relieves del claustro y de las alas este y norte (ésta incompleta).

Al primer maestro serían asignables seis de los relieves con diferentes escenas: En la imagen vemos en el ángulo noroeste: Los discípulos de Emaús y La duda de Santo Tomás

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En el plano artístico lo más destacable es la colección de los 64 capiteles de que consta el claustro bajo y los relieves que ornamentan las caras interiores de las cuatro pilastras que forman los ángulos de la galería.


 Cenotafio de Santo Domingo

Cuando Domingo murió el 20 de diciembre de 1073 comenzaba a tener fama de santo.Fue enterrado en el claustro, anterior al que ahora se conserva, en la panda norte, próximo a la entrada a la iglesia. Pronto comienzan a llegar los peregrinos a visitar su tumba llamados por su fama creciente y sus poderes. No hay que pensar que estos peregrinos vinieran de muy lejos en esos momentos, sino del entorno.

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Beato de Silos British Library de Londres
Entonces cuando se da una segunda feliz circunstancia: sucede como abad a Domingo, Fortunio, que si no fue un santo fue un gran organizador . Es a partir de él cuando se rebautiza el lugar y se convierte, hasta hoy, en Santo Domingo de Silos. Organiza y da vida al scriptorium donde se se copia uno de los grandes Beatos una copia del Beato de Liébana, fue realizado en el monasterio entre fines del siglo XI y comienzos del XII. Y de ese scriptorium también salieron las Glosas Silenses, una de las primeras manifestaciones escritas en castellano y el conocido como Beato de Silos, hoy en la British Library de Londres, donde, por desgracia, terminaron con la Desamortización.


 Caliz de Silos

Domingo, habia conseguido que trabajara un excelente orfebre anónimo a quien se le debe el espléndido cáliz adornado con una inscripción que indica que se realizó a sus instancias: «IN NOMINE DOMINI OB HONOREM SCI SABASTIANI DOMINICO ABBAS FECIT»
El Cáliz de Santo Domingo de Silos es un objeto de orfebrería románica utilizado en la liturgia cristiana; tiene 30 cm de altura y realizado por entero en plata, sobredorada por algunas partes. Data de mediados del siglo XI. En la actualidad se conserva en el museo del monasterio de Silos.

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Frontal de la urna de Santo Domingo

Sin duda, el frontal de la urna que rodeaba el sepulcro de Santo Domingo de Silos (actualmente en el Museo de Burgos) es una de las obras cumbres de la orfebrería y esmaltería medieval española.

A partir de una fecha indeterminada, pero próxima a 1160, se sabe de un extraordinario taller de esmaltes que trabaja para el monasterio. Estamos lejos de conocer bien el origen y el lugar exacto donde reside, aunque se ha propuesto como posible el mismo monasterio.
Con el tiempo, y a medida que se iba conociendo mejor el mundo de los objetos de cobre con esmaltes se fue imponiendo la tesis de que era probable que en los reinos peninsulares hubiera habido algún taller propio en especial relacionado con el monasterio de Silos, dentro del amplio apartado que se calificaba de «gusto Plantagenet»

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Urna del Santo detalle

La imagen puede contener: personas de pie e interior

Se compone de dos piezas. La pieza esmaltada se conserva en el Museo de Arqueología de Burgos. Domingo La otra lámina está en el museo del monasterio junto con una copia que se hizo de la parte frontal, con el fin de dar la idea exacta de la obra a los visitantes que quieren contemplarla. El punto de partida de las dudas era el extraordinario frontal que correspondía a la urna que forraba el sepulcro de Santo Domingo, trasladado el cuerpo desde el claustro al interior de una iglesia que crecía. Uno de los argumentos más contundentes en favor de la existencia de este taller residía en una caja musulmana de marfil del taller de Cuenca, que estuvo en el monasterio

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Frontal de la urna de Santo Domingo


Una de las obras de arte más destacadas procedente del monasterio, aunque hoy en el Museo de Burgos, es el famoso Frontal de la urna de Santo Domingo, que rodeaba su sepulcro, una de las obras más impresionantes de la orfebrería medieval peninsular, fechada en la década de 1160. Muestra al Pantocrátor rodeado del Tetramorfos y de los doce apóstoles bajo arquería escena que tiene lugar en la Jerusalén Celestial.
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Vista del Monasterio de Silos
En definitiva, la existencia de Domingo Manso y de Fortunio y la presencia en Silos del primer escultor del claustro y su taller, además de la actividad de los esmaltistas, a lo que se añaden otros puntos de interés (Beato, Infierno , segundo taller del claustro, scriptorium , portadas de la iglesia, aspecto definitivo de ésta, etc.), convirtió un monasterio que hubiera tenido una historia más discreta en uno de los puntos de referencia del arte románicoARQUETAS-RELICARIOS

Cuando estos delicados objetos se obtenían como botín a costa de los musulmanes se donaban a alguna iglesia o monasterio y se convertían en relicarios. En este caso, se acomodó al nuevo uso añadiendo una gran placa de metal con esmaltes, además de piezas menos importantes, donde se representó a Santo Domingo


Arqueta relicario, finales del XII, de la abadia de Silos, en el museo de Burgos.

Se llama relicario, palabra proveniente del Latín reliquiae, a la caja o estuche para guardar reliquias o recuerdos de los santos y exponerlas a la veneración de los fieles. Para la veneración pública de las reliquias en aquellos primeros siglos bastaban los sepulcros y altares que las contenían. Pero desde el siglo IX empezaron a colocarse además sobre el altar relicarios en forma de cajas o arquetas


PASO A CONTINUACIÓN A MOSTRAR UNA COLECCIÓN DE LAS ARQUETAS DE ESMALTES MEDIEVALES, MAS CONOCIDAS.

Arqueta-relicario de Silos

Magnífica Arqueta esmaltada rectangular con cubierta a dos vertientes, que Incorpora las escenas de la Crucifixión y a Cristo en Majestad en la Mandorla, además de santos o apóstoles bajo arcos de medio punto. La ejecución de la arqueta reIicario ha sido atribuida a los taIleres de Limoges. En la actualidad, sin embargo, se esta considerando su vinculación a los talleres de Silos que en el siglo XIII imitaron las formas de Limoges.


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 Arqueta relicario

Una pieza importante es la arqueta relicario, adscrita por los especialistas al taller de Limoges o al del propio Silos, fechada entre los siglos XII y XIII. Tiene forma rectangular con cubierta a dos aguas coronada con crestería y está realizada con alma de madera recubierta con cobre dorado y esmaltado representando un Calvario y una Maiestas Domini en mandorla elevada por dos ángeles, en referencia a la Pasión y Ascensión, dos de las fiestas mayores del año litúrgico cristiano.

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La misma arqueta por el anverso

Otras piezas que el visitante puede admirar «in situ» en el museo del monasterio son: la cruz gemada (siglo XIII), donación del rey Alfonso VIII, hecha en bronce y filigrana, el Báculo Abacial y la Paloma Eucarística.


Arquetas conservadas en otros lugares:

Hay numerosas obras de artes santurias dispersas en diferentes museos, como el Museo Arqueólogico Nacional, el Museo Lázaro Galdiano o el Museo Nacional de Arte de Cataluña, etc.

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Arqueta relicario de San Pedro, 1175-1185
Taller de Limoges. Eglise de Sainte-Anne (Vaucluse)

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Arqueta relicario de San Marcial, principios del XII. Musée du Louvre

Arqueta relicario de San Esteban, mediados del XIII. Saint Perdoux

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Arqueta relicario de Sto. Tomás Becket, principios del XIII, Limoges. 
Musée National du Moyen-Age, Paris

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 Arqueta de esmaltes de Limoges con la escena de el asesinato de Tomas Becket Museo Británico

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Arqueta relicario, hacia 1220-1230, Limoges. Museo de arte de Cataluña

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Arqueta relicario, segundo tercio del siglo XIII, Limoges. Museo de la catedral de Orense

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Arqueta relicario,1185-1195, Limoges. Museo de la Colegiata de San Isidoro de León

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Arquetas de la catedral de Toledo, siglo XIII

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Los talleres de Silos y Limoges durante los siglos XI, XII y XIII destacaron por sus obras de esmaltería sobre metal 

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La Cruz de la Victoria 

La donó el Rey Alfonso III a la catedral del Salvador de Oviedo, en 908. Había sido realizada por orfebres francos. Está recubierta de oro. En el centro se halla una cajita relicario. De los esmaltes y gemas que poseía han desaparecido muchas

 
VÍRGENES EN ESPAÑA

Paso a exponer ahora una serie de Vírgenes románicas de diferentes lugares de España en las que se ha empleado la técnica del esmaltado.

Virgen de la Vega   Catedral Vieja de Salamanca

Como la Virgen de Husillo de Palencia o la de Artajona (Navarra) la Virgen de la Vega de la catedral de Salamanca es obra de un taller de formación limosina (¿quizás afincado en Salamanca?). Es una bella obra de Virgen sedente con el Niño realizadas con bronce dorado y cobre. El tronco y trono están decorados con esmaltes. El trono tiene a los Apóstoles bajo arcos de medio punto de marcado estilo bizantino

Virgen de Nuestra Señora de la Dehesa Brava:

Talla de gran fama y belleza, se trata de la pequeña imagen sedente de la Virgen de Husillos o Nuestra Señora de la Dehesa Brava con el niño en brazos, realizada en cobre dorado y esmaltado, de la escuela francesa de Limoges (s.XIII) y que hoy se custodia en el Museo Diocesano de Palencia

Virgen de Artajona o de  Jerusalén

Autor Anónimo Fecha: Siglo XIII   Basílica de Nuestra Señora de Jerusalén de Artajona
Estatua relicario de la Virgen y el Niño hechos de metal con esmaltes en el trono, y basamento además de la bolas de color turquesa que adorna las cenefas de la ropa de la Virgen

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/e/e1/Virgen_de_las_Batallas_%28Museo_de_Burgos%29.jpg

Virgen las Batallas de San Pedro de Arlanza

Virgen con el Niño de bronce sobredorado, procedente de San Pedro de Arlanza y obra de talleres de Limoges. Cuenta con base y trono esmaltados. Hoy se expone en el Museo de Burgos.
Foto de Sira Gadea

Virgen del Monasterio de Irache S.XII

En la iglesia parroquial de Dicastillo se guarda la conocida Virgen de Irache, soberbia talla románica en madera de la Virgen coronada con el Niño en su iconografía habitual de Sedes Sapientiae.
En el ábside del Monasterio de Irache encontramos una buena réplica de esta imagen. De más de un metro de altura, llama la atención la estricta simetría del cuerpo de María que acoge en el centro de su regazo al Niño.
A esta copia se le añadió el modelo de corona románica que en origen portaba la Virgen a diferencia de la barroca del XVIII que luce la original.
 


RETABLOS

Y a continuación frontales y retablos de Limoges, que tambien tuvieron gran relevancia.

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Retablo de San Miguel in Excelsis, en San Miguel de Aralar

Es una obra de arte de 2 metros de longitud por 1,14 de altura que preside el presbiterio del templo. Esta obra maestra del arte románico es un frontal de esmaltes y cristal de roca de principios del siglo XII.
El magnífico retablo de San Miguel de Aralar, tal vez procedente de la catedral de Pamplona es una de las obras cumbre de la orfebrería y esmaltería románica. Los expertos encuentran en él doble influencia de Limoges y de Silos.

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Esmaltes de Limoges de la Catedral de Orense

En el Museo catedralicio de Orense se guardan 53 piezas de cobre dorado grabado y esmaltado de Limoges, de las que la mayoría pertenecerían a la arqueta de San Martín o con mayor probabilidad a un frontal de altar de grandes dimensiones.

La imagen puede contener: exterior

Pala d´Oro San Marcos de Venecia

Mencionar solo una importante obra :La Pala d’oro, localizada detrás de el altar mayor de la Basilica demostrandonos un extraordinario ejemplo de arte Bizantino. Fué construida por la voluntad de el «Dogo» Ordelaffo Faliero en el 1102 y acabada 3 años después.
A pesar de esto la aparencia actual de la «Pala d’oro» fué realizada en el 1342 cuando el «Doge» Andrea Dondolo nominó a el orfebre Gian Paolo Boninsegna para renovar la estructura de la Pala.

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Por último, citar que, mientras a orillas del Sena el abad Suger se deleitaba en contemplar la luz de los lujosos relicarios y las nuevas vidrieras donde se estaba engendrando el Gótico en su basílica de Saint Denis, al tiempo que San Bernardo condenaba los excesos decorativos de los claustros cluniacenses y propugnaba una nueva austeridad en la arquitectura y la escultura monásticas, en las mismas décadas que vieron salir a legiones de caballeros cristianos al encuentro de Oriente en las grandes peregrinaciones armadas de las Cruzadas y en el lento pero tenaz avance de la Reconquista y la repoblación de nuestra península, alcanzó su mayor esplendor el apartado rincón de la joven Castilla donde el monje Domingo Manso había transformado el anterior centro de oración en un pujante enclave abierto a las influencias procedentes del reino franco de los Capeto

Estos talleres probables, lo mismo que otros del sur de Europa, no pudieron resistir la competencia con los lemosinos, que aumentaron la producción y disminuyeron la calidad, lo que hubo de incidir en el precio. Toda Europa, a partir de fines del siglo XII ,se vio invadida por el opus lemovicensis.
Antes había trabajado durante unos años un excelente taller en la segunda mitad del siglo XII , al menos para Silos. Luego, desapareció.

FUENTES:

https://es.wikipedia.org/wiki/Taller_de_esmaltes_del_monasterio_de_Silos

  http://www.arteguias.com/orfebreria-esmaltes.

  http://pre-romanicocantabro-astur.blogspot.com.es/2015/04/la-expasion-hispana-de-los-esmaltes-de.html

 https://realidadesculturais.wordpress.com/2015/06/03/julia-ares-el-arte-de-esmaltar/ «De Limoges a Silos» (catálogo de la exposicion) por JOAQUÍN YARZA LUACES

Gómez Moreno, María Elena (1947). Mil Joyas del Arte Español. Barcelona, Instituto Gallach de Librería y Ediciones.

Los frontales de altar románicos

1 Antependium ,2 pallium altaris,3 frontal de altar.

Con antecedentes rastreables en los sarcófagos esculpidos, los frontales de altar, se utilizaron en las iglesias paleocristianas desde el siglo IV, y su evolución posterior originó los retablos de la Baja Edad Media.
Al principio eran cortinajes de ricos tejidos (tapices o estofas), pero enseguida (en el mismo siglo IV) comenzaron a emplearse algunos de metales preciosos, haciéndose cada vez más frecuentes en el arte bizantino y en Italia. Del siglo X al XIII prevalecieron los de plata y cobre esmaltado, según consta por documentos de donaciones y por los restos que han llegado hasta nosotros y a imitación suya, los de madera pintada o en relieve, que especialmente cundieron en el Románico catalán.
 
La pintura sobre tabla es una práctica sedentaria y principalmente monacal del mismo modo que la miniatura sobre el escritorio del monje. El frontal o antependio suele aplicarse a los muebles de uso litúrgico como la mesa de altar decorando su frente y costados. El frontal dará origen evolutivamente al retablo, que se ubica detrás y por encima del altar aunque todavía en el románico se distingue por sus pequeñas dimensiones y es muy poco frecuente.

La pintura románica en tabla, se realiza con una primera capa de yeso e incluye a los frontales, baldaquinos y pequeños retablos. Los baldaquinos en la forma tradicional de cimborrio o templete y tablero oblicuamente dispuesto sobre una viga, son poquísimos, y lo mismo ocurre con los retablos, que no se debieron de empezar a emplearse hasta una fecha más tardía.

