San Pedro y San Pablo

Iglesia de San Pedro y San Pablo (Cracovia, Polonia)


La Fiesta de San Pedro y San Pablo, cuyo nombre oficial es «Solemnidad  de san Pedro y san Pablo, apóstoles» es la conmemoración del martirio en Roma de los apóstoles Simón Pedro y Pablo de Tarso, celebrada el 29 de junio


San Pedro y San Pablo por el Greco.

En esta fecha coincide la celebración de San Pedro, el primer Papa, y San Pablo, también llamado “el Apóstol”, ambos considerados grandes pilares de la Iglesia.

San Pedro por Rubens

SAN PEDRO

Todos los datos y episodios relacionados con este santo, aparecen en los Evangelios oficilaes y apócrifos, Los Hechos de loa Apóstoles y las Epístolas de San Pablo, ademas de otros escritos del S.I.


Estatua de San Pedro en el Vaticano

Según el evangelio de San Mateo, Jesús,»caminando por la ribera del mar de Galilea vio a dos hermanos, Simón, llamado Pedro, y su hermano Andrés, echando la red en el mar, pues eran pescadores, y les dice: Venid conmigo, y os haré pescadores de hombres. Y ellos al instante, dejando las redes, le siguieron»


D. Ghirlandaio, «Llamada de los apóstoles» (1481), detalle  Capilla Sixtina (Vaticano)

Su nombre de nacimiento era Simón bar-Jona​, conocido también como, Cefas o simplemente Pedro y fue, de acuerdo con múltiples pasajes del Nuevo Testamneto, pescador de oficio en el mar de Galilea. Su lugar de nacimiento fue Betsaida,​ un pueblo junto al Lago de Genesaret y allí ejercía el oficio de pescador junto a su hermano Andrés, quien también fue apóstol.

Los hermanos Zebedeos: Santiago y Juan  Museo de las Peregrinaciones, Santiago de Compostela S.XVI

Los evangelios sinópticos lo presentan como uno de los tres discípulos íntimos que, junto con Santiago y Juan

Según dos pasajes del Nuevo Testamento fue el primero en reconocer a Jesús como el Mesías esperado. «Y él (Jesús) les preguntaba: “Y vosotros, ¿quién decís que soy yo?”. Pedro le contestó: “Tú eres el Cristo”

«Entrega de las llaves a San Pedro»   Perugino,  Vaticano

La Iglesia católica lo identifica a través de la sucesión apostólica como el primer papa, basándose, entre otros argumentos, en las palabras que le dirigió Jesús: «Tú eres Pedro, y sobre esta piedra edificaré mi Iglesia, y el poder de la muerte no prevalecerá contra ella. Yo te daré las llaves del Reino de los Cielos. Todo lo que ates en la tierra, quedará atado en el cielo, y todo lo que desates en la tierra, quedará desatado en el cielo» (Mateo 16, 18-19)


La negación de San Pedro, óleo sobre lienzo de Theodor Rombouts (1597-1637, Belgium)

Los cuatro evangelios recogen también la profecía de Jesús anunciando la traición de Pedro quien lo negaría tres veces consecutivas por miedo a ser reconocido como seguidor de Jesús.

«Las lágrimas de San Pedro», José de Ribera

La negación de Pedro se cumplió…


«Liberación de San Pedro» por Rafael  estancias de Heliodoro, Vaticano

Aproximadamente en el 42-44 d.C. Pedro, quien se hallaba en Jerusalén, fue encarcelado por el rey Herodes Agripa I, pero fue liberado por un ángel.



Altar en la Carcel Mamertina de Roma, donde estuvo Pedro encarcelado

Icono bizantino

De acuerdo con la epístola a los Gálatas, Pedro se trasladó a Antioquía, donde Pablo lo encontró más tarde  y después de haber fundado la iglesia de Antioquía, fue a Roma a predicar el Evangelio


«Dómine, quo vadis?» de Anibal Carracci

En el camino a Roma, por la Via Appia, fué cuando dijo la famosa frase en latín «Quo Vadis?» que significa «¿A dónde vas?» que viene del  texto de los «Hechos de Pedro»



San Pedro por el Greco

La tradición católica de los Padres de la Iglesia narra que Pedro acabó sus días en Roma, donde fue obispo

«Martirio de San Pedro» por Caravaggio

Allí murió martirizado bajo el mandato de Nerón en el Circo de la colina vaticana o en sus proximidades, sepultado a poca distancia del lugar de su martirio y que a principios del siglo IV el emperador Constantino I el Grande mandó construir una gran basílica sobre su sepultura.


«Crucifixión de San Pedro» Políptico de Pisa  por Masaccio

El texto apócrifo «Hechos de Pedro», escrito en el siglo II, relata que Pedró murió crucificado cabeza abajo, ya que no quiso hacerlo igual que Cristo

Su tumba fué encontrada mas tarde bajo el altar de la Basílica de San Pedro en 1965. Está sencillamente marcada con su nombre y hay restos humanos en ella.

En la Iglesia de San Pedro de Olite, el dintel tiene una decoración esculpida a base de tres escenas consecutivas que describen algunos momentos de la vida del titular del templo: San Pedro. Vemos consecutivamente como recibe las llaves de la Iglesia de manos de Cristo, Luego una escena en que aparece en su barca y Cristo frente a ellos Y por último un momento de su juicio y sentencia seguidos de la escena de la crucifixión cabeza abajo


Basílicas de San Pablo extramuros y San Pedro del Vaticano en Roma

SAN PABLO

Saulo Pablo nació entre el año 5 y el año 10 en Tarso (en la actual Turquía), por entonces ciudad capital de la provincia romana de Cilicia

San Pedro y San Pablo por el Maestro de San Ildefonso

San Pedro y San Pablo por Fernandez Navarrete

La información sobre la ciudadanía romana de Pablo solo es presentada por los Hechos de los Apóstoles​ y no encuentra paralelismos en las cartas de Pablo, lo que aún hoy resulta motivo de debate, pero algunos sostienen que Pablo era descendiente de uno o más libertos, de quienes habría heredado la ciudadanía



Martirio del diácono Esteban. 

Se trata de una representación bizantina en miniatura incluida en el menologio de Basilio II, obra de arte señera entre los manuscritos griegos con miniaturas

Según los Hechos de los Apóstoles, el primer contacto fidedigno con los seguidores de Jesús lo tuvo en Jerusalén, con el grupo judeo-helenístico de Esteban y sus compañeros.​ Saulo Pablo aprobó la lapidación de Esteban el protomártir, ejecución datada de la primera mitad de la década del año 30


 Conversión en el camino para Damasco. Por Caravaggio, en la Basílica de Santa María del Popolo, en Roma. 

En las obras de arte y en la creencia popular se tiene la imagen de que Pablo cayó de su caballo, cuando ni en las epístolas paulinas ni en los Hechos de los Apóstoles se menciona la caída de un caballo. Podría tratarse, pues, de un anacronismo.

Según el libro de los Hechos de los Apóstoles,tras el martirio de Esteban, Saulo Pablo se dirigió a Damasco  Sucedió que, yendo de camino, cuando estaba cerca de Damasco, de repente le rodeó una luz venida del cielo, cayó en tierra y oyó una voz que le decía: «Saulo, Saulo, ¿por qué me persigues?» El respondió: «¿Quién eres, Señor?» Y él: «Yo soy Jesús, a quien tú persigues. Pero levántate, entra en la ciudad y se te dirá lo que debes hacer».



Restauración de la vista a San pablo. Pietro da Cortona

Después del suceso vivido por Pablo en el camino de Damasco, del que quedó ciego, fué al encuentro de Ananías que lo curó de su ceguera imponiéndole las manos. Pablo fue bautizado y permaneció en Damasco «durante algunos días».


Las cartas de San Pablo S:XVII   (Blaffer Foundation Collection, Houston, Texas)

. Probablemente escritas todas en la década del año 50, son las siguientes (en un posible orden cronológico):

Primera epístola a los tesalonicenses, Primera epístola a los corintios, Epístola a los gálatas, Epístola a Filemón, Epístola a los filipenses, Segunda epístola a los corintios y Epístola a los romanos.

Los Hechos de los Apóstoles, es el nombre del quinto libro del Nuevo Testamento, en el cual se narra la historia del conocido como período apostólico.

Imagen que representa a San Pablo escribiendo, de una versión manuscrita de las cartas de san Pablo datada de los inicios del siglo IX  Abadía de Sankt Gallen (Suiza)


«San Pablo encarcelado» por Rembrandt

La cautividad de Pablo en Roma, considerada un hecho fidedigno, habría tenido una duración de dos años, tiempo en que el Apóstol no vivió encarcelado sino en custodia


​»Decapitación de San Pablo» por Simonet 1887

Tertuliano describe que Pablo sufrió una muerte similar a la de Juan el Bautista, quien fue decapitado: el texto apócrifo del Pseudo Marcelo, conocido bajo el título de Hechos de Pedro y Pablo 80, señaló que el martirio de Pablo habría sido por decapitación en las Acque Salvie, en la vía Laurentina, hoy abadía delle Tre Fontane, con un triple rebote de su cabeza que aseguraba haber causado la generación de tres vías de agua



«la Pasión de Pablo» del Pseudo Abdías (siglo VI) señaló la sepultura del Apóstol «fuera de la ciudad , en la segunda milla de la vía Ostiense», más precisamente «en la hacienda de Lucina», una matrona cristiana, donde más tarde se levantaría la basílica de San Pablo Extramuros.




http://www.arquivoltas.com/6-Navarra/Olite01.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Sim%C3%B3n_Pedro

https://es.wikipedia.org/wiki/Pablo_de_Tarso

Los niños en la escultura

Se llama escultura, al arte de modelar el barro, tallar en piedra, madera u otros materiales. También se denomina escultura a la obra elaborada por un escultor.
Es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado.
Dentro de la escultura, el uso de diferentes combinaciones de materiales y medios ha originado un nuevo repertorio artístico.
Desde la Prehistoria, se ha utilizado la escultura de diversas formas: como amuletos, representación de dioses, con fines funerarios como en Egipto, representando mandatarios, seres mitológicos etc y entre todos ellos, tambien hay figuras de niños: Cupido, amorcillos, angelotes, personajes de episodios históricos o fabulosos y tambien la muy frecuente imagen del Niño Jesús.

Vamos a dar un repaso al niño a través de las esculturas, que de él se han hecho a lo largo de la Historia, con distintos estilos, materiales (donde predomina la piedra) y posturas..
Veremos niños en muy distintas situaciones y sobre todo sentimientos, que pueden pasar de alegria propia de sus juegos a la tristeza secundaria a un determinado episodio e incluso a enfado en alguna ocasión
Tambien vereis que algunos aparecen acompañados: es inevitable, sobre todo si lo hacen con sus madres y otras con animales u otros personajes, justificados por la escena que representan…pero sienpre serán protagonistas y nos mostraran sus encantos e inocencia.
Vamos a ello…

EL NIÑO DE LA ESPINA O ESPINARIO 

Autor desconocido Siglo I a. C. Bronce Museos Capitolinos, Roma Escultura romana, copia de un original helenístico
Esta escultura del Niño de la espina, también conocida en el mundo del arte como el Espinario, es una de las obras clásicas más conocidas,sin embargo, la escultura que conocemos a través de diferentes copias del original helenístico, dista mucho de ser considerada como una obra excepcional, a pesar de suponer que el modelo que inspiró la larga serie sin duda presentaría matices que los copistas romanos no supieron captar y transmitir..
Este tema ha tenido una gran influencia en la historia del arte y ha sido motivo de múltiples reproducciones e inspiración de diversos artistas. Una copia romana en mármol puede admirarse en los Uffici de Florencia, otra en mármol en el museo del Louvre de París, y otra más en el museo Pushkin de Moscú. En el museo del Prado de Madrid existe una copia del s. XVII (Cesare Sebastian, 1650).

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«El joven rey Tutankamón». Talla en madera policromada. 
 
Tutankamón, llamado en vida Neb-jeperu-Ra Tut-anj-Amón, fue un faraón perteneciente a la dinastía XVIII de Egipto, que reinó de 1336/5 a 1327/5 a. C.4 Su nombre original, Tut-anj-Atón, significa «imagen viva de Atón» fue el último faraón de sangre real de la dinastía. Ascendió al trono después del periodo de Amarna y devolvió a los sacerdotes de Amón la influencia y el poder que habían poseído antes de la revolución religiosa y política de Akenatón.el adorador de Atón.

 «Hércules niño con una serpiente»
 
Escultura que presenta a Hércules cuando estrangula una serpiente. La obra fue elaborada en Roma en el siglo 2 d. C La diosa Hera odiaba al niño y envió dos serpientes para que lo matasen, pero el bebé se les adelantó estrangulándolas

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 Escultura de bronce griega Museo Paul Getty

 «Niño con una oca» Boetas 200-150 a.C.Grecia Museo: Museo Nacional del Louvre

Boeto de Calcedonia, debe la inmortalidad sobre todo al conocido grupo del Niño de la oca, llegado a nosotros en varias copias. Debía de ser un tema bastante común, que tenía su lugar en los santuarios de Asclepio, pero la obra de Boeto logró un éxito muy particular: las carnes realistas y blandas del niño, el uso -un tanto irónico- de la estructura piramidal que se empleaba en Pérgamo para plasmar gestas heroicas, todo hubo de contribuir a su fama.

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«Jinete de Artemision» detalle. Museo Arqueológico de Atenas. S. II.I a. C.
 
Representa un perfecto modelo iconográfico de la nueva estética que aporta a la escultura griega el periodo helenístico. Una plástica caracterizada por un naturalismo espontáneo y directo que enlaza directamente con la contemplación de la realidad y se desliga por tanto del idealismo que había caracterizado el periodo clásico.

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Centauro y Eros copia de original romano Museo del Louvre

Las esculturas de arte clásico que en el siglo XVII formaban parte de la colección del cardenal Scipione Borghese, sobrino del papa Pablo V, y que en 1807 Camillo Borghese vendió al emperador Napoleón Bonaparte. Esta extraordinaria colección constituye uno de los pilares del actual Museo del Louvre de París. El hermafrodita dormido, que fue restaurado por un joven Bernini; Silineo con Baco niño; el conjunto de Las tres Gracias o el famoso Centauro con Eros sobre sus lomos. La colección reunida por el cardenal Borghese fue vendida en 1807 por su descendiente Camillo Borghese, que estaba casado con la famosa Paolina Bonaparte, a su cuñado el emperador.

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 «Sileno con Dionisios en brazos»  Museo del Louvre

Copia de un original de Lisipo Arte romano imperial. Siglo I – III a.C.

Según la mitología griega, Zeus entregó a su hijo ilegítimo, Dioniso, al cuidado de Sileno, para protegerlo de la ira de su esposa Hera. Junto a él, Dioniso se crió en el monte Nisa, rodeado de sátiros y ninfas. Las características de esta escultura llevan a pensar que la pieza es una copia romana, de época imperial, basada en una escultura griega más antigua, del siglo IV a.C., realizada en bronce por Lisipo.
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Eros de  Lisipo

Fue un escultor clásico griego, nacido en Sición, Peloponeso, h. 370 a. C. y fallecido hacia el 318 a. C. Lisipo, Escopas y Praxíteles están considerados los tres grandes escultores de la segunda fase del clasicismo (siglo IV a. C.),

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Escultura de bronce romana, Museos Vaticanos

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Escultura romana. Cartagena, Murcia
 
Retrato infantil encontrada en la calle de los Cuatro Santos en 1857. La cabeza, ceñida con una corona, ha sido interpretada habitualmente como un retrato de un miembro de la familia del emperador Augusto. Por la proximidad del lugar de hallazgo con el teatro podría haber pertenecido a su programa decorativo, incluso podría ser un retrato de Cayo o Lucio, miembros de la familia imperial asociados a la construcción del mismo teatro
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Estatua de niño S.III dC Los Angeles .County Art Museum, California
 
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«Niño con liebre» Museo Arqueológico Municipal de Cabra, Córdoba
 
Escultura romana procedente del yacimiento de la villa romana del Mitra, de la que era propietaria la familia del ex ministro franquista José Solís y que ya ha pasado a los fondos del Museo

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«Loba capitolina» Museos Capitolinos Roma
 
La cronología de la figura de la loba ha sido muy discutida; según la tradición la escultura de la loba sería etrusca, aunque se estima que data de la Edad Media,siglo XI y XII mientras las estatuas de los niños Rómulo y Remo fueron creadas y añadidas en 1471 y probablemente son obra del escultor Antonio Pollaiuolo.

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«Virgen Blanca» S XII-XIII Catedral de Tudela
 
Se trata de una estatua de piedra policromada de la Virgen y el Niño, fechable alrededor del año 1200 y que presidía el ábside central.

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“la Virgen y el Niño“ Miguel Angel Buonarroti
 
La iglesia de Nuestra Señora, uno de los templos más importantes de Brujas junto a la catedral del Salvador, tiene como principal atractivo para la visita una escultura de una Virgen que esculpió el genial Miguel Angel en 1504.Miguel Angel la realizó para la catedral Duomo de Siena, pero una familia de Brujas la compró y la llevó a la citada iglesia de Nuestra Señora.No es raro que te pueda sorprender este hecho pues apenas se pueden ver obras de Miguel Angel fuera de Italia.

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   «San Juanito» Miguel Angel 
 
Es una obra de juventud del artista, anterior a la Piedad del Vaticano y a los frescos de la Capilla Sixtina, que fue donada por el duque de Florencia, Cosmé I de’ Medici, a Francisco de los Cobos, secretario del emperador Carlos V. El monarca la envió a España, a la villa de Francisco, en Sabiote, pasando a enriquecer, tras su muerte, la capilla sepulcral que mandó construir en su ciudad natal de Úbeda. Fue destrozada en 1938 y posteriormente reconstruida.

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San Juanito, detalle

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Cabeza de muchacho, atribuida al círculo de della Robbia

«Putti» realizados en terracotta por Andrea Della Robbia (1435-1525)
 
Hoy día estan en la fachada dell’Istituto o Ospedale degli Innocenti, Florencia
Entre las creaciones más famosas del artista cabe citar la serie de retablos para los franciscanos de Asís; sobresale la estatua de San Francisco para Santa Maria degli Angeli y las terracotas vidriadas para la Chiesa Maggiore y la Chiesa della Stimmate, que formaban parte del convento de La Verna. Entre otros notables ejemplos, citaremos el grupo de tondos que decoran la logia del Ospedale degli Innocenti de Florencia, que representan una serie de putti animando a los florentinos más ricos a que ejerzan la caridad

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 «Alegórico figura de Atis niño» Donatello Museo Barghello, Florencia
 
No se conocen documentos sobre su colocación originaria ni de su encargo, pero Vasari lo cita probablemente como Mercurio y de «altura de un brazo y medio, de bulto completo y vestido de extraña manera, en casa de Agnolo Doni», con atribución a Donatello.

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 «Spiritelli» o niños alados de Donatello
 
Donato di Niccolò di Betto Bardi, conocido como Donatello, fue un artista y escultor italiano de principios del Renacimiento, uno de los padres del periodo junto con Leon Battista Alberti, Brunelleschi y Masaccio.


 «Amorcillo con delfín» Verrochio
 
Andrea del Verrocchio, nacido Andrea di Michele di Francesco de Cioni, conocido simplemente como Verrocchio fue un pintor, escultor y orfebre cuatrocentista italiano. Trabajó en la corte de Lorenzo de’ Medici en Florencia

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«La cabra Amaltea con Jupiter niño y Juno» Gian Lorenzo Bernini Mármol. Galleria Borghese. Roma 
 
La Cabra Amaltea es una escultura barroca de Gian Lorenzo Bernini. Bajo el patrocinio del cardenal Borghese, sobrino del papa Pablo V, sus primeras obras eran piezas para decorar los jardines del cardenal. Esta obra destaca por ser la primera de Bernini, realizándola con tan solo 18 años.
El mito de la cabra Amaltea es una leyenda heredada de la mitología griega y, posteriormente adaptada por los romanos, que dicen que Amaltea es la cabra que alimentó con su leche a Júpiter, el dios Zeus en la mitología griega como un niño y que jugando con ella, el pequeño dios había roto uno de sus cuernos.