En cuanto a los frontales, tradicionalmente se ha considerado que ejemplares como estos, pintados sobre tabla, constituían un remedo de los frontales de orfebrería y esmalte que atesoraban las grandes catedrales y monasterios, verdaderos objetos de lujo sólo al alcance de ilustres promotores y de instituciones destacadas.
Como ejemplo esta el conjunto de placas de esmalte (Limoges, siglo XII), que pertenecieron a un frontal o arquetas de reliquias.(no es seguro) de la Catedral de Orense.

Pese a que el prestigio de las grandes obras que las convertía en modelos dignos de imitarse, últimamente se ha reivindicado la relación de los frontales pintados con otras manifestaciones artísticas, como la ilustración de manuscritos o la pintura mural, que plantean una comunidad de recursos estilísticos e iconográficos con el mundo del frontal.

Tanto en el Museo de Arte de Cataluña (Barcelona) como en el de Vic o en Huesca, existe una buena colección de estos frontales.

En la iconografía de los frontales de altar suele reiterarse la presencia de imágenes teofánicas, como el Pantocrator o de exaltación de la Virgen María en el centro de la tabla con el apostolado y escenas de la vida de la virgen a su alrededor.

. Como reflejo del estilo de la gran pintura mural, encontramos los frontales del Salvador y los Apóstoles, del Museo de Barcelona, provenientes de la región de Urgel (Frontal del Altar de la Seo de Urgel

Altar frontal de La Seu d’Urgell o de los Apostoles‎

Procede de una iglesia de la Diócesis de la Seo de Urgel y es considerada como una obra maestra de la pintura románica sobre tabla española.Este tipo de piezas muebles se utilizaban para cubrir la parte delantera del Altar, a modo de faldón.
Formal e iconográficamente estamos ante una representación característica del románico ya que cumple con sus principios estilísticos básicos, como la simetría, la negación del espacio en el que se ubican las figuras, el establecimiento de una jerarquía en la perspectiva, la utilización de colores planos con predominio de los rojos, tierras y ocres y la tendencia a la geometrización de las figuras y el antinaturalismo de las formas, como los ropajes o los objetos que portan los apóstoles y Jesucristo.En la representación distinguimos dos partes: Jesucristo y los apóstoles en dos grupos a los lados.

Aparte de su valor puramente artístico, estos frontales son buenos ejemplos del simbolismo románico
De una amplia región, que tiene por centro Ripoll, procede una serie de frontales de estilo más dispar, pero en los que perdura la sobriedad de la pintura mural.

Frontal de Àvia 

En el Museo de Arte de Cataluña se expone un magnífico frontal de altar románico procedente de la iglesia de Santa María de Aviá. Pintado al temple con aplicaciones de relieves formados por barnizados y estucados sobre una tabla de madera de álamo de 105 x 175 cms,

Frontal de Àvia 
 
Está dedicado a la Virgen María y se divide en cinco espacios separados y encuadrados por marcos a base de una cinta de filigrana elaborada en relieve conseguido mediante estuco.  La calle central ocupa toda la altura del antipendio, mientras que las dos laterales, más anchas, se dividen verticalmente en otros dos espacios cada una con escenas de la vida de María.

Frontal de Àvia

María está sentada de frente y viste túnicas de colores rojo y azul con motivos florales, prendas con las que también aparece en el resto de escenas. El Niño, sentado en su regazo, está representado de costado mirando hacia el lado derecho

Frontal de Àvia 
 
A este mismo nivel, en el lado derecho, vemos la escena del nacimiento de Jesús. La Virgen está sentada con el Niño en la cuna cubierto con un lienzo y San José, también sentado, a su lado. Detrás de la cuna, las figuras del asno y del buey.

Frontal de Santa María de Taüll.

Museu Nacional d’Art de Catalunya MNAC, Barcelona.  Temple sobre tabla y tallas aplicadas. Medidas: 97cm x 135,5cm x 11cm Estamos ante uno de los mejores frontales románicos al temple conservados en la península ibérica, actualmente expuesto en el Museo Nacional de Arte de Cataluña.
Aunque parece ser que los frontales de altar con figuras talladas eran bastante habituales en la producción románica, han sido pocos los que se han conservado en comparación con los que presentan su iconografía pintada. Uno de ellos es éste de la iglesia de Santa María de la localidad de Taull, en el valle del Boi. Datado hacia 1200

La materia hagiográfica (vida de los santos) fue ganando una creciente presencia en el ámbito del frontal de altar, hasta el punto de llegar a destinarse el espacio central del mismo a la imagen del santo. Y a su lado, escenas de sus vidas
. En el siglo XII aparecen estos temas más descriptivos para estimular el ejemplo en los fieles y alimentar la piedad popular (infancia de Cristo, vida y martirio de santos…).

A este grupo se asigna el de San Martín, hasta ahora considerado del XI, y, por tanto, el más antiguo de todos los conservados, pero que, al parecer, corresponde al XII,

Frontal de San Martín,

Con escenas de la vida de San Martín y los apóstoles. Temple sobre tabla. Medidas 91cm x 155cm. Procede de la iglesia de Sant Martí (Alta Cerdaña, España).Museu d’Art Nacional de Catalunya MNAC, Barcelona

San Andrés de Sagars,en el Museo de Vich

Tanto en uno como en otro, mientras la parte central continúa reservándose al Pantocrátor, los pequeños compartimientos laterales se dedican a historias diversas de los santos respectivos. Los fondos son de colores alternados.


Frontal de altar de Durro Frontal de Santa Julita y su hijo Sant Quirze

Procede de la pequeña ermita de Durro, en el valle del Bohí (Lérida) Museu Nacional D’Art de Catalunya MNAC, : temple sobre tabla. Medidas: 98cm x 129,3cm x 6,5cm.

 

 Frontal de Altar titulado de Esquius.

Museu Nacional d’Art de Catalunya MNAC, Barcelona,  Temple y restos de hoja metálica corlada sobre tabla. Medidas: 88cm x 123cm x 1,6cm S,XII






Frontal de altar de  Esterri de Cardós‎ MNAC

De la iglesia de Sant Pau de Esterri de Cardós se conserva tanto la decoración del ábside como el frontal que presidía su altar mayor, fechado en el año 1225 por una inscripción. Todas las figuras y los elementos decorativos del frontal están hechos con relieves de yeso, que iban recubiertos originariamente con una capa de estaño y un barniz dorado llamado corladura. Esta técnica, habitual en los frontales de altar catalanes, buscaba reproducir con materiales poco costosos los efectos de relieve y brillantez de los frontales de orfebrería

Frontal de San Martín de Chía (Huesca)

Museu Nacional d’ Art de Catalunya MNAC, Barcelona,  Temple relieve de estuco y restos de hoja metálica corlada sobre tabla. Medidas: 100cm x 146cm x 8cm.

Frontal de altar de Santa Margarita de Vilaseca.

Museu Episcopal de Vic,  Se trata de una pintura al temple sobre madera de álamo, que procede de una comunidad femenina de la parroquia de san Martín Sescorts (Osona, Barcelona). Este frontal describe algunos episodios legendarios de la vida y martirio de santa Margarita.
Preside el antipendio las figuras hieráticas y totalmente frontales de María (coronada) y el Hijo, rodeados de cuatro ángeles que cogen la mandorla aludiendo al tema de la ascensión. La aureola que los cierra tiene la inscripción: S. Maria mater domini nostri Iesu Xristi.

Frontal de altar de Santa Margarita de Vilaseca. martirio de la santa

Los cuatro espacios narrativos restantes, subdivididos internamente y diferenciados por el color del fondo (rojo o amarillo) contienen distintos episodios de la vida de la santa titular.

Altar frontal de Ix‎

El frontal de altar de Ix es una tabla de madera con pintura románica que sirvió de frontal para el altar de la iglesia parroquial de Sant Martí de la población La Guingueta d’Ix (Alta Cerdaña). De autor anónimo, está fechada del segundo cuarto del siglo XII y se conserva en el Museo Nacional de Arte de Cataluña de Barcelona

Frontal de los Magos de Mosoll 

 Temple, relieve de estuco y restos de hoja metálica corlada sobre tabla. Medidas 99cm x 107cm x 7cm. Procede de la Iglesia de Santa María de Mosoll (Cerdeña, Gerona) Museu Nacional d’Art de Catalunya , MNAC, Barcelona

Frontal del Altar de Cardet,

Procede de la Iglesia Parroquial Santa María de Cardet (Alta Ribagorza, Lérida) Museu d’Art de Catalunya MNAC. Temple, relieve de estuco y restos de hoja metálica corlada sobre tabla. Medidas: 97cm x 162cm x 7,5cm

 Frontal de Altar de Farrera

Procede de la Iglesia de Farrera (Pallars Sobirà, Lerida,) Museu Nacional d’ Art de Catalunya MNAC, Barcelona, Temple sobre tabla. Medidas: 103cm x 147cm x 6cm

Altar frontal de Planès‎ 

Segunda mitad del siglo XII91 x 119 x 5,5 cm
Procede de la iglesia de Sant Marcel de Planès (Ripollès).
Temple, relieves de estuco y restos de hoja de estaño corlada sobre tabla de madera de pino negro entelada

 

Altar frontal de Sant Romà de Vila‎ MNAC

Pertenece a la decoración de un altar junto con dos laterales, conservados en el MNAC. Dos montantes posteriores de los laterales se conservan en el Patrimoni Artístic Nacional de Andorra. Procede de la iglesia de Sant Romà de Vila (Encamp, Andorra). S.XII
Temple, relieves de estuco y restos de hoja metálica corlada sobre tabla entelada

Altar frontal de Sant Pere de Boí‎  MNAC

Procede de la antigua capilla de Sant Pere de Boí (la Vall de Boí, Alta Ribagorça)S.XIII
Temple, relieves de estuco y restos de hoja metálica corlada sobre tabla

Frontal del Altar de los Arcángeles.

Museu Nacional d’Art de Catalunya, Barcelona, Temple, relieve de estuco y restos de hoja metálica corlada sobre tabla. Medidas: 105,3cm x127cm x 4,5cm

Frontal de Altar de Tavernoles‎ MNAC

Forma parte del conjunto de la decoración de un altar junto con dos laterales. Procede de la antigua iglesia abacial benedictina de Sant Serni de Tavèrnoles (Les Valls de Valira, Alt Urgell).

Temple sobre tabla S. XII

 Frontal de San Juan Bautista, de Gésera,

en Barcelona, Museu Nacional d’Art de Catalunya  106cm x 175cm


Frontal de altar de la de Santa María del Castillo de Besora

temple y madera con adornos de plata

Santa María del Monte, en Liesa,
Juicio, martirio y muerte de San Vicente

Se halla expuesto en la planta baja de la Diputación Provincial de Huesca
Datable a finales del S XIII. Es una pintura realizada en pergamino; que se encoló sobre tabla. Su estilo, tiende más al románico que al incipiente gótico lineal dominante en esta época.

 Frontal de Alós d’Isil

Probablemente procede de la iglesia de Sant Lliser de Alós d’Isil (Alt Àneu, Pallars Sobirà).
Temple, relieves de estuco y restos de hoja metálica corlada sobre tabla entelada S.XIII

.
Frontal des Reis Mags, d’Espinelves. Segle XII

Frontal del altar de San Vicente de Espinelves, Osona, de autor anónimo

Antipendio de sant Sadurní de Rogers

Frontal de altar de Sant Sadumi de Rotgers. que es conserva en el Museo de Vic

 
Frontal de altar de Sant Andreu de Sagàs

Talleres de La Seu d’Urgell  Segundo cuarto del siglo XII
Pintura al temple sobre madera de cerezo  100 x 171,5 x 6,5 cm
Procedente de la iglesia de Sant Andreu de Sagàs (Berguedà)  MEV

Frontal de San Cristóbal de la iglesia de Toses Museo Nacional de Arte de Cataluña

FUENTES:

http://www.artehistoria.com/v2/contextos/7349.htm

http://www.historiadelartemgm.com.ar/pinturaromanico.htm#imagenesfrontales

Frontal de la Seo de Urgell o de los Apóstoles

http://www.castillodeloarre.org/MNAC/Tabla/0-MNAC02.htm

http://www.romanicoaragones.com/3-Somontano/990399-Liesa8-DPH.htm

http://www.arteguias.com/museo/museoepiscopalvic.htm

http://apuntes.santanderlasalle.es/arte/romanico/pintura/frontales.htm

http://arte-paisaje.blogspot.com.es/2012/02/frontal-de-altar-de-avia-barcelona.html
http://www.museuepiscopalvic.com/ca/colleccions

http://www.museunacional.cat/es/coleccion/rom%C3%A1nico

Las Vírgenes románicas de España

Una parte importante en la religiosidad del hombre románico la constituyeron las tallas en madera para estimular sus sentimientos y devociones. El hecho de que la figura sea «de bulto», es importante a la hora de proyectar las emociones religiosas. Y a ello ayuda más la imaginería que la decoración pictórica. 
La mayor parte de las tallas en esta época corresponden a imágenes de la Virgen con el niño y Cristo crucificado, bien en solitario o formando grupo con La Virgen y San Juan, en forma de «calvario».
 En esta ocasión,quiero hablaros de las Vírgenes de una manera lo mas breve posible,(ya que el tema es muy extenso),por la importacia que tuvieron en España y por la belleza, unas veces arcaica, otras ingenua y otras real, que dichas imágenes presentan- 
 Se trata tallas realizadas sobre maderas de diversa procedencia por lo general locales (pino, nogal, roble..) vaciando su parte posterior para evitar fracturas al secar. Su acabado se efectuaba policromando la talla: La superficie frontal esculpida se cubría con una tela y una capa de estuco para dejar una superficie lisa sobre la que pintar con temple .
Con frecuencia se utilzaban como autenticos relicarios,ahuecandolas,con lo que la devoción que trasmitia,era mucho mayor.Esto último,se dió mas durante el S.XI .
En el caso de estar al servicio de catedrales y grandes monasterios, con gran poder económico, estas tallas podían ser recubiertas con metales y piedras preciosas. 
El patrimonio de tallas de madera románicas de la Virgen con el niño , es impresionante en las iglesias de buena parte de España, todo ello a pesar de las frecuentes destrucciones, expolios y ventas a particulares y museos.  
Algunas de piezas de imaginería en madera son sublimes en belleza y perfección, aunque abundan más las de carácter popular con su adorable e ingenua rudeza. 
Un buen número de Vírgenes románicas ha llegado en buena conservación hasta nuestros días. Muchas otras, han desaparecido por deterioro de su materia prima, incendios, destrucción intencionada o expolio.
 Realmente debió de ser elevado el número de las mismas y probablemente no hubiera templo que no las tuviese. La devoción mariana es cosa fundamentalmente del siglo XII. En España son los monasterios cistercienses y premostratenses los que más hacen por su veneración. 
La Virgen no suele representarse sola sino, únicamente, junto a Jesús, como Madre de Dios (Theotokos).La Virgen con el Niño es una de las formas escultóricas más representativas del románico. Partiendo de la concreción «imagen-relicario», muy pronto se pasa al concepto «Madre-Hijo» como exponente de una profunda veneración popular. En este concepto de Virgen-Trono, la Virgen aparece sentada con el Niño Jesús sentado en su regazo, mirando ambos al frente; sus brazos se colocan en ángulo recto separados del cuerpo del Niño, simulando los reposabrazos de un trono. En ocasiones la mano derecha de la Virgen lleva la manzana del Paraíso.. El hieratismo de ambas figuras, los pliegues geométricos y paralelos, los pies colgantes, etc. son otros tantos rasgos de la escultura románica; nada hace suponer una relación maternal/filial entre ambos ya que lo que se persigue es la representación serena y profunda de su divinidad.
Es un prototipo que aparece en el mundo románico plena de madurez y rigor, que irá desgranando en miles de imágenes que hoy custodian como verdaderas joyas los museos de Cataluña, León, Astorga, Valladolid, Palencia, Jaca etc. como resumen esquemático de un fenómeno explosivo en la historia del Arte Románico español.
 A medida que avanza el XII y sobre todo en el XIII, cambia el patrón descrito. Las Vírgenes pierden parcialmente su hieratismo para adquirir rasgos más naturales mientras que el Niño pasa a hallarse sobre la rodilla izquierda de la Virgen, tendiendo a la postura ladeada a su derecha. La Virgen en esta fase ya sujeta al niño, y lo toma de modo mas natural, por lo tanto en las Vírgenes góticas, los rasgos de ambos se hacen más dulces y sonrientes. Jesús recupera su carácter infantil y María contacta con el cuerpo -colocando su mano sobre el hombro o la cadera- de su hijo en señal, de protección. 
Os pongo unas cuantas imágenes, casi todas del S.XII.