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«Manneken Pis», Bruselas, Bélgica

La traducción de su nombre es «niño que mea». Es una estatua de bronce de 61 cm. situada en el centro histórico de Bruselas, al sur de la Grand Place y es todo un símbolo de Bruselas. Leyendas acerca del porqué de su construcción y su fama hay muchas, pero la más extendida viene a ser la siguiente: Un rico comerciante que visitaba la ciudad en familia perdió a su hijo pequeño y se organizaron unos grupos de búsqueda. El niño fue encontrado riendo y orinando en un pequeño jardín, por lo que el padre decidió ayudar a la construcción de una fuente. Una fuente que tiene a su hijo orinando en la parte superior.
Es pequeño, es simplemente una fuentecilla, mucha gente se siente decepcionada cuando lo ve e, incluso, se nos puede pasar por alto si no estamos atentos


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«Niños» Ercole Ferrata 1610-1686 Museo Hermitage San Petersburgo
 
Ercole Ferrata fue un escultor italiano, uno de los máximos exponentes del barroco romano

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 «Niño Jesús» Juan de Mesa y Velasco (Córdoba, 1583 – Sevilla, 1627) 

Fue un escultor español del Barroco, con abundante obra de imagenería religiosa sobre todo en Sevilla, destacando el Gran Poder y el Cristo del Amor

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 «Niño Jesús del Sagrario» de la Catedral de Sevilla, imagen de Juan Martínez Montañés
 
Representa a Jesús niño, desnudo y erguido con los pies sobre un cojín y las manos alzadas. Sin embargo, la morfología de las manos que actualmente conocemos de la imagen no es la primitiva concebida por Martínez Montañés. En 1629, por encargo de la cofradía, el pintor Pablo Legot (1598-1671) realizó unas nuevas manos a la escultura, probablemente de plomo.
Otra obra destacada es el Cristo de la Pasión en Sevilla.


 Niño Jesús mostrando el corazón. F. Salzillo s.XVIII. Colección particular. Murcia

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» El niño del pájaro». 

 Labrado en mármol a fines del siglo XVIII, según un modelo en terracota de Charles-Antoine Bridan (1730–1805) de 1784, que a su vez es una copia de una escultura romana antigua de la Villa Borghese (Roma, Italia). Forma pareja con La niña del nido.

 «Fillette à l’oiseau et à la pomme»Niña con un pajaro y una manzana Jean-Baptiste Pigalle (1784) Musée du Louvre 
 
(París, 27 de febrero de 1714 – París 22 de agosto de 1785 ) fue un escultor francés.
nacido de una familia de ebanistas, aprende la escultura con Robert Le Lorrain y Jean-Baptiste Lemoyne. Considerado como un maestro por sus contemporáneos, su obra está a caballo de los periodos barroco y neoclásico.



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«Niño leyendo» Antonio Canova (1757 – 1822)
 
Fue un escultor y pintor italiano del Neoclasicismo. Su estilo estuvo inspirado en gran medida en el arte de la Antigua Grecia y sus obras fueron comparadas por sus contemporáneos con la mejor producción de la antigüedad, fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini.

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 «Pescador de cangrejos» Escuela francesa S.XIX

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«Pequeña bailarina de 14 años» Edgar Degas (1834-1917)
Estatua en bronce con patina de diversas coloraciones, tutú de tul, lazo de satén rosa en el cabello .París, museo de Orsay

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«La fuente de los ocho niños» Mariano Benlliure Valencia
 
En 1962 se erigió una fuente dedicada a su memoria.
La fuente, tiene en su anverso la reproducción en bronce de la «Fuente de los Niños», obra de Mariano Benlliure y cuyo original en yeso se encuentra en el Museo de Bellas Artes de Valencia y del que se obtuvo el vaciado de este monumento. El original se encuentra en Cádiz. En la cara posterior encontramos un relieve en bronce, con el rostro de perfil de Benlliure y la leyenda «Valencia a Mariano Benlliure».

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«Adolescencia» – Vala Ola Bronce -2002 Colección privada

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«Niño herido» Enric Clarasó ( Sant Feliu del Racó , 14 de octubre de 1857 – Barcelona , 1941 )
 
Fue un escultor modernista catalán cuyo estilo transita entre el costumbrismo y el simbolismo. Frecuentó los círculos de Rusiñol y Casas . Su estilo se ha relacionado con el del escultor Josep Llimona .
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 “Sinnataggen”, Vigeland Sculpture Park, Oslo 2011

«Gruñón» muestra un enojado niño y se considera la escultura más famosa de Gustav Vigeland que fue modelado probablemente en 1928 . Está fundido en bronce y se estableció como una de las 58 esculturas del Museo Vigeland en 1940.

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«El niño no nacido» Martin Hudáčeka. Eslovaquia
 
La obra sorprende por su realismo y poética expresividad. El niño parece esculpido en cristal, mientras que a su lado, de rodillas, una madre arrepentida está representada en piedra. Los materiales son por sí mismos bastante metafóricos. El niño levanta la mano sobre la cabeza inclinada de su madre en un gesto de amor filial.

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Nadia Bounhar, escultora desde 1990, trabaja tradicionalmente esculturas de arcilla, de libre inspiración: la conservación del patrimonio histórico, leyenda e historia, etc …
Sus proyectos personalizados de encargo le permitió trabajar con varias instituciones. Todas sus obras han sido diseñadas por primera vez en su taller, y luego cocidas, en un viejo horno de ladrillo tradicional. La combinación de la creatividad y su dominio, ha hecho que Nadia sea ahora una artista esencial de la región de Toulouse.(Francia)

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Monumento a los niños víctimas de la guerra en Lídice erigida por la artista Marie Uchytilová en la década de 1.990
 
El 27 de mayo de 1.942, un oficial nazi alemán de alto rango, llamado Reinhard Heydrich, era conducido desde su casa de campo a su oficina en Praga cuando fue emboscado por soldados checos entrenados por los británicos. El ataque, que se llevó a cabo con granadas, le dejó gravemente herido y murió ocho días después.

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Lídice, esta situada a unos 20 kilómetros al oeste de Praga, en la República Checa.
Para vengar la muerte de Heydrich, los alemanes lanzaron una represalia aterradora al pueblo
En los posteriores días, 340 personas de Lídice murieron a causa de la represalia alemana: 192 hombres, 60 mujeres y 88 niños. Solo 153 mujeres y 17 niños regresaron después de la guerra.



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Niño gigante Ron Mueck 2000
 
Ron Mueck es un escultor australiano, que tuvo su origen profesional en el mundo de los efectos especiales para el cine. No es un escultor cualquiera, ya que sus “obras de arte” son hiper-realistas, reproducen fielmente cada detalle del cuerpo humano, llega a tal extremo de colocar en sus figuras poros, lunares, puntitos negros, vellos en los brazos y piernas, cabello y todo lo que el cuerpo pueda tener.
 
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 «El Dia»: cabeza de la nieta despierta de Antonio López García
 
(Tomelloso, Ciudad Real, 6 de enero de 1936) es un pintor y escultor español.

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 «María dormida», Antonio López.1964. Madera policromada. Colección privada.

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 Gerard Demetz Italia

selección de sus impactantes esculturas en madera centradas en la imagen de los niños y adolescentes de nuestra época. Las elabora con fragmentos de madera ensamblada o con materiales sintéticos, y su empleo de piezas diferenciadas y no de bloques le sirve para expresar su cuestionamiento de la realidad humana

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 The First Generation (2000) by Chong Fah Cheong, Cavenagh Bridge, Singapore
 
Es un escultor conocido por muchas esculturas públicas en Singapur. A pesar de que trabajó en una variedad de estilos , su nombre se identifica con una serie de esculturas figurativas que representan la vida de las personas que viven y trabajan a lo largo del río Singapur, en este caso un grupo de alborozados niños.

«Niños jugando al corro» Localizado en Benson Garden, Loveland, Colorado, USA
 
El parque, inagurado en 1985, cuenta actualmente con 116 esculturas.

Y nada mas, quiero terminar con esta alegre escena, que es la que los niños de todo el mundo, deberían vivir y disfrutar siempre…

Fuentes:

Alberto Durero, pintor de la Naturaleza

Albrecht Dürer (1471-1528), conocido en España como Alberto Durero, fue el más célebre pintor, grabador y tratadista del Renacimiento alemán.

Alberto Durero (Núremberg, 1471-1528) fue uno de los grandes artistas del Renacimiento, el Leonardo alemán. Inquieto, curioso y viajero, heredó de su padre, un orfebre de origen húngaro, la maestría en el manejo del buril.
Su abundante obra, ejerció una decisiva influencia en los artistas del S.XVI, tanto alemanes como de los Paises Bajos, y llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafael.
Sus grabados alcanzaron gran difusión e inspiraron a múltiples artistas posteriores

Su lugar de nacimiento, Núremberg, en el siglo XVI, era uno de los centros culturales más importantes del Renacimiento. El ambiente erudito y artístico de la ciudad era bullente. Allí se estudiaba geografía, astronomía, matemáticas o música. Diversos artesanos trabajaban y realizaban objetos suntuarios e instrumentos científicos con una pericia equiparable a los de cualquier otra ciudad europea.

En el siglo XV, la meca para los artistas germanos eran Brujas y Gante; Durero abrió el camino de Italia y del Renacimiento en los países del norte. Regresó de Italia en 1495, y los cinco años siguientes fueron los de mayor intensidad creadora. Durero siente la necesidad de estudiar la teoría de las proporciones y la perspectiva

Durero siempre se sintió mucho más seguro como artista gráfico que como pintor -su firma, un elegante monograma con una A mayúscula que encierra la D de su apellido, es el primer diseño de la historia-

Durero sintió verdadera curiosidad por la Naturaleza, mirándola con ojos científicos. Seres vivos, animales, a veces exóticos (como su maravilloso rinoceronte), vegetales, fueron reproducidos por él, con rigor y realismo, como si de un zoólogo se tratase.

Hierba corta

Durero fue un estudioso de la Naturaleza. Fue un observador minucioso de los animales, las figuras humanas y el paisaje

Era capaz de caminar días enteros persiguiendo una liebre, o de pasarse horas muertas estudiando los andares parsimoniosos de un cangrejo. Durero sentía auténtica pasión por dibujar la naturaleza y los animales

Realzó Durero en todos sus trabajos la naturaleza, sabiendo perfectamente que no pintaba las cosas tal como son. No obstante, sus estudios de plantas y animales son expresión -lo mismo que sus paisajes acuarelados- del verdadero concepto que él tenía de la naturaleza.