CATALUÑA



https://bauldechity.files.wordpress.com/2017/01/e1bb9-a_virgem_de_mont_serrat.jpg
 
 
Virgen de Montserrat (Barcelona)

 

Según la leyenda, la primera imagen de la Virgen de Montserrat la encontraron unos niños pastores en el año 880.La imagen es una talla románica del S.XII realizada en madera de álamo. Representa a la Virgen con el niño Jesús sentado en su regazo y mide unos 95 centímetros de altura.. Casi toda la estatua es dorada, excepto la cara y las manos de la Virgen y del Niño.

Aunque la talla es mayoritariamente del siglo XII, tanto el Niño Jesús, como las manos actuales de la Virgen son un añadido del S.XIX

 En virtud de esta coloración, la Virgen está catalogada entre las vírgenes negras. Por esto la llaman con cariño «La Moreneta»

Las Vírgenes negras, tienen un color entre negro y castaño. que se supone es a causa del paso del tiempo y el humo de las velas, pero esta teoría es bastante dudosa y hay otras que paso a relatar

1º Es la María del Cantar de los Cantares: Esta teoría apunta a que son representaciones de la María descrita en los primeros versículos del Cantar de los Cantares -Nigra sum sed formosa, «soy negra pero hermosa»- y que conecta las imágenes de encarnadura negra con los iconos atribuidos a san Lucas y los aparecidos en Europa en la Edad Media.

2º Son diosas mistéricas santificadas. Las imágenes podrían ser de aquellas diosas santificadas e incorporadas al pensamiento cristiano -que las hubo- en aquella «suma» realizada por la Iglesia de Occidente.

Una de estas teorías es que son  imágenes nacidas de la tradición de la llegada de Kali a la Provenza Esta última teoría está enraizada en la más pura leyenda merovingia según la cual llegaron a la Provenza familiares de Cristo -concretamente, María Magdalena y una pequeña de nombre Sara la Kali («Sara la Negra»).

 En cuanto a la advocación, las imágenes negras de antigüedad constatada tienen, en una mayoría aplastante, nombres de la naturaleza, como por ejemplo las vírgenes del Turó, del Monte, del Tura (toro), del Romeral, del Prado, del Juncal, del Henar, del Pino, de la Dehesa, de la Encina, del Rio, de la Peña, de la Roca, de la O (en clara evocación al eau -«agua»- francés), de Rocamadour, del Mogrony (pezón), del Valle, de la Luz, de Montserrat («monte serrado») …etc

Del conjunto de características comunes que presentan las imágenes antiguas, quería destacar algunas que se concentran específicamente, y significativamente, en las imágenes de encarnadura negra. Dichas características son las siguientes:

1º Son halladas por pastores o por gente humilde y el hallazgo tiene alguna relación con animales astados.

2ºEstán relacionadas con licores: curiosamente, en muchos de los lugares en los que aparece una virgen de encarnadura negra hay tradición de producción de licores dulces como los Monasteros de Montserrat y Chartreuse y otros benedictinos.

3º Existe una relación continua de los enclaves de las imágenes de encarnadura negra con tradiciones, capillas o iglesias anteriores de san Miquel, pero desconozco absolutamente si este hecho pudiera tener algún significado.

4º Salen en Romería: La romería -o recorrido de la imagen por un territorio acompañada del fervor popular- es muy característica en la tradición de estas imágenes.

Todo lo expuesto, naturalmente es discutible y me he remitido a trasmitir lo leido en la siguiente página, que podeis consultar para completar la información:
 http://deigenitrix.net/maria/virgenes.php?pag=virgnegras&subpag=grupo

 

Mare de Deu de San Andreu de Gurb. Osona Barcelona

 

 

 

La Virgen del Claustro es una escultura tallada en piedra, actual Patrona de la ciudad de Solsona. La imagen, que representa a la Virgen y el Niño sentado en su regazo, está considerada como la escultura más primorosamente realizada  por el escultor Gilabertus (1163 en Toulouse) y una de las pocas muestras que se conservan de las relaciones e integración de nuevas formas de escultura monumental, por parte de diversas escuelas provenientes del entorno europeo. Mide 1,05 m. de alto y sigue siendo muy venerada en la ciudad de Solsona.



 

Virgen románica Museo de Cau Ferrat  Sitges (Barcelona)


 

Virgen románica  Museo  Marés (Barcelona)




 Virgen románica  Museo  Marés (Barcelona)



 Sta Mª de Tahull (Lleida) Museo Marés de Barcelona


 
 Virgen de Ger MNAC (Barcelona)
Se trata de un grupo escultórico tallado en madera de álamo policromado, de la Virgen sedente con el niño en el regazo, el cual bendice con la mano derecha y sostiene con la izquierda un libro donde hay la inscripción EGO SUM (Yo soy)
Procede de la iglesia parroquial de Santa Colo,a de Ger perteneciente a la comarca de la Baja Cerdaña y actualmente se encuentra expuesta en el Museo Nacional de Arte de Cataluña

PAÍS VASCO

 
 
Virgen de Estíbaliz (Álava)
Se trata de una talla románica en madera policromada que representa a la Virgen María como Sedes Sapientiae (trono de sabiduría) de Jesús.  Se encuentra en el santuario del mismo nombre, hoy dia monasterio benedictino, a las afueras de Vitoria.

 Nuestra Señora de Begoña o Madre de Dios de Begoña

Es una advocación mariana originaria de la anteiglesia de Begoña, actualmente perteneciente a Bilbao, España.

 Begoña es un nombre propio femenino de origen vasco. Su significado es «lugar de la montaña dominante», por la situación del santuario. Con toda probabilidad, lugar sagrado desde tiempo inmemorial, ocupado anteriormente por otras divinidades de la tierra.

 

 

 

Virgen de la Antigua, Basílica de la Asunción de Lequeitio (Vizcaya)
En su origen se entremezclan la leyenda y la tradición. La creencia de que una imagen de la Virgen fue encontrada por los pescadores, los cuales la pusieron en sitio resguardado, al día siguiente la imagen había desaparecido del lugar, encontrándola los pescadores más tarde a la orilla de la playa, cerca del mar, sobre un árbol deespino blanco.
Volviendo a guardarla, desapareció de nuevo, encontrándola posteriormente sobre el mismo espino blanco. Ante la repetición del hecho y suponiendo que la virgen deseaba permanecer en ese punto, le construyeron una ermita, haciendo uso del tronco del espino como peana-trono para la imagen.

NAVARRA

 

Sta Mª de Eunate  Navarra
Se trata de una copia relativamente reciente del artista valenciano Jose Lopez Furió. La talla original de finales del s.XII, principios del XIII, desapareció (seguramente robada?).


  
  Virgen de Ujuè Navarra
La imagen de la Virgen de Ujué es una talla única elaborada en madera hacia 1190. Obra cumbre de la imaginería del románico en Navarra, Carlos II el Malo, de la Casa de Evreux, mandó forrarla en plata en el siglo XIV, como muestra de su especial predilección tanto por la Villa como por la adoración de la Virgen de Ujué.

Virgen románica de Celigüeta, siglo XIII. Catedral de Pamplona

 
 

Garinoaín Ermita del Cristo de Catalaín
La imagen románica de la Virgen de este templo se halla en la actualidad sobre el altar de la capilla de San Jesucristo en la catedral de Pamplona



 Virgen Blanca de Tudela, Navarra
La monumental talla de la Virgen Blanca, con sus casi dos metros de altura, a diferencia de lo habitual en la imaginería románica, ofrece a su vez varios aspectos que remarcan su singularidad. Dentro de la imaginería mariana navarra de su época, esta talla resulta excepcional por ser la única realizada en piedra. También por sus grandes dimensiones (190 cm. de altura) y su carácter de Virgen-relicario, ya que los dos grandes bloques pétreos que la forman custodian en su interior un receptáculo para reliquias, que contenía huesos envueltos en un tejido de tradición  hispanomusulmana. Se clasifica dentro de la tipología “Vírgenes de apoyo” 

 Santa María la Real de Pamplona

Es una talla románica de madera policromada del S.XII y cubierta en plata en el XIV, que representa a la Virgen María con añadidos posteriores como el trono y el niño Jesús.

Se considera a Santa María la Real, como una de las tallas marianas más antiguas que se conserva en Navarra, junto con la del Minasterio de Irache- Está fechada con anterioridad a 1175-1185.

Virgen de Salinas de Ibargoiti 

CASTILLA-LEÓN

Varias imágenes románicas de la Theotokos en el museo de la catedral de León 

Virgen de la Majestad de Astorga 
Datada de principios del S.XII está realizada en madera enyesada y pintada y mide 118 centímetros de altura. La imagen está formada por la Virgen sentada sobre un trono con decoración de estilo bizantino cuyos brazos tienen el remate hecho con unos extraños cuernos. El busto de María está modelado en forma plana y la cabeza redondeada con la cara ovalada y la facciones del rostro bastante pronunciadas. Los cabellos están dorados y cubiertos con un velo azul, sobre el que llevaba una corona de madera, que más tarde se le cortó para sustituirla por otra más lujosa de plata. 


Virgen románica. Catedral de Astorga (León)
Donde existen varias imágenes.



Virgen románica Catedral de Astorga (León)


  

Virgen entronizada con el Niño, siglo XIII. Catedral de Astorga.León

 

Nª Sª de Valmartino catedral de Leon S.XIII

 

Virgen de San Miguel de la Escalada  en la actualidad en el Museo de León 

Virgen del Villar del Monasterio de Carrizo de la Ribera (León)
Imagen del S.XI
Del 13 al 17 de mayo, Carrizo de la Ribera celebra sus tradicionales fiestas en honor a la Virgen del Villar, con una Romería popular donde procesiona la Virgen en su trono y es llevada hasta su ermita.
(aportada por Bernardo García Fernández)

 Nª  Sª del Monasterio de Sandoval León
El templo tuvo su imagen titular de Nuestra Señora de Sandoval, una talla policromada del siglo XII al XIII bastante bien conservada. Se halla custodiada en el Palacio Episcopal de León.
(aportada por Bernardo García Fernández)

  

Virgen románica de La Seca (Museo diocesano,León)



 
Virgen románica procedente de  Aguilar de Campóo, Palencia

 Virgen de Valberzoso Mº de Sta Mª de Aguilar de Campóo Palencia

 

La virgen de El Henar en su santuario (Cuéllar, Segovia)
La imagen preside el altar mayor de su Santuario, y tiene unas medidas de 80 cm de alto, 30 cm de ancho y 20 cm de grosor; está realizada en madera de nogal y carece de espalda, pues en su origen estaba adosada al muro.Su rostro, de especial belleza y más bien oscuro, por el que ha merecido el sobrenombre de “La Morenita”.
El pontífice Pio XII la proclamó en 1958 patrona de los resineros de España. Posee el bastón de alcaldesa mayor de Cuéllar, cargo que goza de forma perpetua. También es patrona de la Comunidad de Villa y Tierra de Cuellar   


  
Virgen románica. Marededéu de Santa maría de Matamala. Siglos XII-XIII. Les Llosses (Ripollés). Museo de Vic

Santa María de Matamala (Segovia) Museo Marés de Barcelona

 
 
  Virgen románica Catedral de Segovia, Capilla de San Ildefonso


Virgen de las Navas Sta Mª de Huerta  Soria (reproducción)

 
ARAGÓN

Resultado de imagen de santa maria iguacel virgen romanica



Santa María de Igüacel
Talla del S.XII procedente de la iglesia de Nuestra Señora de Iguacel, en la Garcipollera (Huesca) que en la actualidad se encuentra en el Museo Diocesano de Jaca.(Hay una copia en su iglesia, imagen)

 

Virgen de Astón  Alcala de Gurrea Huesca


 Nuestra Señora de Casbas Ayerbe Huesca

 

 Emita de Nª Sª del Castillo de Rodellars Huesca


  

Virgen de la Ermita de Santa Lucia Mº Diocesano de Huesca

Nª Sª de los Angeles Villanua Huesca

  Virgen de la Malena  Huesca

La imagen procede de la ruinosa iglesia de «La Malena», fundada en Huesca por el rey Pedro I tras la reconquista de la ciudad en 1096. 
Esta Virgen, hasta llegar a su magnífico estado actual, la talla ha sufrido muchas peripecias. La imagen medieval original fue «reconvertida» en 1945 en «Virgen de Monserrat» para lo cual se oscureció su aspecto.Se tuvo mucho tiempo por una copia, hasta que  realizadas unas catas en la talla,dieron como resultado la confirmación de que debajo de repintes y añadidos subyacía una talla románica original que se encuentra en el Museo Diocesano de Huesca.

 

Virgen de Astón Alcala de Gurrea Huesca


 

Nuestra Señora de Casbas  Ayerbe Huesca

 

 Nuestra Señora de Salz Zuera , Huesca

Cuenta la tradición que la Virgen se apareció sobre un árbol llamado salz a un caballero hospitalario que estaba orando a la orilla del río Gállego. Los monjes soldados recogieron la imagen y la trasladaron a su castillo donde empezaron a darle culto hasta que, junto al clero y pueblo de Zuera, le edificaron un santuario.
 

La imagen es de madera policromada de finales del siglo XII y actualmente la talla forma parte de la colección permanente del Museo Diocesano de Zaragoza.

RIOJA 

Nª Sª de Valvanera Santuario de la Valvanera La Rioja

Cuenta la leyenda, que el ladrón Nuño Oñez, oyendo el rezo de la que iba a ser su víctima, se arrepintió de sus crímenes, encomendándose a la Virgen para que le ayude a cambiar su vida. Un día durante sus oraciones se le apareció un ángel, indicándole que fuera a Valvanera en busca de un roble que sobresaliese de los demás, de cuyo pie brotaba una fuente y que contenía varios enjambres de abejas, donde encontraría una imagen de la Virgen María. Acudió a dicho lugar con el clérigo Domingo encontrando la imagen. En ese lugar comenzarían a edificar un lugar de culto a la Virgen, en el último tercio del S.IX
 
 

 La imagen de la Virgen de Vico en Arnedo (La Rioja)

Actualmente se encuentra en su capilla de la iglesia de San Cosme y San Damián, aunque hasta mediados del siglo XIX estuvo en el Monasterio de Vico. Según la leyenda la imagen se apareció al Can de Vico hacia finales del siglo X o principios del XI quien construyó para ella la primitiva ermita, aunque en realidad la talla es románica de finales del siglo XII.