Durero La Hierba alta 1503, su mas famosa obra de tema vegetal

La decisión con que el pintor se entregó a estos estudios, dedicándose exclusivamente al objeto, y, por otro lado, su soberana capacidad de reproducirlos, empezó a ocuparse artísticamente de la fauna de su patria, consiguiendo notabilísimos apuntes sueltos o que, luego, empleó como figuras complementarias en otros trabajos.

La Virgen del mono 1498

Esta estampa muestra la influencia italiana adquirida por Durero en Italia, en 1494-95. El paisaje está tomado de una acuarela de Durero que representa la Casa del estanque, de Nuremberg. A los pies de la Virgen, aparece sentado un mono que alude al mal y al pecado que es vencido a través de las figuras de la Virgen y el Niño.

Detalle del mono

Recordemos, por ejemplo, aquella acuarela de la Virgen de los Animales que quedó inacabada. Los animales que rodean a la Sagrada Familia no son meramente anécdotas, sino que representan diversos pecados, virtudes y alegorías. Por ejemplo, el zorro encadenado es el Mal que la venida de Cristo deja sin poder. El perrillo a los pies de María representa la fidelidad. La lechuza es la sabiduría. El ibis que está frente al anciano José es la resurrección, etc
(año 1503)

O el aguafuerte de Adán y Eva (año 1504), trabajos en fin, que pregonan el cariño del artista por la fauna de su patria. El árbol prohibido del Paraíso se levanta en la linde de un bosque típicamente alemán, de cuya penumbra surge el elche que avanza hacia un claro de la selva; y en ese claro brinca un lebrato, mientras una vaca, echada, rumia tranquila

Detalle de alguno de los animales, que aparecen en Adán y Eva.

Alberto Durero pertenece a la primera generación de artistas después de la Edad Media que decidieron acercarse a los animales para observarlos y retratarlos de manera realista.

Garza

Cada uno de los animales de Durero es un personaje singular, un individuo. Sus escarabajos, búhos, leones, guacamayas, cigüeñas, ardillas y perros, son retratos de un estudio cuidadoso y detallado.
Aunque en su época ya existía un conocimiento mayor de los animales de Asia y África, y muchos habían sido llevados a Europa, seguía siendo más fácil conocer a los animales mediante descripciones o ilustraciones.

Rinoceronte de Durero (1515), Museo Británico, Londres.

Con el nombre del “Rinoceronte de Durero” se conoce al grabado que realizó el pintor alemán Alberto Durero en 1515. Esta obra pictórica tuvo como referente a Ganda, el primer rinoceronte vivo visto en Europa desde la época romana. El rinoceronte era considerado en Europa una criatura legendaria hasta la fecha, lo que provocó que la llegada de este ejemplar de rinoceronte indio (Rhinoceros unicornis) causara un gran revuelo entre los europeos.
El rinoceronte había arribado a Lisboa a principios de ese año, como un obsequio del rey de Portugal Manuel I al Papa León X. Sin embargo nunca llegó a su destino debido al naufragio del barco que lo transportaba en la costa de Liguria, junto a Porto Venere en 1516. Durero nunca vio al rinoceronte real que inspiró su obra, por lo que se basó en un conciso boceto y una descripción provista por un artista desconocido.

El grabado del rinoceronte fue tan impactante, que durante mucho tiempo se reprodujo como una imagen fiel y se consideró el modelo irrebatible de todos los rinocerontes.

Copia que realizó Aldobrandi

Se copió e imprimió en grabados, en bronce, en mármol, en puertas y porcelana, y hasta finales del siglo XVIII siguió percibiéndose como una imagen realista.

La Ardilla, atribuida al artista, que parece haber pintado gozándose en la gracia del roedor, ocupadísimo en devorar sus avellanas.

En el escarabajo, donde encontramos algo más. El escarabajo no oculta su toque gótico, el insecto muestra la mano imaginativa que lo inmortalizó,

En el mencionado dibujo de la Virgen, rodeada de numerosos animales y en la adoración de los Reyes Magos de 1504, colocó dicho insecto, en tamaño bien visible, precisamente en primer término.

Alberto Durero Mochuelo, 1508
Aguada de color con realces de albayalde, pincel y pluma.Viena, Albertina

Alberto Durero León, 1521 Pluma y acuarela. Viena, Albertina

Durero tomó apuntes y bocetos de todos aquellos objetos maravillosos con los que se encontró, para luego añadirlos a sus composiciones. Entre los objetos extraños podemos contar con el león, fiera que se importaba de África o Mesopotamia. La noticia de la existencia de algún animal foráneo movilizaba a pintores y grabadores que se desplazaban kilómetros para poder copiarlo.

Cigüeña, 1517 Pluma.Bruselas, Musée d´Ixelles

El más famoso de todos los dibujos de animales es el estupendo de La liebre, que se guarda hoy en Viena. El tímido animal está echado, las orejas enhiestas y olfateando. Durero, al pintarlo, quiso hacer alarde de su maestría en el manejo del pincel fino al tratar la pintura de detalle

.Liebre 1528

El abejaruco muerto. Pintura a la aguada sobre pergamino.

Es verdaderamente maravillosa esa pasión con que Durero ejecuta estos estudios de animales, subrayándolo todo con la misma intensidad y no dejando detalle alguno por concluir, cmo queda demostrado en la etecución de este ala

En 1496 crea «El Hijo Pródigo», alabado décadas después por el historiador del arte Giorgio Vasari por su calidad germánica.

«El hijo pródigo» detalle de los jabalìes

San Eustaquio 1501

Detalle de los perros de San Eustaquio

Pronto produciría otras espectaculares y originales imágenes como Némesis (1502), El Monstruo Marino (1498) y San Eustaquio (c.1501), con un detalladísimo paisaje de fondo y animales.

San Jerónimo en su scriptorium

San Jerónimo un interesante análisis sobre el curioso rostro antropomorfo del león en éste grabado. (Todo pintor se pinta a sí mismo), proponen que en realidad en la cara del león estaría la representación de la del propio artista.

Autorretrato (1500), Pinacoteca Antigua de Múnich.

Tambien se aprecia su fisonomía, en este otro león que figura en otra obra que representa a San Jerónimo


Murciélagos

Perro

Cabeza de ciervo

Y para finalizar una selección de perritos presentes en los grabados del Maestro en sus series de «La Pasión». Pertenecen a éstos:

1.- «Christ before Pontius Pilate (Cristo ante Poncio Pilatos)», La Pasión pequeña, 1511
2.- «The Bearing of the Cross (Cristo cargando con la cruz)», La Pasión grande, 1498-99
3.- «The Flagelation (La flagelación)», La Pasión grande, 1498-99
4.- «Christ before Caiaphas (Cristo ante Caifás), La Pasión pequeña, 1511

Morsa
La fascinación de Durero por los animales era tal, que cerca del fin de su vida escuchó que en algún lugar de la costa de los Países Bajos había una ballena encallada y decidió embarcarse para ir a verla. En el viaje contrajo una malaria de la que nunca se recuperó y que lo llevó a su muerte, el 6 de abril de 1528

FUENTES:

http://mafa-elanimalinvisible.blogspot.com.es/p/albrecht-durer-durero-animales-en.html

http://www.elcopoylarueca.com/los-estudios-plantas-animales-alberto-durero-manuel-gutierrez-
marin-francisco-perez-dolz-texto-integro/

https://es.wikipedia.org/wiki/Alberto_Durero#Obras

https://www.wikiart.org/es/alberto-durero

http://www2.museothyssen.org/microsites/exposiciones/2007/Durero_Cranach/museo/museo7.html

http://olga-totumrevolutum.blogspot.com.es/2011/10/durero-el-mayor-artista-aleman-del.html

http://www.artehistoria.com/v2/obras/3905.htm

Dos monasterios para dos monarcas: Yuste y el Escorial

Y estos monarcas son, dos de los mas poderosos de la Europa  del S.XVI; se trata de un padre y un hijo : Carlos y Felipe , muy distintos en sus gustos , su gobierno de la nación y sus trayectorias, pero muy semejantes en el derrotero que siguieron los finales de sus vidas, con penosas enfermedades, quizá condicionadas por sus hábitos y su genética, y sobre todo donde acontecieron sus muertes: dos monasterios, muy distintos entre si pero con unas cualidades artísticas  e históricas. dignas de relatarse

El Emperador Carlos V con su hijo el futuro Felipe II.

Siempre se confrontó abiertamente los perfiles de padre e hijo: «la vivacidad española de Carlos siendo flamenco, la calma flamenca de Felipe siendo español, la movilidad infatigable de aquel, la inalterable quietud de este, el genio expansivo del padre, la fría reserva del hijo»
. Pero la operación de aislamiento de Felipe II en el infierno de la memoria histórica, con un Carlos V preservado en un limbo —cuando no, paraíso— singular, vendrá, sobre todo, de la literatura, más que de la historia.

MONASTERIO DE YUSTE Y CARLOS I

El monasterio de Yuste (Cuacos de Yuste, La Vera, Cáceres) es un monasterio y casa palacio en el que se alojó y murió Carlos I de España y V del Sacro Imperio Romano Germánico tras su abdicación.

Se encuentra cerca de la población de Cuacos de Yuste, en la comarca de La Vera, al noreste de la provincia de Cáceres,

Cuacos de Yuste   plaza con la fuente de los cuatro caños.

Don Juan de Austria  hijo natural del emperador y de una dama de su corte: Bárbara Blomberg;

Poco antes de morir, Carlos I redactó un codicilo, fechado el 6 de junio de 1554, en el que reconocía: «por quanto estando yo en Alemania, después que embiudé, huve un hijo natural de una muger soltera, el que se llama Gerónimo». Ya en el Monasterio de Yuste, el rey ordenó a don Luis de Quijada que el niño fuese a vivir  a la aldea de Cuacos de Yuste.
El emperador reconoció de manera oficial a Don Juan de Austria como hijo tras su fallecimiento en 1558 en el testamento, donde recogía que su hijo Jerónimo pasaba a llamarse Juan,

Carlos V Nació en Gante el 24 de febrero de 1500 y este es el primer retrato conocido del nieto de los Reyes Católicos con armadura, y posiblemente una de las primeras representaciones de un niño armado
La política matrimonial de sus abuelos, la muerte de su padre Felipe el Hermoso, la desaparición prematura de presuntos herederos y la incapacidad de su madre Juana,le procuraron una temprana labor de regencia en la dirección de las labores gubernativas desde 1543. Las enfermedades del más poderoso monarca de la cristiandad motivaron su abdicación en Felipele procuraron una temprana labor de regencia en la dirección de las labores gubernativas desde 1543 

 Barend van Orley. Retrato de Carlos V.

Carlos I de España sufría de una enfermedad genética que producía una amplia o prominente mandíbula inferior, (prognatismo) fue una deformidad que se puso mucho peor en las generaciones posteriores de los Habsburgo, dando origen al término mandíbula de Habsburgo . Esta deformidad fue causada por varios años de endogamia en la línea familiar de los Habsburgo, práctica muy común en las familias reales de la época 
Esta peculiaridad de su anatomia, condicionó que su alimentación se realizara con mucha dificultad al no poder masticar adecuadamente.


Tiziano hizo tres retratos a Carlos V. Este es el primero, realizado hacia 1532. En esta fecha, Carlos llevaba más de diez años como rey de España y tres como Emperador de Alemania.

Del mismo año, 1548, es el tercer retrato que Tiziano hizo del Emperador, conservado en la Die Pinakotheken im Kunstareal München. Pero aquí vemos otro Carlos V, parece preparado para dejar el poder. Trasmite a la perfección el fin de su época.
Vestido de negro, con alzacuellos, abrigo y guantes, protegiéndose del frío del monasterio,Alineada con su pierna izquierda, vemos una especie de vara que dista mucho de ser una espada; es un bastón que le ayuda a mover su cansado cuerpo.

Carlos V y la emperatriz Isabel, por Rubens (copia de Tiziano, Palacio de Liria Madrid)
Imborrable fue la huella que dejó este amor en Carlos, y el dolor por su temprana muerte que arrastró el resto de su vida. Según los cronistas de la época, mucho tuvo que ver esta pérdida en el abandono progresivo de sus ansias de gloria y en la decisión de su abdicación.

Monasterio de Yuste
El convento actual se reconstruyó sobre las ruinas del viejo monasterio que sirvió de residencia al emperador en los dos últimos años de su vida

Carlos V en Yuste, por Eugène Delacroix (Museo Delacroix, París).

Cuentan que el 1 de mayo de 1539, cuando murió la emperatriz Isabel, con apenas treinta y seis años, no había forma de separar de su cuerpo a su viudo Carlos V, y que este cayó en tal depresión que tuvo que retirarse al monasterio jerónimo de La Sisla  (Toledo) donde  tanto Carlos I como Felipe II se plantearon seriamente construir aquí su gran palacio de retiro, pues el emperador ya solía pasar mucho tiempo con sus monjes antes de retirarse al monasterio de Yuste  El emperador nunca volvió a casarse, ni superó su muerte
El delicado estado de salud del Emperador, tanto físico como anímico, y las fuertes depresiones que padecía, vestigios quizás de la enfermedad de su madre, Juana I de Castilla (Juana la Loca) hicieron que Carlos V se planteara el traspaso de poderes a su hijo Felipe y su retirada discreta a un lugar de descanso. El 22 de febrero de 1557 se traslada finalmente al Monasterio de Yuste.

Por esta razón tuvieron que realizarse numerosas obras para ampliar las escasas dependencias con las que el monasterio contaba en ese momento y que eran insuficientes para albergar al emperador y a las 60 o 70 personas con las que contaba su séquito personal.

Acceso al convento
Tenia  dos partes claramente diferenciadas: por un lado, el convento y, por otro, la residencia del emperador.

Fachada de la iglesia
El convento, a su vez, lo forman la iglesia, ubicada en el centro y dos claustros, uno gótico y el llamado claustro nuevo. La iglesia y el claustro gótico pertenecen al siglo XV, mientras que las demás construcciones son del siglo XVI.

La planta de la iglesia es de una sola nave y de cabecera poligonal. El templo se comunica con el claustro gótico

Claustro renacentista

Claustro renacentista

Claustro renacentista

Claustro gótico con la fuente central

Claustro gótico detalle de la fuente

Claustro gótico arco de acceso al centro

Claustro gótico crujía sur

Refectorio del Monasterio

Vista de las arcadas del palacio con el estanque diseñado por Pietro Torrigiani. al fondo

Se sabe que Carlos V falleció de paludismo (malaria) causado por la picadura de un mosquito proveniente de las aguas estancadas de uno de los estanques construidos por el experto en relojes e ingeniero hidrográfico Torrigiani.

La vivienda de Carlos I de España, se trata de una edificación sencilla, en la que predomina el ladrillo, la mampostería y la sillería como materiales más utilizados, sin apenas elementos decorativos.

Carlos V en Yuste de Georg Bergmann
Las habitaciones del emperador estaban ubicadas junto al coro de la iglesia, de modo que le permitían asistir a los oficios religiosos desde su propio dormitorio, sentado en su litera, donde permanecía postrado debido a la grave afección de gota que le aquejaba.

En el ala de la izquierda se encuentran la antecámara y la alcoba de Carlos I, estancia que se comunica con la iglesia. A la derecha se sitúan dos estancias más, con sendos miradores que dan a la huerta que completa el conjunto. En la foto se puede ver el sillón articulado donde el Emperador se solía sentar acomodando sus doloridas piernas.

Alcoba de Carlos V

En el cuadro aparece Carlos V, con toda la familia y servidores antes de recluirse en Yuste.
Se trataba de una de sus pantagruélicas comidas, que por supuesto influyeron, sobre todo, en una de sus patologias la gota, tal y como describió el doctor Matisio:
“Salvo manifiesto empeoramiento de su salud, no perdona el cordero asado; el buey o la ternera, al horno, hervidos o cocidos; conejos y capones al horno; liebres, perdices, truchas, pescado fresco, si lo hubiere. Toda clase de repostería, dulces, compotas, mermeladas, barquillos, y en su temporada, los melones, que él mismo siembra en su jardín de Yuste, y hasta defiende entre sus criados, porque considera que es mejor un ruin melón que un buen pepino”.

Momia de Carlos V en El Escorial, dibujo de una fotografía de Laurent y Minier

En el verano de 1558, comienza de forma brusca con episodios de fiebre alta, sudoración, pérdida de su voraz apetito y decaimiento extremo, postrándolo en cama, con la boca entreabierta y con abundantes secreciones respiratorias que era incapaz de expectorar. En esta agonía pasó el monarca un mes. Pese al tratamiento con sangrías y purgantes, su salud empeoró progresivamente hasta su fallecimiento el 21 de septiembre de 1558, a los 58 años de edad,  en la que fue su última morada.

«La Gloria» de Tiziano

Carlos V encargó a Tiziano La Gloria, finalizada en octubre de 1554, cuando fue enviada a Bruselas. La inusual composición, que debió atenerse a precisas instrucciones del emperador
Está presidida por la Trinidad, a cuya derecha figuran los dos intercesores por excelencia: la Virgen y tras ella San Juan Bautista  la Virgen sobre los demás personajes se manifiesta compositivamente y cromáticamente, al ser la única figura que camina hacia la Trinidad personajes del Antiguo Testamento como Adán y Eva, Noé, Moisés, David o Ezequiel,
Angeles con palmas acompañan a miembros de la familia imperial envueltos en sudarios, descalzos y en actitud suplicante: Carlos con la corona imperial junto a su fallecida esposa Isabel, y atrás y ligeramente más abajo, su hijo Felipe, Juana su madre  y sus hermanas Leonor y María. En un nivel inferior aparecen dos ancianos barbados identificados con Pietro Aretino y el propio Tiziano de perfil.
De espaldas, vestida de verde, se encuentra una figura que ha sido identificada con María Magdalena, o bien con la sibila Eritrea (quien profetizaba sobre el Juicio Final)
Las diminutas figuras a la izquierda son peregrinos sorprendidos ante el grandioso espectáculo que tiene lugar en sus cabezas.
Tras ser retornada del altar mayor de Yuste, fué llevada al Escorial y en la actualidad se encuentra en el Prado
El significado de la pintura es confuso. El óleo está basado en la imagen de la Ciudad de Dios de Agustín de Hipona, Aretino, Vasari y el inventario de Carlos V aluden a La Trinidad, pero en el codicilo del testamento del emperador se denomina Juicio Final. Sigüenza le da este último título al narrar la muerte de Carlos V en Yuste, y La Gloria al referir su traslado al Escorial. Carlos pidió contemplarla antes de morir, lo que explicaría su designación como Juicio Final pese a no serlo.

Fue enterrado en la iglesia para, con posterioridad, ser trasladados sus restos al panteón real del Monasterio de El Escorial, por expreso deseo de su hijo Felipe II.

Estatuas orantes de Carlos V y su familia  Autor: Pompeo Leoni  1585   Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

MONASTERIO DE SAN LORENZO DE EL ESCORIAL Y FELIPE II

El Monasterio de San Lorenzo de El Escorial es un complejo que incluye un palacio real, una basílica, un panteón, una biblioteca y un monasterio fué mandado construir por el rey Felipe II entre 1563 y 1584.

No me quiero extender en la descripción de este grandioso monasterio que ya hice en otro artículo publicado anteriormente, y del que os pongo su enlace:

http://baulitoadelrte.blogspot.com.es/2016/09/el-real-monasterio-de-san-lorenzo-de-el.html

Solo veremos la zona del palacio de los Austrias, donde Felipe residió en los últimos dias de su vida, tras sufrir graves enfermedades

Vista de la antesala con los accesos a su alcoba y escritorio

Otra zona del palacio que accede al dormitori de su hija

 El humilde despacho del monarca

Para mas información sobre el Monasterio y su pinacoteca, os remito a mi blog:

El Real Monasterio de San Lorenzo de El Escorial

La familia de Felipe II por Pompeio Leoni Monasterio de El Escorial.
El grupo orante de la Familia Real, encabezado por Felipe II, vestido de armadura y manto, acompañado por su cuarta esposa y madre del heredero, Ana de Austria. Sigue por detrás Isabel de Valois, su tercera esposa, el príncipe Carlos y su madre, primera esposa del Rey, María Manuela de Portugal.