ASTURIAS

La  La imagen en piedra policromada de la Virgen conocida como Nuestra Señora con el niño, la Virgen de la leche o simplemente la Virgen de Miravalles mide unos 80 cm. Representa a una Virgen galactotrofusa con corona amamantando al niño Jesús (de espaldas al espectador) en actitud muy humana y sencilla.
No hay acuerdo a la hora de determinar la época de su creación, según unos estudiosos es bizantina (siglo VI), según otros es del siglo XI, XII o incluso XIII. 

GALICIA

 

  Nuestra Señora de los Ollos Grandes. Catedral de Lugo S.XII?
Se le ha denominado de diversas formas, aunque en realidad es una Virgen de la Leche.
El pueblo la denomina de los Ojos Grandes.

CANTABRIA

  Virgen de la Colegiata de Sta Cruz de Castañeda  Cantabria

Virgen de la Arrixaca 
Es una advocación mariana originaria de Murcia, venerada en la capital desde el S.XIII como la Patrona del antiguo Reino de Murcia. La imagen de esta Virgen es una talla de madera policromada de finales del románico, que data del S.XII
Hay una leyenda popular bastante peregrina que explica el origen del nombre, según la cual la imagen fue hallada por un labrador que araba el campo con una yegua o jaca, mientras pronunciaba «arre» para que ésta avanzara; en aquel tiempo vendría a ser como arri (de arre) y xaca (de jaca), que se fusionarían como Arrixaca.

Virgen del Sagrario de la Catedral de Toledo
Esta imagen está tallada en madera de níspero hacia el año 1200. Esta toda ella, excepto la cabeza y manos, recubierta de plata con un galón de oro engastado de pedrería. Está sentada en un trono, con el Niño en su regazo, vestida de manto sobre doble túnica y velo en la cabeza.
La imagen de Santa María de Toledo, como se llama en las célebres cantigas de Alfonso X el Sabio, fue veneradísima desde su entronización, hacia 1226.
Isabel la Católica se unió al fervor del pueblo, siendo muy devota de ella. Al menos desde entonces, todos los reyes de España la han visitado y venerado.
Felipe III presidió en 1616 la inauguración de la nueva capilla de la Virgen iniciada por el arzobispo don Gaspar de Quiroga y terminada por el cardenal D. Bernardo de Sandova. Devoción particular le profesó la reina viuda Mariana de Austria, y su hijo Carlos II.
(aportación de Sagrario Yébenes)

Paso a exponer ahora una serie de Vírgenes románicas de diferentes lugares de España en las que se ha empleado la técnica del esmaltado sobre metal, al estilo de los talleres de Limoges.




Virgen de la Vega
Catedral Vieja de Salamanca
Como la Virgen de Husillo de Palencia o la de Artajona (Navarra) la Virgen de la Vega de la catedral de Salamanca es obra de un taller de formación limosina (¿quizás afincado en Salamanca?).

Por su técnica se ha datado de finales del siglo XII; la escultura mide 72 centímetros de altura. Se compone de dos figuras, la Virgen con el Niño sentado sobre su rodilla izquierda. Está realizada en madera y recubierta de piezas de cobre dorado y ornamentos formados por cabujones de pedrería de colores. El rostro de la Virgen y la cabeza del Niño junto con las manos de ambos son de bronce fundido y sin dorar. Los ojos en la cara ovalada de la Madre son de azabache y el rostro del Niño con unas facciones infantiles, recordando ya al estilo gótico, presenta los ojos de vidrio azul.

 

Virgen de las Batallas de San Pedro de Arlanza
Virgen con el Niño de bronce sobredorado, procedente de San Pedro de Arlanza y obra de talleres de Limoges,
hacia 1225-1235. Cuenta con base y trono esmaltados.
Esta en posición mayestática, sosteniendo al Niño, que es la figura central y principal que encierra en si la Sabiduría Sagrada y por ello muestra una actitud de bendecir, lleva el Libro de las Revelaciones y en su corona aparece el símbolo de la Cruz. Según cuenta la leyenda, Fernán González la llevaba en el arnés del caballo al campo de batalla para asegurarse la protección, de ahí que fuera conocida como Virgen de las Batallas.   

La Virgen de las Batallas se conservó en el citado monasterio hasta 1883, año en que pasó a ser custodiada por el Arzobispado de Burgos; a partir de aquí se perdió su rastro. Reapareció en Nueva York ya en el siglo XX formando parte de la colección privada de Ernst y Martha Kofler-Truninger, saliendo a subasta pública en Sotheby’s en noviembre del año 1997.

Aunque sus propietarios ambicionaban la estratosférica cifra de 700 millones de pesetas, finalmente se quedó en 350, pero se retiró de la subasta. Sin embargo, el Ministerio de Cultura realizó no pocas gestiones hasta que consiguió comprarla por esa última cantidad y depositarla en el Museo del Prado. Aunque la pinacoteca madrileña es la titular de esta joya románica, poco después, en junio, recaló en el Museo de Burgos, donde se encuentra en la actualidad.

 

Virgen de Jerusalén Autor: Autor Anónimo Fecha: Siglo XIII Museo: Basílica de Nuestra Señora de Jerusalén de Artajona
Estatua relicario de la Virgen y el Niño hechos de metal con esmaltes en el trono, y basamento además de la bolas de color turquesa que adorna las cenefas de la ropa de la Virgen


Virgen del Monasterio de Irache S.XII
En la iglesia parroquial de Dicastillo se guarda la conocida Virgen de Irache, soberbia talla románica en madera de la Virgen coronada con el Niño en su iconografía habitual de Sedes Sapientiae. En el ábside del Monasterio de Irache encontramos una buena réplica de esta imagen. De más de un metro de altura, llama la atención la estricta simetría del cuerpo de María que acoge en el centro de su regazo al Niño.
A esta copia se le añadió el modelo de corona románica que en origen portaba la Virgen a diferencia de la barroca del XVIII que luce la original.


 

Virgen de la Dehesa Brava Palencia
Talla de gran fama y belleza, se trata de la pequeña imagen sedente de la Virgen de Husillos o Nuestra Señora de la Dehesa Brava con el niño en brazos, realizada en cobre dorado y esmaltado, de la escuela francesa de Limoges (s.XIII) y que hoy se custodia en el Museo Diocesano de Palencia



Desde aqui os presento varias Vírgenes aportadas por Javier Gago:

Virgen del Monasterio de la Valvanera (La Rioja)   Foto de Javier Gago

Santa Ana, la Virgen y el Niño. Monasterio de Silos. Foto: Javier Gago

Virgen románica. Monasterio de Silos  Foto: Javier Gago

Virgen. se desconoce procedencia. Foto:Javier Gago

Virgen de la que se desconoce procedencia. tipología gótica, al igual que la anterior. Foto Javier Gago

Sacristía de San Martín de Castañeda. 

En romanicoatlantico.org se dice «Por otro lado, para reforzar el carácter sacro del nuevo espacio de la sacristía como espacio litúrgico, y gracias a las gestiones del sacerdote, la parroquia obtuvo en depósito del Museo de los Caminos de Astorga una talla románica de la Virgen con el Niño datada en el primer tercio del siglo XIII. Una interesante pieza que fue restaurada en el taller de la Fundación Santa María la Real antes de su definitiva ubicación en este nuevo espacio»

Virgen de la Colegiata de Castañeda

Ambas fotos aportación de Darío Diaz Cosín

FUENTES

https://www.blogger.com/blogger.g?blogID=3801525901433171589#editor/target=post;postID=8912224009825030238 

http://www.romanicoaragones.com/0-Jacetania/14-Museo05.htm

http://viajarconelarte.blogspot.com.es/2013/06/la-seccion-de-bellas-artes-en-el-museo.html

http://w110.bcn.cat/museufredericmares/es/Colecciones

http://museunacional.cat/es/coleccion/rom%C3%A1nico?page=14

http://www.arteguias.com/imagineria.htm

https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/virgen-de-las-batallas/2e776df8-9b2a-4f15-9e8b-3eb9565f8130

https://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:Esculturas_de_Espa%C3%B1a_del_siglo_XII

vamosacantabria.com

Dos tapices románicos

El tapiz es uno de los objetos más antiguos que puede considerarse mueble decorativo. De él se hacía uso para cubrir vanos, paredes y suelos, para abrigarlos en tiempo frío.
Lo más probable es que los primitivos tapices fueran simplemente paños gruesos colgados de las paredes (como cortinajes) o extendidos en el suelo (como alfombras). Con el tiempo, fueron incorporando decoración y materiales caros (oro, plata, seda), convirtiéndose en objetos suntuarios y en auténticas obras de arte.
Las colgaduras bordadas despertaron muy pronto la codicia de las iglesias y edificios románicos más opulentos. La mayoría de estas colgaduras se han perdido debido al deterioro de los materiales con los que fueron realizadas pero los ejemplos conservados nos remiten a un mundo delicado, más cercano a la miniatura que a la pintura mural.
 Dentro del trabajo textil del siglo XI, el ejemplo mejor conocido es el tapiz de Bayeux. Otra pieza importante es El Tapiz de la Creación en Gerona, realizado en punto de cadeneta con lanas de colores sobre un tejido de lino. Los atuendos eclesiásticos y las cortinas del altar son también ejemplos conservados de telas románicas. Los tejidos más apreciados en Europa central no fueron los producidos por artesanos locales, sino los importados del Imperio bizantino, la España musulmana  y el Oriente Próximo.
Vamos a ver dos de ellos:


EL TAPIZ DE LA CREACIÓN


 El Tapiz de la Creación. 

Es la pieza capital y más conocida de la Catedral de Girona. Se le denomina “de la Creación” por el tema de la parte que se conserva y que podemos visitar en el museo.
Se trata de un paño de 4,70 x 3,65 metros que, podría haber tenido unas dimensiones originales de el doble de lo que queda. 
El origen del tapiz es incierto, no se sabe cuando apareció en la catedral, siendo, la primera alusión escrita del mismo del siglo XVI, por motivo de una visita del Emperador Carlos V, en la cual se narra que le gustó tanto la pieza, que volvió a la catedral solo para contemplarla. 
 Tampoco se sabe seguro su finalidad, unos piensan que era un baldaquino del altar mayor, otros que lo usaban para decorar alguna parte del templo en fiestas señaladas, incluso hay quien opina que se usó como alfombra para un importante concilio que se celebró en la catedral a finales del siglo XI.

Aunque se le llame tapiz, en realidad no lo es, se trata de una pieza de sarga de lino bordada con hilos de lana de colores con una técnica llamada “pintura a la aguja” o “punto de figura”, un tipo de bordado en punto de cordoncillo, aparecido en la Edad Media, con el que los hilos resiguen la silueta de la figura diseñada, o la llenan completamente, dándole la apariencia de un tapiz. Se data entre el siglo XI y la primera mitad del XII y el taller de donde salió no se sabe, tal vez del sur de Francia o tal vez en la misma zona de Girona.
Hay quien opina que es posible que el Tapiz de la Creación fuera realizado por las monjas benedictinas del monasterio femenino de Sant Daniel (noroeste de Girona) fundado en el siglo XI por Ermesenda de Carcasona (c. 975-1058), condesa consorte de Barcelona, Girona y Osona..
 

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Esquema de las partes de que consta el tapiz.

Para entender mejor la iconografía, disposición y significado del tapiz debemos remitirnos a la idea medieval de que Dios era el Gran Creador del Universo, cuyo centro era la Tierra, alrededor de la cual estaban los siete cielos (el aire, el éter, el firmamento -con los cuerpos celestes-, el espacio ígneo, el cielo de los ángeles y el cielo de la Trinidad). También nos remitimos a los manuscritos iluminados que extendieron por toda Europa las imágenes del Génesis bíblico, como el de Viena, proveniente de la Siria del siglo VI, o el Cotton Genesis, de la Alejandría del siglo IV o V. Imágenes de las que bebe el Beato de Liébana.

 

La parte del tapiz que queda actualmente está formada por tres ciclos iconográficos: El Génesis, los Elementos Cósmicos y la leyenda de la Vera Cruz de Santa Elena., todo alrededor de la figura de Cristo Pantocrátor.
La estructura es un círculo central dentro de un rectángulo, que, a su vez, está rodeado por unas franjas.


El centro del tapiz es la figura del Pantocrátor, un hombre joven y sin barba (representación poco habitual).Su rostro no presenta la severidad típica del Pantocrátor sino que su mirada es benigna, probablemente debido a que la representación de sus ojos, celestes con un enorme iris. 
 Se representan tambien los atributos apocalípticos, de clara influencia bizantina,y al fondo, la inscripción litúrgica REX FORTIS (Rey valeroso).
 En su mano izquierda, un libro abierto, con el texto S/CS D/S (Sanctus Deus). Él se encuentra dentro de una rueda, de un círculo, que tiene una inscripción: DIXIT QUOQUE DEUS FIAT LUX ET FACTA EST LUX – “Y Dios habló: ¡Que se haga la luz! Y la luz se hizo” 
A su alrededor hay ocho escenas radiales, formando un círculo, que narran el Génesis, desde la creación del mundo hasta la creación de Eva. Podemos trazar una raya imaginaria horizontal que parta el círculo en dos, a la parte de arriba estarían los primeros días del Génesis 

 
Escenas 2 a 6 

Donde aparecen dos angeles:el de la luz y el de las tinieblas y una paloma con nimbo crucífero en medio: El espíritu de Dios, con forma de paloma y la inscripción Spiritus Dei ferebatur super aquis – El espíritu de Dios sobrevolará las aguas.

 

 

Detalle del Angel de la Luz

 


 A continuación,aparece la creación del firmamento: con la inscripción Fecit Deus firmamentum in medio aquarum – Dios creó el firmamento en medio de las aguas.
Y la separación de las aguas: con la inscripción Fecit Deus firmamentum in medio aquarum – Dios creó el firmamento en medio de las aguas.
 La creación de los animales y el hombre (escenas 7, 8 y 9), están en la parte de abajo

 

 
Adán en el momento de nominar a los animales y Eva saliendo del costado de Adan y acercandose al arbol:Lignus pomiferus 
 En la rueda, la inscripción: † IN PRINCIPIO CREAVIT D(EV)S CELV(M) ET TERRAM.
Adán buscando otro hombre entre los animales del Paraíso y la inscripción Adam non inveniebatur similen sibi – Adán no encuentra a nadie similar a él.

Eva saliendo del costado de Adán y la inscripción Inmisit Dominus soporem in Adam et tulit unam de cosis ejus – Dios dejó dormido profundamente a Adán y tomó una de sus costillas. En el árbol del conocimiento hay la inscripción Lignum pomiferum – Árbol frutal.

Creación de los peces y las aves, con las inscripciones Volatilia a coelis y Cete grandia – Las aves del cielo y grandes ballenas


La transición del círculo central al rectángulo deja cuatro espacios triangulares en los que están bordados los cuatro vientos cardinales, representados como jovenes desnudos imberbes, con alas en la espalda y en los pies, soplando cuernos y cabalgando encima de botas de cuero, que ya se ven representados, en los sarcófagos paleocristianos. 

 Domingo, con un hombre coronado de fuego sobre una cuadriga y con la inscripción Dies Solis –


Uno de los cuatro ríos del Paraíso, con el símbolo de un hombre bañándose y con una ánfora.

 


Alrededor del rectángulo, hay unas franja con diferentes escenas que representan el paso del tiempo: en la parte horizontal superior está el año en el centro, representado por un anciano con barba que lleva debajo del brazo la rueda del tiempo y a su lado las cuatro estaciones, representadas como escenas agrícolas.