 Felipe II por Tiziano

Felipe de su abuelo Maximiliano heredó los territorios centroeuropeos de Austria y los derechos al Imperio, de su abuela María de Borgoña los Países Bajos, de Fernando el Católico los reinos de la Corona de Aragón, además de Sicilia y Nápoles, y de su abuela Isabel I la Corona de Castilla, Canarias y todo el Nuevo Mundo descubierto y por descubrir. 

Retrato de la emperatriz Isabel de Portugal por Tiziano (1548), Museo del Prado, Madrid, España.
Isabel, madre de Felipe influyó en gran medida, en el perfil psicológico de su hijo:
A la Emperatriz Isabel le entraba pánico cada vez que alguno de sus hijos contraía la menor enfermedad, pues ya había perdido a varios niños, y mantuvo un estricto control sobre el pequeño. No obstante, cuando murió la Emperatriz, el ayo Juan de Zúñiga mantuvo el duro régimen donde quedaba estipulado hasta el más mínimo detalle de lo que podía hacer o no el Príncipe.

La personalidad obsesiva se desarrolla a veces, a causa de una educación muy severa que crea mentes inseguras y temerosas. Este fue el caso de la educación de Felipe II, quien era el único heredero varón al trono y fue objeto de muchas presiones. 

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«El juego del ajedrez» al que era aficionado
Su detallismo era tan meticuloso que le conducía a incurrir en la prolijidad, o sea en la confusión de los esencial con lo accesorio. «Felipe II se sentía feliz realizando el trabajo administrativo y encargándose de mantener la copiosa correspondencia, encerrado en su gabinete de trabajo, rodeado de montones de papeles, documentos y memoriales, y entregándose al cuidado de todos los pormenores», explica el psiquiatra Francisco Alonso-Fernández en su libro «Historia personal de los Austrias españoles». Otra rasgo derivado de esta personalidad era su celo excesivo por la higiene personal.

Jehan Lhermite, gentilhombre de la Corte, observó que Felipe II «era por naturaleza el hombre más limpio, aseado, cuidadoso para con su persona que jamás ha habido en la tierra, y lo era en tal extremo que no podía tolerar una sola pequeña mancha en la pared o en el techo de sus habitaciones».

Resultado de imagen de Felipe II por Sofonisba Anguissola, 1565 (Museo del Prado).
Felipe II por Sofonisba Anguissola, 1565 (Museo del Prado).

La salud de Felipe II fue durante la mayor parte de su vida muy delicada, sin advertir tampoco dolencias graves hasta los cuarenta años cuando registró asma, artritis, cálculos biliares e incluso fuertes dolores de cabeza, quizá ocasionados por una sífilis congénita.
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 Felipe II: imagen donde aparecen sus cuatro esposas, a las que sobrevivió.

María Manuela de Portugal, madre del príncipe Carlos, de quien murió en el post-parto

María Tudor, hija de Enrique VIII y Catalina

Isabel de Valois, la mas querida. Madre de Isabel Clara Eugenia y Catalina Micaela

Ana de Austria que le dió 4 hijos y una hija
Esta serie de muertes de sus allegados y no digamos de las infantiles, frecuentes en la época, colaboraron en que se fuera volviendo cada vez mas taciturno e introvertido, por no hablar del problema que le supuso la relación con el Príncipe Carlos , que sería otra historia a contar.

Don Carlos (1545-1568) fue el primogénito del primer matrimonio del entonces príncipe Felipe (II) con su prima María Manuela de Avis, que murió en el sobreparto.
Parte de la Leyenda Negra, estuvo relacionada con el príncipe  don Carlos, cuya historia,  arrastrada desde el Barroco, encontrará en Schiller la culminación de su travesía literaria y el efecto Schiller será demoledor en el siglo xix para Felipe II. Verdi solo le pondría el epitafio musical. y la Inquisición tendría en la novela gótica su principal plataforma de exhibición de horrores que sensibilizarían a la opinión pública que acabaría vinculando a Felipe II y la Inquisición como si fuera aquel el creador del Santo Oficio.

LA MEDICINA EN ÉPOCA DE FELIPE II
En la época de Felipe II durante  el  siglo XVI, un interés renovado en las artes y ciencias de Europa occidental, conocido como el Renacimiento, trajo grandes avances de la medicina
.Los médicos y cirujanos que leyeron los textos médicos griegos y romanos redescubiertos,  adoptaron sus enseñanzas. Los drásticos tratamientos medievales dejaron paso a la idea de que los médicos debían causar el mínimo daño posible y fomentar los procesos de curación naturales.

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 Varias plagas asolaron la población europea hasta el final de la Edad Media y bien entrado el Renacimiento: la peste, la lepra o la tuberculosis son los ejemplos más conocidos, pero hubo muchas otras epidemias: sífilis, sarna, carbunco, tifus… Durante la epidemia de peste de 1656, en Roma, los médicos creían que esta vestimenta protegía del contagio: un mantel encerado, máscara y guantes. En el pico se colocaban sustancias aromáticas.

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La figura de Leonardo da Vinci (1452-1519) fue crucial en el desarrollo de la cultura occidental, siendo reconocido como el padre del alto Renacimiento. Sus estudios anatómicos recogidos en el «Manuscrito Anatómico A» (1510-1511) se centran en la osteología y la miología
Leonardo realizó sus investigaciones anatómicas en el Hospital del Espíritu Santo de Roma, pero se vio obligado a renunciar a sus estudios cuando en 1515, fue acusado de prácticas sacrílegas y el Papa León X le prohibió la entrada en el Hospital

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En sus láminas se plasman los intentos de comprender el funcionamiento humano. Además del aporte científico, las láminas resultantes de los estudios de Leonardo contienen algunos de los dibujos anatómicos más brillantes jamas creados

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Se considera a Ambrosio Paré (1510-1590) como la principal figura quirúrgica del siglo XVI, así como el padre de la cirugía francesa . Nació en Bourg Herent (Francia). Comenzó como aprendiz de un barbero-cirujano de París; después trabajó durante cuatro años en el Hospital Dieu de París. Paré fue el primero en describir una fractura abierta tratada con éxito sin amputación

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Paracelso (1493-1541) nació en Einsielden (Suiza)Su principal obra fue «Opera Omnia Médico-Chemico-Chiriugica», aunque también escribió un tratado de cirugía «Magna Chirurgia» en el que se recogen sus criterios quirúrgico-traumatológicos más importantes. Paracelso optó por intervenir lo menos posible a la hora de solucionar heridas, fracturas y luxaciones, dejando al tiempo y a la naturaleza ejercer su acción
Paracelso se demostró como un adelantado a su tiempo; se le considera un precursor de la farmacología

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Farmacia del Monasterio de Silos:

En el siglo XVI se aumentó el arsenal de medicamentos, oriundos la mayor parte de los reinos vegetal y animal, con muchas drogas procedentes del reino mineral, entre ellas las derivadas del mercurio, antimonio, arsénico, zinc, cobre, potasa, sosa y hierro, merced a la revolución operada por Paracelso en las ciencias de curar.
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Andrea Vesalio

El notable éxito le llevó a la corte del Emperador Carlos V, que le nombró medico imperial en 1544, dejando su puesto en la universidad de Padua donde era profesor de anatomía desde 1537. Tras la abdicación del Emperador, continuó como médico de la corte con Felipe II.
Sin embargo tras diseccionar a un noble español que tenía a su cargo y que había fallecido, fue denunciado por la familia del difunto ante la Santa Inquisión que lo condenó a morir en la hoguera. Fue el rey Felipe II quién intercedió y cambio la pena por una peregrinación a tierra santa. Lamentablemente fallecería en su viaje de regreso.
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El nombre de Andrés Vesalio va unido a la anatomía humana. Fue toda una revolución con su libro “De Humanis Corporis Fabrica” donde mostraba en sus 7 libros con todo detalle toda la descripción del cuerpo humano, usando cadáveres de asesinos para sus disecciones. Esto provocó un fuerte debate en la época sobre todo con los partidarios de Galeno, el ilustre médico griego. 
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Francisco Vallés (1524-1592), médico personal de Felipe II.Francisco Vallés también conocido como Divino Vallés (Covarrubias, Burgos, 4 de octubre de 1524 – Burgos, 20 de septiembre de 1592) es el mayor exponente español de la medicina renacentista. Considerado el creador de la anatomía patológica moderna. Médico de Cámara de Felipe II,
Estudió en diversas ciudades europeas, lo que le hizo entrar en contacto con Andrea Vesalio, al cual sucederá en 1572 como médico personal de Felipe II, nombrándole «Médico de Cámara y Protomédico General de los Reinos y Señoríos de Castilla» el cargo médico más elevado de España, alcanzado gran prestigio profesional y reconocimiento como intelectual. Estableció el examen del «Protomedicato», que debían realizar en Madrid todos los licenciados en medicina para poder ejercer, como control de la formación recibida en las diferentes universidades de España. Fue este rey el que le calificó de «Divino», al curarle de una crisis gotosa.
Ejerció la mayor parte de su vida en Alcalá de Henares, donde enseñó medicina, fue el primero que en Alcalá impartió clases prácticas con cadáveres por lo que se le considera el creador de la anatomía patológica.

EL OCASO DEL MONARCA
 
Resultado de imagen de Pantoja de la Cruz. Felipe II.

Pantoja de la Cruz. Felipe II. 1590. San Lorenzo de El Escorial.

La pérdida de ánimo de Felipe II a una edad tan avanzada, 70 años, originó pronto graves problemas físicos y el que su cuerpo se llenara de úlceras por la falta de movilidad.
Advirtiendo su final, el Rey decidió trasladarse en el verano de 1598 a su construcción más querida, el Monasterio de El Escorial, para poder morir allí. 
Resultado de imagen de Alcoba del Rey en El escorial. Felipe II.

 Alcoba del Rey en El escorial.
De una personalidad obsesivo compulsiva, que, entre otras rarezas, le convertía en un hombre enfermizamente minucioso con su higiene personal, Felipe II sufrió una lenta agonía que duró 53 días y le dejó postrado en la cama sin poder cuidar su aseo.

Resultado de imagen de Alcoba del Rey en El escorial. Felipe II. 
Habitaciones de Felipe II
La interminable lista de afecciones registradas por el Monarca justifica de sobra su ocaso físico sin necesidad de recurrir a los piojos. «No lo puedo soportar de ninguna de las maneras del mundo», clamó el Monarca cuando el dolor de las llagas se hizo insoportable y no le permitía moverse ni un centímetro sin gritar de tormento


De una personalidad obsesivo compulsiva, que, entre otras rarezas, le convertía en un hombre enfermizamente minucioso con su higiene personal, Felipe II sufrió una lenta agonía que duró 53 días y le dejó postrado en la cama sin poder cuidar su aseo.
 



Resultado de imagen de panteon reyes El escorial. Felipe II.
Panteón de los Reyes en la cripta de El Escorial donde entre otros, estan enterrados Carlos V y Felipe II 
 Tras la muerte del Monarca más poderoso de su tiempo a los 71 años, el cronista Sepúlveda cuenta que Felipe II dejó escrito que se fabricara un ataúd con los restos de la quilla de un barco desguazado, cuya madera era incorrupta, y pidió que le enterrasen en una caja de cinc que «se construyera bien apretada para evitar todo mal olor».

 Monasterio de El Escorial vista de presbiterio con los dos conjuntos de estatuas orantes de las familias de Carlos V y Felipe II realizadas por Pompeyo Leoni

FUENTES

http://www.nuevatribuna.es/articulo/historia/felipe-ii-verdades-y-mentiras/20151107193413122113.html

http://www.abc.es/espana/20140920/abci-emperador-mundo-eligio-cuacos-201409181345.html


http://rutacultural.com/retratos-carlos-v/


https://historiadelacienciarenacentista.wordpress.com/2011/11/09/medicina-en-el-renacimiento/


Bibliografía:

 «Enfermedades de los Reyes de España :Los Austrias» de Pedro Gargantilla. Edit.La Esfera de los Libros

HARRISON. PRINCIPIOS DE MEDICINA INTERNA, 2 VOLUMENES (19ª ED) VV.AA. 

 

Los sentimientos de las estatuas

El sentimiento se refiere tanto a un estado de ánimo como también a la emoción  que determina ese estado de ánimo. Es por tanto, » el estado del sujeto caracterizado por la impresión afectiva que le causa determinada persona, animal, cosa, recuerdo o situación en general».
El sentimiento es el resultado de las emociones. Esta respuesta está mediada por neurotransmisores como la dopamina, la noradrenalina y la serotonina. Forma parte de la dinámica cerebral del ser humano y de los demás animales, capacitándoles para reaccionar a los eventos de la vida diaria.
La escultura es una de las Bellas Artes en la cual el escultor se expresa creando volúmenes y conformando espacios. En la escultura se incluyen todas las artes de talla y cincel, junto con las de fundición y moldeado.
Los egipcios, creían que para que el faraón viviera después de su muerte, necesitaba una imagen con su representación para favorecer la pervivéncia del alma. De la misma manera, se utilizaban símbolos con un fuerte sentido en la estructura y la claridad del mensaje que se quería transmitir. Pero en civilizaciones y siglos posteriores, la función que cumplía la escultura exenta o formando parte de la arquitectura, fué variando y muchas de ellas no se limitaban a representar una imagen humana, animal o fantástica sin mas, sino que se las fué dotando «de vida» merced a que reflejaban los sentimientos en un momento determinado, dependiendo de la circunstancia representada. Pasando por diversas fases, la escultura alcanzó en el barroco su máxima expresividad. 
A continuación expongo algunas de ellas, la mayoría conocidas, con mi interpretación personal y probablemente equivocada, de la emoción que podía representar cada una. (Cada uno de vosotros vais a percibir, probablemente, otros sentimientos ante ellas, es normal, la percepción es muy subjetiva) 

LA PIEDAD: ACEPTACIÓN
Basílica de San Pedro del Vaticano
La Piedad del Vaticano, grupo escultórico realizado por Miguel Ängel Buonarroti entre 1498 y 1499 que se encuentra en la basílica de San Pedro del Vaticano. Se trata, por tanto, de una escultura del Renacimiento italiano, concretamente realizada a caballo entre el final del Quatrocentto y comienzos del Cincuententto.
El escultor opta por representar el tema de la Virgen con Cristo muerto sin recurrir al dramatismo extremo con el que se había tratado el tema en el gótico final; sino que, por el contrario, todo en la obra respira aceptación ante el destino redentor de Cristo. El rostro de María de belleza inigualable no se deforma con expresiones de llanto o dolor sino que muestra un dolor comedido mostrando a la Humanidad el cuerpo muerto de su Hijo. María muestra un rostro ovalado, bello y joven; demasiado joven le criticaron a a Miguel Ángel, pero con el que el autor dijo que quería representar la virginidad eterna de María. odo en ella transmite sosiego, reposo y aceptación por parte de la Madre del destino redentor del Hijo entregado a la Humanidad en ese gesto del brazo izquierdo
LA DAMA DE ELCHE SERENIDAD
MAN (MADRID)
Es una escultura íbera en piedra caliza, que se data entre los siglos V y IV a. C. La pieza se encontró cerca de Elche, donde existe un montículo que los árabes llamaron Alcudia (‘montículo’) y que en la antigüedad estaba casi rodeado por un río. Se sabe que fue un asentamiento íbero denominado Helike (en griego) y que los romanos llamaron Colonia Iulia Illici Augusta. La influencia fenicia y de Tartessos aparece claramente en el tema o las joyas mientras que lo griego es visible en la técnica escultórica utilizada y las características de la figura, similares a la escultura griega de finales de S. VI a. C. en la que todavía se observan rasgos arcaicos pero con cierta búsqueda de la serenidad y la belleza idealizada. Sin embargo, el escultor no se limitó a copiar, sino que interpretó los modelos orientales con gran originalidad.
EL ESCRIBA SENTADO : ATENCIÓN
Museo del Louvre (París)
la escultura que representa a un escriba sentado y se encuentra expuesto en el museo del Louvre (París) de donde recibe el nombre. De autor desconocido, esta obra, encontrada en el siglo XIX en la necrópolis de Saqqara, se fecha durante la V Dinastía (aprox. 2.500 a.C) siendo por lo tanto una obra reprsentativa del arte egipcio del Imperio Antiguo. Dicha obra muestra la dignidad del personaje en el desempeño de sus funciones visible no sólo en la representación de sus instrumentos de escriba, cálamo y papiro, sino en la mirada atenta y concentrada hacia un invisible personaje que dicta las instrucciones y ocuparía el lugar del espectador. Toda la atención se centra por un lado en la mirada del personaje, intensificada por el recurso del uso de cristal para los ojos, y por otro en la acción de escribir propia del oficio del personaje representado.
 
NEFERTITI: SEGURIDAD
Neues Museum (Museo Nuevo) Berlín
Es una de las obras maestras del arte egipcio, elaborado por el Escultor Real Tutmose o Dyehutymose (1330 a. C.), artesano y maestro escultor durante el reinado de Akenatón, y que tenía un taller de escultura en la ciudad de Aketatón en la época del Imperio Nuevo de Egipto, concretamente durante la Dinastía XVIII de Egipto.
Su belleza fue legendaria, pero tras su imagen sublime parece que su papel político y religioso en el desarrollo deL «Cisma de Amarna», durante el reinado de que revolucionó por completo la sociedad y la cultura egipcias.fue fundamental.Akenatón es célebre por haber impulsado transformaciones radicales en la sociedad egipcia, al convertir al dios Atón en la única deidad del culto oficial del Estado, en perjuicio del, hasta el momento, predominante: el culto a Amón. Es el primer reformador religioso del que se tiene registro histórico. Su reinado no sólo implicó cambios en el ámbito religioso, sino también reformas políticas y artísticas.
GALO MORIBUNDO: AGONÍA
Museos Capitolinos (Roma)
Escultura exenta realizada en mármol en época romana que es una copia de una anterior realizada probablemente en bronce. La obra original formaría parte de un conjunto más numeroso de esculturas pertenecientes al monumento conmemorativo de la victoria del rey Atalo I de Pérgamo sobre los galos en el año 225 tiene la cabeza agachada y de una herida en su costado derecho mana sangre origen del debilitamiento que muestra. Todo en la obra transmite a la vez la sensación de derrota, inmediatez de la muerte y resignación del protagonista ante el fatal e inminente desenlace

ESPINARIO: CONCENTRACIÓN 
Museos Capitolinos Roma  
El Niño de la espina, Spinario o Fedele es una estatua de bronce helenística, datada alrededor del siglo I a. C., que se exhibe en los Museos Capitolinos de Roma. Representa a un muchacho sentado mientras se quita una espina de la planta del pie izquierdo. 
Existen varias versiones posteriores del mismo tema: una estatua de mármol romana que forma parte de la colección Uffizi de Florencia, que fue copiada por Brunelleschi. El muchacho muy atento en su tarea, parece ausente del mundo que le rodea.



HERMAFRODITA DORMIDO: SENSUALIDAD
Museo del Louvre (París)
Copia romana de la época imperial (II siglo a. de C) de un bronce original de Policleto. Intervenida por Gian Lorenzo Bernini y restaurada por David Larique en 1619. Museo del Louvre, París. En el cuerpo hay una ligera torsión. Un torcimiento que se inicia en la cabeza ladeada. Sigue en la línea de la columna, que se hunde en el nacimiento de los glúteos suaves. Y se quiebra en la pierna blandamente flexionada.
Pero entonces el cuerpo no está dormido. Finge. Simula el sueño voluptuoso. Este cuerpo que yace en el mármol desde hace más de mil años es la copia romana de un bronce original del griego Policleto. Unos desprevenidos frailes carmelitas la encontraron, a principios del siglo XVII, entre las ruinas de las termas de Dioclesiano, en Roma. Bernini le agregó el lecho en el que reposa y, dicen, también la pierna izquierda seductoramente alzada




LAOCOONTE Y SUS HIJOS: DOLOR PATERNAL

Museos Vaticanos
A pesar de las diferentes hipótesis que se han barajado, lo más probable es que fuera realizado en el siglo I d. C. para un mecenas romano, por los artistas Agesandro, Polidoro y Atanadoro, de la Escuela de Rodas. Pertenece, por tanto, a la última etapa de la escultura clásica griega, el llamado período helenístico.El grupo representa a Laocoonte, sacerdote troyano de Apolo, en el momento de ser devorado por dos grandes serpientes marinas.
Sus propios sufrimientos parecen afectarle menos que los de sus hijos, que elevan los ojos hacia él implorando su ayuda. La ternura paternal de Laocoonte se manifiesta en sus miradas lánguidas: la compasión parece flotar sobre sus pupilas como un sombrío vapor. Su fisonomía expresa las quejas y no los gritos, sus ojos dirigidos hacia el cielo imploran la ayuda suprema. Su boca respira la postración su abertura no le permite gritar; se trata más bien de un gemido angustioso y acongojado.