Mayo y Junio con sus respectivas labores agrícolas

 

 

En la franja horizontal inferior está el tercer ciclo del tapiz, con la leyenda del encuentro de la Vera Cruz por Santa Elena. Está muy deteriorada. La historia fue muy popular en la Edad Media, y hay una versión en la Leyenda Aurea de Iacobus de la Voragine, escrita en el siglo XIII.  

 

Detalle de la Vera Cruz y Santa Elena: la ciudad de Jerusalen.


EL TAPIZ DE BAYEUX 

 

 

TAPIZ DE LA REINA MATILDE O TAPIZ DE BAYEUX

Anónimos artesanos ingleses (Scriptorium de Canterbury?)
Entre 1077 y 1082
Bordado de lana sobre tela de lino
Musée de la Tapisserie de Bayeux, Bayeux (Normandía)
 

El Tapiz de Bayeux tiene el valor de una excepcional fuente documental sobre el modo de vida y costumbres, la arquitectura militar y civil, las artes bélicas, la navegación y la agricultura  de la sociedad normanda e inglesa de la Edad Media por la profusión de detalladas imágenes

 

Aunque se denomina Tapiz de Bayeux o Tapiz de la reina Matilde, por haberse mantenido en Francia la tradición de que fuera confeccionado personalmente por la esposa de Guillermo el Conquistador y sus sirvientas, estrictamente no responde a la técnica textil del tapiz elaborado manualmente en un telar, sino que está compuesto por 9 fragmentos de lino de diferente longitud —el mayor de 13,75 metros—, unidos mediante un ribeteado, sobre el que se han añadido escenas bordadas que siguen un dibujo ajustado a un plan director para narrar una historia completa, del mismo modo que las secuencias escultóricas colocadas en espiral en la Columna de Trajano de Roma, que puede considerarse como su precedente directo en el afán por plasmar en imágenes una importante gesta bélica.

El tejido de base es un paño fino de lino o lienzo, compuesto por 9 fragmentos de longitud variable, el mayor de 13,75 metros, unidos por ribeteado. El conjunto resultante tiene unas grandes dimensiones que le confieren una parte de su carácter excepcional: 68,8 metros de largo, 50 centímetros de altura media y un peso aproximado de 350 kilos. En la imagen aparecen tres de esos fragmentos
Los bordados sobre el lino crudo están realizados con dos técnicas: una sencilla para los pespuntes que siguen los contornos lineales de las figuras, inscripciones y separación de frisos, y otra más compleja para los rellenos de superficies mediante el punto de couchage (punto Bayeux), utilizándose hilos de lana en cuatro colores básicos —rojo, amarillo, verde y azul—  que llegan a adquirir hasta ocho tonalidades diferentes mediante la aplicación de tintes vegetales como la gualda, la purpurina y el índigo, originando con tan sencillos y sutiles elementos matices en relieve 

 

Esquema de la batalla de Hastings

 
 
El relato comienza en 1064 cuando el anciano rey Eduardo de Inglaterra, sin heredero directo, envía a su cuñado Harold el Sajón a Francia para que ofrezca la corona a su primo designado como sucesor, Guillermo de Normandía. A pesar de jurar fidelidad a Guillermo, Harold se hace con la corona a su regreso a Inglaterra debido a la muerte repentina de Eduardo el 5 de enero de 1066. Guillermo prepara durante varios meses una gran armada y desembarca con su ejército en el Sussex, derrotando y dando muerte finalmente a Harold y sus tropas en los campos de Hastings.
 
 

El rey Eduardo da instrucciones a Harold el Sajón quien parte a caballo.
Harold cabalga acompañado por sus caballeros que portan halcones de cetrería hacia Bosham.

 

La iglesia de Bosham junta al palacio de Harold, donde se celebra un banquete en la planta superior.
Harold embarca con sus hombres hacia Normandía. 

 
La travesía del Canal de la Mancha y desembarco de Harold en la costa norte.

Guy de Ponthieu, y su tropa arrestan a Harold recién desembarcado, como se aprecia por sus pies descalzos en el agua y desarmado
 

Los primeros jinetes galopan hacia el enemigo, mientras que el grueso del ejército permanece unido

 

Curiosa representación del cometa Halley en la escena XXXII del Tapiz de Bayeux. La inscripción en latín dice Isti mirant stella.

Escena de banquete en el Palacio Episcopal con la preparación de las viandas

 
 
A su llegada Guy parlamenta con Harold.
El conde Guy escucha a un emisario del duque Guillermo.
El emisario llega al castillo de Guy mientras un enano mozo de cuadra, Turold, guarda los caballos. 
 
 
 
  • El emisario emprende camino para dar parte de la noticia de la presencia de Harold en el país.
    Guillermo presta atención a los mensajeros en su castillo de Ruán.
 
 

Infantes armados con lanzas, espadas y hachas de combate, las armas con que lucharon los huscarles de Harold en Hastings

Caballería normanda a la carga

Por último apuntar, que dada la longitud del tapiz y la gran cantidad de escenas que contiene, os remito a la página: http://www.catedralesgoticas.es/codice_bayeux.phpe  donde las va describiendo casi todas y así los interesados la pueden consultar, sin cansar al resto de los lectores. 


FUENTES:

 http://domuspucelae.blogspot.com.es/2016/01/visita-virtual-el-tapiz-de-bayeux-una.html

http://www.circulo-romanico.com/foro_club_del_romanico/viewtopic.php?f=2&t=210&view=next


http://www.ricardocosta.com/artigo/el-relato-del-genesis-en-el-tapis-de-la-creacio-siglos-xi-xii-la-transcendencia-en-la

https://sancho70art.wordpress.com/2014/07/27/tapiz-de-la-creacion-de-la-catedral-de-girona/

https://es.wikipedia.org/wiki/Tapiz_rom%C3%A1nico_de_la_Creaci%C3%B3n


http://www.artehistoria.com/v2/obras/9319.htm

Museo Arqueológico Nacional (Madrid): La Edad Media

Lauda Sepulcral de Alfonso Ansurez (S.XIII)

El Museo Arqueológico Nacional es un museo español instalado en el Palacio de Biblioteca y Museos Nacionales de Madrid, un edificio del siglo XIX, iniciado por el arquitecto Francisco Jareño y finalizado por Antonio Ruiz de Salces, que comparte con la Biblioteca Nacional y que se ubica en la calle Serrano, junto a la plaza de Colón.
Entre 2008 y 2013 se desarrolló la reforma del decimonónico edificio en el que se ubica el Museo Arqueológico Nacional y la reinstalación de su exposición permanente.
El museo cuenta tras su remodelación con 40 salas. Sus colecciones se exhiben en 12 módulos expositivos:
Arqueología y patrimonio, Prehistoria, Protohistoria, Hispania romana,, Antigüedad tardía, Edad Media, Edad Moderna, Historia del museo, Oriente Próximo, Egipto y Nubia, Grecia y Monedas que en su conjunto reúne más de 1 300 000 piezas.
Voy a referirme solo a las piezas medievales comprendidas entre los siglos VII al XV, donde se verán y describirán obras visigóticas, islámicas, románicas y góticas.

Los objetos que la componen corresponden a tres contextos culturales distintos: el reino visigodo de Toledo (tesoro de Guarrazar), el mundo andalusí (botes y arquetas de marfil, elementos arquitectónicos y cerámicas) y los reinos cristianos (objetos cotidianos y religiosos de León, Asturias o Palencia) compartiendo estos dos últimos su desarrollo en el espacio y el tiempo.
No hay que olvidar mencionar el conjunto de piezas mudéjares, de tipología y procedencia diversa, muestra de la presencia de población musulmana en la España cristiana.
 
 
ARTE DE ÉPOCA VISIGODA
 

Tesoro de Guarrazar (Guadamur, Toledo) Siglo VII (621-672)
Oro, piedras preciosas, perlas, nácar, vidrios artificiales y cristal de roca
Conjunto de coronas votivas y otros elementos de orfebrería hallados a finales del siglo XIX a las afueras de la localidad toledana de Guadamur. 

 Debieron ser ofrendas por parte de reyes y personajes de alto rango, a alguna de las basílicas de la capital del reino, Toledo, testimoniando la influencia de las costumbres bizantinas en la corte visigoda.
Destacan dos brazos de una cruz procesional de oro y gemas, y la corona votiva del rey Recesvinto (649-672), de la que penden las letras con su nombre como oferente
 

Tesoro de Guarrazar

 El tesoro se encuentra hoy repartido en tres sedes: Museo Arqueológico Nacional, Palacio Real en Madrid y el Musée National du Moyen Age en París.

 Ajuares funerarios de El Carpio del Tajo, Toledo

El  enterramiento visigodo, es el lugar al que se debe llegar con las mejores galas que se hayan podido disfrutar en vida, y así, se cambian los objetos de cerámica y vidrio por ricas vestiduras y joyas; en la indumentaria visigoda era lo más habitual una túnica, ceñida por un cinturón ancho, y sobre ella una capa o manto que se sujetaba con una o dos fíbulas sobre los hombros. De todo ello, lo que se conserva en las tumbas es la parte metálica de la hebilla del cinturón, la fíbula del manto, y, ocasionalmente, alguna contera metálica de correajes y pequeñas joyas.


 Hebillas de Castiltierra, Segovia

Tambien procedentes de enterramientos  
 Con frecuencia las hebillas de los cinturones se complementan con placas circulares o cuadradas, que también tienen precedentes ostrogodos. En la producción visigoda española hay además de una gran gema central otras piedras y celdillas rellenas de pasta vítrea polícroma, que evolucionan hasta cubrir toda la superficie de la placa

 

Fíbulas de Alovera en forma de águila de bronce y esmaltes

Las fíbulas de Alovera, o fíbula aquiliforme visigótica de Alovera es un broche o imperdible de oro, bronce y vidrio,  utilizado para unir la vestimenta, Se hallarón en la necrópolis visigoda conocida como «Camino de la Barca»
Se han encontrado numerosas fíbulas aquiliformes en otras partes de España, realizadas con la técnica «cloisonné»

Hebilla ostrogoda Siglo V-VI.

Realizada sobre un nucleo de plata con incrustaciones de un metal dorado, posiblemente cobre. Esta profusamente decorada con incisiones y roleos hechos con técnica similar al nielado y tiene dos serpientes cuyas cabezas estilizadas confluyen en la zona de descanso del pasador. Este, también de plata y cobre, presenta en uno de sus extremos por el reverso, una cabeza humana, y en el anverso, decoración incisa y biselada de lineas horizontales, diagonales, semicirculos y punteados. En el otro extremo, con dos plaquitas adosadas y numerosas incisiones, va representada una cabeza de ave simplificada.

 Piezas de ajuares visigóticos

Cancel de Recópolis, Zorita de los Canes (Guadalajara). Siglo VI d.C.

Reconstrucción de un cancel hecho a partir de poco mas de una docena de fragmentos originales.La placa ofrece una decoración calada de nueve círculos, en filas de tres, en los que salen hacia el centro cuatro espigones rectangulares dispuestos en cruz pero que no llegan a juntarse. En los espacios romboidales curvos que quedan entre los círculos, se dibujan pequeñas cruces griegas patadas

Cancel y fragmentos de Recópolis (Guadalajara)

 Elementos visigodos de una iglesia, procedentes de Mérida. Siglos VI-VII.

Elementos visigodos

ARTE CALIFAL Y NAZARÍ
 
Capitel de Abd-al-Rahman II
 
Capitel de marmol califal S.X
 
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Capitel de Mármol a Trépano Córdoba (976-1002) gobierno de Almanzor

Capitel de mármol blanco derivado del orden compuesto y decorado con ataurique, que responde a uno de los arquetipos del califato. El cesto es sensiblemente cilíndrico y presenta dos filas de hojas de acanto dispuestas de forma contrapeada.  En la fila inferior nacen de una palmeta atrofiada.
 

 Capiteles califales del siglo X procedentes de Córdoba.

 

 Pila de Almanzor S.X
Procedente de la Córdoba califal, esta pieza fue trasladada a Granada por el rey Badis y posteriormente reutilizada como pila o abrevadero en el foso de la Torre de la Vela de la Alhambra, lo que le produjo algunas pérdidas y deterioros.
Cronológicamente podemos ubicar su realización y colocación en el centro de un patio de uno de los palacios de la época de Almanzor, en el periodo califal, siglo X.
La decoración es totalmente simbólica y reproduce temas como el árbol de la vida, leones atacando a ciervos y cabras, aves acuáticas, el águila cazadora, liebres, cenefas de epigrafía cursiva y decoración vegetal. 


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Bote de Zamora Córdoba 353 de la Hégira / 964 d

Bote de marfil, que aprovecha la forma cilíndrica del colmillo, con tapa en forma de cúpula que se articula y cierra con bisagra y broche de plata nielada. Está elaborado con una delicada talla que origina efectos de claroscuro con los motivos que lo adornan: ataurique de hojas y palmetas, pavones, gacelas y otras aves que recrean el ambiente pacífico propio de un jardín palatino. En la base de la tapa corre una inscripción en caracteres cúficos que informa sobre la fecha de ejecución de la pieza (353 de la Hégira/ 964 d. C.), por el autor Durri al-Salir, quién la mandó hacer el califa Al-Hakam II y para quién estaba destinada Subh, favorita de Al-Hakam II).

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Arqueta de marfil Catedral de Palencia 1049-1050 Periodo de los Reinos Taifas


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Placa del Arca de San Felices Marfil Periodo Almohade en Al-Andalus (s. XI)

Placa de marfil, que junto con su compañera y otra central que falta, constituyen uno de los frentes del arca de San Felices, de San Millán de la Cogolla. Durante un tiempo estuvieron en este Museo varias de las placas de esa arca : las bodas de Caná, con tres jarras en la parte superior sobre una estructura de tres arcos de medio punto que sostenian una construcción, y en la inferior la mesa cubierta con mantel hasta el suelo, con la parte vertical vista en horizontal, en intento de perspectiva, con manjares encima: una hogaza entera y otra media. Forma simétrica con la pieza compañera. El color es mas oscuro que la compañera, debido a que estuvieron en diferentes lugares.
 
 
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 Brazo perteneciente a una gran cruz patada tallada en marfil (S. X Finales)

 De estilo mozárabe está emparentada con los marfiles andalusies de finales del s. X y principios del s. XI. Puede tratarse de un encargo cristiano a talleres cordobeses en uno de los periodos de paz, o de un regalo para algún miembro de la realeza. La cruz completa podría precisar para su elaboración del empleo completo de un colmillo de elefante.
La cruz pertenecía al monasterio de San Millán de la Cogolla y desapareció en 1808 a consecuencia del saqueo de las tropas francesas. Otros dos brazos de la cruz se conservan en el Museo del Louvre y se ignora el paradero del cuarto.

 Fragmentos de yeserías procedentes de Madinat Al-zahar

Medina Azahara, castellanización del nombre  (‘la ciudad brillante’) es una ciudad palatina o áulica que mandó edificar Abd al-Rahman III, al-Nasir en el año 936 d.c, a unos 8 km en las afueras de Córdoba en dirección oeste, más concretamente, en Sierra Morena.
La dignidad de califa exige la fundación de una nueva ciudad, símbolo de su poder, a imitación de otros califatos orientales y sobre todo, para mostrar su superioridad sobre sus grandes enemigos, los fatimíes de Ifriqiya, la zona norte del continente africano
Fue durante la “fitma”(guerra civil) hacia el año 1031, cuando Medina Azahara se abandonó y comenzó su progresiva destrucción con saqueos y finalmente su olvido total.
  

 
Maqueta de la Mezquita de Córdoba 

Maqueta de la mezquita de Córdoba, ejecutada por Jordi Brunet, con un gran cúmulo de detalles y extraordinaria sensibilidad en su realización. Inicialmente encargada para el antiguo Museo Nacional de Arte Hispano-Musulmán, la maqueta quedó sin embargo depositada durante largo tiempo en los almacenes del entonces Museo del Pueblo Español. Recuperada con motivo de la exposición «Dos milenios en la historia de España», celebrada en Madrid en el año 2000, posteriormente pasó a formar parte de la colección estable del Museo Arqueológico Nacional.

Tablero de Denia marmol, S.X
Tablero rectangular tallado en su totalidad; el campo decorativo se divide en un rectángulo central rodeado de orla. El primero presenta un tallo central del que brotan otros realizando formas circulares y acorazonadas en donde se cobijan flores anilladas, flores de seis pétalos y palmetas. La orla del borde presenta un tallo serpenteante en el que se entrelazan flores de cinco pétalos. La talla es profunda y cuidada.

  Acetre nazarí de la Alhambra

Es un cubo o caldero de bronce dorado con asa, cuya función era transportar agua y arrojarla después en el los pavimentos de mármol de los baños para producir vapor, y que fue elaborado y utilizado en el S.XIV en época de la Dinastía Nazarí de Granada.

 

Aguamanil en forma de paloma Irán, siglo XI-XII.

Con asa arqueada, con embudo en la parte superior para llenar de agua el recipiente que posteriormente se vertería por el pico, articulado. Tiene decoración cincelada y una inscripción en latín y el nombre del artífice: Muhammad.
Debió ser importada por un personaje cristiano, en base a la inscripción en escritura hispánica del siglo XII, y para un uso litúrgico, posiblemente posterior a su uso doméstico.

Ampollas de peregrino
Procedentes de Egipto y Asia menor. Siglos VI y VII.Los viajeros adquirían en sus peregrinaciones estos recipientes que llenaban generalmente con óleos para las lámparas del santuario, algunas se llenaban con agua de fuentes cercanas.Como recuerdos que eran, se decoraban con el santo titular, como san Menas, cuyo santuario estaba en Alejandría, o con temas bíblicos como el de Daniel en el foso de los leones.

 

Arqueta nazarí Siglo XIV.
Caja prismatica de madera decorada con labor de taracea, con motivos de lacerias y estrellas de ocho puntas en tres tonos de marron, verde y color natural del hueso. El interior esta decorado con una cuadricula. En el interior de la tapa, una cenefa de losange encierra el motivo central, formado por estrellas de ocho puntas y alfardones con pequeños elementos de nacar.

 

Arqueta de San Isidoro de León, siglo XII. Reinos de Taifas.

Arqueta de estructura prismática y cubierta troncopiramidal, compuesta de maderas finas y decorada a base de taracea de hueso pintado de varios colores. La decoración es animal y vegetal y se completa con inscripciones identificativas en carácteres árabes

 Arqueta de Zamora

Fabricada en Persia, siglo XI. Pinturas añadidas en el siglo XVI. Catedral de Zamora.
Arqueta con alma de madera, de forma prismática y con tapa de forma piramidal truncada, en cuyo borde inferior habría una inscripción recorriendo los cuatro lados, conservándose hoy parte de ella. Cubierta con placas de marfil con atauriques y decorada con animales afrontados dentro de formas cuadrifolias bordeadas de sogueado. Los herrajes son de plata nielada con atauriques estilizados de hojas disimétricas y de vainas.En el siglo XVI se añadieron las pinturas que representan unos «putti» jugando en los cuatro lados de la tapa.

Brocal de pozo mudejar del siglo XIV, procedente de la zona de Córdoba.

De barro cocido y decoración de vidrio verde y negro de manganeso. Es de base octogonal y alternan en cada cara los motivos decorativos: en una hay retícula de flores cuadrifolias y en otra un arco de herradura albergando motivos de ataurique. Esta decoración es vidriada con óxido de cobre y ribeteada de negro manganeso, es la llamada técnica de cuerda seca.

 

 Cierva de Medina Azahara 

Es un pequeño surtidor de agua de bronce, que está datado en el. S.X en época del Califato Omeya.
La pieza está relacionada con otras dos similares encontradas en el siglo XVI entre las ruinas de Medina Azahara, una actualmente en el Museo Arqueológico de Córdoba y la otra en el Museo Nacional de Catar

Collar nazarí del tesoro de  Mondujar (Granada)

Se trata de una obra de refinadísima ejecución y delicadeza. El collar se ha ensartado de manera arbitraria, los diversos elementos se usaban independientemente para adornar prendas de vestir, tocados o el cabello, como atestiguan fuentes literarias (“y las mujeres ponían oro en madejas sobre sus cabezas”, se lee en un manuscrito).

Puerta de la iglesia de San Pedro de Daroca (Zaragoza). Mudéjar, siglo XIII.

Puerta de madera de dos batientes decorada con motivos vegetales y geometricos, trazados mediante la combinacion de listones de madera, cabezas de clavo semiesfericas, herrajes y policromia.

Fragmentos de la techumbre de la Mezquita de Córdoba

Artesonado mudejar procedente del Beaterio de la Santísima Trinidad de Sevilla S.XVI

 Coro de Santa Clara de Astudillo

La sillería del coro del convento de Santa Clara de Astudillo (Palencia), fundado por doña María de Padilla, es de tipo monumental; está pintada y ensamblada de tan sabia manera que se han reducido al mínimo indispensable los elementos clavados. La paleta de colores es la acostumbrada: colores rosa, blanco, verde, amarillo, aplicados sobre una recia imprimación blanca con exuberante resultado visual.

 Jarrón nazarí, Iglesia de Hornos, Jaén. Siglo XIV.

Jarrón del tipo de los llamados de la Alhambra, de forma esbelta y contorno elegante, base cónica invertida sin vidriar y decorada con estrías; dos asas tipo aleta, una de ellas fracturada; cuello esbelto facetado en ocho caras. La decoración es a base de vidriado azul y dorado. El cuerpo está decorado con bandas verticales en azul separadas por otras en dorado, con motivos geométricos y de ataurique. En el arranque del cuello, una inscripción en caracteres cúficos.

Friso de la Alfajería de Zaragoza

ARTE ROMÁNICO 

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 Crucifijo de Don Fernando y Doña Sancha Siglo XI Colegiata de San Isidoro de León Marfil y azabache

Cruz relicario de marfil formada por la cruz propiamente y el crucificado, en cuya espalda está horadado un receptáculo para albergar una reliquia de la «Vera Cruz». La estructura de cruz latina rompe con la tradición hispana de cruces patadas de época visigoda que pervive en siglos posteriores. El programa iconográfico se inspira en el oficio de difuntos de la la liturgia hispánica. Obra cumbre de la eboraria del siglo XI puede fecharse entre 1050 y 1060. Formaba parte del tesoro donado, el 17 de diciembre de 1063, a la colegiata de San Isidoro por los reyes de León y Castilla, Don Fernando y Doña Sancha. El tesoro estaba compuesto por diversas preseas de orfebrería, frontales, coronas, arquetas, cruces, así como tierras y bienes inmuebles. La tradición de este tipo de donativos regios se remonta a varios siglos antes; así ha de interpretarse la cruz donada por el emperador bizantino Justino II (565-578) y su esposa Sofía a la ciudad de Roma.

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 Arqueta de las Bienaventuranzas Colegiata de San Isidoro de León S.XI

Arqueta de estructura prismática, y cubierta troncopiramidal dorada, que es la originaria. En tres de los frentes del cuerpo se desarrolla el tema de las bienaventuranzas, tomadas del evangelio de Mateo (5, 1-12), disponiéndose dos placas en las caras laterales y tres en el frente: siete en total; falta la cara posterior, perdida y sustituida por varias placas islámicas. El texto evangélico se inscribe en los arcos que sustentan un ángel y un personaje alegórico.
Iconografia Sermón de la Montaña

 

Sala de Románico

Pila bautismal San Pedro de Villanueva, Cangas de Onís (Asturias). Siglo XII (año 1152).
Pila bautismal de piedra arenisca en forma de cuba. La decoración se distribuye en tres bandas de profundo relieve y desigual grosor que abrazan el perímetro de la copa a diferentes alturas. Las bandas superior e inferior se cubren con un mismo tipo de guirnalda vegetal abigarrada y ondulante.

 
 

Sala de Románico: en primer término se encuentra el Pilar de la Lujúria

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Pilar de la lujuria (S. XII)

Elemento arquitectónico formado por un pilar central de sección rectangular, flanqueado por dos columnas de sección circular, con capiteles formados por roleos vegetales, todo ello coronado por un ábaco ajedrezado. Sobre el fuste de una de las columnas se han representado tres figuras: un contorsionista que asoma la cabeza entre las piernas, una mujer amamantando tres sapos (representación tradicional del vicio de la lujuria) y un personaje acuclillado, con la cabeza a la altura del vientre, que sostiene sobre sus hombros a los dos anteriores. En la cara opuesta, dos figuras humanas con cabezas de león y de perro respectivamente. Este tipo de representaciones, frecuentes en el románico, aluden a los vicios del ser humano, y tienen una finalidad moralizante para adoctrinar a los fieles acerca de las consecuencias nocivas del vicio mediante su representación grotesca o monstruosa. La interpretación del uso arquitectónico primitivo del pilar no es clara, pudiendo ser el parteluz de una puerta monumental.

 
 
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Estatua-columna mármol de San Payo de Antealtares, (S.XII Hacia 1152)  Santiago de Compostela

Estatua-columna con el fuste formado por tres apóstoles y basa independiente: Santiago, Mateo y Bartolomé. Hay semejanza en los rasgos de las tres figuras: ojos grandes, barba rizada, flequillo y pliegues caligráficos en las vestiduras. Llevan el nombre en el nimbo. IACOBVS viste alba y casulla, va descalzo y sostiene un libro con ambas manos. MATHEVS viste túnica de mangas anchas y manto sujeto sobre el hombro derecho con una doble fíbula cuadrada, calza sandalias y lleva una cruz en la derecha y un libro en la izquierda.

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Relieve del Bautismo de Cristo por San Juan Bautista (S.XII)

Aquél, dentro del agua del río Jordán y San Juan elevado sobre un promontorio. Ambos tienen nimbo, el de Cristo con cruz, y la Paloma del Espíritu santo descendiendo del cielo. San Juan se acerca mucho al altorrelieve. El agua está interpretada de manera esquemática, mediante una especie de bandas onduladas, y el montículo tiene plantas en relieve.
 
capitel palentino

Capitel de Arenisca Escuela: Palentina (S.XI Mediados)

Es el único capitel historiado, de los tres procedentes de la Granja de Valdecal. Se trata de una copia reinterpretada de un capitel de la colateral sur de San Martín de Frómista, que escenifica tres momentos del proceso constructivo: la propia preparación de la argamasa, el acarreo y la labra de la piedra. Igual que sucede en otros casos derivados del modelo de Frómista, Los porteadores que acarrean en la percha una cuba suspendida por una argolla, a dos personajes encorvados, el del lado izquierdo sujetando con ambas manos una especie de cetro flordelisado, y el del lado derecho asiendo el cinturón del primer porteador. Los cuatro componentes de la escena visten ropas cortas de pliegues paralelos, dobles en un caso y sencillos y triangulares el resto, y llevan cinturón. El cabello corto y partido concéntricamente en bucles llameantes o esféricos, recuerda a los modelos de los grandes escultores de los que esta pieza es deudora (Frómista, León, Jaca). Sus rasgos faciales son toscos pero expresivos. Aunque la ejecución es basta y adolece de errores anatómicos y contorsiones inverosímiles, no puede afirmarse que el escultor desconocía el ambiente artístico de los grandes centros comprendidos en el eje Toulouse-Jaca-Frómista- León-Compostela, que desarrolló su extraordinaria labor plástica entre 1075 y 1125. Dos grandes volutas se despliegan superiormente, tema característico de las escuelas de Frómista y Jaca. Las pencas se repiten en otros monumentos, como en Jaca y en Santiago de Compostela.

portada arlanza

Portada de San Pedro de Arlanza (Burgos) Caliza (S.XI-S.XII 1081-1114)

Portada románica abocinada con dos arquivoltas; la primera con bolas y entrelazos, apoya sobre columnas de fuste acanalado, y la segunda con bolas, un sogueado y palmetas entrelazadas, apea sobre columnas torsas. Los capiteles son de pencas con el cimacio decorado a base de palmetas de perfil y sogueados.

 

  Arco del Monasterio de San Pedro de las Dueñas.Sahagún (León) S.XII

Este arco perteneció a la iglesia del monasterio de San Pedro de Sahagún. los capiteles son de magnífica factura. En ellos se esculpieron escenas de gran fuerza simbólica, donde predominan los combates entre hombres y leones en clara alusión a la lucha permanente del hombre contra sus pasiones y en busca de la virtud.
 

Arco de San Pedro de las Dueñas Monasterio de San Pedro de las Dueñas.Sahagún (León) Detalle de los capiteles 

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Columna del Maestro de la nave de San Isidoro de León Caliza (primera mitad del siglo XII)

Columna rematada en capitel con aves con los cuerpos entrelazados. Al fondo de una de las caras, animal cuadrupedo haciendo una cabriola. Le falta el angulo izquierdo del frente y la cabeza de uno de los pajaros en el derecho. Por el enroscamiento de las volutas parece del estilo del Maestro de la nave de San Isidoro de Leon.
 

 
cabeza cristo
 
Cabeza de Cristo, (S.XII Finales) Abadía de Benevivere, Carrión de los Condes Palencia

De pequeñas dimensiones y gran expresividad, peina barba y bigote, el cabello es de bello efecto. Pieza procedente presumiblemente del tímpano de la portada de la abadía de Benevívere, fundada en 1165 por Canónigos Regulares de San Agustín, de la que no se conservaba más que restos de sus muros.
 

Monasterio de Santa María de Aguilar de Campoó   capiteles del claustro

 

Capitel de la Resurrección. Monasterio de Santa María de Aguilar de Campoó

Se representan las Marías ante el sepulcro cerrado, dejando ver el sudario colgando; en la cabecera figura el ángel anunciando la Resurrección; bajo el sepulcro hay cuatro soldados dormidos. En los laterales del capitel se representan dos apariciones de Cristo, en el derecho a la Magdalena y en el izquierdo a Santo Tomás.

Capitel con Pantocrator. Monasterio de Santa María de Aguilar de Campoó:

Representa a Cristo inscrito en mandorla con libro en su mano izquierda, y levantando la derecha en actitud de bendición. La mandorla está decorada por el borde con palmetas y perforaciones de trépano, y sostenida por dos ángeles. En los laterales se representa al apostolado.




Capitel del claustro. Monasterio de Santa María la Real de Aguilar de Campoo (Palencia), siglo XII (1167-1200).

Capitel historiado, doble y adosado. Consta de tres frentes: en el principal se representa a Cristo triunfante medio envuelto en el sudario y con torso desnudo, con nimbo crucífero y las manos levantadas, en las que se manifiestan las heridas de la Crucifixión. A la izquierda un ángel nimbado lleva un brazo de la cruz, cuyo mástil forma el ángulo del capitel; en el lado izquierdo, otro ángel sostiene el otro brazo de la cruz, y detrás de él, otro con la lanza.