 

    
EL PÚGIL EN REPOSO: CANSANCIO
Museo de las Termas o Nacional Romano, (Roma)
El Púgil en reposo o Púgil de las Termas es una escultura de bronce de 1,20 metros de altura. Encontrado en las termas de Constantino, en Roma, actualmente se conserva en el palacio Massimo alle Término, una sección del Museo Nacional Romano. La escultura representa a un púgil sentado sobre una roca (imitación moderna de la original, desaparecida) justo después de un combate, y que gira violentamente la cabeza. Lleva unos guantes formados por unas gruesas tiras de cuero (ἱμάντες/ hymantes ) que rodean los nudillos y dejan libres los dedos; la parte del puño está reforzada. la cara está llena de marcas de los golpes: tiene un corte en la oreja, la nariz rota y toda la cara llena de cicatrices.
EL PROFETA DANIEL: SONRISA
Pórtico de la Gloria. Catedral de Santiago de Compostela S.XII
Es la sonrisa de Daniel, en el Pórtico de la Gloria de la Catedral de Santiago, lugar de Poder donde los haya, una de las más famosas de la Historia del Arte. Una sonrisa que ha cautivado a los visitantes durante siglos y que ha despertado numerosas leyendas populares. Está inspirada directamente en el pasaje de la Biblia en el que Daniel rompe a reír cuando consigue demostrar al Rey Ciro que la estatua de bronce del Dios Baal no es más que un ídolo inerte y que no puede comer las ofrendas que le presentan los babilonios ante el altar

LLANTO SOBRE CRISTO MUERTO: HORROR

Es un trabajo con siete figuras de tamaño natural en terracota con restos de policromía, de la cual no se conoce ni la fecha ( entre 1463 y 1490 ) ni la exacta disposición de cada figura. El dramatismo de algunas de estas piezas es extraordinario, sin par en la cultura italiana del momento, al menos en las obras conocidas, lo cual ha dirigido la atención hacia las fuentes de las que Niccolò habría bebido: seguramente, la escultura de Borgoña, también el Humanismo gótico del otro lado de los Alpes y la novedad dramática del último Donatello.
 

LLANTO SOBRE CRISTO MUERTO:PENA
En Bolonia, en la Iglesia de Santa Maria della Vita, se encuentra un grupo escultórico que llama la atención y destaca por la violenta expresividad y la audacia formal con que se representa el dolor por la muerte de Cristo. Se trata del “Compianto sul Cristo morto” ( Llanto sobre Cristo muerto ), de Niccoló dell’Arca.
(Aportación de Montecarmelo Alvarez)

PERSEO CON LA CABEZA DE MEDUSA: TRIUNFO
Benvenuto Cellini 1554 Piazza della Signoria, Florencia
Está situada en la Loggia dei Lanzi, o Loggia della Signoria (Pórtico de los Lansquenetes, o Pórtico de la Señoría); junto a la plaza florentina. Se trata de una escultura metálica, sobre un pedestal de mármol; que alcanza en total: 5, 19 m. Benvenuto Cellini. superó con ella, los modelos del mundo clásico. Siendo capaz de concentrar en este monumento: una fuerza contenida, una elegancia de la forma y un efectismo; que la hace única en su género conmemorativo. Es mucho más que un homenaje heroico; es sin duda: una glorificación del Arte, como concepto estético de belleza; dentro de la mentalidad renacentista.

MOISÉS: FÚRIA
Miguel Angel Buonarroti, Iglesia de San Pedro ad Víncula, Roma
Moisés sentado con las tablas de los mandamientos abajo del brazo y con su mano tocándose la barba, aparentemente luego de su llegada del monte Sinaí cuando encuentra al pueblo judío adorando al Becerro de Oro y eso lo enoja muchísimo, y así lo vemos, con una expresión de furia en su rostro, a punto de levantarse de su asiento, con los músculos en tensión y las venas hinchadas.
la idea era originalmente que El Moisés estuviera en la tumba del Papa Julio II en San Pedro, pero finalmente se decidió que tumba y Moisés fueran a San Pietro in Víncoli, iglesia favorecida con el mecenazgo de la familia del propio Julio II y donde éste había sido Cardenal antes de ser Papa.El mausoleo proyectado, de grandes dimensiones, quedó inacabado.

DAVID: DETERMINACIÓN

Galería Borghese (Roma)
el «David», escultura en mármol realizada por el artista barroco de origen napolitano y asentado en Roma Gian Lorenzo Bernini entre 1623 y 1624. La Obra fue encargada por el cardenal Scipione Borghese, uno de los primeros mecenas del escultor y cuyo palacio es hoy la galeria Borghese, una de las principales galerías de arte de Roma, en donde se encuentra la escultura. Aquí David no es un joven apolíneo de curvas praxitelianas,(como el de Miguel Angel) ni el joven de proporciones perfectas (como el de Donatello), sino un vulgar pastor que asume el destino que le reserva Dios como líder de su pueblo y que con fe hace uso de toda su fuerza y energía para acabar con el soldado más grande y fiero del ejército filisteo. Toda la obra rebosa dinamismo hasta el punto que parece salirse de su soporte físico, la peana, en un recurso típicamente barroco.
EL RAPTO DE PROSERPINA: RECHAZO
Galería Borghese (Roma)
El Rapto de Proserpina, de Gian Lorenzo Bernini.Representa a Proserpina (Perséfone en la mitología griega) siendo raptada por Plutón (Hades en la mitología griega), soberano de los infiernos.
La escultura fue decomisada por Escipión Borghese (junto con otras esculturas como el David y Apolo y Dafne) para decorar las estancias de la Vila Borghese. La composición crea unidad de una forma excelente entre los movimientos de atracción y repulsión de las figuras.Este último sentimiento por parte de la joven es absolutamente explícito
 

 

ÉXTASIS DE SANTA TERESA: ABANDONO
Iglesia de Iglesia de Santa María de la Victoria (Roma)
el «Éxtasis de Santa Teresa», grupo escultórico realizado en 1656 por el escultor barroco Bernini para la capilla Cornaro en la iglesia de Sta. María de la Victoria de Roma. Bernini, considerado el maestro de la escultura barroca ofrece una imagen momentánea buscando producir en el espectador la intensidad de la emoción religiosa. La sensación de levitación de la santa, los juegos de luces y sombras, la representación de las expresiones y el sentido pictórico del conjunto crean un efecto irreal y hacen de esta obra uno de los mejores ejemplos de escultura barroca.
MAGDALENA PENITENTE: ARREPENTIMIENTO
Museo Nacional Colegio de San Gregorio, Valladolid 1664
Pedro de Mena es especialmente reconocido por sus esculturas de María Magdalena en situación suplicante, que ha sido denominada como Magdalena Penitente.
La Magdalena de Mena es una mujer joven aunque demacrada por la penitencia, con la cara ovalada y que muestra un gran sentimiento con una espiritualidad que refuerza la nariz afilada, la boca pequeña entreabierta y la mirada triste Es una pieza de gran realismo que trasmite profundo valor místico-espiritual que muestra la influencia de la escultura castellana de Gregorio Fernández
RONDA DE AMOR: ALEGRÍA
Mariano Benlliure 1899 (Valencia)
Esta delicada alegoría del año 1899, labrada en mármol, es un ejemplo del virtuosismo técnico de Mariano Benlliure, reflejo de su especial gusto por el tema infantil de niños jugueteando.La ronda de Amor, cuyas medidas son 126 x 60 x 73 cm, con la serena belleza idealizada de la joven y su recatado desnudo, donde la doncella se lleva las manos al rostro en una actitud traviesa, sonriendo ante la danza de los niños de su alrededor, representando, en definitiva, una escena de amor juvenil. Hay otra versión, practicamente idéntica titulada «Canto de amor»que esta en el Museo del Prado.
EL PENSADOR: REFLEXIÓN
1880-1900 Museo Rodín
El pensador es una de las esculturas más famosas de Auguste Rodin. Esta pieza, denominada originalmente El poeta, se concibió a partir de una comisión que el Ministerio de Bellas Artes encargó a Rodin para el futuro Museo de las Artes Decorativas de París. El pensador, en su origen, buscaba representar a Dante en la puerta del infierno
El pensador involucra todo su cuerpo en la acción, sus músculos están tensos procedente de un esfuerzo interior y por la propia estructura compositiva con formas arqueadas y angulosas y diagonales. Así frente a una escultura sedente y una actitud de pensamiento que cabría esperar de calma , nos encontramos con ritmo dinámico y vital que procede del interior cercano al movimiento en potencia de Miguel Ángel. La expresión es reconcentrada, seria ,, no de tranquilidad sino de preocupación. ¿ Cuál será su reflexión?
 

LOS AMANTES DE TERUEL: AMOR TRÁGICO
Juan de Ávalos y Taborda 1911-2006
Esta historia de los amantes de Teruel ha estado siempre presente en la literatura española. Cumple con muchos rasgos del amor trágico. El rol principal no recae en el hombre, sino en la mujer, y el final de la historia supone la muerte de ambos. Esta idea de dos amantes unidos por una pasión tan grande que les lleva a su propia destrucción será un clásico en toda la historia de la literatura, ejemplo de ello es la obra de Shakespeare Romeo y Julieta.
FUENTES:
 http://blogarteehistoria.blogspot.com.es/ (Comentarios y fotos)
 y muchas mas páginas de la web, de las obras presentadas