 

San Bartolomé y Santiago el Menor, Apóstoles procedentes de la Catedral de Santiago de Compostela
 
 Figuras de procedentes del coro pétreo del maestro Mateo, siglo XII. El coro pétreo del maestro Mateo, emplazado entre los tres primeros tramos de la nave mayor de la catedral compostelana. Ubicado en el centro de la catedral, encerraba un carácter simbólico, la Jerusalén celestial, la ciudad santa que estaba rodeada por una alta cerca, representada por recios torreones con los que alternaban los profetas y apóstoles
 
 

Baldaquino de altar procedente de Roma, esculpido en caliza marmórea. circa 700 al 900

Vista completa del baldaquino

cristo oña

 
Cristo de Oña [Puede proceder de Oña (Burgos) o de Salamanca] (segunda mitad del siglo XII)

Cristo crucificado de cuatro clavos, de tamaño natural. Hierático, presenta la cabeza ligeramente inclinada hacia delante, rostro inexpresivo y ligero estudio anatómico. Viste perizoma hasta la rodilla, anudado frontalmente a la cintura en un conseguido eje simétrico que recuerda al perizoma del Cristo procedente de Santa Clara de Palencia, hoy en The Cloisters Museum. La cabeza ha sido retallada en un momento posterior a su ejecución.
Claramente encuadrada en los modelos iconográficos del Cristo triunfante, esta pieza, aun manteniendo el hieratismo del cuerpo y la inexpresión del rostro, esboza ya un ligero estudio anatómico, por lo que R. J. Payo Hernanz la sitúa en un punto intermedio de evolución hacia el Cristo sufriente que alcanzará mayor desarrollo en los siglos del gótico.

 
Cristo de Oña en el Calvario completo 

 virgen niño
 
 Virgen entronizada con el Niño. Iglesia de la Isla, Colunga(Asturias )1101-1200 (S. XII)

Talla de una Virgen entronizada con el Niño sentado sobre sus rodillas. La Virgen viste túnica y manto de pliegues rectos. Conserva restos de policromía aunque la del rostro parece que sería obra de un repinte posterior. En cuanto a la cronología, se fecha en la segunda mitad del siglo XIII. La figura se ha tallado en tres piezas, una corresponde al cuerpo de la Virgen, otra a la figura del Niño y la tercera correspondería al brazo derecho de la Virgen, aunque no se conserva al igual que el del Niño y la corona de María.
 
 
arqueta limoges
 
Arqueta de esmalte de Limoges (S.XIII Hacia 1230)

Fue hallada en el convento de San Marcos de León después de la expulsión de los Jesuitas.
El arca de pequeño tamaño presenta una estructura realizada en madera que, posteriormente, se fue cubriendo con diferentes láminas de cobre y decoración esmaltada. La pieza de planta rectangular muestra una cubierta a dos aguas rematada por una crestería calada con arquillos de herradura de gusto medieval, todo ello coronado a su vez por unos elementos cónicos terminados en bola. Esta cubierta también aparece con placas esmaltadas. La utilización de un alma de madera para conformar la estructura, así como el uso en la decoración de esmaltes champlevé, entre otros elementos, es algo característico de una producción que se repite con muchísima frecuencia en los obradores de Limoges.

arqueta silos

Arqueta de cobre y esmaltes Taller: Silos (S.XII Hacia 1190)

Arqueta de madera que inicialmente estuvo forrada de piel, a juzgar por los restos conservados en la parte posterior. Decorada con clavos de tres tamaños y diferentes dibujos: tallos y flores dorados sobre fondo azul esmaltado en lapislázuli. Estos clavos se encuentran en el centro de una serie geométrica de círculos, formados por tachuelas doradas. La cerradura es circular y en ella se representa un ave fantástica de largo cuello y cuya cola se enrolla entre el follaje que le sirve de base. La falleba figura la estilización de un dragón, cuyo lomo está esmaltado en azul lapislázuli con un fino dibujo dorado. Una banda, también esmaltada, recorre el ancho de la tapa, dividiéndola en dos mitades rematando en una cabeza de animal, que articula con el extremo superior de la falleba.
 
 reja

Reja (S.XII Finales)

Fragmento de reja de hierro forjado compuesta por cinco compartimentos divididos horizontalmente por barras continuas de sección cuadrada; cada calle o compartimento consta de cuatro elementos decorativos: tres formados por volutas dobles adosadas, unidas por una grapa o abrazadera al vástago vertical que hace de eje entre ambas; y un cuarto elemento, constituido por una voluta doble con su eje vertical al que se une por abrazadera.

acicate

 Acicate de bronce dorado (S.XIII)

Acicate con punta junto a una pequeña bola a modo de tope. Ambos se unen a la caja por medio de una espiga dispuesta diagonalmente respecto a ésta, presentando una sección circular. La caja está formada por dos ramas curvadas rematadas en dos orificios, circular y rectangular respectivamente, destinados a alojar las hebillas y las piezas de sujeción de las trabillas. Sólo se conserva una hebilla que ha perdido la aguja. Se ha perdido la decoración del dorado a fuego que se observa en la caja y distintas partes de la punta, lo que indica el carácter de lujo de la pieza.

 lauda ansurez

Lauda Sepulcral de Alfonso Ansurez Mármol (S.XIII)

Cubierta de sarcófago de mármol blanco con veta grisácea, de forma ligeramente trapezoidal labrada a doble vertiente, en cuya moldura axial plana se colocó el epitafio. Se desarrolla también un coherente programa iconográfico de tipo salvífico donde la Mano Divina, que emerge del cielo -ideado por medio de un segmento de círculo con series concéntricas de estrellas- bendice al difunto, como elevándose hacia el cielo. Varias figuras angélicas, Miguel, Gabriel y Rafael, de especial protagonismo escatológico como intercesores e incluso como portadores del alma en el viaje. Se completa el programa con la representación de los Evangelistas, tres de ellos bajo la forma de hombres y San Juan sólo con su símbolo, el águila, posible alusión a la resurrección corporal.
 
 ARTE GÓTICO
 
 
Sala del gótico

tumba constanza

Sepulcro de Doña Constanza (S.XV) Monasterio de Santo Domingo el Real de Madrid

El sepulcro está constituido por una urna sepulcral y encima la yacente. Apoya aquélla sobre sencillo basamento y se orna con seis figuras en el frente y costados, cuatro que simbolizan Virtudes: Fe, Esperanza, Prudencia, Templanza– y dos ángeles en el centro, tenantes del escudo de armas de la Casa Real de Castilla.
La yacente viste hábito blanco y la capa fue repintada en época moderna, con rosario y libro de oraciones, que se halla en la Biblioteca Nacional , sobre el pecho. En los extremos a la cabecera y a los pies dos figurillas femeninas orantes. Doña Constanza de Castilla (+1478) fue priora del Monasterio de Santo Domingo el Real de Madrid, cuyo sepulcro estuvo situado en el coro.Consiguió permiso para trasladar los restos de su padre, el infante don Juan, y de su abuelo el rey Pedro I al monasterio de Santo Domingo, enterrándolos en sendos monumentos funerarios que mandó erigir en la capilla mayor.
 
 
pedro I
 

El orante, Pedro I de Castilla capilla mayor del Convento de Santo Domingo el Real de Madrid (desaparecido 1369)
Viste armadura de brazales, grebas y musleras sobre finísima cota de malla y sobrevesta de brocado cortado a manera de escarcela. Lleva coraza corta, guantes y encima manto real, enriquecido un tiempo con flores de oro sobre

 

El orante, Pedro I de Castilla

De tamaño algo mayor que el natural, el alabastro procede presumiblemente de alguna de las canteras de la provincia de Guadalajara. La estatua procede del desaparecido monasterio de Santo Domingo el Real de Madrid, a donde fueron trasladados sus restos por su nieta doña Constanza de Castilla, en 1446 desde la Puebla de Alcocer. El sepulcro se ha perdido. Las piernas fueron amputadas en el siglo XVII para acomodar la estatua en el nicho en el que permaneció. 

Sala donde se encuentra la estatua orante de Don Pedro

baculo aviñon
 
Báculo del papa Benedicto XIII Aviñón, hacia 1342-1352

Plata sobredorada y esmaltes translúcidos de varios colores
Está formado por un vástago de sección poligonal con pequeña peana a media altura y vuelta rematada en un basamento sobre el que se dispone el grupo de la Anunciación. La superficie de anverso y reverso se decora con una cenefa esmaltada, alusiva al bastón florido de Aarón. Tiene las marcas del pontífice, pero la obra fue realizada durante el pontificado de Clemente VI Roger (1342-1352).
 
 
 
cofre boda  

Cofre de boda (S. XV Hacia 1400)

Los cofres de bodas son uno de los objetos de lujo salidos del taller de los Embriachi, en los que se inscriben temas clásicos interpretados según el pensamiento medieval: Jasón y Medea, juventud de Paris, Piramo y Tisbe, y oreos de cuentos medievales como la malvada Mattabruna, e incluso bíblicos como Susana y los viejos. Las placas de hueso se disponían sobre un alma de madera con bordes tallados a la certosina.( Técnica similar a la marqueteria, utilizada en el Renacimiento) La cubierta solía decorarse con las virtudes. Su función era la de conservar los regalos que el novio le hacía a la novia cuando la pedía en matrimonio.

lucillo

Fondo de lucillo Madera pintado al temple (siglo XV)

Tabla en forma de arco apuntado; dividida en dos partes: en la inferior aparecen reposando dos caballeros con armaduras. En la parte superior, Jesucristo junto a un catafalco y una procesion de sacerdotes. La tabla es policroma, predominando los rojos, azules y blancos. Representa la Misa de San Gregorio

 sarcofago alabastro

Cubierta de sarcófago de alabastro (S.XV)

Estatua yacente de clérigo ataviado de pontifical con alba de pliegues geométricos y angulosos, de fuerte estilo flamenco. Al mismo tipo responden los pliegues de la casulla que presenta rica decoración a base de motivos vegetales en bordes y caída delantera. A un lado asoma el manípulo y por debajo de la casulla el palio. Tiene las manos cruzadas sobre el pecho. Un bonete, bajo el que asoman cortos y lisos cabellos, cubre su cabeza, que apoya sobre doble cojín, con borlas y decoración en los bordes. El rostro se ha perdido totalmente. A sus pies descansa un perrillo echado, simbolo de la fidelidad.

cupula maqueda

Cúpula del Palacio de los Duques de Maqueda Torrijos (Toledo) Madera y yeso (Siglo XV)

Techumbre octogonal del tipo cupular ataujerado que apoya sobre pechinas de mocárabes y sobre dos frisos superpuestos. Éstos se decoran con franjas ajedrezadas, conchas de peregrino y las eses nobiliarias de D. Gutierre de Cárdenas, caballero de Santiago que tan importante papel jugó para la celebración del matrimonio de los Reyes Católicos. Sobre el último friso se asienta una corona circular de la que arranca la gran cúpula, cuajada de tracería arabesca, dorada y pintada en azul y rojo de gran riqueza decorativa. Se completa con un paño de yesería, decorado con figuras humanas y fantásticas e inscripción en capitales góticas: “FERDINANDUS / ISABEL” en referencia a los Reyes Católicos
 
 

Retablo de San Martín de Tours

El personaje principal del retablo es el obispo de San Martín, pintado por Pedro de Zuera. Muchos de los elementos que observamos en el retablo nos remiten al Gótico internacional del siglo XV. En primer término aparece el obispo sobre un extraordinario fondo dorado con diferentes relieves que afectan incluso al nimbo; son, en todo caso, relieves que representan grandes hojas simétricas y carnosas, así como se entrevé la parte superior del báculo

Retablo del convento del Monasterio de Santa Clara de Palencia, siglo XV (1450-1476). Estlo gótico internacional

 

Tinaja

Tinaja de barro blanco con gollete acampanado con reborde grueso y cuerpo esférico decorado con 10 zonas estampilladas con motivos árabes, asas macizas y sin decoración

Toda la información sobre las piezas, ha sido obtenida del catálogo oficial del Museo Arqueológico Nacional (Madrid)

 

Los capiteles

El término capitel proviene del idioma occitano y este del  latín: capitellum, diminutivo de caput, capitis, cabeza  es un elemento arquitectónico que se dispone en el extremo superior de la columna, pilar o pilastra para transmitir a estas piezas estructurales verticales las cargas que recibe del entablamento horizontal o del arco que se apoya en él. Además de esta misión estructural cumple otra de índole compositiva, pues actúa como pieza de transición entre dos partes constructivas tan diferentes como aquellas entre las que se interpone. Hay una enorme variedad de capiteles dependiendo de la época y estilos dominantes.
A nivel general puede decirse que un capitel se compone de un astrágalo (la moldura que se encuentra en la base y que se desarrolla en torno al fuste de la columna), un tambor (el cuerpo del capitel) y un ábaco (el tablero que sirve como remate y que sostiene el comienzo del dintel o del arco).

 Los principales tipos de capiteles a lo largo de la Historia.

 CAPITELES PERSAS

Las columnas de la Apadana de Susa, de fustes estriados y basas cuadradas, eran especialmente bellas. A 20 metros de altura sostenían con sus espectaculares capiteles las vigas de cedro de la techumbre.

Capitel y columna persa, elementos
Estos capiteles, con prótomos de toros muy adornados, tallados en una sola pieza cada pareja, se completaban con volutas dobles de indudable inspiración  jónica. Aunque los toros respiraban aún el estilo asirio-babilonio, en su conjunto el resultado es única y exclusivamente persa

 V a.C. Museo Nacional del Louvre
En la arquitectura medo-persa es característico el capitel de tipo bicéfalo o de doble toro, que consta de una parte adornada con volutas y de dos partes con torsos de toro, caballos o grifos opuestos, entre los cuales queda un espacio donde se insertan y descansan las vigas del entablamento

Ruinas del palacio persa de Persépolis al SO de Irán, sede de los reyes aqueménidas. Su construcción comenzó en el s. VI aC. y fue destruido por Alejandro

Donada por el Sah de la República de Irán en 1971, a la ciudad de Buenos Aires.
Réplica de una de las columnas del Palacio del rey Ciro II, el Grande, en Persépolis, quien reinó en Persia en el siglo VI (a.C.); también llamado Ciro de Anshar, a quien se le considera creador y unificador del imperio Persa. Esta columna pertenece a la “Apadana” (sala de audiencia). El palacio fue levantado entre los siglos VI y V (a.C.) por Dario II, rey de la misma dinastía, y su hijo y sucesor Jerjes I. En 330 (a.C.), Alejandro Magno, en su campaña de Oriente, ocupó y saqueó Persépolis, incendiando el Palacio de Jerjes, para simbolizar, quizá, el fin de la guerra panhelénica de revancha contra los persas.

CAPITELES EGIPCIOS
 


Los capiteles se inspiran y son la “estilización” de motivos florales del país: papiros, lotos y palmeras.
Según el motivo escogido se distinguen los siguientes tipos:
Papiriformes (emblema del Bajo Egipto).
Lotiformes (símbolo del Alto Egipto).

 Ambas clases pueden presentar las flores del motivo escogido cerradas, en capullo, o bien abiertas. Cuando las flores se presentan abiertas se denominan Campaniformes, por la forma que presenta el capitel de una campana invertida.

Tipos de capiteles egipcios
El capitel egipcio tenía como preferencia formas papiriformes, palmiformes o lotiformes, pero también relativo a cualquier otro tema vegetal.

Templo de Philae en Assuan, con capiteles hathóricos
El templo de Philae es uno de los cuatro templo y lugares donde suceden los acontecimientos de la Leyenda de Isis, Osiris y Horus. hijos del dios Ra

 Capitel athórico» Templo de Hathor (Templo de Dendera)
Hathor fue una divinidad cósmica, diosa nutricia, diosa del amor, de la alegría, la danza y las artes musicales en la mitología egipcia. Su nombre significa «El templo de Horus» o «La morada de Horus», para identificarla como madre del mismo y, a veces, su esposa.

Columnas Hathóricas.
Esta columna representa la imagen estilizada del instrumento musical conocido como sistro, consagrado a la diosa HET-HER (HATHOR). Se distinguen dos clases de capiteles hathorianos: el simple y el mixto. Ambos están decorados en sus cuatro caras con la imagen de la diosa Hathor. 

El ábaco de esos capiteles representa en sus cuatro caras la imagen del frente de una capilla. En el capitel hathoriano mixto, el rostro de Hathor emerge de una gran copa decorada con flores de loto.

Capitel papiriforme abierto
Tambien se les llama campaniformes por ser como una campana invertida

.


Templo en Luxor con columnas de capiteles papiriformes cerrados


Capitel del templo de Philae con forma de flor de loto abierto

Capiteles egípcios con diversos motivos

Isla de Filé (Egipto). Templo de Isis.  Capiteles de orden compuesto en el dromos
Situado originalmente en la isla de File el recinto en el que se encuentra el Templo de Isis se abre con un embarcadero y el pabellón de Nectanebo I a la izquierda, con un pórtico rectangular formado por 14 columnas campaniformes con ábaco hatórico dispuestas en 2 filas simétricas respecto a la edificación.

CAPITELES GRIEGOS
 
Orden dórico

El orden dórico es el más arcaico y simple de los órdenes arquitectónicos clásicos. Proviene del pueblo dorio. Es el orden griego por excelencia. Cuanto más antiguo, más sencillo, dando sensación de robustez (protodórico), cuanto más tardío, más esbelto y proporcionado
Se empleó en la Grecia continental desde el siglo VII a. C. y en el sur de Italia.

Capiteles dóricos Partenón Atenas
El Partenón, templo dedicado a Atenea Parthenos en la Acrópolis de Atenas, es sin duda el máximo exponente de este estilo arquitectónico
Tras la destrucción de la acrópolis por los persas en 480 a.c., Pericles proyectó la construcción en la colina sagrada de un majestuoso templo a mayor gloria de Atenea

 Para conmemorar la victoria sobre los persas en Maratón en el año 490 a.C., los atenienses decidieron construir un templo a Atenea sobre la colina sagrada de la Acrópolis, que dominaba la ciudad.

 Orden jónico


El Orden Jónico es el segundo, en sentido cronológico, de los órdenes arquitectónicos clásicos que tuvo su origen hacia el siglo VI a. C. en la costa oeste de Asia Menor y en las islas Cícladas, archipiélago situado al sureste de Grecia en el mar Egeo.

Más esbelto y airoso que el orden dórico, ha dejado abundantes muestras de su estilo, de las que, como ejemplo más canónico, cabe destacar el Templo de Atenea Niké en la Acrópolis de Atenas. Sin embargo, habiendo sido imitado a lo largo de la historia, la versión más admirada y copiada, desde el siglo XVII en adelante, fue la del romano Templo de Portunus.

 Orden corintio

 
Capitel coríntio
Esencialmente es similar al orden jónico, del que difiere básicamente en la forma y tamaño del capitel. Una de las construcciones más destacables ejecutadas según las pautas estilísticas del orden corintio es el monumento de Lisícrates en Atenas


El orden corintio es el más elegante y ornamentado de los órdenes arquitectónicos clásicos. Se atribuye su creación al escultor griego Calímaco en el siglo IV a. C Su ornamentación se hace con la hojas del acanto.

Capitel compuesto
Muy utilizado en la arquitectura romana , mezcla el orden jónico con el coríntio.

Es una combinación de jónico y corintio, adoptando las volutas de uno y las hojas de acanto del otro.

 

Capitel toscano: es similar al dórico, incluyendo un collarino; 


CAPITELES BIZANTINOS

El capitel bizantino toma por modelo el corintio, logrando una mayor estilización; de forma troncopiramidal invertida, en ocasiones duplica el tambor montando uno sobre otro

 

Capitel bizantino tipos
 
 

Capitel de Santa Sofía de Constantinopla.(Estambul, Turquía)

Capitel bizantino en San Vitale.(Rávena, Italia)

CAPITELES VISIGODOS

Capiteles visigodos: tipos utilizados

San Pedro de la Nave
Capitel visigodo El adjunto capitel perteneciente a San Pedro de la Nave constituye un típico ejemplo de los de forma de tronco de pirámide invertido cuyo cimacio, de característica decoración visigoda, es de extraordinarias dimensiones además de anclarse al muro prolongándose a modo de breve imposta.

San Pedro de la Nave (Zamora) el sacrificio de Isaac.
Los capiteles del crucero, son del siglo IX o X, fecha también del abovedamiento. En un capitel, está representado el sacrificio de Isaac, en otro, Daniel entre los leones. Estas dos escenas se encuentran coronadas por róleos en los que aparecen aves que simbolizan las almas bienaventuradas que se alimentan de la Eucaristía


Iglesia visigoda de San Pedro de la Nave (Zamora)
En este otro, perteneciente al arco triunfal, aparece una arqueria, que podía simbolizar la Jerusalen celestial

CAPITELES MOZÁRABES

Capiteles mozárabes de San Cebrián de Mazote (Valladolid)
Estas iglesias, austeras exteriormente, suelen tener un espacio interior muy hermoso y de gusto oriental, con arquerías de herradura, y columnas con capiteles corintios de tradición cordobesa.

Capiteles de San Miguel de Escalada (león)
Los capiteles, corintios, no son todos iguales, y vemos en ellos cierta evolución a la hora de ser esculpidos. Tenemos en el interior del templo unos ejemplos del arte astur con hojas carnosas aunque lisas, y otros con collarín, denominados propiamente mozárabes.

San Miguel de Escalada. Capiteles detalle
Un tercer grupo, ya en el exterior, en el pórtico, presentan collarín asturiano y están trepanados.


 CAPITELES PRERROMÁNICOS ASTURIANOS


Iglesia Santa María del Naranco capitel (Oviedo – Asturias)
El auge obtenido por Oviedo con el programa constructivo de Alfonso II, durante la primera mitad del siglo IX, tuvo su colofón en los edificios levantados en la última década de ese período por Ramiro I en el monte Naranco. Este rey tuvo un gobierno más breve, de sólo ocho años, pero pudo en ese tiempo formar una residencia palaciega de reposo,

Capitel de Santa María del Naranco (Oviedo) arte Ramirense
Habría allí muchas construcciones, «palatia et balnea» citan las crónicas, pero de todo ello sólo se ha conservado el palacete rústico o belvedere, convertido en iglesia de Santa María, y la parte de los pies de la iglesia palatina de San Miguel de Lillo

Capitel de San Miguel de Lillo (Oviedo, Asturias) arte Ramirense
Respecto a los soportes sus características son las basas decoradas, los fustes sogueados y los capiteles enriquecidos, todo ello para realzar las columnas.
En la imagen, capitel troncocónico invertido con sogueado formando triangulos y figurillas

Los soportes cumplen la misma función que en otros estilos, pero al tener las techumbres de madera, suelen ser mas estilizados

 CAPITELES ISLÁMICOS

Distintos tipos de capiteles de la Mezquita de Córdoba
El arte islámico no conoció nunca la preceptiva que podría imponer un determinado orden, al estilo de los edificios de época clásica. Es cierto que hay diversas constantes estilísticas y algunos elementos predominantes (pensemos en el arco de herradura o en el uso de la yesería), pero cada edificio ofrece siempre peculiaridades que lo singularizan de los demás.
Hasta comienzos del siglo X lo que predominó en la arquitectura andalusí fue el empleo de capiteles de acarreo, habitualmente de época romana y, en menor medida, visigótica.

En conclusión: no hubo exactamente un canon estricto para tallar los capiteles en la arquitectura andalusí, y acabó creándose un amplio abanico de formas.
 De esas características participa el capitel encintado, que muestra una alta esquematización tanto de las volutas como de las hojas de acanto y que recibe esa denominación precisamente porque en cada una de sus caras, entre ambas volutas, se dispone un par de bandas horizontales, a modo de cintas.

Capitel califal procedente de Córdoba
Se trata de un capitel de mármol fechado en la época de Almanzor, con motivos decorativos de gran variedad. Ésta se basa en hojas de acanto y elementos zoomórficos a base de aves acuáticas, gusanos y lombrices. También sus proporciones son bastante libres y diferentes, conservando, sin embargo, la planta de cruz de brazos curvos con la proyección central del taco en cada uno de sus lados.

Capitel omeya
El capitel islámico también deriva del corintio con ligeras modificaciones. y realizados con la técnica del trépano, que le confería calidades de claroscuro muy bellas.
Son dos capiteles del siglo X, que según testimonio de un vecino del casco antiguo de Córdoba, habrían sido utilizados como maceteros en un patio, al menos hasta el año 2002.

Capitel de avispero. mediados del siglo X. Madinat al Zahra. Córdoba.
es una ciudad palatina o áulica que mandó edificar Abderramán III (Abd al-Rahman III, al-Nasir) a unos 8 km en las afueras de Córdoba en dirección oeste, más concretamente, en Sierra Morena.
Se dice que su fundación está relacionada con una favorita del califa que tendría por nombre al-Zahrá (Azahara) pero los principales motivos de su construcción son más bien de índole político-ideológicos

 Capitel de alabastro procedente del Palacio de la Aljafería (Zaragoza)
La Aljafería es un palacio fortificado construido en Zaragoza en la segunda mitad del siglo XI por iniciativa de Al-Muqtadir como residencia de los reyes hudíes de Saraqusta.(Reino de Taifas de Zaragoza)

 

Capitel nazarí con mocárabes

Un capitel de mocárabes está formado a partir de una complicada trama de racimos de estalactitas. Suele rematar siempre fustes muy esbeltos, que dan a los edificios nazaríes si característico y original estilo.

CAPITELES ROMÁNICOS

 El llamado Capitel de la Orestíada de San Matín de Frómista

Es una pieza de excepcional importancia desde diversos puntos de vista por la finura de su ejecución, contrastando con la plástica general de las obras contemporáneas del Siglo XI.
El clasicismo de la obra, inspirada en un sarcófago romano, parece rematado con dos desnudos frontales de corte naturalista y que se muestran sin pudor, algo que no solemos asociar a la Edad Media. Matizar que lo que encontramos actualmente es una réplica. El original fue mutilado, al igual que todas las imágenes que mostraban los genitales en el templo.

Santo Domingo de Silos
Capitel que posee las cestas cubiertas de retícula formada por cordón doble entrelazado. Motivos posibles gracias a la labor de trépano que posibilita el vaciado de pequeñas superficies creando contrastes de luces y sombras

Capitel románico con aves con cabezas de fiera, segundo taller del Monasterio de Silos .(Burgos)
Lo más destacable del Monasterio es la calidad en arte y simbolismo de los 64 capiteles del claustro bajo, con una colección delirante de encestados, zarcillos, acantos, sirenas, arpías, grifos, leones, centauros, dragones y aves fabulosas.Datan de los S.XI y XII.

Capitel de Santa María de Piasca (Cantabria)
De entre sus capiteles , vegetales en su mayoría, destaca el central del lado del evangelio, donde aparece tallada una Epifanía completa en la que los Magos entregan sus presentes al Niño Jesús, representado de perfil sobre las rodillas de María como si de un trono se tratase.
Aún se puede apreciar ligeros restos de policromía.

Capitel del Descendimiento – Museo de Navarra, Pamplona
El capitel románico es muy variado en formas y temas decorativos. Además de las funciones propias de todo capitel, el románico fue asimismo un instrumento didáctico de primer orden, pues se le confió la tarea de transmitir a los fieles las enseñanzas evangélicas, las del Antiguo Testamento o las de las vidas de los santos, por medio de representaciones figurativas de escenas apropiadas, denominándose capitel historiado

Este capitel pertenece al claustro del monasterio cisterciense de San Andrés de Arroyo en la provincia de Palencia

Podría parecer que la ideología básica de la orden del Cister limitaría la actividad artística del escultor medieval. Nada más lejos de la realidad.No hay sino contemplar la filigrana del capitel del ángulo noroeste de este claustro. Es un verdadero ejercicio de vanidad del escultor. Sólo elementos vegetales: volutas, hojas, tallos, botones florales.. Quizá fueron las instrucciones que recibiese el escultor y que respetó.. a su manera.  

Capitel de la Colegiata de Santa María la Mayor de Toro (Zamora)  

Capiteles de Santa María de Villanueva de Teverga (Asturias)
La iglesia posee un conjunto de capiteles de gran calidad que relatan diferentes pasajes de la Biblia.
  

CAPITELES GÓTICOS

Posteriormente, el capitel se va haciendo más pequeño y delicado y por fin,
llega hasta suprimirse cuando en el siglo XV el haz de junquillos se ramifica
directamente en los nervios de la bóveda sin que medie solución de continuidad
 

 Capiteles utilizados en el arte gótico
Después del periodo de transición en el que se sigue el capitel románico se
presenta como un tambor algo cónico abrazado con follaje cuyos motivos se
toman de la flora del país (aunque, a veces, sobre todo durante el siglo XIV admite
figurillas e historias entre el follaje siempre con más pulcritud que en el estilo
románico) y se corona por un ábaco circular o poligonal de varias molduras.

 

 Capiteles góticos de Sant-Denis (Francia)
en muchos casos  se queda en forma de simple anillo.

 
CAPITELES RENACENTISTAS

 
Capitel renacentista del Palacio del Dux de Venecia
El capitel gótico va perdiendo su importancia según adelanta la época del estilo.

Capiteles renacentistas
Con el Renacimiento y el Neoclasicismo se volvió a la utilización de los capiteles clásicos según los cánones de los órdenes arquitectónicos griegos y romanos.


 CAPITELES MODERNISTAS

Capiteles modernistas con los típicos motivos florales y vegetales
El Modernismo desarrolla nuevos conceptos arquitectónicos basados en la naturaleza, que consisten en los materiales de construcción que se emplean, en las formas de los edificios y en las figuras de sus fachadas. Los arquitectos y sus escultores colocan en el exterior de los edificios pájaros, mariposas, hojas y flores a modo de elementos decorativos, ya sea como figuras adosadas o como adorno de la piedra o cerámica.

El Palau Macaya es un edificio modernista construido en 1901 que se encuentra en el Passeig de Sant Joan de Barcelona y es obra del arquitecto Josep Puig i Cadafalch. El capitel que vemos a continuación se haya en la entrada de carruajes y representa al arquitecto en bicicleta. Es obra del escultor Eusebi Arnau. La bicicleta era el medio de transporte empleado por el arquitecto para desplazarse entre el Palau Macaya y la Casa Amatller. otro edificio modernista del cual también era el arquitecto y que se estaba construyendo simultáneamente.

Capitel de la Sagrada Familia de Gaudí:
En 1878 se gradúa como arquitecto y comienza a desarrollar una arquitectura nueva y original en consonancia con la naturaleza.En la Sagrada Familia el capitel o nudo de la columna de la Nave Central es el elemento de traspaso entre el tronco y las ramas.En ellos simula, para curar la herida producida al cortar una rama de un árbol, nace un reborde que Gaudí incorporó al diseño de los capiteles de las columnas de la Nave Principal del Templo como elemento naturalista del mencionado gran bosque.


Fotografía Gelis Lopez.

FUENTES:

 https://es.wiki2.org/wiki/Capitel

http://www.arquivoltas.com/Presentacion/Presentacion40.htm

http://www.arteguias.com/escultura.htm

Y distintas páginas de los lugares mencionados.